Una propuesta para la dirección escénica

1. Curso Taller de Dirección
Teatral
Mtro. Vladimir Horacio Villegas y
Silva
Otoño de 2018

2. Encuadre
►¿Qué se espera de un curso - taller de
dirección teatral?
►¿Qué beneficios traerá consigo un curso -
taller de este tipo?
►¿Qué espero del facilitador?
►¿Qué espero del grupo?
►¿Cómo evaluar lo aprendido en este curso –
taller?

3. Reglas
►Todo curso - taller es un espacio de
exploración sin riesgo, en la que la acción y
la práctica, además de la teoría, son
aspectos importantes. Por ello, la primera
regla es arriesgarse…
►Un taller implica participación activa de
todos los participantes.
►Crítica objetiva y sana.

4. Forma de Trabajo
►En la parte teórica se aceptan ejemplos,
experiencias, preguntas, dudas, etc.
►Se cuenta con lecturas complementarias.
►Se pretende crear un modelo estructural
general que pueda servir al creador a
enfocar su trabajo.
►Cada creador podrá a su vez, enriquecer el
paradigma y ajustarlo a sus propias
necesidades.

5. Objetivos del Curso Taller
►Comprender los principios básicos de la
Dirección Teatral.
►Definir y describir las características de la
dirección escénica (artística y estética) y de
la dirección de actores (expresiva).
►Reconocer los riesgos y logros de la
dirección

6. Contenido
►Introducción
 Antecedentes
 Definiciones básicas
►Proceso de Comunicación y Teatro
►Conflicto
►Concepto general de dirección
 Dirección conceptual
 Dirección expresiva
 Dirección plástica
►Características de los Géneros Dramáticos y
de los Tonos

7. Contenido
 Tragedia
 Comedia
 Melodrama
 Farsa
 Pieza
►Principios de Dirección Conceptual
 Estilos
►Históricos
 Teatro Clásico Griego

8. Contenido
 Isabelino
 Barroco Francés
►Realismo
►Naturalismo
►Hiperrealismo
►Hipernaturalismo
►Expresionismo
►Simbolismo
►Absurdo
►Estilos contemporáneos

9. Introducción
► Premisas:
 A través de una vil mentira, una ficción, una ilusión, se
encuentra la satisfacción de necesidades:
entretenimiento emocional o intelectual.
 Se hace teatro porque se inventa un mundo distinto al
real, porque el mundo real no satisface al creador. Esta
acción por lo menos satisface el deseo de cambiar el
mundo.
 El teatro ofrece al espectador elementos para que cada
quien invente su mundo, que es o puede ser distinto al
creado por el autor.

10. Premisas: El Teatro
►En esencia es “real”, porque esta mentira,
esta ficción está hecha con los mismos
elementos de este mundo, el cual existe
cuando el ser humano toma conciencia de
su existencia. El mundo ficticio para existir,
debe ser aprehendido por la conciencia.
►Por todo lo anterior, el director puede ser
un creador de conciencia, pero no
necesariamente un conscientizador.

11. Premisas: Conflicto
►El público asiste al teatro porque le interesa
presenciar conflictos, definidos estos como
el choque entre dos fuerzas opuestas. De
acuerdo con Hegel (citado por Alatorre), el
conflicto es el choque entre el ser humano
contra su circunstancia histórico social.
►El director creador está interesado en
presentar un conflicto principal a su público

12. Conflicto
Choque
Hombre Circunstancia
Histórico - Social

13. Conflicto
►Hernández y González Caballero coinciden
en manejar seis tipos de conflicto:
 Hombre contra Hombre
 Hombre contra Sociedad
 Hombre contra Destino
 Hombre contra Dios
 Hombre contra Naturaleza
 Hombre contra Conciencia

14. Proceso de Comunicación
►Usando el Modelo Clásico de Berlo:
 Emisor: establece una intención o motivo para
diseñar el proceso de comunicación
 Encodificador: sistema de signos
 Mensaje: producto físico
 Canal: sentidos
 Decodificador: sistema de signos
 Receptor: recibe, traduce la intención
 Retroalimentación: respuesta, reacciones

15. Proceso de Comunicación
►Emisor(es):
 Dramaturgo
 Director
 Actores
 Escenógrafo
 Iluminador
 Músico (efectos de sonido)
 Vestuarista
 Maquillista

16. Proceso
►Encodificador:
 Director:
►Concepto de Dirección o Dirección Conceptual
►Dirección Expresiva
►Dirección Plástica
►Mensaje
 Puesta en Escena
 Montaje

17. Proceso
►Canales:
 Vista
 Oído
 Sensaciones térmicas
 Olores
►Receptor: ¿a quién está dirigido el
montaje?, ¿cuáles son sus intereses,
necesidades, inquietudes, deseos?

18. ¿Qué es dirigir?
►Propuestas de los participantes:

19. ¿Qué es dirigir?
►Dirigir es la creación de un espectáculo, en
este caso, teatral.
►Existen tres etapas en la dirección:
 El director trabaja con la lectura, análisis o
creación de un texto dramático (dirección
conceptual).
 El trabajo con los actores (dirección expresiva)
 La puesta en escena (dirección plástica)

20. ¿Cómo dirigir?
►Dirigir Teatro desde y donde estamos, y
para la gente con la que estamos, es decir,
hay que tomar en cuenta al público.
►El director de escena debe empezar con la
lectura o creación de un texto dramático
(dirección conceptual).

21. Dirección Conceptual : Tono y
Género Dramático
►El creador busca una reacción específica en
su público, de acuerdo a la intensidad de la
emoción que se esté transmitiendo. Esta
reacción emotiva se conoce como Tono.
►Existen tonos ligeros, tonos medios y tonos
pesados.
►Cada tono está relacionado con un género
dramático.

22. Tonos
►Contamos con cinco efectos básicos, de
acuerdo con la propuesta de Antonio
González Caballero (2002):
 Risa reflexiva
 Risa irreflexiva
 Exaltación de emociones
 Catarsis
 Neutralidad o cotidianeidad

23. Tonos
►Cada Tono tiene su Género Dramático:
 Risa reflexiva: Comedia
 Risa irreflexiva: Farsa
 Exaltación de emociones: Melodrama
 Catarsis: Tragedia
 Neutralidad o Cotidianeidad: Drama o Pieza

24. Géneros Dramáticos
►Un género dramático es la síntesis de tema,
personajes y situaciones, con el fin de
provocar una reacción o efecto en el público
(tono).
►Cada género como tal tiene una serie de
características estructurales integradas, para
lograr dicho efecto.
►Los Géneros más antiguos son la Comedia y
la Tragedia (Teatro Griego)

25. Tragedia
►Del griego Traghos (macho cabrío) y odé
(canto). Durante las fiestas dionisiacas, se
hacía el sacrificio de un macho cabrío entre
cantos y celebraciones.
►El público asistente conocía las historias
representadas, por lo que el argumento no
era importante para ellos, sino la
representación.

26. Tragedia
1. Tema serio, tratado con profundidad
2. Posible y probable, de acuerdo con las creencias de su
contexto
3. Sucede lo que tiene que suceder
4. El personaje protagónico es representante de una clase
social importante. En el arte clásico, generalmente un rey
o un noble; en el arte contemporáneo, un líder social. El
personaje trágico posee un alto nivel de conciencia,
además una virtud o un defecto que lo harán vivir la
tragedia. Por ello, se le conoce como virtud trágica o
defecto trágico. Es un personaje arquetipo, un personaje
de carácter complejo, con múltiples facetas y niveles.

27. Tragedia
5. El personaje protagónico reta a una fuerza
superior, de manera consciente, buscando
mejorar en algo la existencia humana o su
propia existencia. Las fuerzas superiores
reconocidas son:
i. Dios
ii. Destino
iii. Naturaleza
iv. Conciencia
v. Sociedad

28. Tragedia
6. Existe un triángulo trágico, formado por el
protagonista, el antagonista y el agonista.
7. El protagonista es el personaje central, el
que vive la tragedia. Sin él, no existe obra.
8. El antagonista es el representante de las
fuerzas opuestas, que entra en conflicto,
en choque con el protagonista.
9. El agonista representa el apoyo, las
fuerzas que luchan junto al protagonista.

29. Tragedia
10. Puede existir un personaje que propicie el
conflicto principal. Este personaje es conocido
como pivote.
11. El personaje protagónico vive los cuatro pasos
de la tragedia:
i. Reto a una fuerza superior
ii. Expectativa: momento donde se identifica con
claridad la virtud o el defecto trágico
iii. Castigo: la fuerza superior aplasta al protagónico
iv. Iluminación o Toma de Conciencia: el personaje
reconoce sus errores y crece como ser humano

30. Tragedia
12. Cuando el personaje trágico vive la Iluminación,
el público vive la Catarsis, definida
ambiguamente por Aristóteles como la
integración entre el terror y la compasión, por la
identificación del público con el personaje.
13. El público continuamente flota entre la
identificación y la no identificación del personaje,
entre el “yo soy” y “yo no soy”. En el “yo soy”,
se genera el terror al vivir el castigo; en el “yo
no soy”, se genera la compasión.

31. Tragedia
14. El público vive un choque emocional y
intelectual, entre lo que siente y lo que
piensa (debido al proceso identificación-no
identificación) que deberá procesar
posteriormente para establecer un
veredicto o un dictamen, una postura ante
la cual tomar una decisión o una acción
que posiblemente mejore su propia
existencia.

32. Tragedia
►15. Escritos reconocidos como tragedias
bajo este esquema:
 Edipo (Sófocles)
 Romeo y Julieta (Shakespeare)
 Moctezuma II (Magaña)
 Yerma (García Lorca)

33. Comedia
►De tono festivo y jocoso. En la antigua
Grecia se caracterizaba principalmente por
la sátira y la burla hacia las autoridades.
Posiblemente se derive de Komé (desfile) y
odé (canto).
►El público debía conocer las referencias y las
alusiones cómicas, para poder reír.
►Muchos autores clasifican hoy día a la
Comedia Griega en el género Farsa.

34. Comedia
1. Tema serio, tratado con amabilidad y
ligereza.
2. Posible y probable.
3. Sucede lo que tiene que suceder.
4. El personaje posee generalmente un
defecto cómico. Es mínimamente un
personaje de tipo o de carácter simple, es
decir, con pocas facetas.
5. El personaje predomina sobre la situación.

35. Comedia
5. El efecto buscado en el público es la risa
reflexiva: para reír hay que entender
primero.
6. Existen seis niveles de comedia, conocidos
en la Escalera de la Risa.
i. Vulgaridad, escatología, albures, frases de
doble sentido, referencias sexuales, etc.
ii. Infortunio físico: golpes, caídas, accidentes.

36. Comedia
iii. Enredos: situaciones equívocas en las que el
público es cómplice.
iv. Costumbres: acciones realizadas por los
personajes sacadas de su contexto real.
v. Ingenio verbal: frases u oraciones
estructuradas con inteligencia y crítica.
vi. Alta comedia: comedia muy seria que raya en
el drama o pieza; comedia con final muy
serio.

37. Comedia
►Obras catalagadas como comedias:
 El médico a palos (Moliere)
 El mercader de Venecia (Shakespeare)
 Monogamia (De la Parra)

38. Melodrama
► Derivado de la tragedia, busca conflictos más
cercanos para el espectador.
1. Tema serio, tratado con superficialidad
2. Posible, pero no probable
3. No necesariamente sucede lo que tiene que
suceder
4. Abundan la casualidad y la coincidencia
5. Los personajes son estereotipos o personajes
simples

39. Melodrama
6. Predomina la situación sobre el personaje
7. Existe un triángulo amoroso
8. Se puede clasificar en melodrama romántico y
melodrama de aventuras
9. Es moralista: el bien siempre triunfa al final, el
mal es castigado
10. Abundan los lugares comunes
11. Creíble mientras dura la historia
12. El tono buscado es la exaltación o
sentimentalismo

40. Melodrama
►Melodramas famosos:
 Nuestra Natacha (Casona)
 Casablanca (Michael Curtiz, 1942)
 Gone with the wind (Victor Fleming, 1939)

41. Farsa
1. Tema serio o no serio, absurdo, ilógico,
grotesco
2. Ni posible ni probable
3. Sucede cualquier cosa
4. La situación predomina sobre el personaje
5. Los personajes son estereotipos o
personajes simples, con un defecto
grotesco o ilógico, llamado defecto fársico

42. Farsa
6. Se clasifica en farsa de escape y en farsa
satírica
7. La farsa satírica se burla de una situación
real, buscando que el público viva la
llamada catarsis fársica, o liberación de la
angustia existencial a través de la risa
irreverente, buscando la re evaluación de
los hechos y la conscientización
8. Creíble mientras dura la historia

43. Farsa
►Farsas
 Te juro Juana que tengo ganas (Carballido)
 La cantante calva (Ionesco)

44. Drama
1. Tema serio, tratado con profundidad
2. Posible y probable
3. Sucede lo que tiene que suceder
4. El personaje predomina sobre la situación
5. Dominan los personajes de carácter
complejo
6. El tono es neutro, cotidiano, como el que
vive el ser común y corriente, objetivo.

45. Drama
7. El personaje dramático evoluciona y se
transforma a lo largo de la obra.
8. Puede tener un final abierto, en donde el
público es el que decide el final, buscando
provocar opinión y polémica.
9. Se clasifica en: drama poético, drama
filosófico, drama histórico, etc.

46. Drama
►La Gaviota (Chejov)
►Señorita Julia (Strindberg)
►Hedda Gabler (Ibsen)

47. Dirección Conceptual
► Determinar género dramático
► ¿Qué se debe cuidar para respetar el género?
► ¿Qué se quiere mostrar al público?
► ¿Cuál es o cuáles son los temas más importantes?
► ¿Existe algún género alternativo?
► ¿Qué se debe hacer para transformar el género
original?
► ¿El género alternativo fluye o queda forzado?
► ¿Qué otros géneros complementan el género
principal?

48. Dirección Conceptual
► ¿Qué gano o pierdo si resalto una obra en uno u otro
género?
► ¿Desde qué perspectiva o contexto se está contando la
obra?
► ¿Desde qué perspectiva o contexto puedo contar la obra?
► Desde la narrativa contemporánea, siempre hay que
decidir desde dónde se cuenta la historia
► En la perspectiva tradicional, la realidad es objetiva:
cualquiera puede llegar a la misma conclusión
► Actualmente, se establece la realidad subjetiva: cada
sujeto observa y establece su propia realidad.

49. Estilos
► El estilo es una manera de hacer las cosas. Es
importante conforme va siendo adquirido por un
número cada vez mayor de personas.
► Los estilos clásicos son dignos de ser tomados en
cuenta, porque funcionan como modelos
► Los estilos históricos son aquellos que se
distinguen por la época en que fueron creados,
distintos a los creados en el siglo XX y en el siglo
XXI

50. Estilos
►Los estilos históricos más importantes son el
griego y el isabelino, porque inciden en la
narrativa contemporánea
►Literariamente, el naturalismo y el realismo
son similares
►Actuacionalmente, son diferentes:
 Naturalismo: vida sin retoques
 Realismo: fuerte conflicto con lo social, con las
máscaras sociales o mentiras sociales o vitales

51. Estilos
►El realismo como estilo sobrevive gracias a
que asimila elementos de otros estilos, y los
integra dentro de sí
►No existe la realidad objetiva, sino los
puntos de vista: ¿desde qué perspectiva se
cuenta la historia?

52. Realismo
►¿Provoca una ilusión de realidad?
►¿Los elementos que aparecen en pantalla
nos muestran la “vida” real?
►¿Están sujetos los personajes a las mismas
reglas que los espectadores?
►¿Intenta tocar la problemática profunda del
ser humano en toda su complejidad?

53. Realismo
►¿Muestra las minucias de la vida cotidiana?
►¿Hace un uso coloquial del lenguaje?
►¿La construcción de los personajes está
basada en la psicología moderna?

54. No Realismo
► ¿Pide a los actores que “desaparezcan” del
escenario para dar lugar exclusivamente a los
personajes?
► ¿Cuestiona la existencia de una realidad “objetiva”
y exalta las apreciaciones “subjetivas” de la vida y
sus inevitables contrastes?
► ¿Subraya la inconsistencia y la multiplicidad del
comportamiento humano?
► ¿Tiene elementos no realistas?

55. No Realismo
►Absurdo
►Expresionismo
►Impresionismo
►Surrealismo
►Realismo mágico
►Realismo virtual

56. Dirección Conceptual
►Texto: estructura de la superficie, lo que
percibimos a través de los sentidos
►Subtexto: estructura profunda, lo que
impulsa a un personaje a decir un texto o
realizar una acción
►Contexto: complemento del texto y subtexto
como código; un cambio de contexto altera
los significados originales

57. Dirección Conceptual
►El arte busca el refinamiento total tanto en
fondo como en forma
►El artesano parte de lo conocido, para llegar
a lo conocido
►El artista parte de lo conocido, para llegar a
lo desconocido.

58. Dirección Conceptual
►Análisis de género
►Análisis de estilo
►Análisis de tema
►Concepto de dirección: idea o conjunto de
ideas que servirán como guías de acción.
Serie de abstracciones y generalidades.
Forma o idea para contar la historia.

59. Dirección Plástica y Expresiva
►Consisten en las soluciones de la Dirección
Conceptual
►Dirección Expresiva: trabajo con los actores
►Dirección Plástica: Puesta en Escena o
Montaje
 Requiere documentarse sobre el autor
 Hacer lecturas sobre el género y el estilo
 Leer varias veces el texto

60. Dirección Plástica y Expresiva
►Mientras más lejos del realismo, más riesgos
y exigencias para actores y público
►¿Qué necesita un actor de un director?
 Hacer el reparto correcto: conocer a los actores,
sus temperamentos, sus posibilidades técnicas,
los elementos que pueden aportar a la escena.
Esto se logra a través de una audición, de
ejercicios o de un taller previo

61. Dirección Plástica y Expresiva
 Creación del personaje: no sólo como
concepción realista palpable, sino también como
energía, atmósfera, o símbolo. El actor necesita
de un concepto o idea rectora, por lo que puede
haber un debate entre el actor y el director. El
director hace el análisis de todos los personajes
 El actor debe comprender a cabalidad el
personaje
►Comprensión conceptual o teórica
►Comprensión sensible

62. Dirección Plástica y Expresiva
 Se debe tener un lenguaje común con los
actores. La comprensión conceptual parte de
que el actor escriba, explique o teorice sobre la
historia del personaje. El problema del director
es transformar estos conceptos en realidad
escénica en el cuerpo, voz, energía y
sentimientos.
 El actor debe tener la vivencia para comprender
el espíritu de la obra, de acuerdo al tema y al
concepto

63. Dirección Plástica y Expresiva
►También es necesario vivenciar las
situaciones de la obra
►Luego viene un tiempo de concreción
►Se debe diseñar un plan de montaje: actor,
personaje, escena
►El actor debe comprender las escenas, y sus
tareas escénicas, que son los deseos o
motivaciones del personaje

64. Dirección Plástica y Expresiva
►El director es un líder con una postura
activa y abierta, que sopesa fuertemente
sus decisiones desde afuera
►Es un escucha receptivo, para recibir
propuestas desde dentro de sus actores, sus
personajes o de sí mismo
►Es un motivador para disparar los estímulos
para que el actor realice ciertas acciones
►Es un espectador profesional

65. Dirección Plástica y Expresiva
►Prepara a los actores para que enfrenten las
exigencias de la puesta en escena
►Es audaz, paciente y creativo
►El teatro es un conjunto de lenguajes,
entendiendo lenguaje como una forma de
transmitir un mensaje, que maneja un canal
y establece un código.

66. Dirección Plástica y Expresiva
►Lo que está en escena significa algo:
material, pasión, abstracción
►Todo en la pantalla puede tener distintos
planos y niveles de significación
►Todo debe ser controlado y ordenado por la
razón y la conciencia