Representación de Emociones, Sentimientos y Valores

REPRESENTACIÓN DE EMOCIONES, SENTIMIENTOS Y VALORES:
UN DIARIO DESDE EL CORAZÓN
Proyecto de Investigación para Maestría
Por:
CLAUDIA ADRIANA RENDÓN-GARDUÑO
Presentado ante el Colegio de Estudios de Postgrado de
Texas A&M University-Kingsville
En cumplimiento con los requerimientos necesarios para obtener el título de:
MAESTRÍA EN CIENCIAS
Mayo 2001
Major Subject: Art / Especialidad: Arte

SINOPSIS
La artista Claudia Rendón busca explicar la representación de emociones,
sentimientos y valores en el arte. Seis acrílicos comienzan la exploración al
representar la Vida, el proceso de aprendizaje, la intensificación del fortalecimiento
espiritual, el respeto, el conflicto y desequilibrio, y finalmente el triunfo de la vida sobre
la aparente destrucción, y es de ésta forma, que el Ciclo de la Vida se completa.
Utilizando estos símbolos, es que representa emociones, sentimientos y
valores en su trabajo, a través de observar delicados movimientos corporales o
faciales. La selección del color y técnicas empleadas por diversos artistas han tenido
diferente impacto en la percepción de los espectadores, creando una amplia gama de
emociones, sentimientos y valores una vez que se ha observado la obra. Claudia
Rendón intenta penetrar en la mente y el alma del espectador con el fin de sembrar la
semilla de las emociones, sentimientos y valores equilibrados, lo cual representa en
una serie de imágenes y retratos respaldados por una investigación relacionada con la
vida y obra de grandes artistas, además de experiencias personales.
CAPÍTULO 1
INTRODUCCIÓN
Desde tiempos remotos, el hombre se ha representado a sí mismo con
diversas situaciones de la vida cotidiana. El objetivo principal de dichas
manifestaciones es el comunicarse tanto con los seres de su misma especie, como
con las divinidades. Dentro de las formas de comunicación han existido básicamente
dos grandes áreas, la verbal y la no verbal. En la verbal encontramos las diversas
lenguas o idiomas que se manifiestan a través de la palabra hablada. En la no verbal
encontramos diversos lenguajes que se comunican por medios distintos al habla.
Usualmente el lenguaje no verbal complementa al lenguaje verbal a través de señas,
gestos faciales o posiciones corporales.
Dentro del lenguaje no verbal encontramos las artes plásticas: pintura,
escultura, grabado, etc., las cuales son esenciales para este tipo de comunicación. A
través de ellas se representa a sí mismo físicamente el ser humano, así como sus
pensamientos, sentimientos, emociones incluyendo el legado cultural transmitido a
través de generaciones donde encontramos valores, tanto individuales como sociales,
usualmente apegados a la cultura de origen.
Es a través de la experiencia personal que Claudia Rendón ha aprendido a
percibir las emociones, sentimientos y valores que aparecen, casi mágicamente, en las
obras artísticas de cualquier cultura. Observado y percibiendo sensiblemente el
mensaje no verbal representado en el trabajo de otros artistas, Claudia Rendón logra
identificarse con aquellos valores que se relacionan con vivencias personales. Dicha
relación determina una fuerte influencia en la obra artística de Claudia Rendón.
Ciertos símbolos, son el recurso más empleado para la representación de
conceptos como el Ciclo de la Vida, en la obra de Rendón. Dicho ciclo comienza con
el alumbramiento de la Vida, representada con una semilla fecunda gracias a el agua,
sol y tierra. Manos aproximándose a ésta, son el símbolo de la sabiduría que se
transmite de generación en generación, al alcance de la de la nueva Vida en
formación. Cuando finalmente ha crecido, la vida adquiere una forma sana y
fortificada, ha sido gracias a que ha contado Con Todos los Elementos, sol, agua,

viento, tierra. También representa raíces profundas y fuertes. Siendo completa y
coherente consigo misma ésta Vida, es que puede tener Comunicación, con el resto
de individuos que conforman su núcleo social, representada por el símbolo azteca.
Cuando la buena comunicación se rompe entre los individuos, debido a los abusos e
intolerancias, es decir, a la prepotencia, aparece inminentemente el desequilibrio de
los elementos, haciendo su aparición el caos, representado por las nubes cubriendo el
panorama. El Ciclo de la Vida concluye y comienza nuevamente, cuando la Vida,
aparentemente devastada por el caos, saca a relucir sus raíces fuertes. Emociones,
sentimientos y valores resurgen con la capacidad de generar una nueva semilla, es
decir, nueva vida.
Por otro lado, Claudia Rendón encuentra que en los retratos, es común ver
representadas emociones, sentimientos y valores que los personajes hayan
experimentado personalmente. Sobre todo, pudo denotar este tipo de expresiones en
los rostros de las personas que rodean su vida.
Claudia Rendón ha observado, que de la manera en que estén representadas
dichas emociones, sentimientos o valores en el arte, se desprenden las diferentes
percepciones que la gente deduce, en contraste con el mensaje real que el artista
quería transmitir. La artista piensa que cualquier emoción, sentimiento o valor, son
expresados a través de delicados movimientos faciales o corporales, e indican todo un
concepto, los cuales se convierten en símbolos. Cuando estos símbolos son
acertados, no necesitan explicación verbal. Claudia Rendón admira a los artistas que
son capaces de observar e interpretar dichas expresiones, de una manera clara y
sintética.
Desde la edad de tres años, el padre de la artista le enseñó diversas formas
de representaciones visuales. Muchas horas transcurrieron juntos en los museos y
galerías. Es de ésta manera que Claudia Rendón fue sensibilizándose y aprendiendo
las diversas formas de representar emociones, sentimientos y valores que otros
artistas empleaban en su trabajo, sin importar su época o estilo.
Fue durante esos recorridos en los museos, cursos y lecturas adicionales, que
Rendón aprendió al respecto de la forma, color, volumen, diseño y composición. De
tal suerte que todo esto aunado a la vida cotidiana con su propia familia, un padre
escultor, una madre historiadora del arte y una hermana bailarina profesional de
folklore mexicano, propiciaron un ambiente fantástico para su desarrollo artístico.
El arte que más ha influenciado el trabajo de Claudia Rendón, es aquél que representa
clara y profundamente, la ecología, las raíces étnicas, y las que expresen ideas
fundamentales de cualquier civilización antigua. Así como, amistad y fraternidad entre
dos diferentes personas (países, religiones, ciudades, etc...), la unión y valores
familiares, la justicia y la serenidad del alma. En contraparte, también es fuerte
influenciada visual y conceptual, las representaciones que evidencian injusticia,
prepotencia, odio y destrucción del equilibrio y ritmo natural.
La sensibilidad con que cuente el espectador para interpretar determinada obra de
arte, dependerá de sus experiencias personales, es decir, de las diferentes vivencias
que haya acumulado durante su vida. Muchas de estas vivencias dejan un impacto
permanente en la mente, que instantáneamente son revividas cuando entran en
contacto con algún elemento externo visual o sensorial que lo identifique con el
momento en que éste sucedió.
Por tal razón, se sabe de antemano que una misma obra de arte, nunca causará el
mismo efecto en los espectadores. Algunos lo vivirán con mayor intensidad o emoción

que otros. Sin embargo, a pesar de que existieren variantes en manera de percibir la
obra de arte, es importante que en el fondo quede impregnado en el espectador el
mensaje real que el artista quería transmitir. Por tal motivo, el artista siempre debe
tener claro su objetivo, debe de documentarse ampliamente al respecto de su tema, el
cual dará la mayoría de las ocasiones el título de la obra, que por supuesto, debe de
estar vinculado al mismo, y finalmente debe ser igualmente sensitivo para la elección
de los materiales a emplear en la realización de su obra artística.
Junto con los conceptos anteriores, Claudia Rendón busca lograr coherencia
entre la idea inicial y el resultado final de la obra artística, a través del color, la forma,
el diseño, la utilización de diversos materiales, así como, su composición.
Por otro lado, también es muy importante para Claudia Rendón, el
profesionalismo y la presentación final del trabajo terminado. No cabe duda que el
trabajo de Claudia ha sido influenciado por muchos artistas, pero especialmente por
aquellos que tienen que ver algo con la naturaleza, los valores humanos y sociales, así
como aquellos que por su expresividad penetran en la mente y el alma del espectador.
CAPÍTULO 2
INVESTIGACIÓN PRELIMINAR
En éste capítulo, la artista Claudia Rendón, estudiará los artistas que han
tenido mayor influencia por técnica o por sus conceptos acerca de la vida. Dichos
creadores están divididos en cuatro distintos períodos: artistas “históricos” clasificados
así por los historiadores, artistas que son estudiados dentro del grupo del Modernismo
y de los Contemporáneos, artistas de México y aquéllos con los que directa o
indirectamente, Claudia ha estado en contacto a través de la vida.
ARTISTAS HISTÓRICOS
El período histórico artístico que ha influenciado a Claudia Rendón, son el arte
prehispánico de México y el Renacimiento Italiano, representado en éste caso, por
Miguel Ángel Buonarroti.
La investigación comienza con las civilizaciones precolombinas, en las
cuales la actividad artística dentro de la vida prehispánica, no solo era muy importante
y respetada, sino que fue esencial para el funcionamiento social. Dentro de estas
culturas no existía el lenguaje escrito, por lo tanto las artes visuales adquirieron un rol
importante para la comunicación y conservación de las tradiciones y la cultura.
Muchos acontecimientos dentro de los rituales religiosos, distinciones étnicas o
sociales, carecían de valor si no eran representados a través de las artes visuales.
Debido a que la función fundamental del arte, dentro de las culturas prehispánicas, era
el hecho de comunicar y preservar información, éstas pusieron mucho énfasis en las
representaciones simbólicas. “El arte prehispánico, es en general, de origen religioso,
lo cual no significa que siempre sea así, ni que siempre lo tengamos que interpretar
como un arte que expresa determinado credo, mito o imagen”.(Xirau, Ramón, p.3)
Todos los objetos dentro del arte prehispánico, inclusive aquellos asociados
con la religión y estratos militares, como cuchillos de sacrificio, atavíos de guerrero e
imágenes divinas, fueron hechos con un propósito específico. El material con el que
estaba hecho cada objeto, era tan importante como la función que éste desempeñaba,
por ambas razones, la práctica y la simbólica. Los materiales empleados, así como los
diferentes estilos, nos indican el lugar de procedencia. De ésta manera se explican las

diferentes especialidades artísticas que se pueden apreciar en las tallas
monumentales dentro de Tenochtitlan, así como en esculturillas dispersas por todo el
Valle de México.
Dentro del arte prehispánico, los acontecimientos se representaban con glifos,
símbolos individuales, emblemas compuestos, deidades, y figuras en acción. Dichos
acontecimientos se pueden cotejar con fechas, nombres personales o de lugares
(glifos), sustantivos y adjetivos (símbolos), conceptos complejos (emblemas y
deidades), y verbos (figures en acción). (Pasztory, Esther. p. 72)
Al igual que el Náhuatl, que como muchas otras lenguas indígenas, contiene
más sustantivos que inflexiones verbales, el arte prehispánico contiene más emblemas
que acciones. Las civilizaciones prehispánicas fundamentaron sus creencias
religiosas en el eterno regreso de todas las cosas. Un mundo que nace, se muere y
renace, un doble indicio de amanecer y crepúsculo indicado por las estrellas, el cambio
constante y la muerte que da la vida, comienza en la incertidumbre del último fuego.
Todo el arte del México antiguo tiene, a pesar de las diferentes culturas de
procedencia o formas de expresión, características comunes que son fundamentales:
El arte mágico-religioso expresa “el dualismo esencial del mundo precortesiano” así
como el concepto de un mundo cíclico hecho de vida-muerte-vida, creación-destrucción-
creación.
Es un arte colectivo –al igual que el arte egipcio o el europeo del S. XIII- que sobrepasa
las fuerzas de lo individual: construcciones colectivas, rituales de sacrificio colectivos, cultos
colectivos que requirieran trabajo colectivo. Todo esto hacía un Universo sagrado y
colectivo.
Es un arte precedido por el espíritu –el Dios, los Dioses que expresan a través de una
espiritualidad, lo terrible, lo sublime. (Galarza, Joaquín. p.24)
Paul Westhiem escribe: “El arte del México antiguo intenta dar expresividad
plástica al concepto de lo divino, hasta donde la condición humana lo permite. (Ancient
Mexican Art, 2nd
ed. Era, 1972)
Dentro del arte prehispánico, códices, tambores, pelotas de juego, ejes,
antropomórficos o no, alumbramiento, procreaciones, cráneos, hombre y mujer
encuclillados, figuras pintadas de Nayarit, máscaras que esconden rostros, urnas
como jaguares, serpientes, luces, soles (también templos, pinturas, estatuas y
estatuillas) son, muy frecuentemente, signos y símbolos de creencias, mitos,
expresiones de otro mundo que es a la vez éste mismo. El arte prehispánico, tiene
una tremenda influencia sobre el arte de Claudia Rendón. Es en el arte prehispánico,
que encuentra diversos conceptos traducidos a una expresión sintética. Es difícil
encontrar el símbolo adecuado para representar determinado signo o movimiento
característico de cada cosa, animal o ser humano, sin embarco las culturas
prehispánicas eran expertas en expresar de una manera sintética dichas
características. Otro sentimiento que comparte Claudia Rendón con los que
representaban los prehispánicos en su arte, es el de sentirse orgulloso de pertenecer a
un grupo o lugar específico. Éste orgullo lo representaban utilizando ángulos
determinados y fuertes entre un volumen y otro. Por otro lado, los colores usados por
las culturas prehispánicas significaban gozo por la vida, tal como es el caso en la obra
de Claudia Rendón.
Por otro lado, tomando en cuenta el arte europeo de la época del
Renacimiento, Miguel Ángel influencia a la artista con sus representaciones de
emociones, sentimientos y valores en todo su trabajo. Las obras maestras las

perpetúa el tiempo. La gente se identifica con lo que ve, en otras palabras,
sentimientos tocan a sentimientos. El maestro al realizar en su obra determinadas
gesticulaciones, provoca diversas emociones en el espectador.
A pesar de que la mayoría del trabajo de Miguel Ángel fueron encargos
religiosos, no fue razón suficiente para que lo hiciera sin pasión. Tal control permitió
que el estilo sobrepasara la temática. La maestría de la obra pone al espectador en
una posición donde es penetrado por la admiración que le causa ver el trabajo, a tal
punto que queda grabado en el sentimiento del mismo.
La artista que hace este proyecto de investigación admira el “David” por su
mirada concentrada y certera, su expresión calculadora, la mano derecha en una
posición lista para dar un certero golpe de piedra con su honda e inclusive la posición
balanceada, fuera del eje de equilibrio ligeramente, en actitud retadora. Digna
representación de la personalidad de dicho personaje bíblico.
En los niños, tallados y pintados por Miguel Ángel, guardan las proporciones
adecuadas con relación a las que la misma naturaleza otorga a los niños en la
realidad, con el fin de provocar un inmediato sentimiento de ternura, inocencia y
necesidad de protección y cariño adulto. Pocas son las personas capaces de lograr tal
cometido, por ser absolutamente diferentes las proporciones entre un adulto y un niño.
Vasari, el gran historiador del Renacimiento, dice:
“Sería imposible para cualquier artesano o escultor, sin importar lo brillante que
éste sea, intentar siquiera superar la gracia del diseño de éste trabajo, así como
tratar de cortar y pulir el mármol con la habilidad que desempeña Miguel Ángel.”
(www.michelangelo.com/buon/bio-early.html)
Siempre hay angustia, frustración e impotencia representada en el arte de
Miguel Ángel, como la hay en la vida real, es por ésta razón que las esculturas hacen
rápidamente contacto con las emociones, sentimientos y valores del espectador. Es
común que en un estado inconcluso, se logre mayor impacto visual que en algo
concluido. Claudia Rendón cree que la obra más vigorosa de Miguel Ángel, es aquella
que permanece en un estado intermedio entre lo inicial y lo terminado.
“La Piedad”, es simplemente la más pura representación de dulzura y amor
que usualmente existe entre una madre y su hijo. La fortaleza de esta obra, reside en
que la forma de representar el tema, supera al mismo. Una mujer delicada sostiene el
peso de un hombre muerto, sin expresar ningún esfuerzo.
Miguel Ángel fue un experto observando y representando a través de diversas
técnicas e infinitos detalles, las emociones, sentimientos y valores humanos. La artista
espera transmitir dichos principios en su obra personal.
ARTISTAS MODERNOS Y CONTEMPORÁNEOS
Los artistas Modernos y Contemporáneos que influenciaron a la artista son,
Auguste Rodin, Edvard Münch, Piet Mondrian, Constantin Brancusi, Rene Magritte,
M.C. Escher and Alexander Calder.
Claudia Rendón admira el modelado de primera Intención en el trabajo
Auguste Rodin, en donde encuentra la interpretación de la naturaleza como algo
fuerte y real. Estudiaba previamente los movimientos o actitudes antes de plasmarlas
en el material. Cada mano, inclusive cada dedo, fue estudiado por Rodin, como
objetos aislados, para luego integrarlos.

El método de trabajo de Rodin, sostiene Paul Gsell, era muy singular. En su estudio
contaba con un grupo de modelos desnudos, hombres y mujeres, constantemente en
movimiento o reposando. Rodin les pagaba con el objeto de observar la desnudez en
distintas posiciones y con toda la libertad de la vida cotidiana. Los miraba con
frecuencia, lo que le permitía familiarizarse con el espectáculo de los músculos en
movimiento. Así el desnudo que hoy las personas raramente ven, y que incluso los
escultores sólo pueden observar durante los cortos periodos de la pose, era para Rodin
un espectáculo común. Así, el artista, adquirió el conocimiento del cuerpo humano
desnudo, común entre los griegos a través del ejercicio constante en los deportes y
juegos, y aprendió a leer la expresión del sentimiento a través de todas las partes del
cuerpo. El rostro normalmente se considera como el único espejo del alma, y el
movimiento de los rasgos faciales la exteriorización de la vida espiritual. Sin embargo
en realidad no hay un músculo del cuerpo que no revele pensamientos o sentimientos.
(Ludwing Goldscheider. p.16)
El espectador puede apreciar en el arte de Rodin, las más diversas
representaciones de emociones, sentimiento o valores, a través de los detalles que
plantea en su obra. Mediante un modelado de primera intención, Rodin crea ángulos
definidos que enfatizan la expresividad de las texturas y el movimiento, acentuándose
éstos por el contraste que se genera entre las luces y profundas sombras, dándole así
vida a cada creación.
Otra de las cosas que Claudia admira de Rodin, es el hecho de que él fue el
primer escultor que hizo piezas terminadas de únicamente ciertas secciones del
cuerpo. Tal hecho fue una influencia fundamental para el movimiento de la escultura
moderna.
Rodin da a su escultura carácter, empleando texturas agresivas y expresiones
determinadas, evidenciando las fuertes emociones que percibe de la gente. Al igual
que Rodin, para Claudia Rendón lo importante es lograr transmitir una idea específica,
emoción o sentimiento a través de su arte. Las técnicas empleadas por Rodin, le
permitieron eliminar las distracciones que provoca la minucia, del tema a representar.
“El pulir uñas o rizos de cabello, carece de interés para mí. Eso distrae la atención de
la esencia de la línea temática que deseo interpretar”.
(Ludwing Goldsheider. p.17)
“El Pensador”, es uno de las piezas favoritas de Claudia Rendón. La obra
representa la posibilidad de expresar en arte un sentimiento interior, en otras palabras,
“El Pensador” nos hace sentir como se está comunicando consigo mismo, no con el
mundo exterior.
“El Pensador” en la concepción original del autor también formaba parte del conjunto
“La Puerta del Infierno” y del cual podría decirse que constituye el alma; más aún Rodin
quería en un principio que su escultura se llamara “El Poeta”. Desde el punto de vista
del artista, el poeta no era otro que Dante cuyo trabajo respetaba apasionadamente y
de quien realizó maravillosos trabajos. Sin embargo, éste Dante encontró el mismo
destino que Balzac mas adelante. Rodin fue más allá de su concepción original y
amplió el tema que había escogido originalmente hasta que éste se convirtió en un
símbolo universal. (Summerville. Ludwig Goldscheider. p.117)
“Nijinsky”, que interpreta a una bailarina, es una escultura muy expresiva no
sólo por su modelado de primera impresión, sino por su posición dinámica. “El ídolo
eterno”, por otro lado, infunde la ilusión y una expresión casi divina en la cara de la
mujer, es un perfecto ejemplo que muestra lo eficaz que se puede representar una
emoción suave, tierna. Lo cual se aprecia además en la posición reposada, que al

mismo tiempo es simbólica, adquiriendo de esta forma, diversos significados, según la
interpretación.
Una mujer joven se observa medio sentada, medio arrodillada, con su cabeza inclinada
hacia adelante y mostrando un aspecto adormecido en su rostro, mientras un hombre,
arrodillado ante ella, reprimiendo su deseo, con sus brazos hacia atrás, suavemente
sujeta su cabeza y la besa debajo del pecho izquierdo sobre el corazón. Él muestra
una devoción reprimida que se manifiesta de una manera mística y amorosa. Ella tiene
una discreta expresión de esfinge. ¿Está acaso despertando al amor o se está
maravillando ante la pasión del hombre por su belleza, que él todavía difícilmente
conoce? La originalidad de la pose es única en su género en escultura, traduciéndose
así en uno de los juicios más maravillosos sobre las relaciones entre hombre y mujer
que existen en el arte. (Summerville. Ludwig Goldsheider. p.121)
Edvard Münch se considera el padre del Expresionismo, su obra impacta a
cualquier espectador, como sucede con Claudia Rendón, porque cuando Münch
realiza su obra, no lo hace con el propósito de impresionar tanto a la vista, sino con el
de tocar en lo más profundo del espíritu.
El expresionismo en el arte, en el caso de Münch está relacionado con el dolor spiritual.
Sus obras fueron actos de autoliberación, una especia de salida para mentes
conmovidas por las condiciones y acontecimientos que guiaban a la Primera Guerra
Mundial. Sin embargo, aunque la mayoría de los expresionistas mantenían una
posición política, manifestaban actitudes en contra de lo establecido, propiciaban el
examen crítico de lo convencional y se oponían a los demás por su abierta crítica a los
problemas sociales, Münch fue el gran introvertido que no se afilió a grupo alguno y
que no tuvo preferencia por ningún partido político o grupo estético. El psiquiatra suizo
Oskar Pfister seguramente pensaba en él cuando en 1922 se refería al expresionismo
como aquel que “crea” más allá de la profundidad de los objetos, porque sabe por sí
mismo que está en aquellas profundidades. (Werner, Alfred. p. vi)
En “El Grito”, podemos apreciar como la palabra es sonido inarticulado. Su
fuerza expresiva se debe en gran medida a las técnicas y efectos pictóricos empleados
y se hace patente en la estridencia del colorido y la sinuosidad de las líneas. Claudia
Rendón piensa que el arte que trasciende es justamente así, sonido inarticulado,
puesto que no necesita de mayor explicación para ser comprendido al identificarse a
través de similares emociones, sentimientos o valores entre el que comunicador
(artista) y el receptor (espectador). Münch explica:
Ante todo, el arte es el resultado del deseo de los seres humanos de comunicarse con
sus semejantes. Todos los métodos para lograrlo son igualmente efectivos. Tanto en
la pintura como en la literatura la técnica varía de acuerdo a las direcciones del artista.
La naturalidad es un medio para alcanzar un fin, no un fin en sí mismo. Es posible
alcanzar el efecto deseado cambiando la naturalidad y así podrá ser realizado. Un
paisaje puede cambiar de acuerdo al estado de ánimo de la persona que lo observa y
con el objeto de representar a esa particular escena el artista realizará una obra que
exprese sus propios sentimientos. Son estos sentimientos los que son cruciales: Lo
natural es tan solo el medio para transmitirlos. Si la obra parece natural o no es
irrelevante ya que como obra, la razón por la que fue pintada o realizada no puede ser
explicada en primer lugar aparece el hecho de que el artista no pudo encontrar otros
medios para expresar lo que vio. El trabajo terminado solamente puede darnos una
sugerencia de lo que estaba en la mente del artista. (Stang, Ragna. p. 15)

La obra de Münch es una aguda descripción de una situación psicológica y
supone una nueva concepción del valor de la función del símbolo, en el modo de
significar algo que no ha de ser dicho en términos claros. Por eso Claudia Rendón
utiliza igualmente los símbolos a manera de comunicación en su arte.
Sea como fuese lo que él realizó entre 1884 y 1909 es suficiente para asegurarle un
capítulo en la historia del arte moderno, como una figura fundamental en la transición
del Naturalismo e Impresionismo de finales del siglo XIX hacia el Expresionismo y
Simbolismo del XX. (Werner, Alfred. p. viii.)
El tipo de síntesis en la forma que Claudia observa en Münch, se puede
apreciar en cuadros como “Melancolía”, “Atardecer” o “Inger en la Playa”, donde
predominan las líneas arqueadas y superficies cromáticas más homogéneas. Dejando
una ruda textura en sus imágenes y sobre todo alejándose del realismo que venía
imperando en el siglo anterior dentro del arte.
Dado que esto puede no ser evidente a primera vista, las mejores obras de Münch
amalgaman las cualidades más sutiles del arte “abstracto” con el mensaje “realista” que
permite una obra de arte ser accesible, de manera espontánea para el espectador. El
no sacrifica forma frente a idea pero, en síntesis, simplificó, redujo y sintetizó formas
omitiendo detalles de rostros y paisajes. En sus pinturas eligió ciertos colores, tales
como rojos sangrientos y azules místicos por sus cualidades emocionales y simbólicas
manifiestos; como muchos artistas de los años cincuenta él se permitió pintar vertiendo
gota a gota, salpicando; indiferente al hecho de que estos efectos accidentales
pudieron echar a perder la “belleza” de la superficie en el sentido tradicional de la
palabra. (Werner, Alfred. p. viii.)
Piet Mondrian es una influencia contrastante en el arte de Claudia Rendón.
Para Mondrian la materia prima de su arte fueron superficies blancas, líneas rectas y
rectángulos coloreados en vibrantes tonos de rojo, amarillo, azul, blanco, negro y gris.
Con tales herramientas pretendió hacer un arte equilibrado que representara
armoniosa y sintéticamente el universo, la humanidad y la naturaleza. Convirtiéndose
así en el exponente principal de una nueva clase de pintura abstracta que él mismo
nombró Neo-Plasticismo, influyendo no sólo a los artistas plásticos contemporáneos,
sino a la arquitectura y el diseño industrial.
El concepto de Mondrian de “plasticidad pura: consistió, en parte en la simplificación de
los medios de expresión de lo esencial del desnudo. No sólo desterró el uso de la
representación tridimensional espacio-imagen, sino también la línea curva, las
cualidades sensitivas de la textura y la superficie y el estímulo gratificante del color. El
consideraba esta limitación como una especie de ejercicio místico hacia lo Absoluto
que justificaba en términos de sus creencias teosóficas. Su gran influencia no se limitó
a artistas cuyo estilo tenía afinidades directas con el suyo, también tuvo una profunda
influencia en el arte industrial, decorativo y publicitario de los años treinta en adelante.
Su influencia se extendió a través de sus pinturas y sus escritos.
(http://www.xrefer.com/entry/144732)
Para Claudia Rendón, Mondrian es admirable por su valor de espíritu, al
preferir sostener firmemente la ideología que representaba en su arte a pesar de no
haber sido bien aceptado en su época. También se relaciona con el arte de Rendón,
por su incesante búsqueda del equilibrio, introduciendo un nuevo concepto en las
inquietudes de la artista, el equilibrio dinámico.

Lo positive y lo negativo son las causas de toda acción. Lo positivo y lo negativo
fragmentan la unidad, son la causa de cualquier desdicha. La unión de lo positivo y lo
negativo es felicidad. “La unidad tangible de una flor solitaria o un campanario,
sometidos al tiempo, tuvieron que llevar a la unidad subliminal de un vívido equilibrio…
misión importante de todo el arte es destruir el balance estático y establecer uno
dinámico”. (http://www.artchive.com/artchive/M/mondrian.html)
Constantine Brancusi es uno de los favoritos de Claudia Rendón, y quien es
considerado pionero del abstraccionismo, yendo más allá de la representación de
otros, tratando de sintetizar determinada acción o idea, inclusive aquellas que parecen
etéreas, como las emociones, sentimientos o valores. Para alcanzar su objetivo,
Brancusi provee a su arte de una elegancia visual, gracias a una síntesis clara de la
forma, asimismo, utilizando sensiblemente, diversos materiales. Brancusi reflexiona lo
siguiente:
Cuando ves un pescado no piensas en sus escamas ¿o sí? Piensas en su velocidad,
su forma de flotar, su centellante cuerpo observando a través del agua. Bien, he
tratado de expresar justamente eso. Si pinto aletas y ojos y escamas, debo atrapar su
movimiento, darle un patrón o forma de realidad. Solo quiere registrar su espíritu.
(Jianou, Ionel. p.13, 14)
Al igual que Brancusi en su arte, Claudia Rendón trata de atrapar la esencia
del tema a representar, más que el detalle realista. Ateniéndose a la ley del equilibro,
Brancusi representa tanto las cosas buenas como las malas en proporciones iguales.
Es importante tener la actitud correcta para resolver diversas dificultades tanto en el
arte, como en la vida real, es decir, un espíritu fuerte es sustentado por raíces
igualmente fuertes.
Él podría situar grupos de esculturas en una relación cerrada de espacio, como
indicando la importancia del espacio vacío entre ellas… En el monumento a los héroes
rumanos en Targu Jiv tomó el punto de vista iniciada en el nacimiento simbolizada por
la “Columna sin fin”. La distancia entre ellas que representa el tiempo dado a la vida
del hombre, es interrumpido por “La Puerta del Beso”, símbolo del matrimonio y del
inicio de un nuevo ciclo vital. (http://cpcug.org/user/stefan/brancus.html)
Claudia Rendón descubre en el arte de Rene Magritte, que las personas no
se dan cuenta de lo complicadas que viven sus vidas cuando no encuentran las
situaciones de rutina en sus caminos. Esto evidencia el sentimiento de incertidumbre y
miedo como consecuencia que experimenta el ser humano ante lo desconocido.
Asimismo se hace notar la falta de flexibilidad que tiene el individuo ante situaciones
no rutinarias y el poco interés que tiene en aprender o aceptar nuevas formas, ideas o
situaciones. Magritte explica:
Igualar mi pintura con el simbolismo, consciente o inconsciente, es ignorar su
verdadera naturaleza… Las personas están fácilmente dispuestas a usar los objetos
sin percatarse de la intención simbólica que contienen, pero cuando observan las
pinturas, no encuentran ningún uso para ellas. Así, buscan un significado para salir de
sus dudas y debido a que no comprenden lo que se supone que deben de pensar al
confrontarse a una obra… Desean algo en que apoyarse, así podrán sentirse a gusto.
Quieren algo seguro en que sostenerse, así podrán sentirse a salvo del vacío. (Gablik,
Suzi. p.11)
Magritte da la oportunidad a la gente de revalorizar objetos ordinarios o
usuales al poner estos elementos en un contexto inusual, de una manera tal que ahora

ésos sean los objetos importantes, dándoles así nuevo significado. Dichas situaciones
u objetos ordinarios resultan más importantes de lo que nosotros pensamos, ya que la
mayoría del tiempo siempre han estado ahí y no notamos su presencia hasta que se
hace evidente su ausencia, como un valor humano, o una emoción de vida, o un
sentimiento agradable, como por ejemplo, un buen amigo, un beso al despertar, un
cielo azul brillante. Magritte dice:
Las imagines deben ser observadas tal como son. Es más, mi trabajo implica que no
haya supremacía de lo invisible sobre lo visible. (La carta oculta en el sobre no es
visible; ni siquiera lo es el sol cuando se oculta por una cortina de árboles). La mente
ama lo desconocido. Ama también imágenes, cuyo significado es ignorado, dado que
el propio sentido del pensamiento es incierto. (Gablik, Suzi. p.12)
Claudia Rendón admira en M.C. Escher, las ilusiones ópticas, las
construcciones imposibles, la manera en que estructura sus patrones sobre una
compleja red matemática, a la que llama taselaciones. Dichos elementos nunca se
enciman uno con las otro, ni tampoco dejan un espacio entre sí. Para Claudia, esto es
una excelente representación del respeto que debe de existir del espacio vital entre
cada individuo y de éste con la sociedad. Por eso, en el arte de Rendón, igual que en
el de Escher, lo que se ve en una primera instancia, no siempre es todo lo que se
muestra, para descubrirlo, siempre hay que dar una segunda mirada.
Escher realizó estudios matemáticos que fueron reconocidos por eminentes
científicos y cristalógrafos, adquiriendo una particular maestría en representar tres
dimensiones en dos, donde además introdujo inusuales puntos de fuga obligando a los
objetos a obedecerlo, creando así puntos de vista diversos en una misma imagen, de
tal suerte que sin importar de donde esté ubicado el espectador, siempre va a
encontrar diferentes puntos de referencia del arriba/abajo, y del derecha/izquierda, que
hacen que a pesar de la aparente confusión se vean siempre ordenados. Esto último,
Claudia Rendón lo interpreta, como la explicación en donde la vida no es una
casualidad, sino que tiene su propio ritmo y ciclo, y cuando este orden se rompe por un
desequilibrio, entonces el caos y la incomprensión es inminente. Tal como Escher lo
explica:
Trato, a través de mis impresos, de testificar que vivimos en un mundo maravilloso y
ordenado, no en un caos sin normas, aún cuando en algunas ocasiones así es como
aparece. Mis temas también son frecuentemente traviesos: No puedo abstenerme de
demostrar la insensatez de aquello que consideramos certeza irrefutable. Es un placer,
por ejemplo, mezclar deliberadamente objetos de dos o tres dimensiones, superficies y
relaciones espaciales, y burlarme de la gravedad. (www.mcesher.com)
Alexander Calder revoluciona el arte introduciendo los conceptos mobile-
stabile, en donde los elementos tiempo, movimiento y espacio son, ineludiblemente,
dependientes unos de otros. La interacción entre el arte de Calder y el espectador es
directa, porque además de poder apreciar la obra terminada, lo más importante es que
se puede penetrar en su espíritu interno. Para Claudia Rendón, estos conceptos son
importantes, porque nos muestra como en la vida hay que ser en ocasiones flexibles,
mobile, para que la presión de los estímulos externos no nos quebrante y en diferentes
circunstancias ser firmes, stabile, por la misma razón.
A Calder no le atrae lo ya experimentado y comprobado, sino por el contrario,
le interesan los desafíos a los que tenga que confrontarse con tal de lograr la
representación de sus ideas. En esa búsqueda, tratando de representar el cosmos y
sus constelaciones es que crea no sólo sus famosos “mobiles”, sino una serie de

figurillas, dentro de un contexto de circo, en donde logra hacer que éstas tengan
movimiento por sí solas a base de la lógica del equilibrio.
Rápidamente Calder descubrió a los líderes del movimiento vanguardista, el grupo
abstracción-creación. Bajo su influencia, Calder empezó a analizar las teorías de
Boccini y de Maholy-Nagy, imaginando la escultura del futuro, una escultura en
movimiento. Calder motorizó algunas de sus creaciones, pero eventualmente
abandonó esta propuesta con el objeto de encontrar a la escultura una definición capaz
de originarse en sí misma a través de un sofisticado juego de equilibrios y
desequilibrios, usando pesos y contrapesos. (Lemaire, Gérard-Georges. p.10)
Claudia Rendón, trata de transmitir en su arte justamente este concepto, en
donde las cosas no funcionan por si solas, adecuadamente, si no cuentan con esa
justa medida de equilibrio y desequilibrio, lo bueno y lo malo en constante balance.
ARTISTAS DE MÉXICO
Algunos artistas mexicanos que encarnan el espíritu de México, son incluidos
en ésta investigación: José Guadalupe Posada, José Clemente Orozco, Diego Rivera y
David Alfaro Siqueiros.
José Guadalupe Posada lleva con maestría y sensibilidad temas populares al
arte, empleando composiciones llenas de movimiento en donde la intención es dar
fuerza a las líneas del grabado. Logra la síntesis de sus personajes otorgándoles
prendas distintivas para darles personalidad, creando así escenas burdas y vigorosas.
El trazo era según el mensaje que quería transmitir, al igual que en el arte de Claudia
Rendón.
Posada no tenía un lugar en los círculos oficiales del arte mexicano y no se preocupaba
por la inmortalidad, aunque la ha alcanzado allí donde otros artistas de su tiempo, más
respetados, fracasaron y hoy han sido olvidados. Sabía tanto de la forma y el
movimiento como el que más que haya yo conocido. Él fue quien me reveló la belleza
inherente a la gente mexicana, sus luchas y aspiraciones. Y él fue quien me enseñó la
suprema lección de todo arte: que nada puede expresarse si no es a través de la fuerza
del sentimiento; que el alma de toda obra maestra es la emoción poderosa. (Diego
Rivera, p. 36)
Popularizó las calaveras o “calacas” así como múltiples imágenes sobre los
abusos del gobierno de Porfirio Díaz y las intrigas políticas de la época, lo cual
constituye hoy una crónica de la sociedad y la política de esos tiempos. Posada perfila
un estilo artístico que no solo retrata la esencia popular, sino que toma partido desde
su interior. Para Rendón es muy importante el ir dejando registro gráfico del modus
vivendi que caracteriza las distintas sociedades.
José Guadalupe Posada es considerado artista "popular" porque al
representar la realidad del pueblo mexicano, éste se identifica, convirtiéndose así en
su público. Igualmente, Claudia Rendón pretende hacer que el público se identifique
con su arte, al observar en éste las emociones, sentimientos y valores que conforman
a un ser humano.
José Clemente Orozco destacó entre sus temas los de contenido social y
político del México postrevolucionario en una postura radical, que mostraba su
inconformidad por la situación del país. Los temas en sus murales variaron entre la
fraternidad, la revolución universal, la esclavitud, el trabajo, las artes, las ciencias, las

migraciones, los valores humanos, pero sobre todo, los valores del pueblo mexicano.
Dr. Stacy May, comenta:
La obra de Orozco tiene muchas cualidades que pretendemos asociar con la
Academia. Es completamente masculina. Es democrática y se relaciona de manera
profunda con los valores sociales. Ciertamente, sería ridículo para nosotros demandar
un parentesco con ese pintor mexicano en un sentido parroquial, sin embargo para un
vasto plano de la vida americana, Orozco es tan autóctono como el granito de New
Hampshire, o el río Mississippi o el propio Samson Occom. El arte de José Clemente
Orozco, para la apreciación reciente podría haber sido más ininteligible que cualquier
de las obras que hayan salido del Concorde. Es importante también el hecho de que la
pintura de Orozco es suficientemente abstracta y universal en su temática como para
prometer ser exhibida suficiente en los años venideros. (Reed, Alma. p.6)
Tales intereses quedan representados en diversos murales, empleando, una
técnica que Rendón admira mucho y emplea en su obra, la cual es a base de
pinceladas libres y fuertes contrastes de color, como en “El Hombre de fuego”.
Claudia Rendón intenta que el espectador logre ver de primer impacto el mensaje que
en cada obra quiere transmitir, razón por la cual, al igual que Orozco, el ser humano es
aparentemente el tema único a representar, aunque lo rodean sus complementarios,
su arquitectura, sus instrumentos de trabajo y el paisaje, lo cual aparece reducido a
elementos sencillos, con tal de no distraer al espectador del tema principal.
A pesar de que Diego Rivera pinta una diversidad de imágenes que van
desde el vanguardismo hasta el nacionalismo, empleando técnicas desde el óleo y la
acuarela hasta los grandes frescos, abarcando desde el retrato y el paisaje hasta la
representación de la historia mexicana, lo que más influencia a Claudia Rendón de la
obra del maestro, es la representación de niñas y niños, incluyendo las circunstancias
en que se encuentran dentro de su vida cotidiana.
Los niños y su mundo, inspiraron también a Rivera para la representación de
sus inquietudes sociales y políticas, así como de su apreciación de la realidad
mexicana. Claudia Rendón admira la sensibilidad que el maestro tuvo para reconocer
los rasgos y gestos infantiles que expresan sus emociones, sentimientos y valores, los
cuales anhelaba ver desarrollados en libertad y plenitud, respetados y favorecidos por
el mundo adulto.
Para Claudia Rendón, es evidente que Rivera tenía expresividad fuerte y
definida en su trabajo, por ello su obra no necesita explicación al ser por sí sola
didáctica e ilustrativa, amplia y específica, real, clara y objetiva pero sobre todo,
histórica y testimonial. No sólo de México, sino de todos los lugares por los que
anduvo alguna vez, por eso los niños de Diego Rivera representan a todos los
pueblos.
El maestro Rivera tuvo como uno de sus temas permanentes a los niños pero no sol a
los niños indígenas mexicanos que representó reiteradamente en sus murales, sino al
niño universal, más allá de sus características étnicas y de sus circunstancias sociales
y culturales. Así, pintó a la niñez como una de las etapas del desarrollo humano que
ha de ser objeto de atención, cuidado, respeto y protección. (Miguel Limón Rojas. p. 9)
La enseñanza que David Alfaro Siqueiros le deja a Claudia Rendón, es
``Poner la tecnología al servicio del arte, siendo el hombre amo y no esclavo de la
técnica'', (http://www.siqueiros.inba.gob.mx), al incursionar en nuevas técnicas,
modernos materiales y herramientas e incorporar elementos no pictóricos, logra
desarrollar un arte expresivo y energético capaz de transmitir apropiadamente el

mensaje. Su activismo y fuerte compromiso social y político quedó reflejado, en su
arte.
“Amanecer de México” es un himno a la alegría pintado por el estímulo del momento,
en ocasión de la expropiación de los campos petroleros mexicanos a empresas
inglesas y estadunidenses, regresados a la nación. Es una de las pocas pinturas de
Siqueiros donde el humor del artista no es del todo trágico. El cambio de escala de la
cabeza a los brazos y manos, el modelado escultural de algunas partes y la falta de
intención en la definición de otras (como si el ojo del artista no hubiera podido distinguir
un modelo en repentino movimiento) ilustra la teoría pictórica de Siqueiros no en
términos de una visión estática pero sí en la imagen formada de una pintura en
movimiento.
(Virginia Stewart. p.59)
Siqueiros contrasta del color, su línea es fluida y cargada de emoción, en sus
composiciones la geometría es estructural y oculta, sin descuidar que el resultado final
sea de calidad impecable, de tal suerte que, todos los efectos pictóricos conducen
inevitablemente a la profunda emoción del espectador.
Claudia Rendón hace su arte con la intención de llegar a todo tipo de público,
sin importar si son expertos o amantes del arte. Para Rendón al igual que para
Siqueiros lo importante es transmitir el mensaje al pueblo en general.
En sus conceptos muralísticos, Siqueiros asume que el hombre de la calle que entra a
un edificio público decorado con murales podrá observar el trabajo como un crítico de
arte profesional o como un amante del arte. Sin embargo, Siqueiros respeta a este
hombre hipotético y traza su idea de tal modo que un simple vistazo inteligente podrá
evidenciar satisfacción a cualquiera que vaya apresurando a través del edificio en sus
asuntos cotidianos.
(Virginia Stewart. p.59)
INFLUENCIAS PERSONALES
Otros artistas que han influido en el arte de Claudia Rendón, son: Gabriel
Vargas Bernal, Albert Uderzo, Joaquín Salvador Lavado “Quino”, Carmen Lomas
Garza y Mario Rendón Lozano.
Los valores que representa Gabriel Vargas en la Familia Burrón, son de
optimismo, tenacidad, integridad, dignidad y grandeza de la gente mexicana. Valores
profundamente arraigados a pesar de la situación socio-económica en que viven.
Borola: Con entusiasmo, las carencias son menores, se rie uno de los apuros y de lo
que se nos venga encima.
Regino: No cabe duda que los mexicanos somos aguantadores, todo lo resistimos sin
queja.
(La Familia Burrón. Segunda Época. No. 336. p. 5)
Gabriel Vargas supo observar con sensibilidad a su pueblo y con maestría
realizó en dos dimensiones las emociones, el sentimiento y los valores de toda una
nación. Hoy día, al leerlas y releerlas, Claudia Rendón aprende del México de antes y
del de hoy, pues las circunstancias del pueblo mexicano parecieran ser las mismas a
través de todos los años de existencia de la Familia Burrón, por lo que se concluye que
ésta no es anacrónica.

El humorista León Ferrari (quien realizaba en México una versión de la historieta
cubana Anita de Montemar) le apostó 10 mil pesos arguyendo que el dibujante no
podría crear un personaje femenino con las características del personaje principal de
Los Superlocos. Vargas aceptó el desafío y salió a recorrer las calles de la ciudad, en
busca de inspiración. Visitó vecindades, cabarets, mercados, cantinas y pulquerías. Así
creó La Familia Burrón, formada por un peluquero honrado y trabajador (copia exacta
de un amigo del autor), una mujer voluntariosa y entrometida quien, a pesar de vivir en
la pobreza, pretendía actuar como aristócrata (personaje inspirado en la madre de otro
amigo), y 2 hijos adolescentes que padecen las inquietudes propias de su edad y
condición social (basados en experiencias propias del joven dibujante). El primer
número salió a la luz en 1948. (http://www.eureka.com.mx/ecsa/ga/vargas/vargas.htm)
Claudia Rendón aprende de Vargas a tener unidad en su trabajo, pues los
méritos formales de La Familia Burrón no dependen de la maestría, sino de la perfecta
integración del dibujo, el lenguaje, la trama, y el mensaje.
Claudia Rendón encuentra valores esenciales, dentro de la vida cotidiana, que
representa Alberto Uderzo, en la aldea Gala. Por eso inmediatamente lo relaciona e
incorpora a la temática de su propia obra.
Los personajes que habitan la aldea Gala son valientes, al estar siempre
dispuestos a vencer las adversidades que se les vengan encima, son optimistas, al
verle siempre el lado amable a las diversas situaciones, son caballerosos, al respetar y
ayudar siempre a sus semejantes y necesitados, son justos, al aplicar las sanciones
correctas a cualquier abuso, son orgullosos, al defender con sus vidas su lugar de
origen contra cualquier invasión, son solidarios, al nunca abandonar a un amigo en
necesidad, e inclusive son sensibles y sentimentales, al mostrar sus emociones al
descubierto a pesar de ser valientes guerreros. Rendón encuentra estos valores en la
gente de su país, al cual representa con su trabajo.
Como el arte sirve para comunicar un determinado mensaje, para Claudia es
importante, antes de comenzar, definir el concepto del aspecto final y sobre todo del
mensaje a transmitir. Esto permitirá entonces, diferenciar la casualidad, del arte, al
tener un punto de referencia para valorar el objetivo inicial con el resultado final, tal
como Alberto Uderzo lo explica:
En primera instancia es la historia lo más importante, incluso más de lo que uno
pudiera pensar. ¡No puedo imaginarme como se puede dibujar sin una buena historia!
Me he preguntado frecuentemente esto porque muchas personas pensaron que yo hice
los dibujos y que Goscinny les añadió posteriormente los diálogos. No, esta no es la
manera en que se hace. Al igual que para los espectáculos, el cine o el teatro, hay un
autor que escribe y que da directrices de tal modo que los decoradores puedan
construir los espacios, y el director trabaja con los actores alrededor del texto, Es
exactamente lo mismo para una tira cómica. Así, actualmente estoy escribiendo un
texto que solamente podrá ser convertido a dibujos al final.
(http://www.asterix.tm.fr/english/index.htm)
De Joaquín Salvador Lavado “Quino”, a Claudia Rendón le gusta la
pulcritud de su línea, el dibujo sintético, sin texto, con un mensaje directo, así como la
elegancia para dibujar la figura y la armonía en la proporción y expresión de sus
personajes. Antes de comenzar a trazar, Claudia al igual que Quino, considera
importante documentarse seriamente para no cometer errores escenográficos al
realizar obra relacionada con algún momento histórico determinado, así como la
importancia de respetarse a uno mismo como artista y al espectador, Quino lo expresa
así:

También supo inculcarme una moral de trabajo que incluye el respeto a la profesión, al
lector y a uno mismo. También el tomarse cada dibujo, por insignificante que parezca,
como si se tratase de decorar la Capilla Sixtina y de ahí también la obsesión por
documentarse sobre el tema a dibujar.
(http://www.clubcultura.com/humor/quino/espanol/maestros.htm)
Quino es un observador de su tiempo y la naturaleza humana. Ve por la
cerradura la verdad de los corazones, para compartirla con el mundo, por eso los
temas que aborda siempre son vigentes, pues son de una profunda sensibilidad
humana y social.
Por ejemplo, una situación política ideal es la que se presenta en los restaurantes, el
cliente que quiere comer es el pueblo y el mozo que depende del maître, y éste del
humor del cocinero, son los que ejercen el poder. Por esta razón no manejo personajes
reales sino situaciones referidas a la realidad, que es una ventaja. Es un humor social
atemporal que nos permite recurrir a fuentes antiquísimas para inspirarnos en una
problemática actual. Nada mejor que acercarse al Antiguo Testamento para comprobar
que la corrupción, la traición, la ambición de poder, el miedo a la muerte, el amor, la
relación familiar, etc. nos acompañan desde siempre y van adquiriendo formas
distintas. (http://www.clubcultura.com/humor/quino/reportaje/13.htm)
Claudia Rendón aprendió de Quino que un buen dibujo puede darle fuerza a
una buena idea o destrozarla por completo, si no lo es.
Al igual que Carmen Lomas Garza, Claudia Rendón se identifica con los
momentos vividos en familia durante su niñez. Momentos decisivos para la formación
del carácter de Rendón quedan plasmados en su trabajo, siendo de primordial
importancia, la representación y postergación de sus orígenes culturales.
Los cuadros de este libro los pinté de los recuerdos de mi niñez en Kingsville,
Texas, cerca de la frontera con México. Desde que era pequeña, siempre soñé con
ser artista. Dibujaba cada día; estudié arte en la escuela; y por fin, me hice artista. Mi
familia me ha inspirado y alentado todos estos años. Este es mi libro de cuadros de
familia. (Carmen Lomas Garza. p. 3)
Las escenas que representa Lomas Garza, son las que vive cotidianamente
una familia, especialmente, la familia mexicana, como la mía, en donde la
característica principal es la cantidad de miembros de la misma, así como la intensa
interacción en donde cada individuo es indispensable para su funcionamiento. Y
aunque las escenas son simples y cotidianas, y pudieran parecer casi insignificantes,
son este tipo de momentos los que quedan en nuestra memoria para darle un sentido
emotivo a nuestra vida. Tal como lo explica Carmen Lomas Garza en su cuadro
“Camas para soñar”, con el cual Claudia Rendón se identifica plenamente, puesto que
hoy día, sigue teniendo largas y fraternales conversaciones, sin importar la distancia,
tiempo o lugar, con su querida hermana Isolda.
Mi hermana y yo solíamos subirnos al techo en las noches de verano y nos
quedábamos allí platicando sobre las estrellas y las constelaciones. También
platicábamos del futuro. Yo sabía desde que tenía trece años que quería ser artista. Y
todas las cosas que soñaba hacer como artista, por fin las estoy haciendo ahora. Mi
madre fue la que me inspiró a ser artista. Ella nos tendía las camas para que
durmiéramos y tuviéramos sueños normales, pero también preparó la cuna para
nuestros sueños del futuro. (Carmen Lomas Garza. p. 30)
Mario Rendón Lozano, es indudablemente, quien más influencia el trabajo y
la personalidad de Claudia Rendón. Es a través de sus conceptos y explicaciones que

Claudia no sólo va comprendiendo el trabajo del resto de los artistas, sino el del mismo
Mario Rendón. Es en la obra del maestro, en donde Claudia encuentra las referencias
que regirán su obra y su vida.
Durante muchos años, tomé como objeto de mi trabajo plástico a los vegetales,
principalmente las plantas xerófitas y las semillas. Allí encontraba las formas
adecuadas para representar los temas que entonces me interesaban, principalmente el
de la familia. (Mario Rendón Lozano. Catálogo: Mi Encuentro/Mi Historia. p. 1)
Observando inevitablemente su vida cotidiana, y por lo tanto su trayectoria
artística, es que Claudia se da cuenta de la importancia de los principios morales que
posee cada individuo, pues éstos siempre responderán a las acciones que sustenten
los ideales de cada persona, los cuales se verán reflejados inevitablemente en el fruto
de su trabajo.
Posteriormente, inicié una nueva etapa buscando posibilidades expresivas en la figura
humana, pero una serie de alteraciones en mi devenir cotidiano y un viaje al extranjero
coincidieron para que mi quehacer escultórico sufriera un drástico cambio de rumbo.
(Mario Rendón Lozano. Catálogo: Mi Encuentro / Mi Historia. p. 1)
De la misma forma que van transformándose la temática y las técnicas de
Mario Rendón, va evolucionando la percepción del mundo que rodea a Claudia. Es
cuando el maestro realiza una serie de esculturas en donde utiliza el modelado de
primera intención, texturas agresivas (rugosas), y expresiones impactantes, que tienen
que ver con la realidad de las mujeres indígenas dentro de la Ciudad de México, que
Claudia amplía su visión de la problemática socio-económica de su tiempo, misma que
al vivirla en persona, quedará registrada en su obra.
Si en el momento actual, el ser mujer representa todavía una serie de problemas
adicionales a los que comúnmente tenemos los hombres en nuestra vida cotidiana,
producto de los dogmas religiosos y de una educación parcial y deficiente,
encontramos sin embargo, que estos problemas se concentran y agudizan cruelmente
en las mujeres mazahuas que vienen a la gran ciudad en búsqueda del sustento para
ellas y sus hijos, enfrentando en realidad una lucha dramática en las condiciones más
adversas, desprotegidas, humilladas y en muchas ocasiones perseguidas. (Mario
Rendón Lozano. p.34)
Claudia aprendió a valorar su cultura de origen, a través de la convivencia
cotidiana con los conceptos y la obra escultórica y pictórica del maestro Mario Rendón,
cuando él comienza a utilizar en sus representaciones, imágenes y símbolos de
antiguas civilizaciones precolombinas, que no sólo le permiten expresar ese sentir
nacionalista, sino sus propios sentimientos, emociones y valores; aunado a viajes tanto
nacionales como en el extranjero, que ambos artistas experimentaron en momentos
diversos de sus vidas.
La necesidad de expresarme ahora de manera diferente, de buscar formas más
adecuadas a los nuevos sentimientos, mi sangre indígena y mi lejanía con México me
llevaron hacia este encuentro sensacional y único con el pensamiento y el mundo
plástico de lo que hoy conocemos como Mesoamérica.
(Mario Rendón Lozano. Catálogo: Mi Encuentro / Mi Historia. p.1)
Es también de Mario Rendón, de quien Claudia comprende que un ser
humano que tiene conocimiento de sí, principios morales y valores humanos bien

fundamentados, jamás será vencido a pesar de las adversidades que éste tenga que
enfrentar, incluyendo aquellas que sean devastadoras, porque lejos de estar
destruidos, este tipo de individuos no sólo se erguirán con la frente en alto
nuevamente, sino que serán capaces de transmitir dichos conocimientos a futuras
generaciones, propiciando así el ciclo de la vida.
El guerrero azteca ha sido capaz de rehacerse y volver a florecer cuando aparentaba
estar destruido, el que se reconstruye y fortalece porque en su interior y en su sangre
sigue viva la semilla original de sí mismo y de sus más profundos sentimientos y raíces.
(Mario Rendón Lozano. p.75)
Claudia también admira en Mario Rendón, su inquietud por la investigación en
el uso de nuevos materiales y técnicas basándose tanto en lo moderno como en lo
ancestral, que emplea en la realización de su obra artística. Los resultados que el
maestro obtiene no sólo perpetúan su nombre y el sentir del mensaje que quiere
transmitir, sino que favorecen el impacto visual que logra penetrar al espectador.
Con relación a la escultura, partí inicialmente del concepto del bloque cerrado, para
realizar una serie de tallas directas en concreto. Un material contemporáneo
ampliamente utilizado en la arquitectura al que le doy un tratamiento desde el punto de
vista escultórico, tanto en su composición como en los acabados, que he denominado
‘Rendocreto’. A éste apliqué algunas incrustaciones y color, tal como lo hicieron los
escultores del México antiguo. (Mario Rendón Lozano. p.76)
Mario Rendón Lozano, es el ingenio hecho realidad, cuando resuelve cualquier
desafío de la vida cotidiana, gracias a su carácter pacífico, ecuánime y disciplinado.
Igualmente resuelve el desafío artístico, a través del dominio de la técnica, capacidad
de síntesis, sensibilidad a los diversos materiales y aspectos humanos, así como la
creatividad que desempeña profesionalmente en su trabajo.
Es el escultor del grupo, su natural es reposado, observador, muy laborioso e
imaginativo. Discreto y pulcro, no libra batallas ni controversias verbales, sino
en el plasma de sus creaciones: barro, cantera, hierro, polyester, carlita,
soldadura y materiales pétreos. ...En toda su obra hay una indudable
referencia al hombre. Los seres que surgen de sus manos, ...parecen referirse
a la reducción del programa humano, pero más como síntesis futura que como
regresión hacia el pretérito. (Lic. Miguel Álvarez Acosta. Catálogo: Formas,
Concreto, Amor. p. 1. Junio 1970)

CAPÍTULO 3
TRABAJO ARTÍSTICO DE CLAUDIA RENDÓN
PROCESO CREATIVO
En éste capítulo, Claudia Rendón intenta representar a través del proceso
creativo, determinada emoción, sentimiento o valor, que la artista siente que son
importantes resaltar para de ésta forma ser capaces de emitir un juicio justo al respecto
de cualquier situación en la vida, al contar con todos los elementos a considerar.
Lo que la artista expresa en la obra creada durante su estancia en Texas
A&M University –Kingsville, es literalmente “Un Diario desde el Corazón”, con la
esperanza de haber logrado transmitir el mensaje al espectador, de lo importante que es
concientizar la existencia de ambos lados de la balanza, lo bueno y lo malo. Las
personas al contar con los elementos que se complementan, podrán alcanzar el
equilibrio. Es decir, el hecho de conocer algo malo, hace que la mente humana se de
cuenta de la existencia de algo bueno y viceversa, porque existe el punto de
comparación, por supuesto, para alcanzar el equilibrio, ambos conceptos deben de
existir en cantidades iguales. De lo contrario, si todo lo que existe es bueno todo el
tiempo, el concepto de lo que es malo comienza a ser olvidado, y sucede que entonces
lo que es bueno de repente ya no es lo suficientemente bueno y comienza a
transformarse en algo malo al perder el punto de referencia y por lo tanto lo que era
bueno ya no lo es más. Es entonces cuando la ambición de tener algo más allá de lo
bueno aparece y viceversa. Ese es el caso de los extremos, y no es saludable para
ninguna relación humana. Alcanzar el equilibrio es importante para Claudia Rendón.

ART WORK # 1 / OBRA # 1
“LIFE – VIDA”
Acrylic on wood – Acrílico sobre madera
16” x 23” – 41 cm x 58 cm
Kingsville, TX, 1999
Birth, the first event that happens to people when
they enter the world, is wonderful. In order to born, to
have life, co participation of two essences is required. In
this painting, life is represented by a seed in the process
of germination, all promoted by water, sun and earth.
El primer suceso que ocurre a todo mundo, es
maravilloso. El hecho de nacer, de tener vida, requiere
de la cooparticipación de dos escencias. En éste caso la
vida es representada con una semilla, la cual necesita
agua, sol y tierra para germinar.

“THIS IS IT – ESTO ES TODO”
20” x 16” – 50 cm x 41 cm
Essential things that help in transmitting life can
only be seen in the eyes of the heart. What is going to
nourish an individual being? This question is answered
by the concept of positive values. Here in painting “This
is it – Esto es todo”, a pair of hands brings to the small
plant the nourishment of value. The reception of values
by the plant promotes growth that leads the individual to
feel with the heart.
Lo esencial solo puede verse con los ojos del
corazón. Lo que va a nutrir de una manera positiva la
escencia, sera la capacidad sentir y asimilar valores
positivos. En esta pintura un par de manos ofrecen los
valores fundamenteles para fortificar. El hecho de que
sean asimilados correctamente, dependerá de la
sensibilidad de cada individuo.

“WITH ALL THE ELEMENTS – CON TODOS LOS
ELEMENTOS”
16” x 23” – 41 cm x 58 cm
The life of each individual can be intensely fortified
if all the elements are available. The little plant now
became a tree, which trunk is hard and healthy thanks
that this tree can perceive and assimilate all balanced
elements in a harmonious form.
La vida de cada individuo puede ser fortuita,
plena, intensamente fortificada, si se cuenta con todos
los elementos a favor. La plantita se ha convertido en
árbol, cuyo tronco es fuerte y saludable, gracias a que
puede asimilar todos los elementos equilibrados, en una
forma armoniosa.

“COMMUNICATION – COMUNICACIÓN”
20” x 16” – 50 cm x 41 cm
Once the individual is self confident, exterior
communication with other individuals occurs.
Communication is represented by the Aztec symbol,
which is located up in between all other elements, without
disturbing vital space, which is important in order to have
a good communication.
Una vez que el individuo, el árbol, se encuentra
bien consigo mismo, se puede llevar a cabo la
comunicación hacia el exterior, es decir, con sus
semejantes. Es representada por el símbolo azteca, la
cual se encuentra ubicada enmedio de todos los
elementos, sin irrumpir en el espacio vital de ningún otro
elemento, guardando de ésta forma, respeto por los
mismos, elemento necesario para lograr una buena
comunicación.

“ABUSE OF POWER – PREPOTENCIA”
16” x 23” – 41 cm x 58 cm
Conflict occurs when abuse of power is used by
one element over the others. In this painting, abuse of
power is represented by black clouds invading vital space
of others elements. When interrupting communication
between individuals delicate natural equilibrium is broken
El conflicto que genera la prepotencia de alguno
de los elementos, sobre el resto de ellos. Queda
representado en esta pintura con nubes negras
invadiendo el espacio vital del resto de los elementos,
interrumpiendo la comunicación entre individuos y
rompiendo de ésta forma el delicado equilibrio natural.

“LIFE AGAINST THE TREASON – VIDA SOBRE LA
TRAICIÓN”
20” x 16” – 50 cm x 41 cm
The result of abuse of power is represented by all the
beneficial elements from the origin, now against the individual,
the tree. This destruction is the consequence of broken
natural balance. Nevertheless, the roots and trunk where
already fortified and healthy. Now more life can be generated
by this reconstituted tree and the cycle of life perpetuated.
El resultado destructivo del abuso de poder, queda
representado con todos los elementos originalmente
benéficos, tornados en perjudiciales para el individuo, para el
árbol. Dicha aparente destrucción es consecuencia de la
ruptura del sagrado equilibrio natural. Sin embargo, debido a
que en un origen las raíces y el tronco crecieron fuertes y
saludables, combaten a la destrucción, sin dejar que ésta de
fin a la vida del individuo, sino muy por el contrario, éste es
capáz de renacer e inclusive de generar otra vida, dando así
continuidad al Ciclo de la Vida.

“HELLO FROM MEXICO! – HOLA DESDE MÉXICO!”
Silk screen print – Serigrafía
12½” x 16” – 32 cm x 41 cm
The artist and sister are in the homeland, called
Xochimilco, flowers place, in Mexico City. This was
home while the parents attended school in Italy and
France, creating huge sculptures and marble pottery.
While separated, the children tried to hold on to the
memory of parents in the heart.
La artista y su hermana se encuentran en casa,
en Xochimilco, lugar de flores, en la ciudad de México.
Permanecieron ahi durante el período en que los padres
atendieron cursos en Italia y Francia, donde crearon
grandes esculturas y vasijas de mármol. Durante la
separación las niñas se aferraban al recuerdo de sus
padres, en el corazón.

“MY HOME – MI CASA”
13” x 17” – 33 cm x 43 cm
Claudia’s fifteen years of life were spent in this
home. Originally the home was owned by Claudia’s
grandparents and used as an automotive workshop
where the grandfather worked on cars. After the
grandfather died the workshop was divided in half, one
half for the mechanic son and one for the sculptor son,
Claudia’s father. The grandmother still lives in the higher
house and is represented by the walking figure. Others
in the family are depicted as cars.
Claudia pasó quince años viviendo en ésta casa,
la cual originalmente perteneció a su abuelo quien era
mecánico. Después de su muerte, el taller quedó
dividido en dos; una mitad para el hijo mecánico y la otra
mitad para el hijo escultor, el padre de Claudia. La
abuela todavía vive en la casa de arriba, representada
caminando. Los otros miembros de la familia son
representados por sus automóviles.

“OUR MAGIC – NUESTRA MAGIA”
Watercolor on paper – Acuarela sobre papel
22” x 16” – 56 cm x 41 cm
Claudia had a son, Darío. Mother and son love is
shown here by the touch of nose and eye contact. The
electricity and magic of mother-son love radiates
throughout this watercolor.
Claudia tiene un hijo, Darío. El amor entre madre
e hijo es representado por el toque de narices y la
Mirada profunda. La electricidad y magia de este cariño
es irradiado a través de esta acuarela.

“AGAINST THE FLOW, BUT SMILING! – CONTRA
CORRIENTE, PERO SONRIENTE!”
India Ink – Tinta china
22” x 15” – 56 cm x 38 cm
The strong daily flow against the artist and son is
represented by dense horizontal lines. Though the daily
fight for life responsibilities are carried on the shoulders,
as are joy and happiness. These are the power of the
motor that generates energy.
La fortaleza de la inevitable contracorriente a la
que la artista se enfrenta todos los días junto con su hijo,
es representada por densas líneas horizontales. No
obstante, que hay que luchar con las responsabilidades y
los problemas a cuestas, tambien se van cargando
muchas alegrías, las cuales finalmente son el
combustible del motor que genera la energía.

“FREEDOM – LIBRE”
Watercolor on paper – Acuarela sobre papel
14” x 11½” – 35.5 cm x 29 cm
Claudia Rendón, the artist, at age ten, with an
optimistic attitude, open arms and heart, is ready to
receive the best of life, and to let go of the past,
represented by black birds.
Claudia Rendón, la artista, a la edad de diez
años, tiene una actitud optimista, con corazón y brazos
abiertos, para recibir lo major de la vida, liberando el
pasado representado por aves negras.

“SILKSCREENS AT SCHOOL – PANTALLAS DE SEDA,
EN LA ESCUELA”
17” x 13” – 44 cm x 33 cm
In this self portrait, the artist represents the daily
adversity of school days. There is no choice, but to
face them, after all.
En este autorretrato, la artista representa las
adversidades con las que tropieza durante su quehacer
académico. No quedando más remedio que
confrontarlos de frente.

“SELF PORTRAIT – AUTORRETRATO”
21” x 15” – 54 cm x 38 cm
A self portrait of the artist, representing the
volcanic energy that is inside by the thick and free
brush lines. There are no eyes drawn in this picture.
Internal concentration needs to be generated in order to
reach a specific objective.
En este autorretrato de la artista, está
representada la energía volcánica interior, a través de
líneas gruesas y de trazo libre. La ausencia de ojos en
el dibujo, significa la concentración a lo interno que se
está generando, para alcanzar determinado objetivo.

“DREAMS – SUEÑOS”
22” x 15” – 56 cm x 38 cm
Kingsville, TX., 2000
The artist is attempting to take away the dirt of
the world from Darío, a concept that is the dream of any
mother.
La artista trata de proteger y alejar a Darío de un
mundo cruel y sucio. Éste es el sueño de cualquier
madre.

“MELANCHOLIA – MELANCOLÍA”
22 ½” x 17 ½” – 57 cm x 44.5 cm
The weigh of melancholy, is carried in the chest,
where the heart is, and where it weighs more.
La carga de la melancholia, es cargada en el
pecho, donde está el corazón y donde pesa más.

“MY GHOST – MI FANTASMA”
Pastel on paper – Pastel sobre papel
12” x 9” – 30.5 cm x 23 cm
The contrast of orange and yellow against the
black, makes it bright and alive. This image represents
the energy that deaths can remain alive in the memory,
through good or bad actions.
El contraste del anaranjado y amarillo contra el
negro, realzan y dan vida a esta imagen que
representa la energía que puede dejar un espíritu en el
recuerdo de los vivos, gracias a sus acciones, ya sean
buenas o malas.

“THE GHOST OF BLANCA – EL FANTASMA DE
BLANCA”
Pastel on paper – Pastel sobre papel
12” x 9” – 30.5 cm x 23 cm
Colors are related with the death day of Mexico.
The memory of a ghost from the artist’s childhood
allows purple and hot pink to come out.
Con el morado y el rosa mexicano, colores que
están relacionados con el día de muertos en México,
queda representada la energía que emana el recuerdo
del fantasma de la infancia de la artista.

“DARÍO”
18” x 13” – 46 cm x 33 cm
The silkscreen on the opposite page is a portrait
of Darío Rendón. The background represents the
personality of the artist’s son. Darío is a happy
Mexican child with a strict demeanor that is almost
square and aligned in Dario’s daily activities.
La serigrafía de la página opuesta retrata a
Darío Rendón. El diseño del fondo, representa la
personalidad del hijo de la artista. Darío es un niño
mexicano felíz , pero con un carácter rígido y extricto,
todo tiene que estar perfectamente alineado y
reticulado en sus acciones cotidianas.

“EN MI CORAZÓN – IN MY HEART”
16” x 23” – 41 cm x 58 cm
Darío is depicted in the center of Claudia’s heart,
protecting with a hand and rounding with the warmness
of home, represented by the house Aztec symbol, and
transferring the heritage of the country of birth.
Darío se encuentra en medio del corazón de
Claudia, quien lo protege con su mano, rodeándolo a
su vez, con calor de hogar, representado por el símbolo
para casa azteca, y heredándole la cultura de su país
de orígen.

“DARÍO”
Conté pencil on paper - Lápiz conté sobre papel
22 ½” x 19” – 57 cm x 48 cm
Dario’s eyes reflecting brightness that gives the
illusion and innocence of life. This portrait was drawn
from the passport picture when mother and son arrived
to Kingsville, TX.
La alegría de Darío es reflejada a través de la
inocencia de sus ojos. El retrato se sacó de la
fotografía que usó en su pasaporte cuando llegaron
madre e hijo a Kingsville, TX.

“LISA AND THE CHILDREN – LISA Y LOS NIÑOS”
19” x 25” – 48 cm x 63.5 cm
Dario’s teacher is Lisa Turcotte from the
University Nursery School, shown here with some
classmates enjoying the day and learning at TAMUK’s
farm.
La maestra de Darío, Lisa Turcotte de la
guardería de la universidad, junto con algunos
compañeritos, se encuentran disfrutando del día y
aprendiendo en la granja de TAMUK.

“DREAM OF A BOMB – SUEÑO DE UNA BOMBA”
Charcoal on paper – Carboncillo sobre papel
30” x 22” – 76 cm x 56 cm
Darío with a toy named Sergio, looking at all the
difficulties that are waiting outside in the real world.
Darío is confident because he is standing on the solid
ground where fortified roots are holding all in existence.
Darío junto con su muñeco Sergio, ve en el
horizonte las dificultades del mundo adulto que le
aguardan. Sin embargo, sabe que cuenta con raíces
fuertes que le permitirán estar en pie para
confrontarlas.

“GOOD MORNING, MOM! – BUEN DÍA, MAMI!”
India ink – Tinta china
56 cm x 38 cm – 22” x 15”
The simplicity and happiness of Darío when
saying good morning, is represented in this image by
clean and simple plot. This is an attempt to represent
the transparency of the light mood when Darío is
waking up.
La sencillez y alegría con que da los buenos
días Darío, es representada en esta imagen con trazos
limpios e igualmente sencillos. Al mismo tiempo la
escacés de trazos pretende dar como resultado una
imagen casi transparente, que equivaldría a la ligereza
del despertar de Darío.

“DARÍO-SCORPIO – DARÍO-ESCORPIÓN”
India ink – Tinta china
22 ½” x 17 ½”–57 cm x 44.5 cm
Darío looks this way when on the verge of deep
anger, which is kept in the heart, represented by thick
black lines for the shoulders and neck. This way the
image feels heavy and rigid.
Cuando Darío se enoja, carga el peso de su
amargura sobre sus hombros y lo guarda en lo más
profundo de su corazón. Esto es representado a base
de líneas gruesas en los hombros y cuello, haciendo
sentir la imagen pesada y rígida.

“YOUR TRANSPARENCY – TU TRANSPARENCIA”
Raku ceramic – Cerámica de Raku
10” x 8 ½” x 9 ½” – 25 cm x 21.5 cm x 24 cm
When somebody is talking to Darío,
transparency allows tenderness and innocence of
Dario’s soul. That light and happy expression is
represented in this ceramic.
Cuando platicas con Darío, sus ojos
transparentes te dejan ver la ternura de su alma. La
inocencia y alegría brotan por su mirada invadiendo la
tuya. Esa expresión ligera y alegre es la que se
representa en esta cerámica.

“MARIO”
25¼” x 20” – 64 cm x 51 cm
Mario Rendón Lozano, the artist’s father, is
always content and knows how to exist among others.
The foundation of Mario’s ideas exists in well
researched knowledge. This is represented by
harmonious color in the face and a rhombus web for
knowledge.
Mario Rendón Lozano, el padre de la artista,
siempre está conteno y sabe como llevarse bien con
los demás. Las ideas que forjan el carácter y el trabajo
de Mario, son fundamentadas en el estudio. Esto está
representado con colores armoniosos en la cara y una
red de rombos representa sus conocimientos.

“MY TEACHER – MI MAESTRO”
Lithograph – Litografía
20” x 13” – 51 cm x 33 cm
Claudia remembers the artist father in the studio,
always working, in deep thought and tranquility.
Claudia recuerda a su padre en su estudio,
siempre trabajando, profundamente concentrado y
tranquilo.

“BLANCA”
25½” x 20” – 65 cm x 51 cm
In this silkscreen of Blanca Garduño, the artist’s
mother, the influence of Magritte’s surrealism is
represented.
Esta serigrafía que representa a Blanca
Garduño, la madre de la artista. Esta imágen está
influenciada por el surrealismo de Magritte.

ART WORK # 29/ OBRA # 29
“YOUR FORTITUDE – TU FORTALEZA”
Embossed metal – Metal repujado
30” x 24” – 76 cm x 61 cm
This artwork represents the ideas and believes
of Blanca Garduño, the artist’s mother. These ideas
and beliefs are Blanca’s foundation, recognition of a
strong temperament, which allows Blanca to succeed in
most difficult situations.
Esta pieza representa las ideas y creencias en
las que se fundamenta Blanca Garduño, madre de la
artista. Es a su vez, un reconocimiento a su
temperamento fuerte, que la ha mantenido de pie ante
las adversidades que ha confrontado.

“ISOLDA”
25½” x 20” – 65 cm x 51 cm
Isolda Rendón, the artist’s sister, always tries to
give the impression of being under control. Carrying
the weight of the world under water is fragmenting
Isolda’s soul.
Isolda Rendón, la hermana de la artista, siempre
trata de dar la impresión de que todo lo tiene bajo
control. No importa que vaya cargando el mundo sobre
sus hombros, lo cual fragmenta su alma.

“HOMAGE TO ISOLDA – HOMENAJE A ISOLDA”
Lithograph – Litografía
20” x 13” – 51 cm x 33 cm
Isolda is a professional ballerina of Mexican
folklore. When performing with passion the soul is
revealed to the public. Some dances need masks like
the one in the background. Claudia attempts to give
homage to Isolda’s work with this image.
Isolda es bailarina profesional de folklore
mexicano. Siempre que sale al escenario, lo hace
entregándose con el alma desnuda a su público.
Algunos bailables utilizan máscaras como la del fondo,
en el vestuario. Claudia le hace un reconocimiento a
su esperado trabajo con esta imagen dedicada a su
hermana.

“YAMILA”
19” x 13 ¼” – 48 cm x 33.5 cm
Yamila Palacios Rendon, the artist’s nice at six
months, has a face reflecting the wonder of what’s
going on while discovering the world.
Yamila Palacios Rendón, sobrina de la artista,
tiene seis meses en este dibujo. Sus ojos reflejan la
admiración al ir descubriendo las maravillas que el
mundo le ofrece.

“YAMILA”
25 ¼” x 20” – 64 cm x 51 cm
When Yamila was one year old, laughter,
happiness and talking were the menu of the day.
Flowers and color in this work represent the laughs,
smiles and jabber of the young child.
Yamila tiene un año de edad, y los colores vivos
y las flores del fondo, representan su alegría y sus
ganas de platicar con todo el mundo durante el día.

“LEONOR”
25 ¼” x 20” – 64 cm x 51 cm
Leonor Lozano Garcia, the artist’s grandmother,
transmitted the Mexican traditions of cuisine,
celebration, important days and the serenity and joyful
nature associated with life knowledge.
Leonor Lozano García, la abuela de la artista, le
transmitió las tradiciones mexicanas culinarias, así
como las celebraciones y días importantes, a través de
su serenidad y sus conocimientos de la vida.

“ONCE UPON THE TIME – ERASE UNA VEZ”
23” x 34” – 58.5 cm x 84 cm
Sometimes, the family becomes apart when the
members do not have good communication and
comprehension. This silkscreen print represents the
daily activity of the family that existed for the artist once
upon the time.
La familia, en ocasiones se desintegra por falta
de comunicación y comprensión entre sus miembros.
Esta serigrafía representa la actividad cotidiana de la
familia que alguna vez tuvo la artista.

“MONTSE”
15” x 10½” – 38 cm x 27 cm
Montserrat Suarez, Dario’s friend, is a very shy
girl but will show a smile. The fine trace technique
applied on her hair, attempts to represent that shyness.
Monserrat Suárez, amiguita de Darío, aunque es
tímida, esboza una sonrisa. El trazo fino de su cabello,
pretende representar esa timidez.

“ROBERTO JUAN HERRERA JR.”
25” x 19” – 63.5 cm x 48 cm
Roberto Juan Herrera Jr., the son of the artist’s
mail carrier, is proud of belonging to the United States
Navy and wants to give back to the efforts of parents to
provide an education.
Roberto Juan Herrera Jr., el hijo del cartero de la
artista, se nota orgulloso de pertenecer a la Marina de
los Estados Unidos de América, expresando gratitud a
su madre y padre por los esfuerzos hechos para lograr
su educación.

“TONY & INO”
Watercolor on paper - Acuarela sobre papel
20” x 22” – 51 cm x 26 cm
Ino and Tony Alvarez are good friends of the
artist. Ino, in blue, gives the appearance of being able
to solve very difficult situations. Tony, in red, reflects
the tranquility that allows balance and justice in any
taken decision.
Ino y Tony Álvarez son buenas amigas de la
artista. Ino, de azul, tiene una expresión que indica la
seguridad que siente para resolver situaciones difíciles.
Tony, de rojo, refleja la tranquilidad ecuánime que le
permite alcanzar el equilibrio para tomar decisiones
justas y equitativas.

“WOMEN’S CENTER LOGO – LOGO PARA EL CENTRO
DE MUJERES”
Offset print – Impresión en Offset
17” x 11” – 43 cm x 28 cm
This logo was created for the Women’s Center of
Texas A&M University-Kingsville representing women
succeeding in the State of Texas.
Este logo fue creado para el Centro de Mujeres
de Texas A&M University-Kingsville. Representa a la
mujer surgiendo victoriosa sobre el territorio texano.

“THE BALANCE OF THE FAMILY – EL EQUILIBRIO DE
LA FAMILIA”
2 ½” x 3 ¾” x 3 ¾” – 6.5 cm x 10 cm x 10 cm
The family balance is delicate and difficult to
maintain. That is shown in this piece by a narrow base
and thick body in which three of the artist families are
represented.
El equilibrio de la familia además de ser
delicado, es difícil de mantener. Por esa razón, esta
cerámica tiene una base angosta con un espesor
grueso que sostener representando las tres familias
que conforman la familia de la artista.

“FOR YOUR RITUALS – PARA TUS RITUALES”
3 ½” x 2” – 9 cm x 5 cm
All families have a ritual that needs to be done in
order to preserve either the internal traditions or the
ones from the original place. This ceramic represents
the intimate place where prayers are offered as in Aztec
tradition.
Todas las familias tienen algún ritual que cumplir
para preservar sus tradiciones del lugar de orígen, o a
lo interno de la propia familia. Esta cerámica
representa el lugar íntimo en el que se ofrece para
recibir, tal como en la tradición azteca.

“A LITTLE SECRET – UN SECRETITO”
2 ½” x 1” – 6.5 cm x 2.5 cm
Where emotions and feelings exist, there is
always a secret. This ceramic is the perfect hidden
place in the soul for those significant moments of
emotion, feeling and values.
Con las emociones y sentimientos, siempre se
guarda un pequeño secreto. Esta cerámica es el lugar
en el alma donde se guardan esos significativos
momentos de emoción, sentimiento o valores.

“LIFE HAS UNEVEN GROUND – LA VIDA TIENE
ALTIBAJOS”
2 ¼” x 3” – 6 cm x 7.5 cm
In life there is always going to exist good and
bad situations but life still goes on. These difficulties
are represented in this ceramic by a zigzag profile.
En la vida siempre se van a encontrar
situaciones buenas y malas y sin embargo, siempre
sigue su continuidad. Dichas situaciones están
representadas en esta cerámica por el perfil
zigzagueante que tiene.

“THE HEART’S CHALICE – EL CÁLIZ DEL CORAZÓN”
2 ½” x 2½”– 6.5 cm x 6.5 cm
The heart’s content has been highly valued from
ancient civilizations to the present. This value
considers the heart to be generator of life and
emotions, feelings and values.
El contenido del corazón, es altamente valorado
desde las antiguas civilizaciones, hasta la actualidad,
como generador de vida y como generador de
emociones, sentimientos y valores.

“HEAVEN’S LIGHTNING – RAYITO DE CIELO”
2 ½” x 2½”– 6.5 cm x 6.5 cm
When hope is lost, there is always a heaven’s
lightning around that illuminates the road with renewed
energy.
Cuando se pierde la esperanza, siempre se
encuentra de vuelta en un rayito de cielo que ilumina
con energía nueva nuestro camino.

“FERTILE FLOWER – FLOR FECUNDA”
2 ½” x 3” – 6.5 cm x 7.5 cm
There is always uncertainty when expecting the
fruit of a fertile flower. The brown color in this ceramic,
represents the earth, from where all the plants and life
began.
Siempre existe la incertidumbre del fruto, cuando
una flor se encuentra fecundada. El color café de esta
cerámica representa a su vez, la tierra de donde toda
planta, y por lo tanto todo ser vivo, toma los elementos
escenciales.

“ATOLITO”
1 ¾” x 2 ¾” – 6.5 cm x 7.5 cm
A cup of white “atolito”, a typical Mexican
beverage, is a tradition that is enjoyed by families on
cold days or festivities. Grandmothers are experts in
making this delicious beverage.
La taza de atolito blanco, bebida típica
mexicana, es una tradición que se disfruta en familia
cuando hay días fríos o alguna celebración. Las
abuelas son expertas haciendo tan deliciosa bebida.

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