música electrónica

1. Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX
Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica,
si bien no es absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de
grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de
Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de
nuevo.1
En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato
de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner
desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente
tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo,
diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906,
que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la
computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Nueva estética de la música
En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Alexander iskenderian
publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de
fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las
escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo
mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del
oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación
venidera, y para el arte".
Comoconsecuenciade este escrito,así comoa través de sucontacto personal, tuvo Busoni
un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo
Edgard Varèse.
Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo
diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar
de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido
considerados ni siquiera remotamente comomusicales.El "Manifiesto Técnico de la Música
Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: "presentar el
alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros
transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes
temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la
electricidad".

2. El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El arte de los
ruidos" (en italiano en original, "L'arte dei Rumori"). En 1914, organizó el primer concierto
del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como
"instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos,
gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y
megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.
1920-1930
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las
primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el
Etherophone, fue creado por Léon Theremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en
Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin. Gracias a él se
realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas
realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger
compusosu Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpreatada por primera
vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista.
Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot,
quien debutó en París.3
El año siguiente, Antheil compusopor primera vez para dispositivos
mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera
inacabada Mr. Bloom.
La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A.
O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta
magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens
Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos.
Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium junto
a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación.
El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una
imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un sonido a partir de una onda de
sonido.
En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros
exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti y otros.
1940-1950
Música concreta
Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja
fidelidad (lo-fi).4
y a comienzos de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a
convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células
fotoeléctricas.5
En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer

3. magnetófono de cinta práctico, el "Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin Radio Show en
agosto de 1935.6
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC bias,
que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una
frecuencia alta inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4
hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB7
sobrepasando cualquier sistema
de grabación conocido en aquel tiempo.
La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos,
compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy
confiable, y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio
conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la
misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse
al revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse
diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados
patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla
expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción,
permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra
posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en
máquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran calidad efectos
de eco y reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios
mecánicos).
Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para
desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta técnica
consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales
grabados conjuntamente. Las primeras piezas de "musique concrète" fueron creadas por
Pierre Schaeffer, quien colaboró con Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el primer
concierto (no emitido) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris.
Posteriormente ese año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un
homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. En París en 1951, en
lo que se convertiría en una tendencia global, RTF creó el primer estudio para la producción
de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera,
Orpheus, para sonidos y voces concretos.
Elektronische Musik

4. Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en 1991
Artículo principal: Karlheinz Stockhausen
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y
posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de
Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del
mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951, después de que el físico
Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert
(que se convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director de la
NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo año de su
creación, 1951, nuneacinórtceleacisúmedsoidutsesoremirpsolsoditimsnartnoreuf
edonareVedsosruCsolnesodatneserpyoidaraiporpaledonitrepsevamargorp
.tdatsmraD
Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de
Colonia se convirtió en un emblema del avant garde, cuando se empezó ya a combinar
sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. Ejemplos
significativos son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen
afirmó que sus oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de
"espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".
Música electrónica
Si bien los primeros instrumentos eléctricos como el Ondes Martenot, el Theremin y el
Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial,
algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao
Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón
comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo
institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de
grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que
fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio
japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.

5. Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces comoTokyo Tsushin Kogyo K.K.)
en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo
independiente escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para
producir música hacia finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una
tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un
pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer
había aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un
instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar
cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que
con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año,
Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de
músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos
Sony. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y
estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La
compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para
mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como
Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con
música electroacústica entre 1952 y 1953.
Música electrónica estadounidense
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes
composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de Morton Feldman. Esta
pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de
sonido.
El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuelade Nueva York
(John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman) y duró tres años
hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su Williams Mix, en 1953.
Música estocástica
Artículo principal: Iannis Xenakis
Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de ordenadores utilizados para componer
música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis
comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o música estocástica, un método
de componerque emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos.Seutilizaban
diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis
utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de
los glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero posteriormente
pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y
ST/48 para orquesta.

6. Mediados hasta finales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en
ser publicada como banda sonora.
En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la
creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro
Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad
de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.
La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta
completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.9
El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, que fue diseñado y
construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el
CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un
repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar
composiciones más elaboradas.
El impacto de los computadores continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson
compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser
compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición.
Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien
desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología de vocoder fue otro importante
desarrollo de esta época.
En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de
Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue
la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog.
El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los
primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, requería una extensa
programación, y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer
sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula
termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el
Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde sigue actualmente. Posteriormente,
Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento
musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.
1960-1970
Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica
sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del
sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de
compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se había

7. establecido y estaba creciendo. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening
para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos
electrónicos, piano y percusión. En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical
tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo
acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de
"cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte.
El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla. Apareciendo en 1963, fue
producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick.
El theremin había sido utilizado desde los años 20, pero mantenía una cierta popularidad
gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los
años 50 (por ejemplo The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años
60, el theremin hizo apariciones ocasionales en la música popular.
En Reino Unido en este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió
como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en
la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más
influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en
1963 del tema central de Doctor Who, compuesto por Ron Grainer, según algunos la pieza
más conocida de música electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se
encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain,
John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo
que incluye bandas sonoras, atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para
BBC TV y sus emisoras de radio.
El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music Studio de Jerusalén (~1965). A la
derecha, el sintetizador Hugh Le Caine.
En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea, y
en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el
centro.10
Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada
Composition for Synthesizer), que fue creado mediante el RCA en el CPEMC. La
colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. En

8. 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Fue asistido
por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró
la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con
otros miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony
Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica,
en 1964 en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.
Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos.Uno de los más importantes avances tuvo
lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador
analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music
introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog,
que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose muy popular.
Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach de
Wendy Carlos.
En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de
Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su
programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión,
investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e
imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real
mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y
video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.
Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años
1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los
que estaban Gordon Mumma y Robert Ashley, por individuos comoDavid Tudor hacia 1965,
y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier
y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro,
fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969.
En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica
en vivo.
Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros
en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock
hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el
escenario como en grabaciones de estudio.
Sintetizadores

9. Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su
búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador,
el "Sintetizador Modular Moog" (en inglés: Moog Modular Synthesizer).13
El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue
presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante
la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen)
celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el
negocio despegó.
La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años,
haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob
diseño y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del
Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con
transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el
MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog
Sanctuary, etc.
Moog no supo gestionar bien su empresa y ésta pasó de tener listas de espera de nueve
meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la
empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos
musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño
poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.
En 1967, Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la
construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió
construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano
programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la
combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ).
Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de
los 70' pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya
establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados
dirigidos al mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio
(MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó
diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg.
1970-1980
En 1970, Charles Wuorinen compuso 'Time's Encomium', convirtiéndose en el primer
ganador Premio Pulitzer por una composición completamente electrónica. Los años 1970
también vieron cómo se generalizaba el uso de sintetizadores en la música rock con
ejemplos como Pink Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer.
Nacimiento de la música electrónica popular

10. A lo largo de los años 70, bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento
de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de
los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo y The Residents
crearon sus propias cajas de ritmos. También en los años 70 diferentes bandas de rock,
desde Genesis hasta The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de
rock.
En 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más
amplio con su hit pop "Cars" del álbum The Pleasure Principle. Otros grupos y artistas que
contribuyeron en esta época significativamente a popularizar la música creada exclusiva o
fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk, Depeche Mode, Jean Michel
Jarre, Mike Oldfield o Vangelis.
Nacimiento del MIDI
En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una
interfaz a través del que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el
ordenador principal. El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface).
En agosto de 1983, la especificación 1.0 de MIDI fue finalizada.
La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla,
controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un micro ordenador se pudieran
activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma
sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el
compositor.
Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado
Max, que posteriormente sería incorporado a Macintosh (Dave Zicarelli lo extendió a
Opcode)14
para control de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica
estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera un mínimo conocimiento de
programación informática.
Síntesis digital
En 1979 la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI (Computer Musical
Instrument), el primer sistema práctico de sampler polifónico digital. En 1983, Yamaha
introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7. Utilizaba síntetis de modulación
de frecuencia (síntesis FM), probada por primera vez por John Chowning en Stanford a
finales de los años 1960.
1980 - 1990

11. Crecimiento de la música dance
Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación
exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha
continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de
todo el mundo.
Avances
En los años 1990, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de
ordenadores interactivos. Otros avance reciente es la composición Begin Again Again de
Tod Machover (MIT y IRCAM) para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que
miden los movimientos físicos del chelista. Max Methews desarrolló el programa
"Conductor" para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema
electrónico.
Desde 2000
Qlimax, un evento de música electrónica masivo que se celebra anualmente en Holanda
A medida que la tecnología informática se hace más accesibley el softwaremusicalavanza,
la producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación
con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su
práctica utilizando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA
para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando
ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, que en su época
facilitaron el acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por músicos con grandes
recursos económicos, han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas
electrónicas usadas para la creaciónmusical.Por ejemplo, durante los años 90 los teléfonos
móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no
solo para generar los Ringtones de sus equipos, sino que permitieron a sus usuarios
algunas herramientas de creación musical. Posteriormente, los cada vez más pequeños y

12. potentes computadores portátiles, computadores de bolsillo y PDA´s abrieron camino a las
actuales Tablets y teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de
tono, sino el de otras herramientas como samplers, sintetizadores monofónicos y
polifónicos, grabación multipista etc. que permiten la creación musical en casi cualquier
lugar.