Universidad Bicentenaria de Aragua Comunicación Social

1. Republica Bolivariana de Venezuela
Ministerio del Poder Popular para la Educación Universitaria
Universidad Bicentenaria de Aragua
Facultad de Ciencias Administrativas y Sociales
Comunicación Social
Núcleo Valle de la Pascua, Estado Guárico
Alumna:
Maria Jose De Armas
Facilitador:
Lesbia Josefina Soler De ÁlvarezNoviembre 2019

2. Papel que ha desempeñado la imagen fotográfica en la vida del
hombre y su función en el ejercicio del periodismo.

3. INTRODUCCIÓN
A continuación, señalaremos historia de la fotografía, cómo se ha desarrollado, sus características, la forma de
cómo evolucionado dicho artefacto, las técnicas de iluminación, la composición fotográfica.
La palabra fotografía es de origen griego. Proviene de photos, que significa luz y graphis que
significa dibujo, escritura. En otras palabras, sería "dibujar o escribir con la luz". Según la Enciclopedia Encarta
2004, la fotografía se define como "procedimiento por el que se consiguen imágenes permanentes sobre
superficies sensibilizadas por medio de la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante."
En cambio, el término cámara deriva de la palabra latina camera que significa habitación o cámara. De acuerdo
con el Diccionario de la Real Academia Española, la cámara fotográfica es un "aparato que sirve para hacer
fotografías, y que consta de un medio óptico, el objetivo, y de un medio mecánico, el obturador."
La fotografía y la cámara están unidas por un vínculo muy fuerte. Pero se diferencian entre sí porque la primera
es arte y la segunda es el aparato que la reproduce. Por otra parte, hay que saber mirar para lograr buenas
fotografías, algo que parece difícil en fotografía, y al mismo tiempo indispensable. Para ello el requisito
fundamental en este arte es aprender a mirar. Esto dependerá de la aceptación o rechazo del público en
general. Por eso, se toma en cuenta normas básicas que sirven como guía, no obstante el fotógrafo puede
tomarlas como referencia y cambiarlas a su manera, de manera que su creatividad no se limite.
Obviamente la luz que desempeña un papel fundamental en fotografía. Sin embargo, hay distintas técnicas que
se pueden llevar a cabo para lograr una mejor iluminación.
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4. INICIOS DE LA
FOTOGRAFÍA
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5. INICIOS DE LA FOTOGRAFÍA
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La fotografía fue inventada durante la década de 1830, pero para que realmente haya sido reconocida en publico su
existencia, pasaron muchos años más para que finalmente se lograra.
Sin embargo, las bases de la fotografía en aquel entonces ya estaban presentes:
- El fotógrafo profesional integraba una imagen en su cámara rudimentaria, sin que la impresión fuera posible todavía.
- Para tratar la foto en postproducción, el fotógrafo usaba un cuarto oscuro, un proceso que aún se usa hoy en día
para la larga exposición, especialmente en la fotografía analógica.
- El cuarto oscuro y su mecanismo, llamado camera obscura en latín, en realidad existía desde el siglo
XIV. Pero…estaba mal visto utilizar este proceso, ya que los grandes pintores de la época pensaron que el desarrollo
de la fotografía acabaría con el noble arte de pintar sobre lienzo.

6. INICIOS DE LA FOTOGRAFÍA
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- ¡La máquina utilizada por el fotógrafo estaba lejos de parecerse a nuestra cámara réflex actual
Esta gran máquina estaba reservada a una élite que quería crear imágenes más precisas que las pinturas. Hoy en día,
encontramos el mismo tipo de proceso en la industria de la animación a través del dibujo en RetroScope (que está
presente en las películas antiguas de Walt Disney, por ejemplo).
La fotografía a través de la camera obscura (o cuarto oscuro) difícilmente pasaba desapercibida. El fotógrafo tenía que
cargar con una especie de caja grande en la que se escondía para tomar una fotografía de su modelo.
Este proceso fue tan mal visto que Giovanni Battista, su inventor, fue arrestado y sentenciado por brujería, ya que la
nobleza no entendía la función de este misterioso cuarto portátil.
En resumen… Era muy difícil ser fotógrafo antes del siglo XIX

7. EVOLUCIÓN DE LA IMAGEN
PICTÓRICA DESDE SU INVENCIÓN Y
LA INFLUENCIA DE LA MISMA EN LA
VIDA DEL HOMBRE.
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8. 8
Las primeras imágenes se encuentran en las pinturas
rupestres, en donde el hombre reflejaba su existencia, en
ellas se encuentran las primeras manifestaciones de plasmar
la imagen, y su interacción con el entorno. La sensación de
realismo lo obtenían por medio del volumen, aprovechando el
abultamiento natural de la roca, con movimiento y policromía,
se cree que estas pinturas cumplían un ritual mágico.
(Función mágica)
En esta zona una sociedad cazadora se especializó en pintar
animales en las paredes de las cavernas con las siguientes
características:
-Animales de gran tamaño y dotados de gran naturalidad.
-Técnica polícroma.
-Volumen dado gracias al aprovechamiento de las
protuberancias de la pared
Entre las múltiples interpretaciones de los signos pintados
destacan las de los franceses Breuil y Leroi-Gourhan.

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Siglos después, el hombre agrupado en sociedad, desarrolla el arte pictórico con representaciones de su forma de
convivencia, sus creencias. Los egipcios pintaban las tumbas de sus faraones con representaciones mitológicas y
escenas de la vida cotidiana, como la caza, la pesca, sus celebraciones.
En el arte Griego se pueden ver los deportes y juegos de la
época y sus temas más recurrentes eran los guerreros, las
luchas y las danzas.
Los romanos decoraban sus villas con frescos de bodegones,
mitos, paisajes, naturaleza muerta, escenas cotidianas y retratos
de la clase imperial. En el siglo V la pintura cristiana adornaba
las iglesias con la idea de contar la vida de Jesucristo, la Virgen
y sus Santos.
A lo largo de la historia se han venido sucediendo diferentes
estilos y métodos artísticos con diferentes finalidades, se
encuentra un nuevo lenguaje, la semántica de la obra de arte y
la pintura trasmite las leyes de la comunicación por medio de
signos y figuras, la expresividad en la línea y el color, según la
época.

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El poder y la influencia de la Iglesia en la Edad media
se extendió al ámbito cultural. Los monasterios, más
allá de su función religiosa, cumplieron un importante
papel cultural, porque sus monjes -los únicos que
sabían leer y escribir- confeccionaban los libros de la
época, escasos y muy valiosos. Fueron ellos quienes
conservaron las obras de la antigüedad clásica y
traducían del griego o romano al latín los manuscritos
y los textos que eran empleados en los oficios
religiosos. El clero también estaba a cargo de la
educación, enseñando lectura, escritura, doctrina
cristiana y canto.
Durante los largos siglos de la Edad Media, la mayor
parte de la población era analfabeta, y se imparte
doctrina religiosa a través de la pintura, la escultura,
los retablos, la orfebrería, las catedrales y toda la
imaginería sacra. Sin embargo, aunque el cristianismo
admite la imagen, son continuos los enfrentamientos
entre los valedores de las imágenes y los
espiritualistas defensores de la escritura que prefieren
una fe "más racional" y menos apegada a los sentidos,
como único vehículo de comunicación con Dios.

11. “Alfred Eisenstaedt.
“Lo más importante no es la
cámara, sino el ojo”.
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12. DEL SIGLO XX A LA ACTUALIDAD: LA APARICIÓN DE
LA FOTOGRAFÍA DIGITAL
Hoy en día, todo el mundo usa una cámara. Pero
¿realmente sabes de dónde viene la fotografía
digital?
Durante los años 50 y 60, hubo un avance en la
investigación de la fotografía digital, gracias al
trabajo de George Smith y William Boyle, pero
todavía estábamos lejos de la calidad fotográfica
que se utiliza hoy en día: en ese momento, las
fotos solo tenían 100 píxeles, frente a los más de
14 megapíxeles del siglo XXI.
Foto en blanco y negro, foto en sepia o foto en
color… Los fotógrafos finalmente podían crear
su propia estética gracias a los filtros digitales
desarrollados por los laboratorios de
investigación Bell.
Grandes fotógrafos del siglo XX:
• Robert Capa,
• Ansel Adams,
• Philippe Halsman,
• Eugene Smith,
• Dorothea Lange,
• George Hurrell,
• Robert Frank,
• Steve McCurry,
• Garry Winogrand,
• Richard Avedon, etc.
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13. APORTES DE LA FOTOGRAFÍA A LA HUMANIDAD Y A
OTROS CAMPOS DEL CONOCIMIENTO HUMANO.
Entre los aportes que ha hecho la tecnología a la fotografía podemos encontrar, quizás la más importante, la
pantalla. Gracias a esta pantalla podemos ver en el acto el resultado de las fotografías. Obviamente, esto
supone una revolución, puesto que antes teníamos que esperar a revelar la fotografía para saber si la luz
estaba bien, si el enfoque estaba correcto, en definitiva, si habíamos conseguido lo que queríamos. Ahora
podemos revisar la fotografía y repetir hasta que nos cansemos.
Otro aporte ha sido el modo de almacenamiento. Ya no tenemos que gastarnos dinero en comprar un carrete,
sino que con una tarjeta de memoria es suficiente. Además, la podemos borrar y reutilizar. También la
capacidad es muy superior, pudiendo realizar miles y miles de fotografías. Esto, unido al hecho de que las
fotografías son archivos digitales que copiamos al ordenador, ha supuesto un ahorro importante. Aunado a
esto, uno de los aportes mas importantes es el gran factor de permitir guardar en el tiempo lo ocurrido en la
historia para que nuestros sucesores puedan apreciar lo acontecido mucho antes, además de aportar a la
humanidad a capturar momentos inesperados, inigualables y especiales en solo cuestión de segundos y para
toda la vida si se respaldan bien en el tiempo.
Hoy en día podemos modificar la sensibilidad ISO en cada una de nuestras fotografías. Si no tenemos luz
suficiente la aumentamos y listo. Anteriormente, el ISO era conocido como ASA y era algo inherente al
carrete que estábamos usando, por lo que todos los negativos de dicho carrete tenían la misma sensibilidad.
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14. CARACTERÍSTICAS DE UNA BUENA IMAGEN
FOTOGRÁFICA: PODER DE EXPRESIÓN,
REALISMO E IMPORTANCIA EN LA
COMUNICACIÓN SOCIAL.
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15. 15
Composición inteligente:
Más allá de seguir la regla de tercios u otras reglas de la composición
clásica al pie de la letra, se trata de tener clara la intención de cualquier
estilo de composición que utilices: cuál es el efecto que quieres generar
y qué tan exitosa resulta esa composición para generarlo.
Cualidades atractivas:
Algunas fotos son técnicamente buenas pero completamente aburridas.
Si ya conoces las reglas de la composición y el aspecto técnico de una
imagen de calidad, el siguiente paso es incluir un efecto o elemento
estimulante para la mirada. Las fotos verdaderamente buenas generan
una reacción en el espectador, algo emocionante o intrigante. Al buscar
la perfección, corres el riesgo de tomar una foto demasiado rígida, como
esas imágenes de stock donde todos tienen sonrisas falsas y nadie
parece humano

16. 16
Bagaje cultural:
Uno de los errores que cometen los fotógrafos (y los creadores en general)
es tratar de hacer algo universal. Al buscar esto, lo más común es que el
fotógrafo elimine toda la personalidad, la riqueza cultural y las cualidades
únicas de su trabajo. ¿El resultado? Algo vacío y sin chispa. Las buenas
fotografías muestran un punto en el tiempo y el espacio, incluyendo los
referentes culturales que ofrecen valor y crear vínculos emocionales.
Profundidad:
Con “profundidad” no me refiero únicamente a la profundidad de campo.
Pregúntate esto: ¿Cuál es la diferencia entre una imagen que miramos por dos
segundos y una imagen que atrapa nuestra atención por más tiempo? La
primera es una imagen demasiado obvia y emocionalmente plana (no provoca
nada en el espectador porque no contiene nada estimulante). La segunda es
una imagen que nos invita a leerla, que guía nuestra mirada hacia sus
diferentes elementos y capas de significado.

17. 17
La fotografía es un lenguaje visual que refleja de
manera inmediata una situación de mayor intensidad
en la aportación de datos y su impacto puede ser
mayor al de las palabras a la hora de contar ciertos
acontecimientos. Con la entrada de la fotografía en el
periodismo, podemos decir que se abre una ventana
al mundo. Con ella se inaugura la era visual en la que
la población puede visualizar acontecimientos que, de
no ser por la fotografía, tan solo podría imaginar. Una
buena fotografía es aquella que atrae de inmediato,
transmite un mensaje completo, expresa por sí
misma, describe e informa de momentos o situaciones
que a veces la palabra no puede ilustrar. Debe
mantener el compromiso con la realidad e informar de
forma responsable. Su calidad está determinada por
el impacto emocional que provoca en el lector gracias
a la situación misma que se fotografía y a los recursos
técnicos con los que se toma.

18. RELACIÓN ENTRE EL REPORTERISMO GRÁFICO
Y LA FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA Y REALISTA.
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19. 19
Reporterismo Gráfico: Es un Periodista de campo especializado en fotografía (Judicial, social o deportiva
entre otros) que se encarga documentar con imágenes los lugares de los acontecimientos o de interés para un
reportaje. Debe tener un amplio manejo técnico de su equipo, para poder tomar decisiones instantáneas al cubrir
un evento.

20. 20
El propósito básico del periodismo gráfico es contar una historia en términos visuales, las
fotos. Los reporteros gráficos se destacan en diferentes áreas como periódicos, revistas,
agencias de noticias, entre otros. La función de la fotografía en el periodismo se ha ido
modificando notoriamente desde su aparición en los diarios, alrededor de 1880, hasta la
actualidad. Las primeras fotografías que se publicaron en los diarios eran retratos y
tenían un propósito primordialmente identificatorio, por lo que el rasgo más valorado era
la similitud o semejanza con el sujeto o la escena fotografiados. Más tarde, las técnicas
de la pintura comienzan a influir en la realización de las fotografías, tendiendo a
embellecer la imagen fotográfica. De esta manera, la iluminación, el equilibrio, la
diferenciación de planos, son recursos que se pondrán al servicio del fotoperiodismo para
documentar una época y un mundo. Por tanto, la fotografía en el área de la publicidad
busca persuadir a las personas, como así también influir en las opiniones de las mismas.
Mientras que la fotografía como una manifestación artística se propone diferenciase de
las artes plásticas y cataloga las fotos como arte.

21. - IMAGEN EN EL PLANO LOCAL
- MATERIALES SENSIBLES A LA LUZ
- LA LUZ Y SU EFECTO EN MATERIALES SENSIBLES
- CARACTERÍSTICAS DE LOS MATERIALES SENSIBLES A LA LUZ
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22. 22
El término plano es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente, generalmente se habla de planos
abiertos o cerrados, para indicar que estamos modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano
está estrechamente relacionado con el retrato fotográfico aunque en algunos casos es extrapolable a otras
situaciones o sujetos. Veamos:
•Plano general: Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una
escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte
Plano americano: También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas
de western americanas, que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es
muy útil cuando se quiere retratar a varias personas.
Plano medio: En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para
fotografiar a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite
destacar la belleza de la persona.
Plano medio corto: Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo
personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la
persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención
exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.

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Primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre
va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles.
Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.
Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra
encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay
que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial,
de lo contrario se puede estropear la captura.
Plano detalle: Se emplea para destacar elementos específicos, con este tipo de plano se pueden lograr
encuadres creativos y originales, requiere de mucha capacidad de observación por parte del fotógrafo. En este
tipo de plano el acercamiento se maximiza para enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar
desapercibidos. No se debe confundir con fotografía macro.
Existen otras clasificaciones que varían ligeramente de acuerdo a los autores, pero básicamente en fotografía de
retrato son las mencionadas anteriormente, algunas con ciertas variaciones.

24. 24
Se entiende por material fotosensible (en
fotografía química) a aquel soporte que contiene
una capa o un conjunto de capas sensible a la
luz que reaccionan al contacto con la luz
formando una imagen latente. En esta categoría
se encuentran por un lado las películas que
están formadas por un soporte plástico
transparente recubierto por una de sus caras con
la emulsión fotosensible y por otro lado están
los papeles, en los que el soporte es una hoja de
papel más o menos grueso. La fotosensibilidad
puede adquirirse en diferentes compuestos
químicos y elementos como es el selenio ,dióxido
de silicio y semiconductores en general la
fotosensibilidad es usada en diferentes ámbitos
desde los sensores de cámaras tipos como hasta
la nanotecnología. Dando otro ejemplo son los
paneles fotovoltaicos que obtienen un valor
energético por la radiación adquirida y por la
frecuencia de esta.

25. 25
El sistema óptico de la cámara proyecta la imagen sobre el plano focal donde se encuentra el material
sensible – la película en la fotografía convencional o el sensor CCD en las cámaras digitales -. Existe una
gran variedad de materiales sensibles, tanto en color como en blanco y negro, diseñados para diversas
finalidades.
La fotografía tuvo su origen en el momento que la imagen proyectada por un sistema óptico, en una
cámara oscura, pudo ser capturada y fijada. La “escritura con luz” (foto -luz- y grafía -escritura-) requiere de
dos elementos fundamentales: la cámara y el material sensible.
Tradicionalmente, como sustancia sensible en las películas, se ha utilizado el bromuro de plata (una sal
compuesta de bromo y de plata), cuya principal característica, como otras sales de plata, es que tiene la
propiedad de alterarse por acción de la luz.
El sistema negativo-positivo se fundamenta en un film transparente, sobre el cual se extiende una delgada
capa de gelatina que contiene en suspensión cristales de sales de plata (haluros de plata), así como
sensibilizadores y conservadores.
Es suficiente una breve exposición a la luz para que los cristales formen la “imagen latente”. El revelado
consiste en sumergir la película en una solución química que actúa sobre los haluros de plata “marcados”,
convirtiéndolos en plata metálica de estructura filamentosa, con la inmediata eliminación por medio del
fijado de los que no fueron expuestos.

26. 26
En las películas color el proceso es algo más complejo: el revelador forma primero una imagen monocromática
y luego los granos de plata son sustituidos por pigmentos.
A las zonas claras les corresponde una mayor opacidad y aquellas que recibieron menos o nada de luz, la
densidad es gradualmente menor. El resultado es una imagen negativa (con los valores tonales – o colores-
invertidos).
Para lograr el positivo, se realiza un segundo paso que consiste en proyectar el negativo sobre el papel
fotográfico (que tiene una emulsión similar a la del negativo), donde nuevamente se invierten las tonalidades.
En las películas diapositivas se produce la inversión de los colores (de ahí que también se denominen
“reversibles”), obteniéndose un positivo directo.
Esto hace que en las películas diapositivas, el slide original consiste en la propia película, mientras que en el
sistema negativo, la película es una etapa intermedia o matriz para lograr el positivo en papel fotográfico de
ampliación.
También existen materiales que contienen los productos químicos para el procesado. Al ser extraída la película
del chasis, los químicos son extendidos sobre la emulsión produciéndose el desarrollo en pocos segundos.

27. ORIGEN Y EVOLUCIÓN DE LA
FOTOGRAFÍA, IMPORTANCIA DE LA
MISMA EN LA SOCIEDAD.
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28. La primera fotografía famosa fue tomada por el
inventor Joseph Niepce en 1826, y muestra una
vista sencilla, inmortalizada desde una ventana en
un pueblo francés. La foto en sí no es reconocida
por sus cualidades estéticas, sino que es por
su innovación que se ha convertido en una
referencia para los fotógrafos expertos.
LA FOTOGRAFÍA ES UNA INVENCIÓN FRANCESA.
La falta de técnica fotográfica se puede
ver de un vistazo en esta imagen.
Joseph Niepce tuvo que exponer su
cámara durante más de 8 horas a
través de la ventana. ¡Es por eso que
podemos ver el sol tanto al este como
al oeste del edificio!
En ese momento, los inventores eran
bastante capaces de proyectar
imágenes, pero no sabían cómo
preservar y conservar la luz.
A su muerte, Joseph Niepce dejó su
trabajo inacabado a Louis Daguerre,
una figura indiscutible en el arte
fotográfico.
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Primera fotografía de la historia tomada por Joseph Niepce en 1826 en Gras

29. La falta de técnica fotográfica se
puede ver de un vistazo en esta
imagen. Joseph Niepce tuvo que
exponer su cámara durante más
de 8 horas a través de la
ventana. ¡Es por eso que
podemos ver el sol tanto al este
como al oeste del edificio!
En ese momento, los inventores
eran bastante capaces de
proyectar imágenes, pero no
sabían cómo preservar y
conservar la luz.
A su muerte, Joseph Niepce dejó
su trabajo inacabado a Louis
Daguerre, una figura indiscutible
en el arte fotográfico.
El daguerrotipo se convirtió rápidamente en
una técnica reconocida que dio origen
a obras famosas como:
- El taller del artista, Louis Daguerre,
- Boulevard du Temple, Louis Daguerre,
- Robert Cornelius, de sí mismo
(autorretrato),
- La luna, John William Draper,
- El retrato oficial de Abraham Lincoln,
- La primera imagen de prensa (1847),
- La secuencia del eclipse solar,
William Langenheim y Frederick Langenheim,
- El retrato de Joseph Jenkins
Roberts, Augustus Washington.
La técnica del daguerrotipo, iniciada por
Joseph Niepce y terminada por Louis
Daguerre, rápidamente se convirtió en un
éxito entre los aficionados a la
fotografía. Louis Daguerre incluso patentó
su invento en Gran Bretaña, y todo el que
quería hacer un daguerrotipo tenía que
pagar una gran suma de dinero a su
inventor.Con los años, otros inventores
pusieron su granito de arena: podemos
citar, por ejemplo, a William Henry Fox y
su famoso calotipo, una mejora del
daguerrotipo clásico. Finalmente, el
británico Frederick Scott Archer desarrolló
el principio del colodión húmedo para
fijar la emulsión en el vidrio; el inventor,
sin embargo, abandonó su primera
invención para concentrarse en el
desarrollo del papel negativo.
29
LA FOTOGRAFÍA ES UNA INVENCIÓN FRANCESA.

30. EL COMIENZO DEL SIGLO XX Y LA PROPAGACIÓN DE LA
FOTOGRAFÍA
Durante los años posteriores a la invención de Louis
Daguerre, los artistas aún no estaban listos para
aceptar la fotografía como un arte en sí mismo.
Habrá que esperar hasta la Exposición Universal de
París de 1859 para que las fotografías y las artes
clásicas (escultura, pintura, grabado) se expongan
una al lado de la otra. La comercialización de la
primera cámara Kodak en 1888 también ayudó a que
la fotografía fuera accesible para la clase
media. ¡Pero fue en el siglo XX cuando la fotografía
conoció su verdadero apogeo!
Los científicos encontraron un interés particular en el
arte de la fotografía. De hecho, los fotógrafos tuvieron
la oportunidad de documentar con gran precisión
los eventos importantes de la vida política, cultural o
científica gracias a sus fotografías. La foto fue capaz
de competir con el ojo humano, inmortalizando
momentos demasiado cortos para el individuo.
Durante la Primera Guerra Mundial, la fotografía y la tecnología en
general se convirtieron en vectores del progreso y el cambio en la
sociedad.
Los artistas de vanguardia combinaron la tecnología y la historia al
fotografiar las trincheras, pero también la vida cotidiana de la
gente de a pie. Tras la Primera Guerra Mundial, la fotografía se
convirtió en un medio para inmortalizar los cambios en la
sociedad y la reconstrucción del pueblo durante el período entre
las dos guerras.
Fue durante este período cuando surge el periodismo fotográfico,
un arte popular entre los fotógrafos que quieren hacer de su
pasión su profesión.
Durante la Primera Guerra Mundial, la fotografía y la tecnología en
general se convirtieron en vectores del progreso y el cambio en la
sociedad.
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31. EL COMIENZO DEL SIGLO XX Y LA PROPAGACIÓN DE LA
FOTOGRAFÍA
Los artistas de vanguardia combinaron la tecnología y la
historia al fotografiar las trincheras, pero también la vida
cotidiana de la gente de a pie. Tras la Primera Guerra
Mundial, la fotografía se convirtió en un medio para
inmortalizar los cambios en la sociedad y la reconstrucción
del pueblo durante el período entre las dos guerras.
Fue durante este período cuando surge el periodismo
fotográfico, un arte popular entre los fotógrafos que
quieren hacer de su pasión su profesión.
Durante la primera mitad del siglo XX, los fotógrafos tomaron fotos
de los primeros trenes, la construcción de industrias y fábricas,
el desarrollo de centros urbanos o la puesta en circulación de
automóviles para la clase trabajadora. La fotografía dio un giro a
las poblaciones de todo el mundo que vieron con otros ojos los
cambios en la sociedad de la era moderna.
Finalmente, la foto en color comenzó a popularizarse durante los
años 30, décadas después de las exitosas investigaciones de
Auguste y Louis Lumière.
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32. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA EN VENEZUELA
Su origen se ubica, a finales del siglo XIX.
En 1840 los venezolanos, a través del
diario El Correo de Caracas, se enteran
de su descubrimiento. El 28 de diciembre
de 1841, Francisco Goñiz retrata la
ciudad. El 28 de julio de 1872 los
fotógrafos exhiben sus imágenes, por
primera vez, en la apertura de la
exposición Café del Ávila.
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La primera fotografía publicada en
un medio salió en El Zulia Ilustrado
en 1889. Se trató de una
intervención quirúrgica. En 1892, El
Cojo Ilustrado describía con fotos,
la Venezuela de entonces. Allí
destaca el pionero del reporterismo
gráfico Henrique Avril.
En 1912, Pedro Ignacio Manrique, es el
primero en ensayar la fotografía a color en
Venezuela. En 1914 Luis Felipe Toro “el
fotógrafo de Gómez”, Ingresa a El Cojo
Ilustrado. En 1930 las cámaras portátiles y
el negocio petrolero constituyen una fase
de transición entre la etapa de la
fotografía elitesca y la de su masificación.
En 1934, el Ateneo de Caracas, abre el
primer salón Fotográfico para
exposiciones. Federico Lessman,
Graziano Gazparini, Alfredo Boulton y
Ricardo Razetti, hicieron hito en la historia
de la fotografía venezolana. En 1938, se
inaugura el Museo de Bellas Artes e
incorpora la fotografía a sus
programaciones.
Exposición Café Ávila

33. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA EN VENEZUELA
Llega al trabajo científico como auxiliar
de las ciencias. En microfotografía y
aerofotografía en la UCV. Se incorpora
a la Cartografía Nacional. La foto
publicitaria se establece gremialmente.
Se amplían los canales de aprendizaje
de la fotografía. En 1948 se usa en la
campaña electoral que lleva a
Gallegos a la Presidencia y es que ya,
la publicidad y la televisión, masifican a
la fotografía.
En 1962 Héctor Rondón gana el
Premio Pulitzer, cuando hacía mucho
que la fotografía impregnaba todas las
noticias de la época.
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El nacimiento de la Galería de Arte
Nacional, en 1976, ofrece alternativas a
los fotógrafos. El MBA muestra fotografías
de extranjeros y la GAN de venezolanos.
En 1978 la Biblioteca Nacional abre una
exhibición exclusiva de fotos.
A fines del siglo XX llega a Venezuela la
fotografía digital facilita que gran parte de
la población reciba y envíe imágenes en
las redes sociales, en internet y en los
teléfonos celulares. Millones de fotos en
Venezuela, navegan sin parar por
espacios virtuales. En este periodo el
Estado ha promovido y ejecutado, el
derecho a la educación y formación en la
fotografía, facilitando su aprendizaje en
todos los rincones del país.

34. 34
Existen líquidos que efectúan este proceso y se conocen como reveladores. Con esta solución se
produce la reacción química que permite hacer visibles unas partículas compuestas de plata oscura
o haluros. Estos químicos en estado líquido conocidos como reveladores, son de diferente tipo para
cada clase de película fotográfica:
-Reveladores de grano fino: actúan de manera lenta sobre la imagen registrada, evitando que las
partículas de plata se agrupen para formar las imágenes.
-Reveladores de alto contraste: permiten revelar con gran definición y realce de imágenes para
producir un efecto de proyección y relieve.
-Aceleradores: hacen mucho más corto el proceso de revelar la imagen, hasta en una tercera parte
de lo habitual.
-Baños de paro: estas soluciones detienen la reacción química que produce que la imagen sea
visible.
-Fijadores: como su nombre lo indica estos químicos tiosulfato sódico y tiosulato amónico se
encargan de hacer fijar la imagen en la película.

35. 35
Fotografía en positivo
En fotografía, un positivo directo es un procedimiento con el
que se obtiene una fotografía directa en positivo, carente de
negativo; en él se produce tan solo una prueba o fotografía
única, no multiplicable. Son positivos directos los obtenidos
entre otros con la heliografía de Niepce, los daguerrotipos,
los ferrotipos y los ambrotipos​, y más modernamente con la
2da generación de fotos instantáneas de Polaroid, la técnica
Instax de Fujifilm o la del papel "Zink" de Zink Holdings LLC.
En los casos citados del siglo XIX, el positivo directo es
posible gracias al principio óptico llamado del campo oscuro,
el cual se produce y utiliza entre otras cosas, en la fotografía
y en la microscopía. Debido al principio del campo oscuro,
con una baja iluminación, un negativo fotográfico sobre un
fondo blanco, aparece como negativo, en cambio, sobre un
fondo oscuro se observa como positivo.

36. 36
La escala de sensibilidad fotográfica define físicamente
la sensibilidad como la inversa de la entrada necesaria
para obtener una respuesta predeterminada en un
sistema. La escala fue creada para las emulsiones
fotográficas pero ha sido adaptada también para la
fotografía electrónica digital. Tanto en un caso como en
el otro la alta sensibilidad tiene la contrapartida de
pérdida de calidad de la fotografía.
Grado de sensibilidad de la película.

37. 37
Sensibilidad: Uno de los elementos determinantes para
el resultado final de una fotografía es la luz, de ahí la
importancia que tiene la sensibilidad ISO. Se trata de la
cantidad de luz que la cámara necesita para captar la
imagen. Se encarga de medir la reacción del sensor ISO
frente a la escena que se va a fotografiar (según la
cantidad de luz que haya). - Contraste: El contraste del
sujeto o motivo fotográfico corresponde a la diferencia de
niveles de iluminación reflejada (luminancia) entre las
sombras y las altas luces. Se trata de un concepto que
puede ser aplicado indistintamente a la fotografía en
blanco y negro o a la fotografía en color, sea ésta
analógica o digital. La gama tonal de grises que aparece
en una imagen puede ser más o menos rica. -
Granosidad: El ruido digital es la variación aleatoria (que
no se corresponde con la realidad) del brillo o el color en
las imágenes digitales producido por el dispositivo de
entrada (la cámara digital en este caso). Salvando las
distancias los dos conceptos son similares: el grano
aparece cuando los puntos que forman la imagen (granos
de material fotosensible) adquieren tanto tamaño que son
apreciables a simple vista.
Resolución: Número de pixeles por unidad de longitud,
generalmente centímetros o pulgadas. Por tanto, la resolución
da una idea de la densidad de pixeles que una cámara puede
captar. Es decir, mayor resolución y, por tanto, mayor grado de
detalle, cuanto mayor sea el número de puntos con los que se
representa el contenido de un área dada. - Latitud: Capacidad
de un soporte de admitir variaciones en la exposición sin que se
vea afectada la imagen resultante, es decir: que se pueda
recuperar sin pérdidas apreciables al revelar. Se determina por
un nivel superior (de sobreexposición aceptada) e inferior (de
subexposición).
Sensibilidad, Contraste,
Granosidad, Resolución y Latitud.

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Sensibilidad, Contraste,
Granosidad, Resolución y Latitud.
Grados de intensidad de la luz, escalas y valores
luminosos. La intensidad de la luz es lo que conocemos
por luminosidad (cantidad de luz hay), y no de que
tonalidad o color. Si aumentemos el número de lámparas
incandescentes en una habitación no habremos
modificado el color de la luz, tan solo habremos
aumentado su intensidad. La intensidad se mide en Lux o
Candelas por centímetro cuadrado. Gracias al fotómetro,
ya sea de tipo manual o incorporado en la máquina
fotográfica, podemos medir la intensidad de la luz para
asignar los valores apropiados de velocidad y diafragma, a
fin de lograr una exposición correcta. Escalas: es la
disminución del tamaño de un motivo a medida que éste
se encuentra más lejos de la cámara. Es otra fórmula
clásica para mostrar y potenciar la perspectiva, y de esa
forma aportar la ilusión óptica de tridimensionalidad en
nuestras instantáneas. En este caso podemos contemplar
la variación en la escala de las farolas, y esto permite
expresar la ilusión óptica de tridimensionalidad.
Sistemas de medición: reflejada, directa y de tres zonas.
La medición de la luz reflejada consiste en calcular qué
cantidad de luz refleja un objeto. Cuanto más opaco es
un material, menos luz refleja. Se mide la exposición
(generalmente desde cámara) con el sensor de la luz
apuntando al sujeto. La medida o medición diremos que
es directa, cuando disponemos de un instrumento de
medida que la obtiene comparando la variable a medir
con una de la misma naturaleza física. La mayoría de
usuarios cuando se encuentran con una escena
compleja se encuentran con bastantes dudas, no saben
muy bien cómo afrontar esa medición. Lo que se suele
hacer es optar por la opción de hacer una prueba y
comprobar el error.

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En un amplio sentido, un fotómetro es cualquier instrumento usado para medir la
intensidad de la luz. Los que se utilizan para la fotometría, son instrumentos para
detectar:
•intensidad de luz dispersa.
•absorbancia.
•fluorescencia.
Los dos más importantes en la astronomía son el fotómetro fotoeléctrico y el
fotómetro CCD: el primero de ellos, aunque se utiliza todavía, está en desuso ya
que el chip CCD presenta numerosas ventajas frente al anterior (linealidad,
precios más reducidos, mayor fiabilidad, amplia respuesta al espectro
electromagnético, mayor precisión, etc.).
Aparato que sirve para medir la luz visible, los rayos infrarrojos, así como los
rayos ultravioleta en las películas para vidrio. Sobre todo las inteligentes
fabricadas con Nanotecnología, mismas que se adhieren a los vidrios, ya sea
para su seguridad, decoración o para filtrar el paso de la luz visible y reducir las
temperaturas de los interiores de casa habitación o comercios, oficinas,
automóviles.

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Medición Reflejada. En este modo se divide virtualmente toda la escena en un determinado número de
casillas y los cálculos que devuelve el exposímetro son el resultado de valorar con la misma importancia
la luz captada por cada una de las casillas en las que se ha dividido la escena. Este es el sistema de
medición más común, ya que tiene en cuenta toda la escena y suele ser bastante fiable pero cuando nos
encontramos con situaciones de alto contraste, como por ejemplo un paisaje donde la diferencia de
pasos entre cielo y tierra es grande, la cámara se encuentra con un problema y no sabe si hemos de
recortar las luces altas o las sombras. También variará mucho en función de nuestro encuadre.
•Medición directa. En este modo la escena, como en el anterior, se va a dividir en ese mismo número
de casillas con la salvedad de que ahora al hacer los cálculos la información captada por las casillas
centrales tendrá mayor peso específico que la de las casillas periféricas. Por ejemplo, un retrato en la
calle, realizamos una la medición sobre el rostro (para exponerlo bien) sacrificando el fondo (que
quedará más sobreexpuesto o subexpuesto).
•Medición tres zonas. Este modo de medición se centra exclusivamente en una minúscula área de la
escena que gira en torno al 5%-10% del total de la misma y que coincide con el punto de medición. Si
llegamos a dominar este modo habremos ganado mucho en la lucha contra las escenas complejas. Al
medir medir una zona concreta de la escena discriminando toda la demás, es recomendable, por
ejemplo, en las escenas de un teatro o de un concierto, donde el fondo es muy oscuro y solamente los
actores o cantantes se encuentran iluminados.
Sistemas de medición: reflejada, directa y de tres zonas

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Una película de 400 ISO debe recibir la mitad de
exposición que otra de 200 ISO; en la práctica, esto
significa que con la primera habría que reducir la
apertura o aumentar la velocidad exactamente en un
paso de la escala correspondiente. De la misma
manera, una película de 100 ISO necesitaría el doble
de luz (esto es un diafragma más) que otra de 200
ISO.
Las distintas sensibilidades se agrupan en varías
categorías:
•Lentas: de 25 ISO a 50 ISO
•Medias: de 100 ISO a 200 ISO
•Rápidas: De 400 ISO a 500 ISO
•Muy rápidas: de 1000 ISO o más
Selección de película adecuada.

42. CONCLUSIÓN
Como una conclusión total, podemos afirmar que, sin importar la tendencia que se está utilizando, la fotografía es una forma
de comunicación entre el fotógrafo y su medio. La fotografía ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Muchos expertos han
ido descubriendo la forma más sencilla de hacer las fotografías, tomando como referencia a los antecedentes para que este tipo
de arte vaya mejorando cada vez más. A pesar de su evolución, a estas alturas hay expertos que se inclinan por las fotos en
blanco y negro. Cada uno de ellos le da un significado, dependiendo del tipo de mensaje que quiera dejar. Gracias al blanco y
negro, los detalles se pueden observar mejor, cosas que no ocurre en la fotografía a color. Por ser un arte, hay gente que está
dedicada a ella como profesión y otra como hobbie. Para estimular esto, se han hecho cursos y concursos de fotografía, la cual va
adquiriendo más y más aficionados.También la cámara también se ha ido desarrollando. Además, hay muchos fotógrafos que no
les gusta lo digital y prefieren lo tradicional. Este es el caso de los reporteros gráficos y los artísticos.
Pero en el caso de las cámaras digitales, se ha provocado una disminución en la industria fotográfica porque, como ya se dijo
anteriormente, los consumidores optan por ella por su facilidad y toma fotografías de manera casi "ilimitada", es decir, en vez de
limitarse a un rollo de 36 fotos, pueden tomar con la digital 200 fotos. No obstante, se ha hecho un estudio de mercado y se
descubrió que mucha gente, aunque les guste tomar fotos a través de las cámaras digitales, les gusta verlas en formato revelado.
Prestando atención a las necesidades de los clientes, se creó un sistema donde el cliente puede enviar sus fotografías a la página
web y las mandan a imprimir. De esta manera, las tiendas fotográficas evitarán que quiebren y continúen en el mercado.
Con este trabajo, nos hemos dado cuanta que la mayoría de las veces, cuando se busca información acerca de la fotografía, se
mezclan las historias de la fotografía con la de la cámara. Aunque ambas están estrechamente relacionadas, son diferentes entre
sí. En la historia de la fotografía tomamos en cuenta su evolución de los químicos y el revelado, pero en la de la cámara, en el
aparato en sí.
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¡Gracias!