Unidad 2_ Referetes para crear (1).pptx

Unidad 2: Referentes para crear
ARTE MODERNO Y VANGUARDIAS
ARTÍSTICAS
SIGLO XX
Artes Visuales - Tercero Medio

• No hay una fecha en la que todo el mundo coincida. Es más, que no haya una fecha es en sí mismo un dato
importante: la modernidad no sucede de un día para el otro, sino que su llegada es un proceso donde hay
varios momentos importantes.
• Lo primero que hay que tener en cuenta es un concepto básico: lo habitual es que lo moderno se considere
en oposición a lo clásico.
• Lo moderno tiene que ver con el mirar hacia el futuro rechazando todo lo que ha sido enseñado hasta el
momento. Por eso la modernidad empieza cuando hay una ruptura con la “academia” (una palabra que
habla de la tradición, de la enseñanza rígida de las normas clásicas de la representación).
• El primer quiebre sucede cuando el artista sale en busca de la “experiencia directa”, quiere tener su propia
experiencia (no la que le imponen en la academia).
• Y cuando empieza a importar el artista (lo que él mismo ve, lo que él mismo siente) más que la cosa
representada (que hasta ahora se representaba según como se enseñaba en la academia) empieza entonces
a nacer el arte moderno.
• El artista ya no es sólo un talentoso, sino que empieza a poner mucho de sí en la obra. El artista empieza a
ser lo que hoy consideramos un “artista”.
¿Cuándo empieza el arte moderno?

Hay quienes consideran el Almuerzo como la primera obra de la
modernidad, ya que escandaliza a casi todo París y a su vez
deslumbra a los jóvenes que iniciarán el impresionismo (por ser
algo completamente nuevo y que muestra algo decididamente
“real”, muy diferente de lo “ideal” que se enseña en la academia”).
Tengamos en cuenta que el impresionismo es considerado por
muchos como el primer movimiento decididamente moderno.

• Presentada al salón de 1863 la obra fue rechazada por escandalosa ya que el desnudo no
estaba dentro de una iconografía mitológica, sino que se encontraba entre dos hombres
vestidos a la moda de la época celebrando un picnic.
• Las obras rechazadas se expusieron en el "Salón des Refusés" ( de los rechazados)
• FIESTA CAMPESTRE
• Existe una influencia en la iconografía de la "Fiesta campestre“ de Tiziano o Giorgione y
también de las Hilanderas en la composición .
• Iconografía.
• En un zona clara del bosque aparecen cuatro personajes que han ido a almorzar. Dos
hombres jóvenes elegantemente vestidos siguiendo la moda hablan con una mujer
sentada sobre una tela azul ( Victorine Meurent también modelo en Olimpia) que mira fija y
descaradamente al espectador.
• Una cuarta protagonista , una bañista con camisa sale del río. Esta figura parece grande
para el plano que ocupa en la profundidad, debería ser más reducida según el sentido de la
profundidad.
• En el primer plano encontramos una naturaleza muerta una cesta con frutas , un pan (
el desayuno ) y la ropa azul que se interpone entre los protagonistas y el espectador. En el
ángulo de la esquina izquierda una rana símbolo de la lujuria .

Impresionismo y postimpresionismo

• Los historiadores del arte consideran que el impresionismo es el
comienzo de cuando comienza el arte moderno. Con origen en
Francia en la década de 1860, el impresionismo continuó hasta finales
de la década de 1880. Los impresionistas trabajaron para capturar las
escenas de la vida cotidiana de la clase media, centrándose en un solo
momento en el tiempo. Los artistas impresionistas descartaron las
pinturas en tonos tierra y las pinceladas planas del realismo. Estos
pintores optaron por utilizar una paleta más viva, aplicada con
toques cortos de color.
• Fascinados con la luz natural y el color, estos artistas modernos
experimentaron pintando al aire libre, sin el uso de sombras negras o
de claroscuro. Las pinturas a menudo se recortaban influenciadas por
la fotografía y la era moderna.
Impresionismo (1870- 1880)

Paul Cèzanne
Probablemente la popularidad de las
innovadoras obras de Corot, dio paso
al movimiento pictórico
Impresionista, en cuyos inicios
participaron artistas como Manet,
Monet, Degas, Renoir y Cèzanne. Sin
embargo, éste último pintor,
considerado como el padre del arte
moderno, pronto comenzó un camino
estético personal con el que nació el
estilo neo o post-impresionista.
Cèzanne (1839-1906) intentó conseguir una síntesis ideal de la
representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico
abstracto, es decir, una operación de simplificación y síntesis de la
realidad a través de grandes cubos delimitados por anchas superficies.
Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha
ejercido una influencia más profunda en el arte del siglo XX.
Álamos, (1879-82), óleo sobre lienzo de Paul Cezanne.

Cèzanne y la geometrización
Con esta obra, Cèzanne se
sitúa a un paso del Cubismo
al emplear un facetado que
más tarde utilizarán Braque y
Picasso. La Montaña apenas es
perceptible, confundiéndose
con el cielo que la rodea
mientras que las
construcciones de sus faldas
se han convertido en un
maremagnum de rápidas
pinceladas de diferentes
tonalidades con las que se
pretende crear formas y
volúmenes. La línea ha
desaparecido para dejar paso
al color, aplicándose la
teoría cezanniana de que "la
forma alcanza sólo su
plenitud cuando el color
posee mayor riqueza".
“Montaña Sainte-Victoiré”, (1904-06), óleo sobre
lienzo del pintor francés Paul Cezanne.

Vincent Van Gogh y el paisaje de la
angustia
Este uno de los trabajos más
conocidos de Van Gogh. En primer
plano contemplamos el punto de
unión de los tres caminos que
parten hacia diferentes
direcciones; entre ellos, limitados
con una línea verde que
corresponde con las hierbas y la
maleza, hallamos los campos de
trigo en todo su esplendor,
iluminados por la luz nocturna que
tanto atrajo a Vincent.
Casi la mitad superior de la tela está ocupada por un cielo oscuro,
excepto dos manchas arremolinadas que se aclaran ligeramente. Los cuervos
revoletean por el trigal, obtenidos con trazos negros que acentúan su
esquematismo. La factura rápida y empastada ocupa toda la superficie del
lienzo, poniendo de manifiesto todo su más extremo sentimiento. Van Gogh
admitió que quería expresar tristeza y una extremada soledad con este
trabajo, debido a la dramática situación que atravesaba su hermano Theo y
de la que él se sentía responsable.
“Trigal con cuervos”, (1890), óleo sobre lienzo del pintor
holandés, Vincent Van Gogh.

• Propio del arte occidental. El arte moderno surge en Europa como consecuencia de la
Revolución industrial y se extiende hasta Estados Unidos manteniéndose como un
fenómeno occidental.
• Contraposición al arte académico entendido como la tradición artística clásica occidental.
• Interés por otras culturas. Si bien el arte moderno se opone a las tradiciones occidentales
del arte académico, una de sus fuentes de inspiración y experimentación son las
tradiciones artísticas de otras culturas.
• Innovación constante. Se experimenta con nuevos temas, materiales, técnicas y procesos.
• Desarrollo del comercio del arte. Conceptos como el marchante o la galería de arte nacen
y se desarrollan junto al arte moderno.
• Mecenazgo burgués. El rol de los artistas cambia a medida que la burguesía intelectual
sustituye a las instituciones políticas y religiosas como principal cliente.
• Nuevo concepto de arte. Se cuestionan los límites y funciones del arte ampliándose el
concepto de lo que es arte.
Características de arte moderno

• El arte por el arte. La función principal del arte deja de ser la de transmitir los mensajes
políticos y religiosos oficiales. Los artistas procuran crear obras cuyo valor resida en sí
mismas.
• Independencia de la naturaleza. Con la aparición de la fotografía los artistas plásticos van
abandonando gradualmente la imitación de la naturaleza y la representación figurativa.
• Intención artística. Se producen deformaciones deliberadas. No se trata de faltas técnicas,
sino de decisiones artísticas consecuencia de la introspección estética del artista.
• Abierto a múltiples interpretaciones. Una vez que las obras se alejan de la representación
figurativa y el observador no puede reconocer las figuras, estas introducen al observador a
un plano más imaginativo y espiritual.
• Prolífico. Como consecuencia de la experimentación constante surgen multitud
de movimientos artísticos y vanguardias.
• Diversidad. Lo único que tienen en común todas estos nuevos movimientos del arte moderno
es que no existe una tendencia general ni temática, ni técnica, estética que los unifique.
• Profundamente revolucionario y a consecuencia de ello a menudo impopular y rechazado por
las instituciones oficiales y el público general.
Características de arte moderno

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX
Vanguardia es un término de origen militar, usado para referirse a la parte más adelantada de un ejército.
Se señala el origen de la palabra vanguardia en la voz francesa avant-garde, que, por su parte, pasó al español
antiguo como “avanguardia”, conformada por “aván”, (de avante), y “guardia”.

• El término vanguardia hace alusión a las corrientes artísticas
que plantean una ruptura con las formas establecidas
• Comienzan en 1905 hasta el año 1945 con la finalización de la
segunda guerra mundial
•Desarrolladas desde 1905 hasta el final de la II Guerra
Mundial (1945).
•Movimientos surgidos en Europa.
•Tras la I Guerra Mundial (1914-18) se alcanza el momento
clásico de las vanguardias.
•– Fuerte conmoción intelectual en toda Europa, sobre todo
en Francia y en Alemania.

•Transformación técnica y económica producto de los efectos
de la Segunda Revolución Industrial: electricidad y petróleo.
•Surgimiento de nuevas potencias: Estados Unidos, Alemania,
Gran Bretaña, Japón.
•Nuevos medios de transporte: el automóvil.
•Desarrollo del comercio y de la economía.
•Revolución en el campo del saber: Freud y el psicoanálisis.
•Tras la guerra del 14, la sociedad occidental se cuestiona los
valores sobre los que se ha asentado tradicionalmente.
•Ruptura en el arte con los estilos anteriores.

•Ruptura con la tradición
•Rechazo del naturalismo en el arte
•Lenguaje plástico original
•Espíritu libertario
•Espíritu de provocación
•Introducción del humor y del sarcasmo
•Proclamación de la autonomía del lenguaje plástico
•Justificación por medio de manifiestos
•Carácter conceptual
•Influencia del arte no occidental
•Breve duración
CARACTERÍSTICAS DE lAS VANGUARDIAS

• En el siglo XIX Europa se movía en un escenario de transformación y
tensiones políticas, económicas y sociales derivadas de la revolución
industrial, el capitalismo, el imperialismo, el nacionalismo, la
masificación de la sociedad y la secularización.
• Junto a esto, la invención de la fotografía y, más tarde, del cine,
supuso un golpe para las artes. Si hasta entonces el arte occidental se
dedicaba a la imitación de la naturaleza, ¿a qué se dedicaría en la
“era de la reproductibilidad técnica de la imagen”?
• Para los artistas de finales del XIX crecía la necesidad de encontrar un
nuevo sentido al arte, así como la voluntad diferenciadora de estilo.
Esto se expresó en el impresionismo, el postimpresionismo, el
expresionismo y el fauvismo. Pero, a pesar de sus innovaciones, estos
movimientos aún estaban atados a ciertas prerrogativas del arte
tradicional.
Contexto histórico de las vanguardias artísticas

LÍNEA DE TIEMPO
Fauvismo
(1905-1907)
Expresionismo
(1905-1913)
Cubismo
(1907-1914)
Futurismo
(1909-1914)
Dadaísmo
(1915-1922)
Surrealismo
(1924-1939)
Abstraccion
(1917)
Pop Art (1954)
Op Art (1965)
Land Art
(1968)
Segundas vanguardias

FAUVISMO
• Movimiento pictórico que surge en Francia.
• La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis
Vauxcelles denominó a un grupo de pintores, encabezado por Henri Matisse, por su
técnica violenta en el uso de colores.
Preponderancia
del color sobre el
dibujo
Desaparición de
los focos de luz y
la profundidad
Tendencia
al plano
único
Arte Subjetivo
Eliminación de la
perspectiva
espacial
Temas
siempre
suaves, nada
agresivos.
Los colores no
corresponden a
la realidad

•1869-1954.
•Influencias del Impresionismo, de Van Gogh, Cezanne y del
neoimpresionismo.
•El color se organiza en campos independientes y delimitados
buscando, mediante la estridencia, nuevas armonías y
sensaciones.
•La organización del espacio a base de planos de color sugiere
las distancias físicas, los movimientos y los afectos.
HENRI MATISSE

•1875-1947.
•Soluciones más tradicionales que
las de Matisse: utiliza grandes
masas cromáticas y pocas
pinceladas para sugerir paisajes
y escenas.
ALBERT MARQUET
Matisse pintando.

•1880-1954.
•Puntos de vista elevados.
•Colores arbitrarios, pero
formando armonías y
disonancias bien
coordinadas.
ANDRE DERAIN
Puente de Hungerford
desde Charing Cross

•1876-1958.
•Cuadros apasionados,
ejecutados con pinceladas
cortas vibrantes.
•-Admirador de Van Gogh.
•Después de 1908 se vio influido
por Cezanne y por el realismo
expresivo de los pintores
nórdicos.
MAURICE DE VLAMINCK
Restaurante
en Rennes-le Roy.

EXPRESIONISMO
• Movimiento Artístico que surge en Alemania.
• Toda obra que expresa el sentimiento íntimo, el estado de ánimo de su autor, es
antecedente del movimiento expresionista, como las pinturas negras de Goya o la obra de
Van Gogh. Su principal exponente es Edvard Munch.
Primacía de la
expresión subjetiva
del pintor.
Manierismo formal
que lleva a la
deformación, a la
exageración, a la
distorsión.
Colores intensos y
estridentes, como
con colores oscuros,
pardos o grises.
Pincelada violenta,
empastada, agresiva.
La temática tiende
hacia lo prohibido, lo
morboso, lo
pervertido, lo sexual,
lo agobiante
Consideran que la
sociedad está
enferma y
corrompida,
agresivo.

•1863-1944
•Noruego.
•Patriarca del expresionismo.
•Estilo: curvas sinuosas, colorido arbitrario, sensación
opresiva.
•Obsesionado por la enfermedad y la muerte.
•Otros temas: deseo sexual, visión problemática de la mujer.
•Reflejó como ningún otro pintor la angustia y la
desesperación.
EDVARD MUNCH

La cama del difunto (Edvard Munch)

•60-1949.
•Belga, heredero de la
tradición pictórica
flamenca: gusto por lo
anecdótico y lo
burlesco.
•Especializado en lo
absurdo y lo brutal.
Significados enigmáticos
o irreverentes.
JAMES ENSOR
La intriga

La entrada de Cristo en Bruselas

Esqueletos disputándose un ahorcado

•1871-1958
•Preocupaciones
religiosas y morales.
Colorido oscuro.
•Formación como
vidriero: gruesas líneas
de enmarque.
Caricaturas.
GEORGE ROUAULT
Mujer desnuda

•1867-1956
•Pintura religiosa
brillante.
•Color anti naturalista.
•Distorsión formal.
EMIL NOLDE
Crucifixión

CUBISMO
Esencia geométrica, olvidando
emociones y sentimientos.
Reduce formas y
volúmenes a sus
esquemas geométricos
básicos.
Descompone objetos y
vuelve a componerlos
de manera diferente
Recupera la línea y los
planos y elimina la
perspectiva
renunciando al espacio
y al modelado.
En un primer momento
simplifican el color en
una visión casi
monocroma, de tonos
neutros castaños, grises
y pardos.
•Movimiento artístico que surge en Francia
•Encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

• 1907-1912: Cubismo analítico.
• 1912 en adelante: Cubismo sintético: las formas y colores se transforman en el objeto.
• Se invierte el proceso anterior.
• Ruptura con el espacio tridimensional del Renacimiento y de la sensación volumétrica:
• Búsqueda de la bidimensionalidad del cuadro, que es un plano.
• Ruptura con la representación de la naturaleza: el cuadro tiene sus propias leyes y se
justifica por sí mismo.
• Ruptura con la visión estática y el punto de vista único: visión simultánea del objeto:
• Incorporación de la 4ª dimensión: el tiempo.
• Sacrificio de la luz y el color en beneficio de la ordenación racionalista del cuadro.
• Utilización, a partir de 1912, de nuevos materiales: collages.
• Creación de una realidad pictórica autónoma.
• La geometría es sólo un instrumento para buscar la esencia misma de las cosas, no es un
fin en sí mismo.
CUBISMO

Analítico
La pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los
colores en este momento no interesaban pues lo
importante eran los diferentes puntos de vista y la
geometrización, no el cromatismo.
Sintético
Son más sencillas de entender en cuanto a que son
más figurativas, se ve claramente lo que se
pretende representar. Los objetos ya no se reducen
a volúmenes y planos expuestos en diversas
perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se
reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los
caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no
serían lo que son.
Hermético
Algunas obras parecen casi abstractas. El color no
ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas
veces convencionales, no relacionados con el
auténtico color del objeto. La imagen representada, en
definitiva, era ilegible, casi imposible de ver.

CUBISMO ANALÍTICO
Casas de Horta de Pablo Picasso
(1909)
Mujer con mandolina de Georges
Braque (1910)

El hombre de la pipa
(Pablo Picasso)
CUBISMO SINTÉTICO
Bodegón con botella de Burdeos
(1919) - Juan Gris

Las diferencias entre cubismo analítico y
cubismo sintético
Para resumir, podemos ver claramente algunas diferencias claras entre cubismo analítico y cubismo
sintético:
✅ El cubismo analítico y el cubismo sintético son dos etapas consecutivas dentro del movimiento
cubista. El segundo se considera una evolución del primero.
✅ En el cubismo analítico se desarman las figuras minuciosamente al punto de que no se entiende lo
que se representa.
✅ En el cubismo sintético, en cambio, el artista descompone los objetos en sus partes representativas,
siendo así más simple y más figurativo que el anterior.
✅ En el cubismo analítico los colores pasan a un segundo plano ya que no se preocupan por ellos.
Son apagados y en muchos casos monocromías.
✅ En el cubismo sintético los colores son más brillantes y están determinados por los materiales que
contenga la técnica principal de collage.
✅ En el cubismo analítico se pintaban las obras principalmente con óleo en lienzo.
✅ En el cubismo sintético además de pintura al óleo se usan papeles, telas, madera, cartón, entre
muchos otros materiales.

CUBISMO HERMÉTICO
Mandolina y guitarra (Pablo Picasso)

• 1881-1973
• Primera etapa de aprendizaje: hasta 1900.
• Formación en Barcelona y en París.
• Domina el dibujo y el color.
• Preocupación por el mundo humilde.
PABLO PICASSO
Primera Comunión

• En 1900 viaja a parís para completar su formación.
• Desde 1906 evoluciona desde su primer impresionismo hacia el
brillante colorido fauve.
• En 1907 conoce a Picasso y descubre, en los bodegones de Cezanne,
que era posible controlar el espacio y la luz.
• Desde 1909 Picasso y Braque trabajan juntos hasta 1914.
• Tema principal: la naturaleza muerta.
GEORGES BRAQUE
1882-1963

• Nacido en Madrid.
• Eliminó la luminosidad de los
colores: la pintura se aplica
como superficie mate que
refuerza la sensación de
estructura arquitectónica, al
propio tiempo que reafirma su
propia naturaleza como
pintura.
JUAN GRIS
Guitarra y clarinete

• Nace en Italia con la publicación del “Manifiesto futurista de Marinetti y finalizó al acabar la I
Guerra Mundial (1918).
• Principal exponente Filippo Tomasso Marinetti
FUTURISMO
Se rebeló contra el
arte convencional
existente. Pretende
destruir la obsesión
por lo antiguo.
Exaltación de todo
lo joven y lo nuevo.
Desprecio por la
vulgaridad y la
mediocridad.
Ninguna figura es
estable: aparece y
desaparece
rápidamente.
El ser humano deja
de ser el centro de
todas las cosas.
Empleo de colores
muy brillantes.
Cuadros muy
luminosos.

GIACOMO BALLA
1871-1958
Automóvil+velocidad+luz

Dinamismo de un perro
(Giacomo Balla)

GINO
SEVERINI
1883-1966
Expansión de la luz,
centrífuga y
centrípeta

UMBERTO BOCCIONI
1882-1916
Dinamismo de un partido
de fútbol

• Surgió como reacción intelectual ante los destrozos producidos por la I Guerra Mundial.
• Fundado por Tristán Tzara que le dará el nombre de una alocución infantil como afirmación
de lo absurdo de la situación.
DADAISMO
Empleaba formas
artísticas aunque
pretendía ser un
movimiento antiartístico
y antiliterario.
Reacción
desesperada,
inconformista y
nihilista que explotaba
el absurdo recurriendo
al mal gusto y a la
provocación.
Utilizaban cualquier
técnica y tema para
escandalizar al
espectador.
Escritura y
pintura
automática para
alejarse de ideas
preconcebidas.
Autores: Duchamp,
Schwitters.

• Desarrollada entre 1916 y 1922.
• Surgió como reacción intelectual ante los destrozos producidos por la I Guerra Mundial.
• Fundado por Tristan Tzara que le dará el nombre de una alocución infantil como
afirmación de lo absurdo de la situación.
• Empleaba formas artísticas aunque pretendía ser un movimiento antiartístico y
antiliterario.
• Reacción desesperada, inconformista y nihilista que explotaba el absurdo recurriendo al
mal gusto y a la provocación.
• Utilizaban cualquier técnica y tema para escandalizar al espectador.
• Escritura y pintura automática para alejarse de ideas preconcebidas.
• Autores: Duchamp, Schwitters.
DADAISMO

MARCEL DUCHAMP
1887-1968
Paso de virgen a esposa
Creador de los
“ready-made”:
objetos realizados
con elementos
de la vida cotidiana.

KURT SCHWITTERS
1887-1948
Construcción para señoritas
Creó una forma de composición
que él denominaba “Merz”,
uniendo, como un collage,
objetos cotidianos.

El psiquiatra
(Kurt Schwitters)

MAN RAY
1890-1976
Un regalo
Utilizó, sobre todo, la
fotografía como forma
artística.

• Surge de la mano de André Breton y la revista “Litterature” con Aragon, y Elouard.
SURREALISMO
Aplicación del sistema de
Freud al arte:
psicoanálisis y pintura
automática. Intento de
plasmar el mundo de los
sueños. Del inconsciente:
Animación de lo
inanimado.
Metamorfosis.
Aislamiento de
fragmentos anatómicos.
Máquinas fantásticas.
Erotismo y sexualidad.
Dos corrientes:
surrealismo figurativo y
surrealismo abstracto

• La I Guerra Mundial tambalea los supuestos sobre los que se ha edificado la civilización europea.
• Surge de la mano de André Breton y la revista “Litterature” con Aragon, y Elouard.
• Intento de dar mayor envergadura al movimiento Dadá:
• Necesidad de investigar en la creación de un nuevo arte para un hombre nuevo.
• Aplicación del sistema de Freud al arte: psicoanálisis y pintura automática.
• Intento de plasmar el mundo de los sueños. Del inconsciente:
• Encuentro del sueño y la realidad en un estado superior: el surrealismo.
• Precedentes plásticos: El Bosco, Brueghel, “Los Caprichos” de Goya.
• Características comunes, a pesar del automatismo:
• Animación de lo inanimado.
• Metamorfosis.
• Aislamiento de fragmentos anatómicos.
• Máquinas fantásticas.
• Confrontación de objetos incongruentes.
• Perspectivas vacías.
• Evocación del caos.
• Erotismo y sexualidad.
• Ruptura con las convenciones sociales.
• Autores: Dalí, Miró, Magritte, Delvaux, Tanguy, Ernst.
• Dos corrientes: surrealismo figurativo y surrealismo abstracto.
SURREALISMO

SALVADOR
DALÍ
1904-1989
• Nació en Figueras, Gerona.
• Estudió en la Academia de Bellas Artes de Madrid.
• Se instala en París en 1929: ingresa en el
grupo surrealista.
• Elabora las bases de su pintura “crítico-
paranoica”.
– Técnica muy precisa.
– Colorido brillante y muy luminoso.
– Representación de objetos, paisajes y personas con
un realismo casi fotográfico.
– Asociaciones insólitas entre los elementos del
cuadro, en la atmósfera onírica y delirante de sus
obras: gran diferencia con la tradición.
• Desde 1945 Dalí comercializó su obra
repitiendo sus viejas fórmulas estéticas.

Figurativo:
Es una
tendencia pictórica y escultórica dentro del
surrealismo, caracterizada el uso de formas
reconocibles características del arte figurativo,
incluso con detallismo fotográfico, pero para
dar lugar a escenas oníricas, absurdas,
monstruosas o vinculadas al subconsciente,
totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Sus principales representantes son Salvador
Dalí, René Magritte, Max Ernst, Paul Delvaux,
Estéfano Viu, entre otros.
Salvador Dalí
Abstracto:
Tendencia pictórica dentro del surrealismo,
caracterizada por aplicar el «automatismo» puro,
de manera que se pierde toda
representación figurativa y, en lugar de ello, los
artistas inventan universos figurativos propios.
Principal Exponente:
Joan Miró

El gran masturbador (Salvador Dalí)

Construcción
blanda con
judías

Sueño causado por el vuelo de una abeja
alrededor de una granada un segundo antes del
despertar

Muchacha en la ventana
(Salvador Dalí)

RENÉ MAGRITTE
1898-1967
• Tendencia surrealista belga.
• Influencia hacia 1926 de la pintura metafísica.
• Combinación de modo extraño de lo insólito y
lo cotidiano, lo erótico y lo macabro.
• Estilo propio conseguido mediante la
violación sistemática de los límites entre la
realidad y la apariencia.
• Pintura de un gran efecto inquietante.
¿Qué es el surrealismo?

El hijo del hombre(René
Magritte)

JOAN MIRÓ
1893-1983
•
• En sus comienzo, influencia del fauvismo, de Cezanne y
de Van Gogh.
• Desde 1919 combina el cubismo sintético con el sentido
del humor.
Paso decisivo en 1923-24: cuadros llenos de elementos
figurativos personales, líricos y emotivos.
• Elementos reconocibles mezclados con lo fantástico.
• Tras 1945 su lenguaje se hace más abstracto, más
denso.
• Recuerdo figurativo en la línea del horizonte que
va desapareciendo a lo largo de sus obras.
• Desarrolla su mundo personal de estrellas, lunas, ojos y
espirales.

Campesino catalán
con guitarra

El pájaro relámpago
cegado por el fuego
de la luna

• Las vanguardias evolucionaron hacia la pérdida de la figuración en su camino de
experimentación.
• La fotografía suplío suficientemente la imitación de la realidad.
• Era necesario encontrar nuevas formas plásticas desligadas de las leyes tradicionales de
la figuración y el espacio.
• A partir de estas investigaciones van a surgir dos vías diferentes:
• Abstracción geométrica: Neoplasticismo y Constructivismo.
• Abstracción lírica.
ABSTRACCIÓN

Nace a través de la
revista holandesa “De
Stijl” (El Estilo), en 1917.
Se caracteriza por la
exigencia de combatir el
individualismo en nombre
de una común necesidad
de claridad, certidumbre y
orden.
Basado en una rigurosa
urdimbre ortogonal.
Utilización de colores
planos y elementales (rojo,
amarillo y azul) y de los no
colores (blanco y negro).
Autores: Mondrian y
Van Doesburg.
Nacido en Rusia
como
fermento social previo a la
revolución de 1917.impulsor
del Constructivismo fue
Tatlin. Propugnaban
la
abolición del arte en cuanto
que representaba la estética
burguesa. Incitaban a los
artistas a dedicarse a una
actividad útil, de ahí la
funcionalidad
constructivismo
del
en
arquitectura o
escultura.Fueron pioneros en
lo que hoy llamaríamos
diseño industrial.
Corriente pictórica que
llega a la
abstracción, pero
no renuncia a expresar
sentimientos a través del
color y de las formas. Cada
artista combina, de
forma personal,
los
distintos
elementos que aparecen en
la pintura. Existe un
universo pictórico por cada
artista, pero todos coinciden
en haber roto con la
figuración
tradicional.Autores:
Kandinsky,
NEOPLATICISMO CONSTRUCTIVISMO ABSTRACCIÓN LÍRICA

PIET MONDRIAN
1872-1944
Composición

KASIMIR MALEVICH
1878-1935
Suprema pintura

EL LISSITSKY
1890-1941
Proun 1 C

WASSILY
KANDINSKY
1866-1944
Improvisación 31

ROBERT
DELAUNA
Y
1885-1947
Mujer con sombrilla.
La Parisina

Una vez terminada la ruptura
con el
arte
tradicional durante la primera mitad de siglo, a
partir de 1945 el arte sigue su camino de
experimentación técnica y estética a través de las
llamadas Segundas Vanguardias.

POP
ART
•El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway
utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al
arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto
principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario.
•Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy Warhol,
que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico.
“Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de
sus obras maestras.

OP ART
El op- art es una corriente artística difundida en EEUU pero
precedida en Europa por numerosas experiencias sobre la
percepción retiniana de imágenes fijas o en movimiento.
Principal exponente: Antonio Lizarazu Balué

LAND ART
• Intenta unir la naturaleza y el arte, interviniendo sobre los paisajes.
•Los primeros en darse a conocer en este ámbito fueron Robert Smithson y
Michael Heizer, quienes emplearon materiales de la naturaleza para el
desarrollo de sus obras artísticas.

BODY ART
•Consiste en el uso del cuerpo humano como vía de expresión.
•Principales exponentes: Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci y Youri Messen-
Jaschin.

HIPERREALISMO
•Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es
un movimiento pictórico surgido en la década de los '60, cuyas técnicas aspiran a
una precisión casi fotográfica.
•El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del
encuadre y la traducción fiel de la escena.
•Principales exponentes: Chuck Close y Richard Estes

ARTE POVERA
• Huye de la comercialización por lo tanto sus
creadores utilizan materiales
“pobres”, de fácil obtención como: la madera, rocas, hojas, etc.
• Sus principales exponentes son: Mario Merz y Jannis Kounellis.

Consiste Salpicar la superficie de la tela (“diping”) mezclando caóticamente
manchas monocromas. Lo verdaderamente importante es la acción creativa
del artista más que la obra en sí
Principales exponentes: Jackson Pollock y Arshile Gorky
ACTION
PAINTING

ARTE MINIMALISTA
• Arte abstracto que intenta expresar el máximo con las formas más sencillas
posibles
• Principales exponentes: Ellsworth Kelly y Agnes Martin.

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