La música electrónica se originó con el desarrollo de instrumentos electrónicos y tecnología de grabación a finales del siglo XIX y principios del XX. A medida que la tecnología se hizo más accesible desde 1960, la música electrónica ganó popularidad, abarcando desde la música experimental hasta el baile. Los pioneros en Japón comenzaron a experimentar con la música electrónica en la posguerra, apoyados por instituciones, y ayudaron a sentar las bases de la industria musical japonesa.

1. Eslectronica
historia
La música electrónica' es aquel tipo de música que emplea para su producción e
interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse
entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología
electrónica también puede ser mezclada. Ejemplos de dispositivos que producen sonido
electromecánicamente son el telarmonio, elórgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de
sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de
sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero
desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que
la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música
electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta
experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.
Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, si bien no es
absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue
el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos
visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo.1
En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott.
Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de
disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música
electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula
termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la
emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las
tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban
diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos.
Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone)
fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su
inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico
el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2 Otro primitivo
instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía
Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses,
como Andre Jolivet.
FUTURISMO
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una

2. idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo
a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como
musicales. El "Manifiesto Técnico de la Música Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece
que su credo es: "presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los
cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas
centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad".
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El arte de los ruidos"
(en italiano en original, "L'arte dei Rumori"). En 1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos"
en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas,
cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y
proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.
Música electrónica japonesa
Si bien los primeros instrumentos eléctrico como el Ondes Martenot, el Theremin y el Trautonium eran
poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían
tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra
Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que
contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último
equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical
que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el
desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos
compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la
posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Hacia
1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados
dentro de un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había
aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con
grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea
"manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada
drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que
querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros
estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía
acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música
electroacústicaelectrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros
compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando
con música electroacústica entre 1952 y 1953.
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