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1. MUSICA
La música "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del
término, elarte de organizar sensible y lógicamente una combinación
coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de
la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos
procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando
desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la
poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas
se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya
que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias
artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse
musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin
de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar
sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas. La música
es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo
sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento,
comunicación, ambientación, diversión, etc.).
MUSICA ELECTRONICA
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea para su
producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología
musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido
producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando
tecnología electrónica que también puede ser mezclada. Ejemplos de
dispositivos que producen sonido electro mecánicamente son el telarmonio,
el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos
puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin,
el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma
de música culta occidental, pero desde finales de los años 1990, la
disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la
música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular.
En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y

2. compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta
formas populares como la música electrónica de baile.
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de
música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El
primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo,
patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar
sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo.1
En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros
similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros
durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en
1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran
importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo,
diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica,
inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales
eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas
aplicaciones.
Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre
los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno
musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños
electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de
instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico
llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue
desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo,
como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se
suele considerar como el primer instrumento electrónico elTheremin,
inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2
Otro
primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo
conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier
Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente
franceses, como Andre Jolivet.
Nueva estética de la música[editar]
Artículo principal: Ferruccio Busoni

3. En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio
Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba
sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del
futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música,
posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo mediante una larga y
cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído,
puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la
generación venidera, y para el arte".
Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto
personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y
compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.
Futurismo[editar]
Artículo principal: Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación
desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de
valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos
sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera
remotamente como musicales. El "Manifiesto Técnico de la Música
Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es:
"presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los
trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los
automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema
musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad".
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El
arte de los ruidos" (en italiano en original, "L'arte dei Rumori"). En 1914,
organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó
su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas,
cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran
manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En
junio se organizaron conciertos similares en París.
1920–1930[editar]
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos
así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El

4. primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin
(nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue
posteriormente renombrado como el Theremin. Gracias a él se realizaron
las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a
aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En
1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para
Theremin y Orquesta, interpreatada por primera vez por la Orquesta de
Cleveland y Leon Theremin como solista.
Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por
Maurice Martenot, quien debutó en París.3
El año
siguiente, Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos,
aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera
inacabada Mr. Bloom.
La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el inventor
estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que
utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un
desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una
empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a
producir el Órgano Hammond, basado en los principios
del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de
reverberación.
El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo
posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar
un sonido a partir de una onda de sonido.
En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos
primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo
Tommaso Marinetti y otros.
1940-1950[editar]
Música concreta[editar]
Artículo principal: Música concreta
Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético
de baja fidelidad (lo-fi).4
y a comienzos de los años 1930 la industria

5. cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación
de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas.5
En esta época la
empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primermagnetófono de
cinta práctico, el "Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin Radio Show en
agosto de 1935.6
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la
técnica AC bias, que incrementó dramáticamente la fidelidad de las
grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. Extendió en
1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró
la relación señal/ruido hasta 60 dB7
sobrepasando cualquier sistema de
grabación conocido en aquel tiempo.
En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo.8
No
obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania
hasta el final de la Guerra, cuando varios de estos aparatos fueron
capturados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y otros. Estos
grabadores capturados sirvieron de base para los primeros grabadores de
cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, el Model
200 producido por la empresa Ampex.
La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras
para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era
relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproducción
mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Más
importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad
que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al
revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la
cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen
continuamente determinados patrones de material pregrabado. La
amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá
las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que
múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra
posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para
convertirse en máquinas de eco para producir de modo complejo,
controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación (lo que es
prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos).

6. Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o
magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición
llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos
de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados
conjuntamente. Las primeras piezas de "musique concrète" fueron creadas
porPierre Schaeffer, quien colaboró con Pierre Henry. En 1950, Schaeffer
dio el primer concierto (no emitido) de música concreta en la École Normale
de Musique de Paris. Posteriormente ese año, Pierre Henry colaboró con
Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra
importante de música concreta. En París en 1951, en lo que se convertiría
en una tendencia global, RTF creó el primer estudio para la producción de
música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una
ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.
Elektronische Musik[editar]
Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en 1991
Artículo principal: Karlheinz Stockhausen
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en
1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música
Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más
famoso del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951,
después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert
Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se convertiría en su primer
director, hasta 1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns
Hartman
Cursos de
Verano de Darmstadt

7. Los compositores d
Pousseur y Karlheinz
Stockhausen.
El programa comprendía las siguientes piezas:
 Karlheinz Stockhausen: Estudio II
 Herbert Eimert: Glockenspiel
 Goeyvaerts: Composición No. 5
 Pousseur: Sismogramas
 Gredinger: Formantes I y II
 Karlheinz Stockhausen: Estudio I
 Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido
En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik
und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar
música enteramente desde señales producidas electrónicamente. De esta
manera, la elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a
la musique concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de
fuentes acústicas.
Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música
electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant garde, cuando
se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de
instrumentos tradicionales. Ejemplos significativos son Mixtur (1964)
y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen afirmó que sus
oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de
"espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de
ensueño fantástico".
Música electrónica[editar]
Si bien los primeros instrumentos eléctrico como el Ondes Martenot,
el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad
a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido
conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años
tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron

8. a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo
institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último
equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos
dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un
nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de
tecnología musical durante las siguientes décadas.
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo
Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru
Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la
posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia
finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología
que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de
un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique
concrète que Pierre Schaefferhabía aventurado el mismo año. En 1949,
Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes
posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizarcualquier tipo de onda de
sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un
instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese
mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un
grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental
utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros estaban Toru
Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony,
empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía
contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica
para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros
compositores comoYasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai
también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y
1953.
Música electrónica estadounidense[editar]
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para
diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal
Intersection de Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos,
metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.

9. El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela
de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David
Tudor y Morton Feldman) y duró tres años hasta 1954. Durante esta época,
Cage completó su Williams Mix, en 1953.