1. LOS ISMOS

2. CARACTERISTICAS
• El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se
denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo,
sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas.
• Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden
cronológico.
• Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo
anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del
XIX.
• El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año
en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los
Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a
temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos.
• El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para
las corrientes del siglo XX.

3. Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863. Óleo sobre tela.

4. Impresionismo

5. El impresionismo se da a conocer en 1874 en una exposición
celebrada en París en el estudio del fotógrafo Nadar.
En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón oficial, un
grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet, Pisarro, Degas, Morisot,
Renoir y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer
un arte nuevo que rompa con el academicismo y la tivialidad artística
imperante en la época.
Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado de la
crítica y del público. Un cuadro de Monet titulado "Soleil levant,
Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al crítico Leroy para
bautizar al nuevo movimiento con el nombre despectivo de
"impresionismo".

6. Antes de esa primera exposición hubo un período inicial de formación de
unos quince años durante el cual se fueron cuajando las bases que
definen este movimiento.
El grupo impresionista realizó siete exposiciones más, en 1876, 1877
(que mostró el momento de mayor cohesión del movimiento), 1879,
1880, 1881, 1882 y en 1886. A lo largo de esos años dejaron el grupo
algunos de los pioneros (Cézanne, Renoir, Monet, Sisley) y se
incorporaron otros (Gauguin, Redon, Cassatt, Seurat, Signac).
El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos
y también llegó a EE. UU.
Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o puntillismo,
también conocido como postimpresionismo o neoimpresionismo.

7. CARACTERÍSTICAS
•Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen
ninguna importancia.
•Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter descriptivo. Búsqueda
de la claridad y la luminosidad.
•Indiferencia por el tema, la única preocupación es la luz y el color fugaces.
•Búsqueda de la belleza de la sensación directa: las formas se plasman de modo
no acabado, impreciso y vaporoso, llegando incluso a desmaterializarse.
•Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor
sale al campo con su caballete en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los
colores.
•Representación plástica de la vibración óptica de la luz.
•Rechazo de los colores oscuros, el negro queda proscrito.
•Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo: Monet. Catedral
de Ruán).

8. Claude Monet Palacio de Mula en Venecia (1908)
Óleo sobre lienzo. 62 x 81.1 cm. National Gallery of Art.

9. Post Impresionismo
(o Neoimpresionismo)

10. Bajo el nombre de Neoimpresionismo o
Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias
y estilos.
Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos
que responden a las inquietudes de los diferentes
artistas.
A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado
y definido, sino que la obra de cada uno de ellos
responde a la individualidad de sus planteamientos.
Hay una influencia del arte oriental. En 1868 Japón se
abre a Occidente.
Las muestras de los ukiyo-e-hanga ofrecen una
alternativa en la que encuentran una nueva forma de
realidad.

11. Katsushika Hokusai, La gran ola de Kanagawa,
1823-1829, grabado, Metropolitan Museum of Art, New York.

12. Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas
obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
• Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a
diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo.
• El color se aplica en grandes superficies planas sin matización
y sin perder intensidad en la lejanía.
• Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e
incluso volumen.
• Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo.
• Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de
instantánea.
• Cobra importancia el dejar sin cubrir.
• Hay una nueva organización de espacio: se usa la diagonal y
la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se
van escalonando.

13. El Puntillismo
Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en pintar a base de
pequeños puntos de color puro. En la octava exposición del impresionista
de 1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio
de Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y
teóricas. Félix Feneon ya habló de "Impresionismo Científico" y Chevreul
aportó su obra escrita Libro sobre la complementaridad de los colores.
Ahora la Naturaleza hay que verla con los ojos de la mente. Hay que
superar la concepción retiniana para incidir en una más conceptual. Este
es el punto de partida para el arte abstracto posterior.

14. Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887, óleo sobre tabla, 25 x 16 cm, París,
Musée d´Orsay.

15. Diferencias con respecto al Impresionismo:
• La imagen adquiere una entidad desconocida
• La obra parte del "plein air", pero a diferencia del
Impresionismo se termina en el taller.
• Se recupera la división entre obra definitiva y boceto.
• Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y
rigidez, lo que potencia la pérdida de la
espontaneidad.
• Hay una marcada tendencia a la esquematización de
formas y a los volúmenes simplificados.
• Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos.
En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa,
ya que la luz era la que incidía sobre los cuerpos.

16. Fauvismo

17. Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907.
La primera exposición tiene lugar en París en el Salón de Otoño de
1905 y alcanza su climax en 1906 en el "Salon des Indépendants".
La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el
que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores,
encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura
alejado de todo principio académico.

18. CARACTERÍSTICAS
• Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color.
• Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar
lo esencial interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del
cuadro.
• Énfasis cromático mediante colores puros, saturados,
principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin
referencia al tema o a su figura.
• Eliminación de la perspectiva espacial.
• Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y
africana).
• Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva
e intuitiva, con predominio de colores complementarios.
• Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en
motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de
artesanía.

19. El Cubismo

20. Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis
Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios
del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo,
paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos".
El cubismo tiene sus bases en Cézanne.
La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra
de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón".
Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis
objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente
debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo.
Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad,
limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que
el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se
expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación
formal del color de su tradicional carácter descriptivo.

21. Las características de un nuevo lenguaje:
En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son
descubrimientos:
1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen:
Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión
global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes
volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota
también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por
eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en
un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano
en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal
albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional
visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un
mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo
ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil
o desde cualquier otro ángulo significativo.

22. 3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado
por la descomposición del volumen.
4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones
suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques.
Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los
objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de
ellos
5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las
composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son
traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las
formas y la mente del pintor las simplifica.
6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy
importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador
acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del
mundo visual externo. Los pintores cubistas vuelcan esta
experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata
de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el
artista.

23. Neoplasticismo

24. Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o
movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética
renovadora basada en la depuración formal.
El planteamiento básico de este movimiento queda
perfectamente claro en la frase programática de uno de
sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la
naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”.
Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el
"Primer manifiesto" del movimiento.
Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la
nueva estética y que posteriormente denominaría
"Neoplasticismo".

25. CARACTERÍSTICAS
• Búsqueda de la renovación estética y de la configuración
de un nuevo orden armónico de valor universal.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas
coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del
equilibrio.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo,
azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.

26. Dadaísmo

27. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término
que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y
fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía
cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad
y de todos los valores establecidos hasta entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta
rumano Tristan Tzara.
Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York,
donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp.
La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un
nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados ready-
mades).
A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este
movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.

28. CARACTERÍSTICAS
• Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos
por la tradición y también por la vanguardia fauve y
expresionista (actitud anti-arte).
• Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de
materiales (collage y décollage) y objetos de desecho
cotidiano.
• Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y
cualquier canon impuesto.
• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo
e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la
identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
• Liberación del subconsciente (se produce una transición al
surrealismo y al arte semi-abstracto).
• Motivaciones de disociación.
• Auge del disparate.

29. Surrealismo

30. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera
guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca
todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó
en la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L.
Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus
planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis
Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores.
En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton,
que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad
y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales
y científicos por medio del automatismo psíquico.
La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los
procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido
todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la
cultura burguesa.

31. CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en
las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo
desaparece en el llamado "surrealismo abstracto").
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la
magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el
tiempo como en el espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su significación
tradicional (principio de la "desorientación"), el observador
queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma
cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la
"discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza
de un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.