Temas para la educación

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LAS TENDENCIAS ARQUITECTÓNICAS DEL SIGLO XIX
Con motivo del tema tratado en el aula de Historia del Arte de segundo de
Bachillerato, “Arquitectura Contemporánea”, decidimos proponer al alumnado la
elaboración de un trabajo relacionado con alguno de los aspectos, arquitectos,
tendencias constructivas, etc de la Arquitectura realizada desde la época Neoclásica
hasta nuestros días. Uno de los trabajos mejor presentados se correspondía con la
arquitectura desarrollada a lo largo del siglo XIX, el cual se planteó subdividido en
cinco apartados, que abordaban la arquitectura historicista, la arquitectura del hierro, la
escuela de Chicago, el desarrollo de los “Arts and Crafts” y el Modernismo.
1. ARQUITECTURA HISTORICISTA
El Neoclasicismo había sido el arte de la Academia, era el reflejo de la ideología
Ilustrada orientada por la razón. Los arquitectos neoclásicos corrigen la exageración
del arte precedente (Barroco y Rococó) y separan el clasicismo de la imaginación.
Winckelmann fija en el plano teórico la noción de lo clásico, la racionalidad pura, es
decir la correspondencia de la forma con la función constructiva.
Como alternativa a este universalismo clasicista guiado por la razón, surge el
movimiento romántico, que exalta el sentimiento frente a la razón, tiende al
nacionalismo, al liberalismo, favorece la originalidad y creatividad, etc. Dentro del
movimiento romántico se encuadra la arquitectura historicista, que recupera el
lenguaje arquitectónico del pasado (incorporando algunas características del siglo XIX)
y tiene predilección por lo exótico, lo pintoresco y lo legendario. Su obra-manifiesto es
“Las siete lámparas de la arquitectura”, de Ruskin. La arquitectura ecléctica mezcla
estilos para dar forma a algo nuevo. Destacan corrientes como la neogótica,
neobizantina, neomudéjar, neobarroca, etc.
Los países del Norte de Europa encuentran en el Neogótico su auténtica identidad,
sus raíces históricas medievales (intentan desmarcarse del arte oficial-clasicista). Así,
buscan la belleza formal en la verticalidad del gótico y su lógica constructiva en el
funcionalismo. Ruskin llegó a afirmar en 1885: “No me cabe la menor duda de que el
gótico septentrional del siglo XIII es el único estilo que se adapta a los trabajos
modernos, en los países nórdicos”. Un magnífico ejemplo de este espíritu gótico será
el “Parlamento de Londres” (foto superior), con su famosa “Torre del Reloj”, obra de
Charles Barry y Augustus Pugin, que buscan la identidad británica a través del
Neogótico. También hay variantes orientales, como el neogótico-indio, como
ejemplifica el “Pabellón Real de Brighton”, obra de John Nash (1752-1835).
En Francia, el máximo propagandista del retorno al gótico fue Viollet-Le-Duc que
llevará a cabo la restauración de las principales catedrales góticas francesas, como
“Chartres”, “Reims” o “Notre Dame” de París. Viollet-Le-Duc es un racionalista que
también proyecta edificios partiendo del sistema constructivo gótico en los que emplea
el hierro como material básico.

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Paralelamente a estos revivals historicistas, en muchos países mediterráneos se
mantendrá una arquitectura que permanecerá más fiel al pasado clásico, así columnas
y entablamentos seguirán utilizándose sobre estructuras clásicas con armaduras de
metal. Sin embargo, hay elementos decorativos en las fachadas (figuras modeladas en
argamasa, hierros entrelazados decorativamente) que nos hacen intuir el deseo de
deshacerse del rigor Neoclásico. Este nuevo barroco contenido (Neobarroco) lo
apreciamos claramente en la “Opera de París” (1875) de Carlos Garnier (foto superior).
En España, destacó la corriente neomudéjar, como expresión de un estilo propio y
nacional.
2. ARQUITECTURA DEL HIERRO
Con la Revolución Industrial se producen nuevos materiales en grandes
cantidades y a bajo precio que son fáciles de transportar, incluso en forma de
elementos prefabricados, como son las planchas de vidrio, los segmentos metálicos,
etc. Destacan el hierro y el vidrio (el cemento a finales del XIX), que se usarán tanto de
soporte como para cubrir amplios espacios.
La aplicación del hierro a una estructura neogótica había sido empleada por
Viollet-Le-Duc, si bien también lo vemos en el “Museo de la Ciencia de Oxford” (1850),
construido por Deane y Woodward. Pero las mejores aplicaciones de la arquitectura
del hierro las encontramos sin lugar a dudas, en las Exposiciones Universales, en las
que los países intentan ofrecer su mejor carta de presentación. Por ello los
arquitectos-ingenieros construyeron pabellones funcionales, con los más avanzados
medios técnicos, mostrando la mejor sabiduría constructiva posible. Aquí está la clave
que modificará la construcción tradicional.
En el concurso para la Exposición de Londres de 1851, el ganador fue Joseph
Paxton con su “Palacio de Cristal” (foto izq.) realizado con materiales prefabricados,
con lo que se ahorraba tiempo y dinero. Paxton realiza arquitectura con los
procedimientos de la ingeniería, además logra, en el plano estético, revalorizar el
desarrollo dimensional, liberando a la geometría del peso de la masa, al realizar una
arquitectura transparente, eliminando así la distinción entre espacio interior y exterior.
Su obra servirá de prototipo para la mayoría de los Palacios de Cristal europeos y para
todos los demás pabellones destinados a usos semejantes.
En la Exposición de París celebrada en 1889, la “Galería de las Máquinas”
sorprendió por su increíble anchura, la mayor luz conseguida hasta entonces en arco o
bóveda alguna. Pero mucho más controvertida fue la “Torre del ingeniero Eiffel” (foto
dcha.), levantada como un orgulloso monumento a la técnica. Si bien fue criticada por
la mayoría de sus contemporáneos, acabará convirtiéndose en el símbolo del París
moderno, representando a una nueva sociedad en transformación.
A finales del siglo XIX se difunde la construcción en hierro y vidrio, lo que supondrá
una nueva forma de proyectar y organizar la obra arquitectónica, como ejemplifica el
“Jardín de Invierno” de los Campos Elíseos, “El Puente de Brooklyn” en New York
(1883), el “Puente de Edimburgo” (1890), etc.
3. LA ESCUELA DE CHICAGO
Al mismo tiempo que en Europa se está desarrollando la arquitectura del hierro,
América ofrecía un panorama muy prometedor. Contaba con una gran ventaja con
respecto a Europa puesto que su suelo era virgen y sus edificios no debían ceñirse a
ningún estilo pasado por lo que éstos podían diseñarse según las necesidades del
presente. De este modo construyen para el futuro, levantando ciudades con largas
avenidas y con edificios de gran altura, naciendo así los rascacielos como alternativa
funcional. También por primera vez los arquitectos emprenderán la renovación, y no
los ingenieros u otros intrusos.
En el último tercio del siglo XIX se forma en Chicago la escuela americana más
importante de arquitectura, que se afanará en reconstruir esta ciudad tras el incendio
ocurrido en 1871.

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El pionero de esta nueva concepción constructiva es Richardson, cuya obra más
destacada son los “Almacenes Marshall” (1877) en la que vemos una sobriedad de
volúmenes que influirá en los arquitectos contemporáneos. William Le Baron Jenney,
Daniel Burnham y John Wellborn Root investigan sobre los nuevos materiales con el
fin de obtener una arquitectura moderna que crezca en altura a través del dominio de
la técnica, precedente del funcionalismo.
Sullivan será el arquitecto más influyente de la Escuela de Chicago, puesto que
antepone la funcionalidad a la estética, premonición de lo que será la arquitectura
racionalista. Para comprender la grandeza anticipadora de este arquitecto hemos de
comparar su obra con los edificios coetáneos europeos, por ejemplo los “Almacenes
Carson” (foto pág. anterior), de 1889 en los que refleja una total coherencia entre la
organización interna y las fachadas. Sullivan tiende a remarcar las bandas verticales
de sus edificios, como vemos en el “Guaranty Building de Búfalo”, anunciando en sus
obras los rascacielos del siglo XX. También es un anticipador del Modernismo, puesto
que ornamenta ciertas partes de sus edificios con detalles naturalistas de
reminiscencias góticas.
4.WILLIAM MORRIS Y LOS “ARTS AND CRAFTS”
Paralelamente al desarrollo del funcionalismo de Chicago y a las búsquedas
europeas, en Inglaterra surge, a mediados de siglo, un movimiento que influirá
definitivamente en el diseño arquitectónico e industrial de fin de siglo. Se trata de la
obra de William Morris y sus “Arts and Crafts” (artes y oficios), que suponen una vuelta
a la artesanía. Morris plasma su pensamiento en una arquitectura que vuelve a la casa
de campo humilde, nacida de un núcleo, al que se le van agregando añadidos,
anticipándose a la búsqueda del verdadero carácter orgánico de la arquitectura.
Un ejemplo de este tipo de arquitectura sería la “Red House” (foto superior) que
William Morris encarga a Philip Webb. En esta casa se configura la obra de arte total,
tanto interior como exterior, así se diseñan los muebles, el papel de la pared, los
muros exteriores, el jardín, etc. Es un arte decorativo que usa líneas serpenteantes y
asimétricas.
En la idea integradora de todas las artes, Morris quería que el jardín fuera como
una habitación más de la casa. Es el primer paso para integrar la naturaleza con la
arquitectura, que tendrá su máximo exponente en arquitectos como Le Corbusier o
Mies van der Rohe.
Este movimiento estético reformista influirá en la arquitectura, las artes decorativas
y las artesanías británicas y norteamericanas e incluso en el diseño de jardines.
Influirá claramente en el sentido decorativo del modernismo.
5. EL MODERNISMO
El contexto europeo de la última década del siglo XIX será muy favorable para que
la arquitectura europea salga de la crisis en la que estaba sumida. Así, los pintores
ejemplifican la ruptura con el pasado, haciendo creaciones en las que plasman una
total libertad creadora. Además, había un cansancio del historicismo, el eclecticismo y
los “Arts and Crafts” no satisfacían, los arquitectos cada vez usaban más los nuevos
materiales de manera creativa, etc.
Todas estas circunstancias desembocan en el nacimiento del modernismo, estilo
propio de ciudades desarrolladas en el que la burguesía muestra su entusiasmo por el
progreso tecnológico. No hay un programa común que defina el movimiento puesto
que los artistas elaboran sus propios lenguajes expresivos. De todos modos, hay
ciertas características que comparten, como son el deseo común de liberarse del peso
de la historia, la superación de la dicotomía artesanía-industria (ahora se le da la
misma importancia al diseño de vajillas, de muebles, de la decoración, etc que a la
arquitectura), el protagonismo de la decoración orgánica mezclando naturaleza y
abstracción, el entusiasmo por el progreso industrial llegando a integrarlo en el diseño
de la urbe, etc.

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El modernismo recibe diferentes nombres, dependiendo del país; así, en Bélgica y
Francia se denomina Art Nouveau, en Alemania Jugendstil, en Austria Secesión
vienesa, en Italia Liberty, en Inglaterra Modern Style y en España Modernismo.
Victor Horta es el pionero del modernismo en Bélgica y en toda Europa. Con su
“Casa Tassel” de Bruselas (foto superior) (1895-1900) fija las bases del nuevo
vocabulario a través de la ornamentación sinuosa y orgánica, en donde lo curvo cobra
gran importancia. Henry Van De Velde será el continuador de su obra, planificando su
estética, fundada en la razón. Van De Velde diseña desde edificios hasta muebles y
objetos de adorno (joyas, carteles…), llegando a dirigir la primera gran escuela de
diseño moderno, la Werkbund, de 1907.
En Francia, Héctor Guimard creará las “bocas del metro de París” (1900) con un
estilo floral que une la idea de progreso (metro) con la decoración artística, la “Casa
Guimard” (1912), el “Castel Béranger”, etc.
Dentro del Modern Style Inglés, Charles Rennie Mackintosh somete la exuberancia
curvilínea del Art Nouveau a una geometrización, consiguiendo así una arquitectura
grandiosa y serena heredera de Morris. Entre sus obras están la “Hill House” en
Helensburgh, “The Mackintosh House” o la “Escuela de Arte” de Glasgow.
La “Secesión vienesa” es un grupo artístico fundado en 1897 por Otto Wagner,
Gustav Klimt, Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffmann y Koloman Moser.
La Secesión no cae en una moda decorativa sino que precede a la futura arquitectura
protorracionalista y protofuncionalista, realizando arquitecturas esquemáticas,
compuestas por elementos clasicistas, simples y simétricos. Otto Wagner realiza
edificios como la “Caja Postal” (1905), la “Iglesia de Steinhof” (1906), o la “Casa de
Mayólica” (1898), todos ellos situados en Viena. Joseph Maria Olbrich realizará la
“Casa de la Secesión” de Viena, construcción compacta y geométrica con una
decorativa cúpula metálica. Josef Hoffmann entrará ya en la variante protorracionalista,
su obra principal es el “Palacio de Stoclet” de Bruselas (1911) con una gran riqueza
decorativa interior.
En España, el Modernismo tiene lugar en Cataluña, zona desarrollada
industrialmente, de la mano de Antonio Gaudí; si bien su estilo se aleja de la línea
modernista europea o catalana, cultivando un lenguaje muy personal.
Su clientela es la rica burguesía industrial de la Barcelona de principios del siglo
XX. Sus primeras obras tienen influencias historicistas a las que les añade un lenguaje
onírico y fantástico, como vemos en la “Casa Vicens” de Barcelona (1883-88), de estilo
neomudéjar o en el neogótico “Palacio Episcopal de Astorga”. Simultáneamente se
manifiesta en él su amor a la naturaleza, como vemos en las paredes onduladas de la
“Casa Batlló” de Barcelona o en la “Casa Milá”, llamada también “La Pedrera” (foto pág.
siguiente) en donde Gaudí rompe la racional ortogonalidad de las habitaciones,
diseñando pasillos curvos y superficies trapezoidales. Entretanto, iba realizando dos
de sus obras de mayor empeño: “El Parque Güell”, singular obra de ingeniería,
urbanística y arquitectura, ciudad-jardín que se anticipa a las ideas de Howard, y “La
Sagrada Familia” a la que Gaudí consagró media vida, si bien sólo pudo ver una
pequeña parte: la Fachada del Nacimiento, en el extremo de uno de los brazos del
crucero.
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