Alexander Sutulov‘s artist book summarizing works and art commissions which have been developed over the past ten years.

1. At e l i e r A l e xa n d e r S u t u l o v
A r t i s t B o o k : : L i b r o d e A r t i s t a
2 0 1 3

2. Cuando le pregunto a un cliente si tiene una
obra:
¿Cómo se da cuenta que es verdaderamente
una obra de arte?
Las respuestas son de las más variadas, en parte
porque se sienten identificados con lo que ésta
transmite de manera magistral, como el colorido
de un paisaje. También existen las posturas más
pragmáticas, donde entienden la plusvalía como
un reflejo del valor intrínseco de ella asociado a
un valor genuinamente artístico, más allá del
gusto personal.
Todas las respuestas son válidas, particularmente
cuando se trata de percepciones personales que
establecen empatías con una expresión plástica
que va creciendo y enriqueciéndose con el
tiempo. Sin embargo, mi respuesta es que hay
algo que está por encima de lo anterior, que se
relaciona con la trascendencia de una obra. Es
decir, cuando aquella manifestación artística en
la forma de una pintura, escultura o grabado se
apropia de un espacio, y el espectador después
de incorporar esa experiencia; nunca más vuelve
a ser la misma persona...
Algunos quedan perplejos ante mi afirmación y
preguntan ¿por qué? A lo cual les respondo que
lo usual o praxis común es el hábito de observar
una obra y apreciar sus aspectos formales en
función de una objetividad, pero cuando una
auténtica obra de arte trasciende en el
espectador, es porque su mensaje va más allá de
lo formal.
¡Entonces es el momento en que la obra lo
empieza a mirar a uno!

3. Entendiendo la pintura en su valor genérico como un “dibujo
coloreado”, la pintura digital a diferencia de la pintura
tradicional, se caracteriza en dos aspectos singulares que
además se potencian entre sí. La primera se vincula con la
noción de un método indirecto donde la superposición de
capas permite establecer relaciones aditivas y substractivas
en los distintos valores tanto tonales como cromáticos. En
segundo término, observamos que las relaciones aleatorias a
partir de la interacción de capas, permite concebir el uso de
imagen de segunda generación. Esta fusión entre la obra
pictórica como método indirecto y la obra gráfica como
imagen de segunda generación, abre un nuevo campo de
exploración plástica que ha ido tomando forma en las últimas
décadas de manera inusitadamente versátil y de desarrollo
exponencial.
Las imágenes que observamos en la parte superior
corresponden a una metodología básica en cómo empezar a
entender los fundamentos de la pintura digital como proceso
constructivo. En su fase inicial, el artista ha creado una serie
de dibujos que han sido confeccionados con técnica mixta
sobre películas de policarbonato especialmente formuladas
para el uso de materiales diversos tales como el grafito,
carboncillo, tinta china, tinta Tusche, crayola litográfica y
todo tipo de pigmento que responde a las distintas
cualidades higroscópicas inherentes a la granulación del
sustrato mencionado.
Las imágenes monocromáticas o dibujos originales que
aparecen en la parte superior se dividen en dos géneros. Las
primeras dos columnas son aplicaciones de aguadas donde la
viscosidad del vehículo permite reticular el pigmento
suspendido en distintos patrones. Desde las antiguas
tradiciones de la litografía de tono continuo, el Tusche,
pigmento de alta densidad, ha sido el sello de muchos
artistas en cómo lograr distintas texturas o cualidades
tectónicas. Es así como observamos la diferencia que se
produce entre una aguada a la piroxilina y una aguada en
base a trementina con aplicaciones de alcohol. En la segunda
mitad observamos un dibujo con carboncillo donde se
implementó primordialmente una técnica substractiva. Por
último, un dibujo con crayola litográfica donde las distintas
densidades se obtienen con graduaciones de viscosidad en
las crayolas en una escala de 1‐7, siendo el 1 más blando y
graso y el 7 más duro menos graso.
En la parte superior observamos los mismos dibujos llevados
a un soporte electrónico para lo cual fueron previamente
digitalizados en alta resolución. Cada dibujo fue convertido
en escala de grises y posteriormente a una modalidad de
quadtone o escala de 4 canales cromáticos. Al momento de
trabajar con una paleta de millones de colores, las
posibilidades son infinitas. A modo de simplificar su
coloración, el artista divide los 4 valores en relación a una
escala tonal en el siguiente orden: sombras, medios tonos
bajos, medios tonos altos y luces. A cada una de ellas por
efecto de curvatura se le asigna un valor cromático que a la
vez tiene un valor tonal. En esta primera fase de coloración
digital, las decisiones del artistas son condicionadas en cierta
medida por las relaciones aditivas y substractivas que se
efectuaran posteriormente.
En la imagen final a la derecha que se denomina: “B.A.T.” o
del francés: “bon à tirer” jerga utilizada en la gráfica que se
entiende como prueba de color efectiva, ejemplifica que
sucede al momento de superponer los 4 dibujos en su
modalidad de quadtones o cuatritonos. Desde luego, los
niveles de interacción por capas son múltiples y sus
relaciones aleatorias presentan el verdadero potencial
creativo que subyace en la utilización de imágenes de
segunda generación.

4. Escultura Energía GASCO / Santiago, Chile 2000:
Producto de la remodelación del edificio
corporativo GASCO ubicado en calle Santo
Domingo Nº1061 durante el año 1999 a cargo de
las oficinas Izquierdo Lehmann Arquitectos, la
presidencia de dicha empresa, comisionó una
escultura que fuese alusiva a la energía que
produce el hombre para su subsistencia.
La base de piedra es la energía contenida en la
tierra, las piernas de acero es la intervención del
hombre y la esfera es la energía pura.

5. Proyecto Cultural TERRITORIA 3000
Santiago, Chile 2006:
En virtud de nuevos centros de negocios ideados
para Santiago como futura capital financiera en
Latinoamérica, la inmobiliaria Territoria
comisionó un anteproyecto que contemplase el
impacto cultural en torno a las inmediaciones de
su edificio proyectado frente la Plaza
Perú, Territoria 3.000.
El anteproyecto planteaba 8 murales emplazados
en el atrio y 8 esculturas emplazadas en el frontis
y patio inglés oriente del edificio.

6. Chile Tierra de la Frontera / Museo Philippi
Valdivia, Chile 2008:
Las obras que forman parte de la colección del
Museo Philippi corresponden a estudios
morfológicos del paisaje chileno que se titulan
“Chile Tierra de la Frontera”. El interés específico
del artista era exhibir en un museo de historia
natural a nivel regional como una instancia de
difusión que promueve e identifica el país.

7. Mural Spirits of the Mind / Santiago College
Santiago, Chile 2012:
Con el traslado del colegio Santiago College al
nuevo campus Los Trapenses, se hizo imperativo
la creación de una obra alegórica que pudiese
cautivar el alma mater del colegio primitivo. Para
ello se ideó un gran mural para ser emplazado en
el futuro Dining Hall. La propuesta iconográfica
se basó en un levantamiento del antiguo campus
Lota junto con un estudio morfológico del paisaje
que rodea el nuevo colegio en el valle de La
Dehesa, cuya fisonomía más distintiva es el Cerro
Manquehue.
Lo anterior se vincula con la proyección que hizo
el arquitecto Guillermo Rosende donde la forma
y orientación de más de 10 edificios que
constituye el nuevo campus, guarda relación con
fel paisaje circundante.

8. Proyecto Mural Historia de la Minería Chilena
Concepción, Chile 2005:
En conmemoración al Bicentenario de la Gran Minería
en Chile (1905‐2005), se inaugura el mural en el nuevo
edificio de Ingeniería Metalúrgica en la Universidad de
Concepción. Proyecto cuyo génesis fue patrocinado y
auspiciado por el Ministerio de Minería, División El
Teniente CODELCO Chile y la mencionada casa de
estudio.

9. Los Andes: columna vertebral de América
Santiago, Chile 2010
Parte de la labor difusiva que cumple el taller del artista
a nivel de arte público, es la creación de proyectos
expositivos que permita contextualizar la obra en
distintos espacios de acceso al transeúnte urbano. Lo
anterior comprende instalaciones que en el caso
particular del proyecto en referencia, se llevo a cabo en
colaboración con el artista chileno, Hugo Marín.

10. Proyecto Diseño Franco Ballotta/ Parque Arauco
Santiago, Chile 1995
Descubrir sintonía entre diseño de vestuario y su
tradición asociado a un pasado histórico fue uno de los
desafíos con el diseño de la tienda Franco Ballotta cuya
marca distintiva era ropa de vestir masculina italiana. El
ícono principal era un mural con la imagen ecuestre de
Marco Aurelio y el gobernador romano Pompeyo. Tanto
la fachada de la tienda como muebles vitrinas y logo
fueron basados en diseños de arquitectura fúnebre
romana republicana.

11. Proyecto Mural San Jorge, Edificio Isidora 1999:
Apología ecuestre cuya imagen central corresponde a
San Jorge s. XIII de Novgorod flanqueado por entradas
triunfales de Marco Aurelio y estudios anatómicos de
Durero. En la parte superior en forma de cornisa, la
imagen es coronada por una procesión de caballeros
Teutónicos. Junto con el mural, se diseñó los sillones de
directorio en Caoba Boliviana, misma madera que se
utilizó en el marco.

12. Proyecto Mural Casa Irina / Curaumilla, Chile 2008
El trabajo en colaboración con arquitectos, diseñadores,
paisajistas, etc. es un aspecto crucial para concebir
obras de gran formato en espacios residenciales o más
privados. En el proyecto Casa Irina se trabajó en
coordinación con el dueño, el arquitecto Andrés
Zauschkevich, donde el entorno morfológico del paisaje
de la casa tuvo un rol preponderante en el diseño del
mural. La imagen se trabajó en 12 estados distintos,
siendo el último, la imagen final del mural.

13. Remodelación oficinas sector
El Golf y Nueva Las Condes
Entendiendo los nuevos estándares de calidad en el
sector inmobiliario caracterizado por las edificaciones
clase A, el montaje y emplazamiento de obras tiene un
valor agregado al momento de implementar diseños
exclusivos que se diferencian de enmarcaciones más
convencionales. Entre los desafíos, se planteó el
montaje de obras sobre papeles libres de vidrio o
monolíticos. El objetivo principal era resaltar la
superficie aterciopelada propia de un grabado.
La nueva propuesta para oficinas se llevan a cabo en
colaboración con Iván Ojeda de Constructora FIC cuya
cartera de clientes se caracteriza por el tipo de oficinas
en referencia.

14. Propuesta Mural Gimnasio Santiago College:
Los espacios de transición que se producen entre la
piscina y gimnasio tienen como punto de
convergencia un atrio con cortina de cristal,
propicio para crear una caja de luz. Para este fin, se
plantea un mural modular, cuya composición
monocromática es en realidad un color compuesto
de 12 tonalidades de rojo, que permita dinamizar su
espectro cromático y tonal de manera profunda.
Entendiendo que el padecimiento de la luz visual es
el rojo, siendo las ondas más cortas (380nm) y
cercanas a los rayos ultravioletas, o un azul que
tiende hacia al rojo y en el caso de las ondas más
largas (840nm), los infrarrojos vecinos al rojo más
intenso de la luz visual. Lo anterior permitirá
establecer la analogía con el dramatismo que
presenta la actividad deportiva como un corazón
colectivo que prepara el atleta para una ardua
competencia.
El sistema modular que iría montado sobre planchas
de terciado marino, serían en su parte posterior
esmaltadas con pintura roja, en un tono rojo cadmio
claro, con equipos de tubos fluorescentes de luz
cálida 2800°K, que permita proyectar y resplandecer
el color del esmalte contra la muralla del fondo. El
mural mismo, que iría impreso sobre tela calidad
museo y con una dimensión aproximada de 5.60 x
5.60mt, generaría así como se puede apreciar en la
imagen, un punto gravitacional que luego se libera
hacia la piscina y escaleras que conducen al
gimnasio en el nivel inferior del edificio.
La muestra adjunta es una impresión de tintas
UltraChrome 3K sobre tela cuya permanencia es
sobre los doscientos años.
Vista lateral : ilustra el mural modular suspendido
con cables de acero y en la parte posterior, se
aprecia luz irradiante producida por equipos de
tubos fluorescentes que proyectan el tono rojo del
esmalte de la parte posterior de los módulos sobre
la muralla. En la imagen de la derecha, se aprecia el
interludio que se produce partir del vano de las
escaleras que conducen al gimnasio y el pasaje de
luz, como espacio de transición hacia la piscina.
La construcción del mural consiste en 32 módulos
verticales de 140cm de alto x 70cm de ancho
compuesto por un bastidor de madera reforzado
por una plancha de terciado marino esmaltado.
Sobre el bastidor va montado una tela calidad
museo CANSON, con una impresión con tintas
UltraChrome 3K. Las dimensiones totales son
5.60mt x 5.60mt x 50mm suspendido por dos cables
de acero por columna (8) que irían unidas entre sí,
permitiendo un aire de aproximadamente de 50cm
tanto en la parte superior como inferior del mural.

15. Propuesta Mural Edificio Costanera Lyon:
Como es de suponer, la ubicación del nuevo edificio
Costanera Lyon es estratégico tanto por su vecindad con el
centro de negocios Costanera Center ‐en construcción‐ y
su legado a una de las calles más representativas del
barrio Providencia como Avda. Ricardo Lyon. Esta
yuxtaposición, que se expresa por medio de su
arquitectura con atrios y espacios amplios y luminosos,
pone sobre el tapete el cuestionamiento sobre el futuro
de una ciudad como Santiago en su contexto de capital
financiera en Latinoamérica.
Frente lo anterior, el propuesto es una conjunción de
fachadas decimonónicas que se entrelazan con arboledas
de plátanos orientales característicos de Lyon. Es decir, la
relación que se produce entre la arquitectura y la
naturaleza es una expresión de civilidad ante la debida
planificación urbana y la jurisdicción de áreas verdes. En
este sentido, el hall de entrada debe serun gran panó que
invite al espectador a una reflexión lúdica sobre esto.
El sistema modular que iría montado sobre planchas de
terciado marino, serían en su parte posterior montado
sobre bastidores de acero esmaltados al horno. El mural
mismo, que iría impreso sobre tela calidad museo y con
una dimensión aproximada de 4.80 x 4.80mt, compuesto
por 8 mòdulos verticlaes de 2.40 x 1.20mt cada uno.
La muestra adjunta es una impresión de tintas
UltraChrome 3K sobre tela cuya permanencia es sobre los
doscientos años.
Uno de los espacios más distintivos del edificio es el vano
que se produce, como espacio conector, entre los
estacionamientos subterráneos y el sector de ascensores.
Lo anterior resuelve un problema cada día más notorio en
edificios de oficinas donde las personas más prominentes
transitan desde el estacionamiento directamente a los
ascensores.
Las vistas verticales que se proyectan permiten suspender
obras que potencien aun más el espacio creando no
solamente un ámbito de luz y transparencia que acoge el
transeúnte, sino además, un despliegue iconográfico que
imprima carácter e identidad al edificio.
La construcción del mural consiste en 16 módulos doble
cara verticales de 120cm de alto x 60cm de ancho
compuesto por dos bastidores de madera entrelazados .
Sobre los bastidores va montado espalda contra espalda,
una tela calidad museo CANSON, con una impresión con
tintas UltraChrome 3K. Las dimensiones totales son 4.80mt
x 2.40mt x 70mm suspendido por dos cables de acero por
columna (4) que irían unidas entre sí.

16. Serie Ultramar / grabado sobre papel de acuarela
1.26 x 2.80mts
Atelier Alexander Sutulov 2012

17. Serie Tierra Volcánica / tintas UltraChrome K3 sobre lienzo / 2.35 x 3.90mts
Atelier Alexander Sutulov 2012

19. “Coihue” y “Ulmo Muermo Voyencum”
levantamiento morfológico de bosque nativo chileno
Atelier Alexander Sutulov 2013

20. Ediciones Limitadas Atelier Alexander Sutulov
La obra seriada de menor formato como también, toda
obra seriada sobre papel es inherente a una relación
más íntima con su iconografía desde el punto de vista
del espectador. Su carácter más delicado asociado a los
medios tonos de un grabado, hace de la obra gráfica un
lenguaje altamente descriptivo. El taller no solamente
pone énfasis en lo anterior, sino además, toda labor
curatorial que gira en torno a una obra seriada; esto es
desde su documentación como certificados de
autenticidad donde se describe su génesis hasta su
presentación final con elegantes portafolios
rotulados.

21. Serie Retratos Romanos:
Serie Retratos Romanos es una exploración de
diversos aspectos idiosincrásicos identificados
por medio de un naturalismo particular a lo
largo de la historia del arte Romano. Pese a la
estilización de sus dignatarios que puede ser
identificada y tipificada por sus diferentes
dinastías tales como: Flavia, Antonino y
Severo, el aspecto medular es la eminente
presencia por medio o a través de lo gestual;
un modelo de civilidad que predetermina la
historia occidental.
Felicior Augusto, cuyo nombre significa: “Que
seas más feliz que Augusto” se refiere a las
dinastías romanas que establecieron las bases
de un legado de gobernabilidad. En los
llamados “cinco buenos emperadores” (96‐180
D.C. / Nerva, Trajano, Adriano, Antonino Pío, y
Marco Aurelio) se distingue una serie de
atributos donde la prudencia y política
moderadas se contrastan con sus sucesores
más bien opresivos y tiránicos; su reinado fue
el cenit en la prosperidad del imperio durante
la Pax Romana.
La síntesis posterior, (Felicior Augusto / Roman
Portrait Series) ilustrada por una composición
de formato cuadrado, forma un tejido
complejo dominado por cualidades
atmosféricas que insinúan un mundo paralelo
del subconsciente colectivo. Indudablemente,
la repercusión de rasgos sucesivos, en
términos de carácter y perseverancia,
constituye una fuente de inspiración basada en
una memoria genética. El aspecto alegórico de
las mencionadas composiciones crean una
nueva dimensión universal y a la vez, un
estado de meditación extemporal que
trasciende hasta nuestra historia
contemporánea.

22. Serie Key Black I:
La definición del paisaje como género es
un hecho recurrente a lo largo de la
historia del arte, donde la información
topográfica o morfológica predetermina el
entorno o ambiente de una idiosincrasia
en particular. Todo esto, entendiendo
aquel fenómeno como una paradoja
propia de la existencia humana. En la
misma medida, la serie Key Black es un
vívido paisaje de morfologías específicas
que tienen por origen dibujos aleatorios
asociados a diversos arquetipos tales
como la serie Tauromaquia y Retratos
Romanos. El ejercicio visual de tejer
elementos formales genera un rico tapiz
de sonidos familiares que, de manera
involuntaria, provoca una sensación
específica. Este trabajo tozudamente se
inclina en la dirección de confrontar y
colisionar las distintas iconografías con el
objetivo de tensionar el elemento
orgánico como una cualidad intrínseca de
un paisaje reconocible.

23. Serie Key Black II:
La introducción del formato cuadrado se
produce al momento de extender una
segunda columna de los 16 paneles
verticales primitivos. El incremento
gradual de abstracción establece un nuevo
campo pictórico donde nuestro “paisaje”
original se sintetiza en variadas formas de
ambientaciones. El enfoque ahora se
vuelca más lírico, en términos de ritmo y
movimiento obedeciendo de esta
manera, a las leyes naturales de los cuatro
elementos. Las fronteras son
repentinamente yuxtapuestas por
transiciones, donde por ejemplo, nuestra
noción del aire se conecta con nuestra
noción del agua y así sucesivamente.
Tensión y distensión se convierten en un
preámbulo de transformación, un instante
previo a lo que está por materializarse.

24. Serie Huilquilemu:
Huilquilemu, término mapuche proveniente de
las palabras wilki: zorzal y lemu: bosque. Es
parte de una iconografía de la serie Chile Tierra
de la Frontera. La temática general se centra
en la morfología del paisaje chileno como un
vehículo para entender desde un punto de
vista orgánico el “exotismo” del nuevo mundo,
así como fue planteado originalmente por el
naturista Alexander von Humboldt y el pintor
romántico Juan Mauricio Rugendas en el siglo
XIX.
Las imágenes exhibidas tienen referencia con
árboles nativos chilenos como sería el caso del
roble chileno, arrayán, araucaria y coihue que
han sido intencionalmente entrelazados con el
objetivo de insinuar siluetas que han marcado
y caracterizado un paisaje hasta nuestros días.
Pese a que cambios substanciales se han
producido desde las primeras exploraciones
del siglo XIX, un sentido de nostalgia
desprende este emplazamiento único que
identifica una remota y particular geografía.
Sumado a la flora nativa, la composición
general ha sido complementada con vistas
notables que definen la singularidad de un
paisaje volcánico exuberante representado por
el volcán activo Villarrica y dramáticas
cascadas de agua como el Salto del León
ubicado en los bosques aledaños.
Desde un punto de vista formal, la encrucijada
entre un grabado tradicional de tono continuo
y una pintura digital con imágenes de segunda
generación, crean un pináculo del lenguaje
gráfico donde coincidentemente se produce
una “panícula floral” caracterizada por un
movimiento y línea que se regeneran
continuamente.

25. Aurelio Octavius / Serie Ecuestre:
Aurelio Octavius es un trabajo de imágenes en
distintos estados basado en los murales de
Marco Aurelio. El contrapunto producido por
la doble corrida de paneles verticales,
establece un diálogo de yuxtaposiciones
recurrentes. Esta continua ambivalencia es la
pauta de un lenguaje sintético que revela la
génesis en la sufusión del color. La
regeneración de imágenes fantasmas, trazadas
por trama y línea, actúa como las fronteras de
una modulación tonal y cromática. Pese a que
los dibujos originales son una variable
constante, el efecto de pasajes de luz
transforma cada estado de imagen en una
obra de temperamento particular. En este
sentido, la transición entre cada estado de
imagen empieza a encerrar una tercera forma.

26. Serie Giacometti:
Estudios basados en el extenso trabajo que
llevó a cabo el artista italo‐suizo, Alberto
Giacometti en función de indagar el otro “yo”
por medio del retrato y figura humana. Los
estudios con números romanos I – VI
corresponden a una primera fase que enfatiza
la relación entre la labor escultórica sobre el
hombre urbano y una serie de retratos de la
madre de Giacometti en su búsqueda
insaciable sobre la persona implícita. En ello,
observamos la complejidad del trazo o
elemento lineal que establece distintos niveles
de abstracción como abreviaciones de una
existencia propia, independiente a los
estereotipos asociados al género figurativo. La
modulación tanto cromática como tonal a lo
largo de los 6 estudios permite entrelazar
diversos espacios pictóricos que revelan una
simbiosis entre el retrato y la figura humana.

27. Biografía.
Alexander Sutulov nació en Concepción, Chile, en 1962. Estudió en
el Instituto de Arte Contemporáneo en Santiago, Chile, desde 1980
a 1984. Continuó sus estudios de arte en el College of Fine Arts,
Universidad de Utah, Estados Unidos, desde 1985 hasta 1987 bajo
el tutelaje de Angelo Caravaglia, como profesor guía,
especializándose en dibujo, pintura, grabado y escultura.
Entre 1988 y 1989, trabajó y colaboró en las cooperativas de
artistas Art Space y Stonehenge, donde se especializó en la labor
escultórica en cerámica, porcelana, madera y metal. Su
experiencia con hornos de alta fundición le permitió aplicar
distintas técnicas gráficas tanto en reducción como oxidación. Esta
etapa también le permitió explorar el trabajo con "forma libre"
principalmente con gres, aplicando técnicas tanto aditivas como
substractivas en sus construcciones de arcilla.
Posteriormente, fue invitado a trabajar como artista
independiente en el Departamento de Grabado de la Universidad
de Nuevo México, Estados Unidos desde 1990 hasta 1992, donde
pudo experimentar y perfeccionar distintas técnicas de grabado
tales como: intaglio, xilografía, serigrafía, litografía y monotipo.
Continuando su trabajo de artista gráfico con la asistencia del
Master Printer del Instituto Tamarind, Rodney Hamon se
especializa en diferentes técnicas de foto‐transferencia con
planchas litográficas en el taller Black & Blue Press, Golden, Nuevo
México. Paralelamente en colaboración con el artista gráfico
Michael Gienger, forma el taller Atelier Sutulov‐Gienger en
Albuquerque, desde 1992 hasta 1994. Entre 1994 y 1996 divide su
tiempo entre Estados Unidos y Chile donde introduce técnicas de
arte digital en su trabajo gráfico junto con producir sus primeros
murales digitales con el taller Folio D en San Diego, California. La
combinación de su trabajo original con tono continuo y
posteriormente la introducción del soporte digital, le permite
desarrollar ampliamente el uso de imagen de segunda generación
y su implementación en proyectos de artes visuales de los más
diversos.
A partir de 1990 ha presentado numerosos trabajos en
seleccionadas exposiciones grupales e individuales en: Argentina,
Australia, Canadá, Chile, Corea, Eslovenia, Estados Unidos,
Inglaterra, India, Italia, México, Japón, Sudáfrica, Taiwán, y
República Dominicana.
Desde su regreso a Chile en 1994, ha desarrollado diversos
proyectos artísticos entre los que se destacan la escultura Energía
Gasco, emplazado en el edificio corporativo de Gasco en Santiago
y el mural Historia de la Minería Chilena inaugurado en agosto de
2005 en el nuevo edificio de Ingeniería Metalúrgica de la
Universidad de Concepción.
Actualmente está desarrollando proyectos de artes visuales
orientados a espacios institucionales y corporativos que
comprenden el emplazamiento de obras públicas, tales como,
esculturas, murales digitales, proyectos de diseño integral y
arquitectura de interior. Entre ellos, se puede mencionar el
proyecto mural “Spirits of the Mind / Santiago College One &
Only” para el nuevo campus Los Trapenses del Colegio Santiago
College.
Como extensión y complemento de sus proyectos públicos y
culturales, el taller del artista se especializa en la producción de
pinturas digitales, ediciones limitadas, desarrollo e investigación
iconográfica para proyectos editoriales, siendo la actual
investigación sobre María Madre de Dios, su imagen y
trascendencia en el Arte Cristiano.

28. Atelier Alexander Sutulov
Tel.: 56 2 475 0355 Cel.: 7431 3146
sutulov@vtr.net
www.sutulov.com
www.visualartprojects.net