El graffiti tiene orígenes antiguos, pero surgió como cultura juvenil en Nueva York a finales de los años 1960 cuando adolescentes comenzaron a escribir sus nombres en las paredes de sus barrios. En los años 1970, el graffiti se desarrolló en una forma de arte callejera compleja con estilos de letra y competiciones entre artistas. Aunque enfrentó oposición en los años 1980, el resurgimiento del hip hop a mediados de esa década ayudó a revitalizar el graffiti en Nueva York.

1. Graffiti
Antecedentes
El término graffiti es de procedencia italiana (“graffiare” o garabatear). Decir que su
plural es el sustantivo graffiti, no graffitis, es decir, estaríamos hablando de los graffiti
o, como se diría en castellano, los grafitos (letrero o dibujo trazado o garabateado en
paredes u otras superficies de carácter popular y ocasional), aunque veremos que esta
definición quedará invalidada varias veces a lo largo de este texto.
Se tiene conocimiento de que ya los romanos “guarreaban” las paredes y los sitios
públicos con profecías y protesta con un incontenible deseo de compartirlas con sus
ciudadanos. Pero sabemos que tiene antecedentes más remotos aún en el tiempo.
Escribir sobre los muros es un impulso tan antiguo como los indicios de racionalidad
del ser humano: Los macedonios, los griegos o los antiguos egipcios con sus
indescifrables jeroglíficos ya utilizaban esta superficie como soporte de su escritura y de
su arte. Pero quizás el ejemplo más significativo y a la vez el más antiguo sea el de las
pinturas rupestres realizadas en las paredes de las cuevas por el hombre primitivo. Las
representaciones de animales, de escenas de caza, etc. No tenían otro objetivo que el de
satisfacer uno de los más ancestrales instintos del hombre: El de comunicarse.
Hasta el siglo XIV la pared ha sido uno de los principales soportes de la producción
artística (recuérdese la pintura mural). Sin embargo, en la actualidad, éste no es un
espacio creativo libre, sino un espacio clausurado por el poder que históricamente se ha
reservado su usufructo. Tanto es así que este fenómeno espontáneo ha llegado a
interpretarse como una amenaza, una transgresión. Podría decirse que la ley ha
prohibido el libre acceso al mayor lienzo del mundo y, precisamente por eso, éste se ha
llenado de trazos incontrolables, extendiéndose a todo tipo de superficies. El muro y sus
extensiones metonímicas (puertas, mobiliario urbano, vagones, autobuses...) pasan a ser
el soporte de lo que venimos hablando: El graffiti.
Una de sus muchas definiciones podría ser: “Acto de escribir (nombre) o representar
(símbolo que nos identifique o con el que nos identificamos) en una superficie ajena”.
Si lo miramos desde este punto de vista, casi todo el mundo habría hecho graffiti , por
ejemplo las inscripciones en los árboles co una navaja (Jose x María), paredes (¡Ala
Madrid!), pintadas en las mesas del colegio, frases en retretes públicos... y un largo
etcétera. Ese gesto tan humano que deja nuestra huella, un “pedacito” de nosotros
mismos tan personal, ese acto tan íntimo y a la vez tan público no deja de ser la
exteorización de un sentimiento... Lo que curiosamente coincide con una de las
definiciones del término arte. Pero... ¡Cuidado! Lo que hoy en día entendemos por
graffiti y la fuerte personalidad que está cobrando nos adentrará en unos laberintos de
creatividad y de posibilidades infinitas que más tarde veremos, y que nos harán darnos
cuenta de que, aun siendo una cultura cronológicamente reciente (unos treinta años) se
anula toda posibilidad de calificarla como una moda, puesto que trae a sus espaldas ya
tres generaciones y la llegada de una cuarta. Además de la comercialización que hoy en
día produce este fenómeno, los numerosos e importantes eventos, todas las
publicaciones y sobre todo, ese espíritu urbano y esa siempre presente necesidad, hacen

2. de ésta una cultura sólida, a pesar de estar en manos de gente de la calle y precisamente
sorprende que ante esta, digamos... "Integración", siga conservando su espíritu ilegal.
Es concretamente a finales de los sesenta cuando los concienciados activistas políticos y
los no tan concienciados miembros de las gangs (las bandas callejeras) retoman este
antiguo método de comunicación de escribir en los muros: Los primeros para hacer
públicas sus protestas y los segundospara delimitar su territorio.
Poco después en la ciudad norteamericana de Filadelfia el bombing (bombardear, acto
de pintar el nombre por todas partes) sienta los primeros antecedentes del graffiti tal y
como hoy lo conocemos: Bombardeo de jóvenes artistas de las paredes de la ciudad con
su nombre o apodo con la finalidad de llamar la atención de la sociedad y de los medios.
Pronto esto evolucionó y se trasladó a la parte sur del barrio neoyorkino del Bronx
(SouthBronx), donde el arte del writing (escribir en paredes y vagones) toma la
morfología definitiva de diálogo con la sociedad en general. Va a ser ahí, en Nueva
York, donde se desarrolle plenamente esta cultura y evolucione hasta donde hoy la
conocemos.
Historia 1
A finales de los sesenta los adolescentes en la ciudad de Nueva York empezaron a
escribir sus nombres en las paredes de sus barrios, aunque en realidad utilizaban
pseudónimos, creandose así una identidad propia en la calle. Estos chicos escribían para
sus amigos o incluso para sus enemigos. Quizás el ejemplo más significativo y a la vez
el más conocido por todos sea el de Taki 183, un chico de origen griego que a la edad
de 17 años comenzó a poner su apodo. Su verdadero nombre era Demetrius (de ahí el
diminutivo “Taki”) y 183 era la calle donde vivía (poner el nombre de la calle fue un
elemento usado por muchos más escritores). Taki trabajaba como mensajero y viajaba
constantemente en el metro de un lado a otro de la ciudad. En el trayecto estampaba su
tag (firma) en todos los lados, dentro y fuera del vagón. El no lo consideraba como algo
malo, de hecho respondía así a las preguntas que le formularon en una entrevista en el
New York Times: “Simplemente es algo que tengo que hacer. Trabajo, pago mis
impuestos y no hago daño a nadie”. Estos actos le convirtieron en un héroe y poco
después cientos de jóvenes empezaron a imitarle.
Algunos de los escritores también destacados de aquella época fueron: Frank 207, Chew
127, Julio 204, Bárbara 62... En principio no buscaban estilo, sólo querían aparecer por
todos los lados. Es a partir de aquí cuando surgió el boom y cientos de adolescentes
comenzaron a poner su nombre por toda la ciudad, haciéndose necesaria la creación de
un estilo, tanto en la caligrafía, como en los métodos de ejecución o incluso los lugares
utilizados para dicho fin. Por ejemplo, Soul 1, un escritor de la zona de Manhattan, se
dedicó a escribir su nombre a media altura en los laterales de los edificios. Tracy 168
citaba: “Eran inalcanzables para el resto de los humanos. Parecía que podía volar”.
También podríamos destacar la anécdota de Bama, cuyo deseo por superar a los demás
en cuanto a emplazamiento de sus pintadas le llevó a intentar escribir su nombre en lo
alto de una montaña situada en el norte del estado de Nueva York. Cual sería su
sorpresa cuando al apartar los ramajes y limpiar la superficie vió que se le habían
adelantado: “¡Mierda!”. Se lamentaba el muchacho. Un caso muy sonado fue el de Seen
al pintar su nombre en letras gigantescas en el mismísimo letrero de la colina de
Hollywood.

3. En cuanto a la caligrafía, en principio se utilizaba una bastante legible, hasta la llegada a
Nueva York de un graffitero de Filadelfia llamado Top Cat, quien afirmaba que todo lo
que sabía sobre graffiti lo había aprendido en el legendario pan de maíz de Filadelfia.
Escribía su nombre en letras finas y alargadas muy juntas. Eran difíciles de entender,
pero precisamente esto las hacía destacar de las demás y llamaban la atención del resto,
por lo que un gran número de escritores de Manhattan adoptaron su estilo y lo
bautizaron como “Broadway Elegant”. Como contra, algunos escritores de Brooklyn
inventaron su propio estilo, que consistía en letras más separadas adornadas con
corazones, flechas, espirales... Y, por supuesto, el Bronx también tuvo su periodo de
popularidad de estilo cuyo resultado era la mezcla de los dos anteriores. Aunque hay
que decir que al final cada escritor optó por la creación de su propio estilo. Llegó un
momento en el que el amasijo de firmas era tal, que surgió la necesidad de concentrarse
en el tamaño y color de las letras, surgiendo así los primeros tags con “outline” (filete o
línea de borde) iniciados por Super Kool y que más tarde Phase 2 perfeccionó dando
como resultado unas letras más gordas perfiladas y coloreadas: bubble letters o letras
pompa. De aquí posteriormente nacieron los ya famosos throw up o vomitados, que
como su nombre indica, son piezas espontáneas y de realización rápida. Otro tipo de
letras son las block letters, perfectamente legibles similares a los rótulos. Pero el afán
competitivo va más allá, y la obsesión por conseguir popularidad y respeto llega a una
complejidad artística tal que las letras empiezan incluso a ser difíciles de entender,
culminando así en el estilo más genuino del Bronx: Wild style o estilo salvaje.
Ya a finales de los setenta, el graffiti alcanza sus cotas más altas con la incorporación de
imágenes de la iconografía popular tales como personajes de cómic o dibujos animados,
e incluso retratos y autorretratos en forma de caricatura (estas influencias se verán más
adelante en un apartado especial). Con la incorporación de estas imágenes aparecen en
escena las complejas master pieces (piezas maestras), que además de hacer distinguir a
los grandes maestros de los principiantes, amplían de manera considerable el tamaño de
las obras.
La comunidad del writing arde de expresividad, y esto lleva a un estado de
competitividad feroz que se traduce en el auge de las conocidas Guerras de estilo (Style
Wars) para nada violentas. Esta competición desemboca en las alianzas entre escritores.
Es un momento muy importante, puesto que nos encontramos ante el nacimiento de las
crews (pandillas, grupos). Su objetivo es la de hacerse más fuertes y así conseguir el
respeto de los demás. Hay que tener en cuenta de que el hecho de que haya más
miembros de un mismo grupo poniendo el mismo nombre facilita el acto de “dejarse
ver” (gettin’ up).
Esta época de esplendor no durará eternamente. En los primeros años de los ochenta, la
MTA (Metropolitan Transit Authority) de Nueva York, comienza su encarnizada lucha
contra el graffiti. Se denomina a los escritores como buffs (entusiastas) y se comienzan
a tomar medidas tales como instalar nuevas vallas más sofisticadas en las cocheras de
los vagones de metro, recubrir los vagones con pintura resistente, aumento de la
vigilancia... Esto empieza a hacer flojear el graffiti de algún modo. Algunos escritores
buscarán artimañas para seguir adelante en esta particular lucha. Otros buscarán otras
alternativas, una de ellas es la de cruzar el Atlántico rumbo a Europa, dando a conocer
esta subcultura en el viejo continente (este hecho es uno de los componentes de la
posterior difusión de esta cultura en nuestro continente, aparte de otras, especialmente
las favorecidas por los medios de comunicación). Aparte de la particular guerra con la
MTA, aparece un nuevo personaje en el bando de los malos ejerciendo el papel de

4. villano y contribuirá también al declibe de writting. Hablamos del crack que se adueña
de la Gran Manzana y por si fuera poco esta droga letal no viene sola, sino que trae
consigo todo lo que rodea a un mercado negro: Violencia y dinero.
Es una época en la que un arma de fuego es algo al alcance de cualquiera, y esto, de
algún modo, cambia la mentalidad y el espíritu de muchos. Pero esto no es todo, se
empiezan a promulgar leyes restringiendo la venta de pintura a los jóvenes, se obliga a
los vendedores a guardar la pintura bajo llave y se endurecen las penas contra los
escritores de graffiti.La gota que colma el vaso es sin duda el hecho más perjudicial. No
basta con tener a las autoridades en contra sino que la propia sociedad e incluso los
medios de comunicación (a través en muchos casos de campañas políticas) empiezan a
volverse contra ellos. Surgen brigadas e incluso asociaciones de vecinos antigraffiti que
promueven campañas, carteles... Surgen anuncios en televisión y en la prensa
intentando concienciar del mal que las pintadas producen en la sociedad. Todo esto hace
a los escritores mucho más territoriales y agresivos. Este aparente declive no es otra
cosa que una etapa de respiro de la inminente llegada de que se nos viene encima: un
segundo boom.
A mitad de esta década de los ochenta nos encontramos ante un periodo que podríamos
denominar como una fase de supervivencia. Cuando todo parece ya perdido con la
MTA como dueña y señora de la situación y la Transit Police en plenitud de fuerzas,
cuando los tags, throw ups y demás elementos empiezan a escasear de manera alarmante
o bien están tan escondidos que nadie los ve, aparece el nuevo héroe de la película que
rescatará al graffiti de esta oscura fosa. La explosión a mediados de los ochenta del
movimiento Hip-Hop reaviva la llama de la neoyorkina cultura del writing. Esto anima
de nuevo a los adolescentes. Todos quieren ser b-boys (seguidores del hip hop). Los
writers acompañados ahora por los breakers (bailarines de breakdance) y los Mc’s
(cantantes de rap), están otra vez en el disparadero. Desde la Costa Oeste (California)
llegan las noticias de la relativa facilidad para pintar trenes de mercancías, lo que
animará a muchos escritores a coger sus latas (aunque muchos puristas neoyorkinos
verán mal el graffiti en los mercancías).
También fomenta la resurrección del writing de forma inconsciente el acto de que la
MTA empiece a retirar vagones averiados (trash trains) a cocheras para chatarra en
Brooklyn, lo que hace que los apasionados del metro vuelvan a la carga impulsados por
la esperanza de revivir los viejos y mejores tiempos, o por el simple hecho de tener una
foto con su pieza en un vagón de metro neoyorkino. Sea como sea el writing resurge de
entre sus cenizas, aunque los viejos tiempos nunca volverán.
El movimiento europeo iniciado a mediados de los ochenta nos trae en principio al
graffiti dentro del paquete Hip-Hop, es decir, llega junto a otros dos elementos de este
movimiento, en principio el break-dance y más tarde el rap, aunque con el tiempo éste
tendrá su evolución propia dentro de esta cultura. Empiezan las giras de escritores
americanos por Europa así como las de europeos por la meca del graffiti, donde este
arte se va adueñando e instalándose en las calles, apropiandose de las paredes y las
canchas de deporte de la ciudad, siguiendo esta costumbre en la actualidad: Piezas
conmemorativas, homenajes a las víctimas del SIDA y de la violencia. A esto le sigue la
proliferación de los fanzines de graffiti, que pasan de ser de fotocopias en blanco y
negro a revistas a todo color e incluso a editarse como publicaciones desde el punto de
vista legal y, como no, el último gran salto: El graffiti en Internet, donde infinidad de

5. páginas recogen todo tipo de fotos y textos, reportajes, entrevistas a personajes, webs
dedicadas a un sólo grupo o incluso a un sólo escritor, páginas de la vieja escuela,
páginas de graffiti en trenes, chats, foros y un largo etcétera.
Todo esto y mucho más (eventos, concursos, programas, los cada vez más frecuentes
anuncios en televisión, festivales, portadas de discos...) expanden y consolidan este arte
de la calle pese al esfuerzo inútil de las autoridades (siendo incluso a veces ellas
promotoras y financiadoras de muchos de los eventos y/o actividades) llegando incluso
hasta las galerías de arte o generar dinero a sus autores. Los cada vez más espacios
cedidos para practicar este acto de manera legal fomentan por un lado el desarrollo e
integración del fenómeno en la sociedad y la decepción e inconformismo de los más
puristas por otro. Sólo decir que el arte del writing ha pasado, queramos o no, a formar
parte de nuestras calles, nuestros barrios, nuestras ciudades... En definitiva, de nuestras
vidas, en un mundo en el que el poder de la imagen está a la orden del día.
Historia 2
Se podría denominar como un factor común en todos los escritores del metro el
concepto de competición que existía por la búsqueda de captar la atención de los
usuarios del metropolitano así como de los escritores rivales. Esto les llevó a desarrollar
nuevos recursos que intentarán impresionar por su originalidad o por su cantidad para
resaltar sobre el resto. de esta manera, el graffiti evolucionaría de manera inconsciente
en poco tiempo. Tal fue el grado de intervención del graffiti en los vagones que hoy
nadie puede relatar la historia del metro neoyorkino sin dedicar un capítulo a sus
pintadas.
Una vez más, como recurso narrativo, recurriré a impresiones de sus protagonistas. Qué
mejor manera que reflejar los sentimientos de sus autores en un momento determinado,
acercándonos a una visión subjetiva del los mismos que nos permita comprender mejor
su afán por coseguir nuevas maneras de destacar sobre el resto. Voy a dividir en tres
etapas el desarrollo del graffiti en el metro de Nueva York, atendiendo al espíritu y
condicionantes del momento.
Esta es la etapa más primitiva del graffiti en el metro de Nueva York, su periodo de
gestación, por decirlo de alguna forma. Cronológicamente coincide con finales de los
años 60 hasta mediados de los 70. Hubo una gran evolución desde el uso de los
primeros pinceles y rotuladores hasta la llegada de los aerosoles, mucho más rápido,
limpios y, en definitiva, eficaces. Los primeros tags que se popularizaron fueron los de
Taki 183 y otros escritores de época. Retomando un poco de historia recordaremos que
el estilo de Top Cat (el Broadway Elegant) se implantó en otros escritores en la zona de
Manhattan, lo que hizo que rápidamente surgieran estilos propios en Brooklyn y en el
Bronx. Poco antes de mitad de los 70, nacieron innovaciones por parte de Super Kool y
Phase 2 que vieron la necesidad de hacer destacar sus tags entre el inmenso amasijo de
firmas que llenaban el interior y el exterior de los vagones.
Super Kool creó en 1972 el primer intento de "Obra Maestra" (Master Piece), que
posteriormente se terminó llamando únicamente "Obra" (Piece). De la misma manera
que los estilos de firma evolucionaban gracias a la aparición de nuevos rotuladores con
nuevas puntas, los tags realizados con aerosol evolucionaron gracias a la llegada de
válvulas de trazo grueso. Super Kool se dió cuenta de que intercambiando una válvula

6. convencional de spray de pintura por otra del tipo de los sprays de espuma o almidón
con una abertura mayor, el spray de pintura soltaba mayor cantidad de la misma,
cubriendo mayor superficie en menor tiempo, dándoles además un aspecto
aterciopelado, y ello con una sola pasada. Armado con un spray de pintura rosa con la
válvula modificada y otro de pintura amarilla con válvula normal, Super Kool se
introdujo en el apartadero de la calle 221 y pintó su nombre en grandes letras rosas
perfiladas con una línea fina amarilla. La obra resultante estaba un tanto torcida y la
forma de las letras era algo irregular, pero era la pieza más colorida y espectacular de
las realizadas hasta el momento en el metro de Nueva York.
Por su parte, Phase 2, un escritor del Bronx, fue el primero en desarrollar una auténtica
"Obra Maestra". Partiendo del diseño básico de la obra de Super Kool, escribió su
nombre en letras inmensas, huecas, pero bien formadas, coloreadas y perfiladas, que
bautizó con el nombre de "Letras Pompa" (Bubble Letters). De este estilo de letras creó
posteriormente más variaciones abriendo además el camino a otros escritores que
continuaron desarrollando las letras pompa.
Phase 2 y SuperKool encendieron la mecha de la etapa que posteriormente estallaría en
una Guerra de Estilos (Style Wars) gracias al paso que dieron en la evolución de los
primitivos tags a letras personalizadas con cuerpo y forma. Cabe destacar, antes de
meternos en el periodo de la Guerra de estilos, otro precedente en la evolución del
graffiti fue la obra de Pistol 1, un escritor de Brooklyn, que pintó la primera pieza con
letras tridimensionales (3D Letters). Ésta consistía en su nombre pintado en letras rojas
y blancas y sólo parcialmente perfiladas con una línea en determinadas zonas de la obra
que le daban a la misma un aspecto tridimensional. El escritor Fred describía con las
siguientes palabras la reacción de los demás escritores ante la obra tridimensional de
pistol: "Vinieron a verla escritores de todas partes de la ciudad. Durante algún tiempo
todo el mundo hablaba de ella porque todos querían hacer algo así, pero no se creían
capaces. Pistol debió ensayarlo muchísimas veces en papel antes de conseguirlo".
Pasado algún tiempo otros escritores empezaron a intentarlo, y luego eran muchos los
que las hacían, incluso las mejoraban dándoles su toque personal.
Es la etapa comprendida entre mediados de los 70 y principios de los 80. Es un
momento en el que el concepto de competición alcanza sus cotas más altas,
produciéndose en este periodo obras de gran calidad. En este momento se introduce un
nuevo concepto en el vocabulario del graffiti: "Maestro de estilo". Anteriormente se
habían otorgado títulos similares a otros escritores, pero sólo en base al número de
firmas u obras que habían logrado pintar.
Se produce entonces una dicotomía entre dos formas distintas de alcanzar la fama:
¿Cantidad o calidad? Ahora el estilo también pasa a ser un arma para destacar del resto
aparte de la cantidad de firmas que un escritor fuese capaz de estampar. De ahí que la
llamada guerra de estilos derive en un intento de innovación constante. Algunos
escritores llegaron a cambiarse el nombre con la esperanza de que una nueva
combinación de letras les inspirasen nuevos diseños. A lo largo de las líneas de todo el
metropolitano, los escritores trataban de superarse unos a otros mediante el uso de
colores y diseño de sus pintadas. A medida que se avanzaba técnicamente en la calidad
de las obras, iba aumentando el tamaño de las mismas. Muchos escritores encontraban
pequeño el espacio comprendido entre las ventanas y la parte inferior del tren y
empezaron a extenderse por encima de éstas creando los conocidos "Top to bottom"

7. (Piezas de arriba a abajo) que ocupaban desde la parte inferior del vagón hasta la
superior del mismo. De igual manera se extendían en sentido longitudinal las llamadas
"End to end" (Piezas de extremo a extremo), que ocupaban de un extremo del vagón a
otro. Aron 155 describe de esta manera su reacción al ver por primera vez un Top to
bottom: "Riff revolucionó el mundo del graffiti con el primer Top to bottom. Era muy
bonito. De largo ocupaba como medio vagón y el nombre estaba pintado con letras
amarillas con churretes rojos y sombras como si fueran grietas. Todo el mundo fue a
verlas y no dejaban de hablar de ellas. Cuando yo la vi por primera vez iba con mi
madre al juzgado, no lo pude resistir y me puse a dar saltos y a gritar. Ella me miró sin
comprender nada".
La obras continuaron aumentando de tamaño y complejidad, hasta que, a finales del 73
se pintó el primer "Whole Car" o Vagón entero. Stan 153 recuerda así este
acontecimiento: "Nada más aparecer, Flint 707 superó a todo el mundo. Hizo una obra
en letras tridimensionales que ocupaba todo el lateral de un vagón, de arriba a abajo y
de un extremoa otro. Estaban pintadas a rayas, como su fuera un caramelo, en color
negro y plata con una lista azul y una nube en blanco. Como las letras eran en tres
dimensiones daban la impresión de estar apoyadas sobre el vagón. Por entonces no se le
había ocurrido a nadie pintar algo así. Para pintarlo tenías que colgarte del tren y podías
caerte. Pero él lo hizo, y la gente se volvió loca después de aquello. Yo estaba allí
cuando él empezó a pintar y le dije: No podrás, no hay manera de hacerlo. pero al día
siguiente via toda aquella gente, hombres, mujeres y niños obserbando desde la valla de
la cochera número tres. Me acerqué hacia ellos con Jace y él lo vió primero y se quedó
parado. Y yo entonces le dije: ¿Qué pasa? ¿Qué es lo que se ve? Y entonces me asomé
por encima de la valla y no puedo describir lo que sentí al verlo. Era maravilloso.
Parecía un cuadro colgado en el exterior del vagón y comprendí porqué toda aquella
gente estaba allí mirándolo".
Los vagones enteros se generalizaron y, al mismo tiempo, fueron perfeccionándose con
formas y dibujos complejos. a mediados de los 70, los mejores escritores de la ciudad se
especializaron el la realización de obras de este tamaño que solían contener caricaturas,
personajes de dibujos animados y la visión personal de los escritores con respecto a la
vida en la ciudad. Llegó un momento en que algunos escritores dejaron de conformarse
con el espacio que les propiciaba un solo vagón y empezaron a pintar "Married Couple"
o "Gusanos" que equivalían a dos vagones enteros. Lee era uno de ellos: "Siempre he
pensado que mi obra más conseguida fue La tierra es el infierno, el cielo es la vida, una
pintada que ocupaba dos vagones enteros. El cielo es la vida estaba pintado con colores
claros y suaves. Era mi visión personal del cielo. flores y montañas, el sol, una paloma,
mariposas y Dios con las dos manos levantadas como si estuviera predicando. En el
siguiente coche me disparé, le dije a la ciudad cuál era su verdadero aspecto. Había un
soldado con una pistola, todo su cuerpo estaba pintado de verde, y a su lado había un
mensaje que decía Detened la guerra. Dibujé fábricas grises y sombras con grandes
chimeneas. También dibujé a un hombre ahorcando a un perro para poner de relieve la
crueldad con los animales. Y un tipo estrangulando a su chica. dibujé manchas de
sangre y al presidente echando un discurso y a la gente mirándolo, detrás de él se veía
una bandera americana, pero no eran la verdadera, y escribí al lado: Votadme y os daré
todo lo que queréis y Vota Nixon y todas esas cosas. También había misiles apuntando
hacia el cielo, que estaba pintado oscuro y con sombras naranjas, como si estuviese
ardiendo, y en él se leía La tierra es el infierno. Todo el vagón era muy oscuro. si
volviera a pintar algo así lo haría más grande y más exagerado. Haría cinco vagones

8. enteros con el cielo y otros cinco con la Tierra y las malas cosas y pintaría ángeles
tocando la trompeta y a Dios juzgando a los justos y a los pecadores".
Cuando parecía que la única regla a seguir por los escritores en el juego de la
competición era la calidad de las obras, algunos escritores revolucionaron este concepto
de competición añadiendo una nueva regla: La cantidad. Apareció entonces un nuevo
término en el vocabulario del graffiti: "El rey de Línea", título que se otorgaba al
escritor que más obras realizaba en una misma línea de metro, sin importar la calidad,
convirtiéndose así en el dueño absoluto de dicha línea. Así, para conseguir este fin, no
importaban los medios y se hizo muy popular entre los escritores una nueva forma de
graffiti totalmente diferente de la anterior, los "Throw Ups" o Vomitados (también
llamados Potas). Hasta entonces este término se había usado para describir a las obras
pobres en diseño y ejecución. Tuvo que ser el escritor In quien encontrara la manera de
convertir estos defectos en algo positivo.
En verano de 1975, según el testimonio de muchos escritores, In decidió recuperar el
espíritu de competición apoyándose puramente en la cantidad de piezas que cada
escritor realizara en los vagones de metro. In escogió este nombre porque era corto y
fácil y no necesitaba mucha pintura para escribirlo cuantas veces quisiera. empezó a
pintar su nombre en una versión chapucera y desigual de la Letra pompa. Al principio
sólo pintaba su nombre una o dos veces en cada vagón, pero luego empezó a
bombardear los trenes cubriendo vagones enteros con lo que él mismo denominaba
"Mis vomitados". Al principio los escritores no tenía a in en mucha consideración
debido a la carencia total de estilo, pero cuando sus vomitados empezaron a contarse
por miles, tuvieron que admitir que, con estilo o sin él, In era el que más se dejaba ver.
A medida que la fama de In aumentaba, otros escritores empezaron a adoptar nombre de
sólo dos letras y a pintar sus propios throw ups. Incluso Jester, uno de los escritores con
más estilo del momento, cambió su nombre por el de DY para realizar vomitados.
Algunos escritores combinaban ambas maneras de pintar, apareciendo a veces en forma
de throw up y otras en formatos de mayor envergadura, difundiendo con los primeros su
nombre y con los segundo demostrando su estilo. Los escritores especializados en
Whole Cars como Lee o Blade calificaban abiertamente los throw ups como "montones
de basura" y se lamentaba de la popularidad que estabn alcanzando, ya que para ellos
ésto constituía la muerte del graffiti.
In celebró su throw up número 5.000 pintando un vagón entero de lo más espectacular
cubierto de estrellas y colorido como un arco iris, como queriendo demostrar que
también podía hacer obras mayores si se lo proponía. luego volvió a sus pálidos y
churretosos vomitados y se dice que no paró hasta completar el numero 10.000. En ese
momento, según Tracy 168, In fue declarado Rey de todas las líneas. stan 153 confirma
esto mismo: "Consiguió lo que quería. era el rey de todo ¡Diez mil obras! No eran
bonitas, pero la verdad es que aparecían en todas partes". tras pintar un vagón entero
con el que celebraba su vomitado 10.000 con letras en tres dimensiones, In se retiró.
Cap fue otro de los escritores defensores de la cantidad pero actuando de una forma más
drástica, ya que generalmente realizaba sus throw ups encima de la obra de otros
escritores defensores de la calidad, por lo cual no obtuvo el respeto de la mayoría de los
escritores como ocurrió con el caso de In.

9. Esta competición entre calidad y cantidad continuó hasta principios de los 80, cuando el
graffiti entra en una etapa crítica para su supervivencia.
Casi todas las piezas se realizaban en las diferentes cocheras de metro repartidas por la
ciudad. Los escritores escalaban los muros, se colaban por las alambradas o saltaban las
verjas. también accedían por los apartaderos subterráneos descendiendo a las vías por
los andenes o caminando por la plataforma que cubre el carril conductor hasta llegar a
los trenes estacionados.
Los escritores podían acceder a estos lugares con relativa facilidad, hasta que en 1980 el
ayuntamiento de Nueva York, ayudado por la transit Police Departament, decidieron
con esta manera de expresión incrementando la vigilancia y los métodos de seguridad
(muros más altos, dobles alambradas, perros, etc) en cocheras y apartaderos.
No contentos con esto, ese mismo año, y con motivo del 75 aniversario de la MTA,
también se incrementó el control y mantenimiento de trenes, que eran inmediatamente
lavados y repintados. Todo esto hizo disminuir en cierto modo las pintadas en el metro,
aunque no conseguían acabar con ellas definitivamente. el futuro del graffiti era
incierto, pero estos no eran los últimos problemas. Los fabricantes de pintura hicieron
un spray de válvula fija desapareciendo así los pulverizadores gruesos, éstos según Caz:
"haría que el graffiti retrocediera a su primera etapa, antes de que aparecieran las
grandes pintadas". Otra opinión más optimista era la de Fred que afirmaba: "Los
escritores encontrarán otras posibilidades, la tecnología juega un papel importantísimo.
Sería dificil hacer throw ups y obras maestras o cualquier otra cosa salvo firmas con un
spary fino, pero también se pueden cambiar los estilos. Los escritores siempre pueden
inventarse otros nuevos que se adapten a los materiales de los que disponen... Tu espera
y verás. El graffiti volverá a surgir otra vez".
Historia 3
Se podría denominar como un factor común en todos los escritores del metro el
concepto de competición que existía por la búsqueda de captar la atención de los
usuarios del metropolitano así como de los escritores rivales. Esto les llevó a desarrollar
nuevos recursos que intentarán impresionar por su originalidad o por su cantidad para
resaltar sobre el resto. de esta manera, el graffiti evolucionaría de manera inconsciente
en poco tiempo. Tal fue el grado de intervención del graffiti en los vagones que hoy
nadie puede relatar la historia del metro neoyorkino sin dedicar un capítulo a sus
pintadas.
Una vez más, como recurso narrativo, recurriré a impresiones de sus protagonistas. Qué
mejor manera que reflejar los sentimientos de sus autores en un momento determinado,
acercándonos a una visión subjetiva del los mismos que nos permita comprender mejor
su afán por coseguir nuevas maneras de destacar sobre el resto. Voy a dividir en tres
etapas el desarrollo del graffiti en el metro de Nueva York, atendiendo al espíritu y
condicionantes del momento.
Esta es la etapa más primitiva del graffiti en el metro de Nueva York, su periodo de
gestación, por decirlo de alguna forma. Cronológicamente coincide con finales de los
años 60 hasta mediados de los 70. Hubo una gran evolución desde el uso de los
primeros pinceles y rotuladores hasta la llegada de los aerosoles, mucho más rápido,

10. limpios y, en definitiva, eficaces. Los primeros tags que se popularizaron fueron los de
Taki 183 y otros escritores de época. Retomando un poco de historia recordaremos que
el estilo de Top Cat (el Broadway Elegant) se implantó en otros escritores en la zona de
Manhattan, lo que hizo que rápidamente surgieran estilos propios en Brooklyn y en el
Bronx. Poco antes de mitad de los 70, nacieron innovaciones por parte de Super Kool y
Phase 2 que vieron la necesidad de hacer destacar sus tags entre el inmenso amasijo de
firmas que llenaban el interior y el exterior de los vagones.
Super Kool creó en 1972 el primer intento de "Obra Maestra" (Master Piece), que
posteriormente se terminó llamando únicamente "Obra" (Piece). De la misma manera
que los estilos de firma evolucionaban gracias a la aparición de nuevos rotuladores con
nuevas puntas, los tags realizados con aerosol evolucionaron gracias a la llegada de
válvulas de trazo grueso. Super Kool se dió cuenta de que intercambiando una válvula
convencional de spray de pintura por otra del tipo de los sprays de espuma o almidón
con una abertura mayor, el spray de pintura soltaba mayor cantidad de la misma,
cubriendo mayor superficie en menor tiempo, dándoles además un aspecto
aterciopelado, y ello con una sola pasada. Armado con un spray de pintura rosa con la
válvula modificada y otro de pintura amarilla con válvula normal, Super Kool se
introdujo en el apartadero de la calle 221 y pintó su nombre en grandes letras rosas
perfiladas con una línea fina amarilla. La obra resultante estaba un tanto torcida y la
forma de las letras era algo irregular, pero era la pieza más colorida y espectacular de
las realizadas hasta el momento en el metro de Nueva York.
Por su parte, Phase 2, un escritor del Bronx, fue el primero en desarrollar una auténtica
"Obra Maestra". Partiendo del diseño básico de la obra de Super Kool, escribió su
nombre en letras inmensas, huecas, pero bien formadas, coloreadas y perfiladas, que
bautizó con el nombre de "Letras Pompa" (Bubble Letters). De este estilo de letras creó
posteriormente más variaciones abriendo además el camino a otros escritores que
continuaron desarrollando las letras pompa.
Phase 2 y SuperKool encendieron la mecha de la etapa que posteriormente estallaría en
una Guerra de Estilos (Style Wars) gracias al paso que dieron en la evolución de los
primitivos tags a letras personalizadas con cuerpo y forma. Cabe destacar, antes de
meternos en el periodo de la Guerra de estilos, otro precedente en la evolución del
graffiti fue la obra de Pistol 1, un escritor de Brooklyn, que pintó la primera pieza con
letras tridimensionales (3D Letters). Ésta consistía en su nombre pintado en letras rojas
y blancas y sólo parcialmente perfiladas con una línea en determinadas zonas de la obra
que le daban a la misma un aspecto tridimensional. El escritor Fred describía con las
siguientes palabras la reacción de los demás escritores ante la obra tridimensional de
pistol: "Vinieron a verla escritores de todas partes de la ciudad. Durante algún tiempo
todo el mundo hablaba de ella porque todos querían hacer algo así, pero no se creían
capaces. Pistol debió ensayarlo muchísimas veces en papel antes de conseguirlo".
Pasado algún tiempo otros escritores empezaron a intentarlo, y luego eran muchos los
que las hacían, incluso las mejoraban dándoles su toque personal.
Es la etapa comprendida entre mediados de los 70 y principios de los 80. Es un
momento en el que el concepto de competición alcanza sus cotas más altas,
produciéndose en este periodo obras de gran calidad. En este momento se introduce un
nuevo concepto en el vocabulario del graffiti: "Maestro de estilo". Anteriormente se

11. habían otorgado títulos similares a otros escritores, pero sólo en base al número de
firmas u obras que habían logrado pintar.
Se produce entonces una dicotomía entre dos formas distintas de alcanzar la fama:
¿Cantidad o calidad? Ahora el estilo también pasa a ser un arma para destacar del resto
aparte de la cantidad de firmas que un escritor fuese capaz de estampar. De ahí que la
llamada guerra de estilos derive en un intento de innovación constante. Algunos
escritores llegaron a cambiarse el nombre con la esperanza de que una nueva
combinación de letras les inspirasen nuevos diseños. A lo largo de las líneas de todo el
metropolitano, los escritores trataban de superarse unos a otros mediante el uso de
colores y diseño de sus pintadas. A medida que se avanzaba técnicamente en la calidad
de las obras, iba aumentando el tamaño de las mismas. Muchos escritores encontraban
pequeño el espacio comprendido entre las ventanas y la parte inferior del tren y
empezaron a extenderse por encima de éstas creando los conocidos "Top to bottom"
(Piezas de arriba a abajo) que ocupaban desde la parte inferior del vagón hasta la
superior del mismo. De igual manera se extendían en sentido longitudinal las llamadas
"End to end" (Piezas de extremo a extremo), que ocupaban de un extremo del vagón a
otro. Aron 155 describe de esta manera su reacción al ver por primera vez un Top to
bottom: "Riff revolucionó el mundo del graffiti con el primer Top to bottom. Era muy
bonito. De largo ocupaba como medio vagón y el nombre estaba pintado con letras
amarillas con churretes rojos y sombras como si fueran grietas. Todo el mundo fue a
verlas y no dejaban de hablar de ellas. Cuando yo la vi por primera vez iba con mi
madre al juzgado, no lo pude resistir y me puse a dar saltos y a gritar. Ella me miró sin
comprender nada".
La obras continuaron aumentando de tamaño y complejidad, hasta que, a finales del 73
se pintó el primer "Whole Car" o Vagón entero. Stan 153 recuerda así este
acontecimiento: "Nada más aparecer, Flint 707 superó a todo el mundo. Hizo una obra
en letras tridimensionales que ocupaba todo el lateral de un vagón, de arriba a abajo y
de un extremoa otro. Estaban pintadas a rayas, como su fuera un caramelo, en color
negro y plata con una lista azul y una nube en blanco. Como las letras eran en tres
dimensiones daban la impresión de estar apoyadas sobre el vagón. Por entonces no se le
había ocurrido a nadie pintar algo así. Para pintarlo tenías que colgarte del tren y podías
caerte. Pero él lo hizo, y la gente se volvió loca después de aquello. Yo estaba allí
cuando él empezó a pintar y le dije: No podrás, no hay manera de hacerlo. pero al día
siguiente via toda aquella gente, hombres, mujeres y niños obserbando desde la valla de
la cochera número tres. Me acerqué hacia ellos con Jace y él lo vió primero y se quedó
parado. Y yo entonces le dije: ¿Qué pasa? ¿Qué es lo que se ve? Y entonces me asomé
por encima de la valla y no puedo describir lo que sentí al verlo. Era maravilloso.
Parecía un cuadro colgado en el exterior del vagón y comprendí porqué toda aquella
gente estaba allí mirándolo".
Los vagones enteros se generalizaron y, al mismo tiempo, fueron perfeccionándose con
formas y dibujos complejos. a mediados de los 70, los mejores escritores de la ciudad se
especializaron el la realización de obras de este tamaño que solían contener caricaturas,
personajes de dibujos animados y la visión personal de los escritores con respecto a la
vida en la ciudad. Llegó un momento en que algunos escritores dejaron de conformarse
con el espacio que les propiciaba un solo vagón y empezaron a pintar "Married Couple"
o "Gusanos" que equivalían a dos vagones enteros. Lee era uno de ellos: "Siempre he
pensado que mi obra más conseguida fue La tierra es el infierno, el cielo es la vida, una

12. pintada que ocupaba dos vagones enteros. El cielo es la vida estaba pintado con colores
claros y suaves. Era mi visión personal del cielo. flores y montañas, el sol, una paloma,
mariposas y Dios con las dos manos levantadas como si estuviera predicando. En el
siguiente coche me disparé, le dije a la ciudad cuál era su verdadero aspecto. Había un
soldado con una pistola, todo su cuerpo estaba pintado de verde, y a su lado había un
mensaje que decía Detened la guerra. Dibujé fábricas grises y sombras con grandes
chimeneas. También dibujé a un hombre ahorcando a un perro para poner de relieve la
crueldad con los animales. Y un tipo estrangulando a su chica. dibujé manchas de
sangre y al presidente echando un discurso y a la gente mirándolo, detrás de él se veía
una bandera americana, pero no eran la verdadera, y escribí al lado: Votadme y os daré
todo lo que queréis y Vota Nixon y todas esas cosas. También había misiles apuntando
hacia el cielo, que estaba pintado oscuro y con sombras naranjas, como si estuviese
ardiendo, y en él se leía La tierra es el infierno. Todo el vagón era muy oscuro. si
volviera a pintar algo así lo haría más grande y más exagerado. Haría cinco vagones
enteros con el cielo y otros cinco con la Tierra y las malas cosas y pintaría ángeles
tocando la trompeta y a Dios juzgando a los justos y a los pecadores".
Cuando parecía que la única regla a seguir por los escritores en el juego de la
competición era la calidad de las obras, algunos escritores revolucionaron este concepto
de competición añadiendo una nueva regla: La cantidad. Apareció entonces un nuevo
término en el vocabulario del graffiti: "El rey de Línea", título que se otorgaba al
escritor que más obras realizaba en una misma línea de metro, sin importar la calidad,
convirtiéndose así en el dueño absoluto de dicha línea. Así, para conseguir este fin, no
importaban los medios y se hizo muy popular entre los escritores una nueva forma de
graffiti totalmente diferente de la anterior, los "Throw Ups" o Vomitados (también
llamados Potas). Hasta entonces este término se había usado para describir a las obras
pobres en diseño y ejecución. Tuvo que ser el escritor In quien encontrara la manera de
convertir estos defectos en algo positivo.
En verano de 1975, según el testimonio de muchos escritores, In decidió recuperar el
espíritu de competición apoyándose puramente en la cantidad de piezas que cada
escritor realizara en los vagones de metro. In escogió este nombre porque era corto y
fácil y no necesitaba mucha pintura para escribirlo cuantas veces quisiera. empezó a
pintar su nombre en una versión chapucera y desigual de la Letra pompa. Al principio
sólo pintaba su nombre una o dos veces en cada vagón, pero luego empezó a
bombardear los trenes cubriendo vagones enteros con lo que él mismo denominaba
"Mis vomitados". Al principio los escritores no tenía a in en mucha consideración
debido a la carencia total de estilo, pero cuando sus vomitados empezaron a contarse
por miles, tuvieron que admitir que, con estilo o sin él, In era el que más se dejaba ver.
A medida que la fama de In aumentaba, otros escritores empezaron a adoptar nombre de
sólo dos letras y a pintar sus propios throw ups. Incluso Jester, uno de los escritores con
más estilo del momento, cambió su nombre por el de DY para realizar vomitados.
Algunos escritores combinaban ambas maneras de pintar, apareciendo a veces en forma
de throw up y otras en formatos de mayor envergadura, difundiendo con los primeros su
nombre y con los segundo demostrando su estilo. Los escritores especializados en
Whole Cars como Lee o Blade calificaban abiertamente los throw ups como "montones
de basura" y se lamentaba de la popularidad que estabn alcanzando, ya que para ellos
ésto constituía la muerte del graffiti.

13. In celebró su throw up número 5.000 pintando un vagón entero de lo más espectacular
cubierto de estrellas y colorido como un arco iris, como queriendo demostrar que
también podía hacer obras mayores si se lo proponía. luego volvió a sus pálidos y
churretosos vomitados y se dice que no paró hasta completar el numero 10.000. En ese
momento, según Tracy 168, In fue declarado Rey de todas las líneas. stan 153 confirma
esto mismo: "Consiguió lo que quería. era el rey de todo ¡Diez mil obras! No eran
bonitas, pero la verdad es que aparecían en todas partes". tras pintar un vagón entero
con el que celebraba su vomitado 10.000 con letras en tres dimensiones, In se retiró.
Cap fue otro de los escritores defensores de la cantidad pero actuando de una forma más
drástica, ya que generalmente realizaba sus throw ups encima de la obra de otros
escritores defensores de la calidad, por lo cual no obtuvo el respeto de la mayoría de los
escritores como ocurrió con el caso de In.
Esta competición entre calidad y cantidad continuó hasta principios de los 80, cuando el
graffiti entra en una etapa crítica para su supervivencia.
Casi todas las piezas se realizaban en las diferentes cocheras de metro repartidas por la
ciudad. Los escritores escalaban los muros, se colaban por las alambradas o saltaban las
verjas. también accedían por los apartaderos subterráneos descendiendo a las vías por
los andenes o caminando por la plataforma que cubre el carril conductor hasta llegar a
los trenes estacionados.
Los escritores podían acceder a estos lugares con relativa facilidad, hasta que en 1980 el
ayuntamiento de Nueva York, ayudado por la transit Police Departament, decidieron
con esta manera de expresión incrementando la vigilancia y los métodos de seguridad
(muros más altos, dobles alambradas, perros, etc) en cocheras y apartaderos.
No contentos con esto, ese mismo año, y con motivo del 75 aniversario de la MTA,
también se incrementó el control y mantenimiento de trenes, que eran inmediatamente
lavados y repintados. Todo esto hizo disminuir en cierto modo las pintadas en el metro,
aunque no conseguían acabar con ellas definitivamente. el futuro del graffiti era
incierto, pero estos no eran los últimos problemas. Los fabricantes de pintura hicieron
un spray de válvula fija desapareciendo así los pulverizadores gruesos, éstos según Caz:
"haría que el graffiti retrocediera a su primera etapa, antes de que aparecieran las
grandes pintadas". Otra opinión más optimista era la de Fred que afirmaba: "Los
escritores encontrarán otras posibilidades, la tecnología juega un papel importantísimo.
Sería dificil hacer throw ups y obras maestras o cualquier otra cosa salvo firmas con un
spary fino, pero también se pueden cambiar los estilos. Los escritores siempre pueden
inventarse otros nuevos que se adapten a los materiales de los que disponen... Tu espera
y verás. El graffiti volverá a surgir otra vez".
Filosofia
Siempre se han intentado dar explicaciones desde el punto de vista psicológico de por
qué se hace graffiti. Numerosos han sido los intentos de sociólogos, psicólogos y demás
profesionales del sector del estudio del comportamiento humano que han intentado dar
explicación al fenómeno en artículos periodísticos, reportajes, programas de televisión y
radio... Con un resultado en general equivocado o en su defecto muy superficial. Oímos
hablar de inconformistas, inadaptados, antisociales, rebeldía juvenil... Pero para estudiar
y justificar su causa de producción no podemos remitirnos a los eternos estereotipos,

14. requiere más compromiso, adentrarse hasta las entrañas de un escritor, de un verdadero
escritor y no intentar explicar un comportamiento global de una comunidad con el
estudio de un par de chavalillos que probablemente no sepan por qué pintan. Hay dos
caminos para llegar al kid de la cuestión: El primero es ser un escritor de graffiti o sentir
como tal y el segundo, estudiar el hecho desde varios puntos de vista (Destacan los
trabajos como el de Joan Garí “La conversación mural” más centrado en las pintadas en
general moviéndose en el campo de la semiótica y en la tesis del Doctor en historia del
arte Fernando Figueroa). Vamos a intentar explicar los orígenes de por qué se hace
graffiti en primer lugar desde un punto de vista científico (intentando así objetivizar el
asunto) y en segundo lugar desde los diferentes puntos de vista de varios escritores,
porque al fin y al cabo estamos hablando de filosofía del graffiti y cada persona tiene
una postura, sus “porqués” y su forma de ver las cosas. Antes de empezar reiterar que
no estamos tratando el fenómeno de las pintadas en general (aunque a veces se haga
mención a ellas) sino de todo lo que conlleva una cultura como la del writing.
El principal objetivo, el que impulsa a los escritores a pintar en las paredes, trenes o
similares, es la necesidad común a cualquier tipo de arte: La necesidad de expresar con
la suma de otra razón: La búsqueda de reconocimiento, salir del anonimato, de la masa,
dejar constancia en nuestro paso por el planeta tierra (“dejar marca antes de estirar la
pata” que diría Kami, un escritor y mc). Pero no se trata sólo de eso, hay algo más...
Empecemos de cero. Los niños y los monos comparten hasta cierta edad (los tres años)
una potencialidad artística común. Ambos son capaces de dibujar “monigotes” en un
mismo estilo “naif”, predominando la elección de los colores más vivos. Mientras que
los humanos no necesitamos motivación ajena, los monos necesitan estímulos humanos
para dibujar, y sólo lo harán si les otorgamos las herramientas necesarias: papel y un
instrumento para pintar. Ellos nunca se expresarían plásticamente de forma espontánea.
Al mono no se le ocurriría pintar fuera del papel, es decir, en la mesa o en la pared de su
jaula. El humano aprende rápidamente, reconoce los colores y las hojas y sabe el
procedimiento: Sabe que esos instrumentos son para dibujar en esas hojas y sabe que
está mal si los utiliza fuera de esa superficie preestablecida y obligada (el papel). Pero
también conoce, en cuestión de tiempo, el placer que le puede proporcionar desobedecer
esta norma, actuar de forma libre, esa capacidad de salir de el marco preestablecido y
convertir los signos en violencia visual hacia el poder: Su padre o su maestro. En el
graffiti el símil sería dibujar con el aerosol en una superficie no permitida convirtiendo
esos signos en violencia visual hacia el poder: La ley. Mirémoslo desde otro punto de
vista, el de la publicidad. Todos sabemos que la publicidad emplea tabúes sociales como
el sexo, la violencia o la libertad para suscitar el deseo, el morbo, el ansia de obtener lo
prohibido, lo inalcanzable. Bien, si ni la mismísima Eva pudo resistir la tentación de
morder la manzana... Ya lo dice la frase: “No hay mayor placer que hacer lo que no
puedes hacer”. La libertad en contra del hombre, el hombre debe decidir.
La función territorial dentro de las grandes ciudades constituyen otra causa (la gran
urbe contemporánea que no se siente como propiedad sino como propietaria del
individuo). Los escritores en los inicios del writing en Nueva York, escribían en
ocasiones el nombre de gangs (bandas callejeras violentas) para delimitar el territorio de
éstas, ganándose de paso la protección de las mismas. Es el mismo acto (aunque con
otros parámetros) que el que muchos animales usan dejando su marca en un
determinado terreno para mostrarlo como suyo. Del mismo modo, muchos escritores

15. deciden especializarse en una zona o en una línea de Metro que la consideran como
suya.
“El graffiti y el Hip Hop en general es competición, quien no asuma eso... No digo que
me ilusione que sea así, pero cuando estás metido es lo que te mantiene vivo. El pique
está ahí. Hay quien lo hace solo por la emoción de pasar las misiones, son descargas de
adrenalina y a todo el mundo le atrae, pero no todo el mundo se queda. Somos unos
agonías, queremos tener más. Hay que tomárselo con calma, hay mucho por delante.
Pique hay mucho, pero lo veo necesario”. Así define Buda lo que para él es el espíritu
del graffiti. Quizás sea una de las características más destacadas del graffiti: La
competición. Siempre surgen debates en torno al tema, puesto que hay gente que se lo
toma como algo más personal, más artístico, como por ejemplo Ose: “Es algo que hago
para mí. Al principio lo hacía más por el rollo de competición. No digo que vea mal que
se siga haciendo, pero yo me lo tomo ahora como algo más personal”. El rollo de “a ver
quién pinta más”, “a ver quién lo hace mejor”, “a ver quien pinta en el sitio más alto”,
etc. Este espíritu es precisamente el que mantiene vivo el continuo proceso de creación
y desarrollo en todos sus aspectos, competir, ir a más, mejorar... En definitiva,
evolucionar."
Es cuestión de ser el primero, el número uno y no es una actitud puramente narcisista,
es la actitud frente a la nueva educación de la competitividad basada en la antigua
educación de la ley de la selva (los más fuertes sobreviven, y hoy en día los más fuertes
son los que tienen ejercitado el mayor músculo del ser humano: El cerebro). Como la
vida misma, una lucha por un puesto. A pesar de esta dura competición, suele haber
unas “normas” que no siempre se cumplen. La primera y más importante es el respeto
dentro de esa propia competencia, por ejemplo el hecho de que la pieza de un escritor
no pueda ser tapada por otro sin su consentimiento previo (aunque esto depende
también de las ciudades, por ejemplo en Barcelona hay una “política” muy permisiva al
respecto, un ciclo de renovación contínua de murales mientras que en Madrid las
paredes y/o zonas están más repartidas por grupos). Otro ejemplo es el de que un
escritor no pueda utilizar el nombre de otro o no puedan existir dos grupos con las
mismas siglas, aunque en la realidad ambos casos se den, dando lugar a veces incluso a
“guerras” donde unos se tachan a otros o incluso a violencia física.
¿Arte o vandalismo? Esta cuestión es un círculo vicioso. El graffiti... ¿Crea o destruye?
Es cuestión del punto de vista del que queramos verlo, es como el dilema filosófico del
vaso de agua por la mitad ¿está medio lleno o medio vacío?
El graffiti siempre va acompañado de su condición transgresora, extralimitada,
destructiva, combativa... en realidad es éste el caracter que constituye su esencia: La
ilegalidad. Bien podemos llamarlo vandalismo, pero tampoco hay que ver más allá de
donde es. No es un problema tan grande y no es excusa para las cantidades de dinero
desorbitadas que se emplean en su erradicación. Leandri afirmaba: “El graffiti es el
grado cero de violencia, el más pequeño vandalismo posible”. Pretender aceptar el
graffiti sin su esencia de ilegalidad es no entender una de sus causas básicas de
producción. Nos encontramos pues ante un fenómeno simultáneo de creación y
destrucción. Como dijo Norman Mailer: “Siempre hubo arte en un acto criminal”.
Por otro lado nos encontramos con el inevitable carácter artístico de este fenómeno
plásticamente hablando, el hecho de la destreza, la técnica o el estilo de un escritor es

16. algo que puede tratarse desde un punto de vista meramente pictórico, al margen de
ideologías o del lugar simbólico donde esté realizado.
Esto nos lleva entonces a dividir el graffiti en dos partes: Graffiti legal (arte) y graffiti
ilegal (vandalismo). Hay muchas y muy diferentes opiniones al respecto. Esto a veces
genera disputas o cuando menos debates sobre como debe pintar un escritor: legal o
ilegalmente. Lo que está claro es que cada uno tiene su forma de ver las cosas y sus
razones que le hacen decantarse por una o por otra (gozan de especial respeto los
escritores que practican ambas, es decir graffiti en muros, en trenes, bombardeo...) En
todas sus vertientes. Tenemos muchos tipos de opiniones. Bando, por ejemplo, es un
viejo escritor parisino que defendía así su postura frente a lo que para él era la belleza
del graffiti: “Tu preguntas a alguien- ¿te gusta el cantar de los pájaros por la mañana,
piensas que es hermoso?- y la persona te contestará probablemente: Sí. Y luego le
preguntas -¿Y los entiendes? Y esa persona te dirá: No. Entonces tu le dices: No hace
falta entender algo para considerarlo bello”. Por otro lado estas son las afirmacines de
un actual escritor de trenes barcelonés: “Cuando se fundó nuestro grupo era para
destrozar, bombardear y pintar trenes (...) Simplemente es jugársela por pintar (...) Entre
calidad y cantidad, yo pondría destrozo (...) Si salimos hay que destrozar. Es entrar,
aunque esté mal y tengamos que correr (...) Muchas veces hemos entrado y hemos dicho
-venga, hasta donde nos de tiempo-. Es que pintar trenes es ansia en sí. Hay que
destrozar (...) Es una guerra contra la RENFE, contra el sistema y contra todo. Es que la
gente esté sentada en la estación por la mañana y flipe con el tren”. A pesar de lo
contrapuestas que puedan resultar las opiniones las dos defienden la misma bandera: La
del graffiti. ¿Esto a que nos lleva? A que depende del uso que se le de a las cosas sirven
para una finalidad u otra. Por ejemplo un arma, sirve para utilizarse en legítima defensa
o para cometer un crimen ilógico, o como el mismísimo dinero, sirve tanto para hacer
obras de caridad como para efectuar negocios sucios. Son solo ejemplos que
manifiestan el uso que se le puede dar a las cosas y que las cosas por sí mismas no son
malas. Efectivamente, un bote de spray no es un arma y un escritor de graffiti no es ni
un terrorista ni un drogadicto, en contra de lo que muchos puedan pensar.
Hasta aquí hemos dado una explicación más o menos científica con algunos testimonios
personales. A continuación veremos varias opiniones de muy diversos escritores ante
cuestiones comunes en las que mostrarán opiniones personales ante el fenómeno:
¿Qué prefieres, paredes o trenes?
-(Secret). Trenes. Es la adrenalina, el riesgo, es un sentimiento muy difícil de explicar...
Cada vez que pasa un tren es algo que hay que mirar y punto. Es como cuando pasa una
tía buena y la miras el culo.
-(Suso33). Hay gente que me gusta mucho en chapas y gente que me gusta mucho en
muros, pero a pesar de haber uniones bajo la bandera del aerosol, son estilos totalmente
diferentes, que no tienen que ver unos con otros, pero me gustan indistintamente.
-(Tala). No me gustan a mí las paredes, sólo me gusta hacer pompas.
¿Consideras al graffiti vandalismo?
-(El Tono). Claro que sí, si no, no es graffiti. Hacer un graffiti es imponerse a los demás
en la vía pública con un proceso ilegal, es vandalismo. Luego cada uno debe medirlo.
-(Terra). Arte no es solamente, por supuesto. O sea, va implicado el vandalismo, si no,
no sería graffiti. Es que una cosa te lleva a la otra.

17. -(Soda). No me gusta la palabra vandalismo porque los que van de vandálicos o de
vándalos no lo suelen ser. Prefiero decir que el graffiti es makarreo o camorra italiana,
pero sí, el graffiti es libertad, es lo que quieras hacer.
-(Lama). Yo pienso que el graffiti es el lado más artístico del vandalismo o el lado más
vandálico del arte, pero no me preocupa donde se encasille o como quieran llamarlo,
porque para mí es mi forma de vida y no se puede etiquetar con otra palabra que no sea
graffiti.
¿Qué opinas del graffiti en galerías?
-(Moze). Deja de ser verdadero graffiti, pero sigue siendo la obra de un escritor de
graffiti. El verdadero graffiti está en la calle. Pero a quien le importa eso, me encantaría
ganarme la vida haciendo graffiti de galería.
-(Kaos). Es graffiti también, supongo que cuando te vas haciendo mayor y quieres dejar
de buscarte lios y ganarte las lentejas pues acabas así.
-(Soda). Que cada uno haga lo que quiera, pero eso es arte de galería a spray, no lo veo
ni bien ni mal, si hubiera más galerías de éstas el graffiti se difundiría más.
-(El Tono). Para mí un graffiti no tiene nada que hacer en una galería, ya no es un
graffiti... Sin embargo la evolución del trabajo de un grafitero puede perfectamente ser
expuesta en galerías, es una evolución lógica, algunos acaban grafistas otros artistas. Es
el mejor sueño, vivir de sus pinturas.
¿Por qué pintas?
-(El Tono). Pues me atraía la idea de la fama dentro del anonimato. Es lo que mola, todo
el mundo te conoce pero nadie sabe quien eres.
-(Burnt). Solo se que tengo que pintar, bombardeo hasta la bola, es una adicción, ver tus
piezas: Muros, chapas o lo que sea, que se lo come todo el mundo. A veces me apetece
pintar tranquilo y hago muros de relax que no se comen, pero relajan.
-(Deos). Es parte de mi vida. Me relaja y me excita a la vez... Tiene todos los
ingredientes positivos de una composición: Estimula tu cerebro, tu habilidad...
Creatividad, tu capacidad de superación de cara a los demás y a tí mismo... Es una
pasada.
-(Kaos). Por aquella época mis aficciones eran los deportes y joder a la peña, hacer
putadas... Desarrollando esa actividad encontraba un gran placer. Yo ya había visto por
aquel entonces a peña pintando, pero no me llamaba la atención. Hasta que un día
cualquiera mi colega Moze me llamó para bajar a hacer putadas por el barrio. Reí y me
lo pasé bien y desde ese día no he dejado de hacer el cabrón con el aerosol.
-(Ice). Pintaba simplemente por lo que se siente al estar en un túnel de metro o en una
cochera, no lo puedes sentir en cualquier sitio, sentir la adrenalina que te sube y todo,
ver tu vagón rulando, ver lo que dice la gente al verlo... Eso es muy bonito, no se puede
explicar, pero para mí es arte y se nace con ello dentro.
-(Bleck”La Rata”). Lo que verdaderamente me atraía era la idea del anonimato, firmar
por todas partes y que nadie en absoluto supiera que yo era el que hacía esas pintadas
(...) Era emocionante para un crío de quince años el tener una suerte de alter ego, que
pintaba, que la gente reconocía y que daba que hablar. Pero no creo que nadie que ha
empuñado un bote de pintura te pueda contestar facilmente a esta pregunta, son
demasiadas cosas, todas muy pequeñas y que pertenecen al universo personal de cada
uno. Podría ser porque amaba el sonido de la pintura al salir por el pitorro, salir por las
noches, saber que todo el mundo duerme y tu estás despierto. También por la
planificación de las zonas a donde irías, quizás por ser diferente, quizás por buscar una
forma de escapar del sistema, por ser más original que nadie, por expresar algo que

18. llevaba años frustrado en mi interior, por plantar cara a la ley y saltarme las normas (...)
Todas estas respuestas son válidas, aun así no bastarían para delimitar algo tan
indelimitable como salir con un spray y pintar ¿no? -(Tala). Por diversión... y aparte me
gusta el riesgo.
-(Sha). Pinto porque me gusta, me gusta el riesgo, salir fuera,conocer gente... Todo lo
que rodea al graffiti en general. También me mola hacer paredes de vez en cuando.
-(Kapi). Yo empecé en Enero de 1986 a raíz de un regalo que me hicieron. Era un libro
y se llamaba "Subway Art". En ese año no había escritores como para sentirse influído.
Me influyó el libro, y la pasión por el Hip Hop que teníamos mi amigo Koa y yo.
¿Qué tratas de decir con tus pintadas?
-(Soda). Me gusta poner con las pintadas mensajes con sentido y directos a quien los
lee, no sé dónde he leído que el graffiti es la voz de los que no tienen voz; yo creo que
por eso pinto, porque es de la única manera que alguien que ni siquiera sabe que existes
se dé cuenta de que sí que existes y aunque no tengas ningún tipo de poder te expresas
como los más poderosos. Me encanta hacer cosas que se supone que no se pueden hacer
y vas tú y las haces, tengo muchas cosas en mente que comunicar, pinto en plan de
venganza interna hacia multitud de injusticias, no sé... una especie de loco que emplea
tiempo en una guerra perdida.
-(El Tono). Intento comunicarme con la gente, y aportar algo al peatón que anda en
frente de mis pintadas. Los tags y las piezas son un modo de comunicacion muy
cerrado, sólo lo entiende el que está iniciado, la mayoría de la gente o no ven las
pintadas o se cagan en ellas. No quiero pintar cosas que molesten a la gente, quiero
sacar lo máximo de los recursos de la calle, machacarla no me interesa, se satura y
bloquea la comunicacion... Frente a esa saturacion, elijo lugares limpios y abandonados,
sin firmas, donde mi logo pueda "respirar" y así poder ser captado mejor por los ojos.
Quiero que el peaton se pregunte, no son letras, no está firmado. Se pregunta una vez,
vuelve a ver el logo y se pregunta otra vez y poco a poco quiero engancharlo... También
quiero educar el ojo y enseñar a la gente a observar su entorno y los que lo utilizan para
comunicarse. En mis pinturas, cuenta todo el entorno el juego es un poco darle un nuevo
"tono" a un viejo local abandonado y invisible a los ojos de todos...
-(Kaos). Intento producir úlceras en los estómagos de la peña (esta frase la he tomado
prestada de mi brother Soda DMC Rock), ya sean ajenos o no al graffiti. Últimamente
estoy intentando localizar a un médico del estómago para cobrarle comisión por llevarle
tantos clientes.
Estas son algunas de las innumerables opiniones acerca de distintas cuestiones sobre el
graffiti. Incluso dentro de la propia filosofía de la cultura se ven posiciones muy
distintas. Incluso han llegado a crearse frases de carácter popular con las que se
identifican todavía muchos escritores, algunas tan antiguas como “Just writing my
name” (Sólo escribo mi nombre), “I just can’t stop!” (¡No puedo parar!), la mítica “If
art like this is a crime, let god forgive me” (Si el arte es un crimen que dios me
perdone). Hoy en día los escritores siguen dejando frases que exteriorizan sus
pensamientos, algunas por ejemplo: “Vándalos y orgullosos”, “No hay tregua”, “Nunca
nos podréis parar”, “La venganza continúa”, “Toma pintada, cabrón”, “Instruidos en las
más altas disciplinas”, y un largo etcétera.
La mayoría de los escritores son artistas de gran integridad que no están en ello por
dinero, razón por la que muchos de ellos se niegan a la explotación comercial de su

19. trabajo. El ejemplo quizás más sonado fue el de Muelle, quien su soberbia le permitió el
lujo de (tras haber registrado su nombre) rechazar la millonaria oferta de una fábrica de
colchones a cambio de su logo. Otros en cambio aprovechan su talento para ganarse la
vida decorando locales estilo graffiti o incluso cobrando por pintar su nombre con plena
libertad (muy extendido esto en América y Europa).
Por último señalar el carácter efímero del graffiti ya que las piezas tienen una vida
limitada (lo que tarda alguien en borrarlas o el deterioro de la pintura). Este carácter
temporal es el que lleva a los escritores a perpetuarlo por medio de fotografías (todo
escritor que se tercie dispone de un álbum personal con sus fotos archivadas y un “black
book” con sus bocetos), lo que ha permitido, con el tiempo, la proliferación de revistas
monotemáticas tanto impresas como digitales (Internet).
Influencias
El graffiti, en cuanto a influencias se refiere, es un modo de expresión artístico
indicativo de un estilo de vida urbano. Sus más directas influencias vienen dadas, pues,
por otras expresiones culturales de la calle como puedan ser el rap o el break dance, de
hecho es bastante estrecha la relación de estos tres elementos, aunque no siempre.
Además de la morfología en la escritura y en los estilos de letra de los tags, los throw-
ups, wildstyles, etc. El graffiti toma prestados diversos elementos de la iconografía
popular como el cómic o los cartoons (dibujos animados). De hecho, la primera y la más
destacada influencia viene determinada por el trabajo de Vaughn Bodé (continuado por
su hijo Mark Bodé), quienes fueron de los primeros artistas del cómic underground de la
década de los sesenta y los creadores de personajes como: Deadbone, Junkwafel,
Cheech Wizard o Belinda Bloom. Hoy en día no se puede hablar de la historia del
graffiti sin mencionar a Bodé, quien fue objeto de homenajes y dedicaciones por parte
de algunos escritores, por ejemplo Kel 129 o Dondi, o incluso su trabajo llegó a hacerse
referencia en un tema del legendario grupo de Hip Hop Beastie Boys. Los personajes de
Bodé sirvieron como complemento para las piezas de muchos escritores del antiguo
metro neoyorkino, aunque hoy en día se sigue haciendo tributo a este artista
underground de gran popularidad en la década de los sesenta asociado al movimiento
hippie o en los noventa al hip hop.
Como anécdota podríamos contar que destaca el cierto contenido erótico de los cómics
de Bodé (sobre todo en los de la serie Erotica, plagados de mujeres desnudas) y que,
precisamente, ésta es una de las principales razones de que los escritores tuvieran acceso
a ellos. En los principios de gestación de la cultura la mayoría de los chicos que
comenzaron a pintar tenían una media de unos catorce o quince años de edad, con lo
que eran demasiado pequeños para consumir este tipo de revistas por lo que la casi
todos ellos las tomaban “prestadas” de sus hermanos mayores. La simple curiosidad de
adolescente por el erotismo se convirtió (de manera indirecta) en una de las principales
fuentes de inspiración de este arte, inspiración que incluso hoy todavía perdura.
Efectivamente, seguimos viendo a Cheech y a Junkwafel en las piezas de muchos
autores contemporáneos inspirados a su vez en los de primer generación.
También en sus inicios tuvo especial popularidad entre los escritores la figura del Santo
(The Saint), un icono perteneciente a unas novelas basadas en una serie televisiva de

20. carácter popular, que llegaba a reducirse tan esquemáticamente que parecía un monigote
infantil o un pictograma.
En el graffiti también se perciben ecos publicitarios muy fuertes, especialmente de los
grandes carteles de los comercios urbanos y de las grandes marcas. Graffiti y publicidad
van en ocasiones estrechamente ligados, y es que, como dice El Tono,“el graffiti es
publicidad, y en publicidad si no intentas aparecer por todos los lados, no existes”.
También son usados en este arte personajes populares de cómic o cine, textos o citas
famosas, iconos universales como el símbolo de la paz... La razón puede ser doble:
Simplemente el autor se identifica con la imagen representada o la representa
precisamente para llamar la atención de los observadores que reconocen la imagen de
una forma inmediata. También, aparte de elementos publicitarios, el graffiti llega a
imitar logotipos de marcas o empresas reconocidas adaptándolos al nombre de su autor
(método similar al utilizado por el Pop Art, que más que una limitación creativa supone
un recurso innovador e ingenioso de reintrepretación). Aunque lo más común es
representar personajes carismáticos entre el público adolescente, generalmente
superhéroes como Spiderman, Batman, Superman... U otros más populares como
Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape o las más actuales Supernenas. También podríamos
destacar la representación de personajes históricos, estrellas del cine o de la música
(esto depende de los gustos personales del realizador). También se representan
ideologías, mensajes y hasta temas de actualidad de interés social como la droga, la
liberación animal y hasta catástrofes humanas como la de las Torres Gemelas o la
guerra de Irak, que ya han sido objeto de temática en algunas piezas y murales. En
Francia fue muy frecuente durante algún tiempo las frases en piezas de escritores
arremetiendo contra Chiraq y las pruebas nucleares.
Otra influencia directa sobre el graffiti es la del tatuaje (puerta de salida para muchos
escritores) y que de manera recíproca influye en el estilo de las piezas de muchos. Esto
se ve sobre todo en la representación de tribales, simetrías, o personajes y elementos
típicos del tatuaje como corazones, puñales... Siempre en colores vivos y planos que
tanto caracterizan a los tattos.
Como no, el arte influye también de manera directa en muchas de las obras. Se ha
representado desde las míticas sopas Campbell de Warhol pasando pon una
reinterpretación del Guernica de Picasso o incluso el arte fantástico de Rodney
Matthews también ha recibido su homenaje. Aparte de estilos pictóricos o escultóricos,
se ha llegado a representar, total o parcialmente, obras de arte tanto clásico como
moderno, así obras de Leonardo da Vinci, Dalí, Van Gogh, Lienchestein o Giacometti
entre otros, son acompañadas de piezas de escritores con un estilo de graffiti genuino.
Como anécdota podría comentar -ya que parece algo casi obligatorio al hablar de
graffiti en relación con el arte- es la atribución que se les a dado a personajes del mundo
del arte neoyorkino de los 80 de escritores de graffiti. Hablo de Jean Michelle Basquiat
y de Keith Haring. El primero, bajo el psudónimo de Samo parece ser (hasta donde he
podido saber yo) que si que llegó a escribir su nombre en las paredes y en el metro. Pero
queda totalmente fuera de lugar que fuese un hito y mucho menos un escritor activo en
la época. De hecho, no he conseguido localizar ni una sola firma u obra suya fuera de
otro formato que no fuese un lienzo o similar. Haring, por su parte, nunca se consideró
un escritor de graffiti. Sin embargo, si se ha constatado que éste dibujaba en los carteles
de las estaciones de metro (no en los vagones) iconos y símbolos típicos de su obra
gráfica.

21. Por último se podría mencionar la influencia que recibe el graffiti de disciplinas más
actuales como el diseño gráfico, la ilustración o la estética de la nueva corriente
conocida como Street art. Así, no es raro encontrarnos, aparte de temáticas con alguna
de estas estéticas, piezas individuales de escritores en las que se perciben ecos de estas
disciplinas, perdiéndose cada vez más la identidad, en algunos casos, del original diseño
de letras y colorido típicas del graffiti tradicional. No es raro, pues, encontrarnos con
motivos geométricos y formas poligonales, obras a sólo dos colores, recursos
tipográficos, etc. En obras de escritores en las que lo que se supone es el factor principal
del graffiti, el nombre del autor, se pierde en ocasiones de manera total o parcial.
También podemos encontrarno con murales en los que la existencia de letras con
morfología del graffiti es nula, llenando sin embargo el espacio con la representación de
personajes o fondos realistas. O también podemos encontrarnos con una integración de
carteles o plantillas representando personajes, siluetas, tipografías o logotipos
componiendo un mural de caracter urbano. Algunos son partidarios de estos avances, de
estas nuevas tendencias calificadas como la evolución del graffiti, otros no lo ven así y
piensan que estas manifestaciones poco tienen que ver con el fenómeno del writing
neoyorkino. Hay quien expresa abiertamente que lo que hace no lo califica
explícitamente como graffiti, no sabiendo situarlo entre una obra de arte moderno o una
de arte callejero. Hay quien incluso cobra dinero por pintar, la polémica y el debate
sigue abierto... Muchas de las cosas que vemos hoy en día que se nos presentan como
tal ¿son realmente graffiti?
Tecnicas
Se sabe que los primeros utensilios para dibujar en los vagones de metro eran en
principio pinceles y pintura hasta el descubrimiento del spray (aerosol). Empecemos por
establecer un orden arbitrario para poder hacer una clasificación, por ejemplo
rotuladores y aerosoles (puesto que son los más importantes) y luego otros métodos.
En un principio valía cualquier cosa. Por ejemplo, en el Nueva York antiguo, Pray
utilizaba una llave con la que rasgaba su nombre en los metales pintados (más tarde se
descubriría que Pray era una venerable anciana que se dedicaba a poner su nombre al
más puro estilo writer).
Los primeros marcadores eran de un tamaño pequeño, el tradicional Edding 2000 de
unos pocos milímetros de grosor y punta redonda es un buen ejemplo hasta que se
instaló con éxito el Pilot de punta cuadrada de 1x1 cm. Fue muy utilizado por los
escritores. Algunos querían ir más allá e incluso se fabricaban sus propios rotuladores
utilizando envases de pegamento con sistema de muelle (lo que hoy se conoce como
camaleones), botes de pegamento de barra vaciados y con una punta casera acoplada.
Generalmente se usaba la esponja de los borradores de las pizarras del colegio (eso sí,
sin estrenar, puesto que si estuvieran usados, las partículas de tiza podrían obstruir el
paso de la tinta). Incluso se llegaban a rellenar recipientes de Canfort para zapatos. El
repuesto preferido solía ser laca de bombilla, un material bastante económico y viable
además de disponer varios colores. El inconveniente es su poca resistencia al sol,
dejando los tags prácticamente invisibles después de varios días.
Con el tiempo los rotuladores caseros han dado paso a otros más sofisticados. Aparte de
rotuladores de tinta aparecen rotuladores de témpera, con lo que ahora, aparte de haber

22. más colores, los que hay son cubrientes, es decir, existen colores claros aptos para
escribir en superficies oscuras, lo que hizo que se ampliasen el número de superficies
susceptibles de ser atacadas. Generalmente se los llama Posca, debido a que la marca
más extendida se llama así. Llevan un sistema de muelle y bola mezcladora debido a
que los materiales que contiene son más espesos que la tinta y hay que asegurar la
fluidez.
No sólo varió la tinta sino también el grosor de los rotuladores. Desde el camaleón de
1,5x1 cm de punta, pasando por el 20mm de 2x1cm y llegando hasta un linterna de
3x1cm, lo que da más vistosidad y mayor tamaño a las firmas. Pero la escala sigue
subiendo y nos encontramos con el Ultra Wide o espátula, que aumenta el ancho a 4cm
(aunque es más fino y más estrecho, de ahí el nombre de espátula y que parezca un
desodorante). Haze, un viejo escritor noyorkino, se especializó en su uso. Por si esto
fuera poco el último invento del mercado ha desencadenado en el Biggie, llevando la
punta a un grosor de 5x1cm, casi el doble que la revolucionaria linterna. Desde el punto
de vista comercial la cosa acaba aquí, pero en ansia de los escritores en su búsqueda del
“todavía más” les lleva a sacarse a la calle una esponja y humedecerla con tinta. El
resultado es de imaginar: Trazos tan grandes como el tamaño de la esponja. Y, sin duda,
el último grito: Derramar directamente la tinta del bote sobre la superficie ¿Es este el
grado extremo? No, por si fuera poco ya no basta con el tamaño o la cantidad de tinta
derramada sino que ahora se busca que ésta sea indeleble. Hacia el 98 nos llega desde
Italia la temeraria tinta Inferno originaria para tintar zapatos y pieles que pasa a sustituir
a la tradicional Industrial (más negra pero más fácil de eliminar) que hasta el momento
se había estado usando en España. Los escritores cargan sus rotuladores con esta tinta,
cuya principal característica es la de su poder de penetración en los poros de las
superficies más pulidas, haciendo en algunos casos imposible la eliminación total de la
pintada, tornando su original color negro en un gris de un tono bastante oscuro después
de un duro frotado incluso con los más fuertes disolventes. No contentos con el ya
debastador poder de la tinta milanesa, los escritores le añaden “pluses” a la sustancia,
como por ejemplo el aceite negro residual de los motores de coche, o una especie de
bolas que se desacen convirtiéndose en un polvo negro que fomenta el agarre de la tinta
a la superficie. Todo ésto, especialmente la tinta Inferno, trae de cabeza, por un lado a
los dueños de los comercios que demandan una solución al problema, y por otro pone
en jaque a las autoridades, una vez más.
Pero sin duda, la técnica por excelencia del graffiti es el aerosol, el spray. Las razones
son su convencionalismo, sus abundantes colores ya mezclados, su relativa limpieza, su
fácil uso... Aunque todas estas ventajas de las que hoy gozan sus usuarios no son otra
cosa que el fruto de la evolución de los primeros propelentes técnicamente muy pobres.
Aunque nos ceñiremos más en concreto al caso español, cabe mencionar algunas de las
marcas que se usaban en los inicios del writing en Nueva York por su importancia: Los
genuinos Krylon, los Rust-Oleum o los Red-Devil son los más destacados entre muchos
otros (Lucas, Broma, Utilac, etc).
En España a mediados de los ochenta destacaba la marca Novelty, que podían
encontrarse en tiendas de barrio, droguerías, etc. Los botes se presentaban en envases de
200 ml y 400 ml. A pesar de su gran capacidad cubriente la gama de colores era muy
escasa, por lo que también se comenzó a utilizar la marca Duplix, pintura especial para
coche, que ya se encontraba en grandes almacenes y tiendas especializadas, aunque esta
pintura era más acuosa y cubría peor, puesto que estaba pensada para retoques y no para
grandes superficies. Otra marca a destacar era Pictex, una pintura muy cubriente, tanto

23. que se obstruían con facilidad. Su precio era muy económico lo que provocaba grandes
colas en el Rastro de Madrid los Domingos por la mañana (desde las 6:30-7:00) puesto
que era el único sitio donde se vendían.
A pricipios de los noventa la mítica Spray Color era mejorada por Felton Spray,
llegando a ampliarse aún más la gama, pero todavía era insuficiente. Esto, una vez más,
tocó la fibra sensible de los escritores sacando a relucir su ingenio creativo. Se inventó
la manera de mezclar los colores pasando la pintura de un spray a otro ¿El método? El
gas de uno de los botes se calentaba y el del otro se enfriaba. Luego se le quitaba a los
dos difusores el punto por el que salía la pintura y en los nuevos orificios se introducían
los dos extremos de un tubo de tinta gastado de un bolígrafo Bic. Se insertaban cada
boquilla en el correspondiente bote, se presionaba a la vez y el bote con aire caliente
llevaba la pintura al otro consiguiendo que se mezclasen los dos y obteniendo un
tercero. Había una manera similar que consistía en inyectar pintura directamente a un
bote, habiendo sido éste previamente congelado para evitar que se escapase el gas o la
transfusión directa de un bote a otro mediante un trozo de tubo de Bic.
Hacia el 92 surge en Barcelona un cambio importante cuando dos escritores (Moockie y
Kapi) abren Game Over, la primera tienda en nuestro país especializada en graffiti. Se
dedicaron a la venta de Felton Spray y posteriormente empezamos a oír la marca
Montana, que es la líder actual.
En cuanto a los difusores nos encontramos con dos tipos de boquillas o caps: Macho y
hembra. Las primeras en la parte inferior tienen un tubito que entra en la válvula del
bote hembra. Las segundas al contrario, tienen en la parte inferior un hueco en el que
entra el tubo del bote macho. A su vez las boquillas, independientemente de que sean
macho o hembra, tienen diferentes característica en cuanto al tipo de trazo que realicen
(finos o gruesos, limpios o difusos, redondos o direccionables...). Nos encontramos
entonces con los Fat cap (boquillas de trazo grueso) que sueltan más cantidad de
pintura, son capaces de hacer un trazo con un grosor de 20 centímetros, por lo que son
idóneos para rellenar grandes superficies. Por otro lado están los Skinny cap (boquillas
de trazo fino) que sueltan menos cantidad de pintura permitiendo trazos de varios
milímetros, ideales para detalles. Las skinny han pasado a sustituir el viejo truco de
meter una aguja en el punto difusor para obstruirlo y reducir el grosor del trazo. Otro
elemento diferenciador de boquillas es el hecho de que tengan falda (siendo más ancha
y cómoda para el dedo) o no. Actualmente existen las llamadas crestas (boquillas con
falda pero de cabeza estrecha) con una forma hergonómica que se adapta perfectamente
al dedo de su usuario.
Hoy en día los botes más destacados y utilizados a nivel mundial son los de la marca
española Montana. La razón es que está concienciada de que los consumidores más
habituales de spray son los escritores de graffiti y ésto le ha llevado a hacer mejoras
tanto en la calidad de la pintura, como en el diseño de los botes, accesorios, productos...
Siempre encaminándolos en este campo. Podrían destacarse otras marcas a nivel
europeo como Felton, CRC, Sparvar, Belton, Molotov...
Por último mencionar otros elementos alternativos a estos dos como los rayadores
(piedras o bujías) para cristales, destornilladores para chapas, rodillo y brochas con
pintura plástica, ácidos que corroen el cristal de manera permanente o incluso tizas,
velas... Llegando hasta la más tolerante de las nuevas tendencias: Las pegatinas, carteles
y demás intervenciones urbanas que veremos con detalle más adelante.

24. Morfología
Partiendo de un paralelismo con la teoría de la imagen, según la cual, todo objeto tiene
unos grados de realismo en cuanto a su representación, siendo el primero el propio
objeto y el último una abstracción total del mismo, el graffiti se estructura también en
base a unos grados, en este caso de complejidad, los cuales se rigen por dos criterios
básicos: El primero sería el “grado de abstracción”, según sea la intencionalidad del
escritor, la búsqueda de estilo o de legibilidad. El segundo factor sería el "grado de
interpretación" del espectador. En este caso lo que prima por encima de todo es la
legibilidad o los elementos repetitivos para poder llegar de una manera más efectiva al
ojo del receptor.
Se ha hecho una clasificación aleatoria por orden de complejidad. Retomando un poco
de historia del apartado del graffiti en el metro neoyorkino, partiré de la forma más
sencilla de representación del graffiti (un tag) donde la sencillez de las letras transmita
la autoría del escritor, llegando hasta la abstracción total de una obra, donde el único
factor reconocible de su autor es el estilo.
Este término se refiere al elemento más bajo en esta escala de complejidad debido a la
relativa sencillez y al escaso tiempo empleado en su ejecución. Los tags son la base del
graffiti y nacen con él a finales de la década de los 60, perdurando aún hasta nuestros
días.
Podríamos señalar dos motivos fundamentales que hicieron que estos predominasen por
encima de las demás formas básicas. En primer lugar, en los principios del graffiti, los
escritores además de no conocer otras formas de expresarse, no buscaban la
complejidad ni el estilo, todavía no había llegado la "guerra de estilos", lo que llevó a
los escritores a simplemente escribir su nombre con letras legibles y el mayor número
de veces posible. El otro motivo es la imposibilidad de realizar algo más complejo
debido a las escasas referencias de las que podían influenciarse en los primeros
momentos, así como las limitaciones técnicas de aquella época (recordemos que los
materiales empleados no estaban destinados para este uso). Esta fase de máxima
proliferación se da a mediados de los 80 y de aquí hasta nuestros días en los que todavía
pervive el afán por plasmar la firma en el mayor numero de sitios posibles.
Formalmente todos los tags no son iguales y se puede marcar una evolución en su estilo.
En un principio eran sencillos y muy legibles, su composición solía ser el apodo o
nombre del escritor acompañado dell número de su calle. Representantes de este método
fueron Fran 207, Chew 127, Bárbara 62, Julio 204 y, principalmente, Taki 183 pionero
de los "Motion Tags" nombre con el que se bautizó a marcar los vagones (superficies en
movimiento).
Los tags comenzaron a proliferar muchísimo así como el incremento de gente que
pintaba. Esto hizo a los escritores tomar un cambio de mentalidad en cuanto a la
composición formal de sus firmas, se dedicaron a embellecerlas para que estas no
pasaran desapercibidas entre el revoltijo de pintadas que en esas fechas llenaban los
vagones del metro y las paredes de la ciudad. Se puede decir que esta etapa es el
antecedente de lo que más tarde se conocería con el nombre de "Guerra de Estilos". Se
añadían elementos originales a las firmas, como por ejemplo Kool Jeff que convirtió la
"J" en el rabo de un demonio o Lee 163 unió las dos "E", Cay 161 y Snake 131 ponía

25. coronas sobre sus nombres, etc. A pesar de estos toques de originalidad, las firmas
siguieron siendo bastante claras y legibles. Todo esto cambió con la llegada de un
escritor de Phildelphia llamado Top Cat, quien introdujo un estilo de tag alargado y con
la base más ancha conocido como Broadway Elegant. A partir de este acontecimiento se
produce una revolución estética en las firmas, surgiendo así tres nuevos estilos:
1. Brogway Elegant: Este es el estilo característico de la zona de Manhattan y marcado
por la influencia de TOP CAP al llegar a esta zona de NewYork. Escribía su nombre
con letras alargadas, finas y muy juntas. El pie de letra era bastante ancho como si las
letras estuvieran levantadas sobre pequeñas plataformas, estas firmas eran difíciles de
entender pero eso hizo que destacasen más. Todos estos factores hicieron que muchos
escritores de la zona de Manhattan adoptaran este estilo.
2. Brooklyn: Este cambio de estilo hizo reaccionar a los escritores de Brooklyn, los
cuales adoptaron también su propio estilo basado en el uso de letras separadas y mucho
más decorativas, adornadas con corazones, flechas y espirales. Estos adornos serían el
anticipo de lo que más tarde se utilizaría en estilos más complejos.
3. Bronx: El estilo de esta zona tuvo un periodo de popularidad y consistía básicamente
en una fusión de los dos anteriores.
No conformes, los escritores prefirieron desarrollar su propio estilo para destacar más.
Esto, junto con las innovaciones técnicas de los materiales que usaban, les proporcionó
más libertad y facilidad de movimientos, concentrándose así en otros aspectos que no
fuesen sólo el estilo de su pintada, sino en el tamaño y los colores de la misma. Hay una
nueva etapa de transición, en la que escritores como Stay High 149, entre otros,
empezaron a escribir sus nombres en color blanco y con letras finas aunque de tamaño
mayor que las firmas corrientes, lo que les hizo destacar y permitió a los primeros tags
evolucionar en la escala del tamaño.
El descubrimiento de la válvula ancha permitió a los escritores realizar obras de mayor
tamaño y darle a los tags un elemento jamás antes utilizado llamado outline (borde o
filete), que consistía en una línea más fina a un color que bordeaba la forma de las letras
gruesas de una firma a otro color distinto. El primero en realizarlas fue Super Kool en
1972 en el apartadero de la calle 221.
Este tipo de letras se basan principalmente en el diseño básico de Super Kool con la
diferencia de que son letras más gruesas, redondeadas y relativamente sencillas que
constan de color de relleno y borde. Su precursor original fue Phase 2, que decidió
explotar este estilo creando un amplio número de variantes del mismo:
- Phasemagotical fantástica: Letras pompa rodeadas por estrellas.
- Pompa nublado: Letras pompa envueltas en una forma a modo de nubes.
- Tablero de ajedrez: Letras pompa sombreadas.
- Pompa gigante: Letras pompa desproporcionadamente más grandes en su parte
superior.

26. - El chorro exquisito: Letras pompa torcidas y rayadas.
El término Throw-up o vomitado o pota, como su propio nombre indica, se refiere a
una versión chapucera en principio de la letra pompa. Son letras con poco diseño, ya
que su finalidad era cantidad y no calidad, de ahí que se intenten rellenar las letras con
la menor cantidad de pintura posible, generando normalmente un relleno "rayado" en el
cual se notan los trazos del aerosol. Al ser tan versátil a la hora del bombardeo, fue
ganando adeptos entre los escritores de graffiti. Algunos los perfeccionaron llegando a
conseguir diseños impactantes con un tiempo de ejecución mínimo, incluso usándolos a
modo de "icono" y perfeccionándolos. Un buen ejemplo de throw-up convertido en
marca del escritor es el de Seen o Cope 2, que llegaron a unir calidad y cantidad, aunque
sin duda el icono por excelencia de los vomitados (no tanto por su calidad, sino por su
cantidad y emplazamiento) fue Cap. El throw-up fue el estilo más utilizado en los 80 en
el metro neoyorkino, donde la tensión del momento obligaba a realizar piezas de gran
rapidez.
Este tipo de letras prescinde de un diseño complejo y original. Son letras muy simples,
generalmente gruesas y con rellenos sencillos, legibles y de gran tamaño. Su principal
función es la legibilidad, generalmente estan pensadas para ser leídas fácilmente a
distancia o el cortos espacios de tiempo, por ejemplo una pieza pintada en un lugar o
gran altura o una pieza en una pared de cara a una carretera transitada.
No hay ningún escritor a priori que desarrolle este estilo, ya que muchos escritores
maestros de otros estilos alguna vez lo han podido utilizar dependiendo del
emplazamiento de su obra.
Llegamos en esta escala de complejidad a un grado bastante alto dentro del graffiti y
quizás el más popular y extendido, el wild style, el estilo genuino de la parte sur del
Bronx. Surgió como resultado de una búsqueda de unas cada vez más complejas letras,
donde aparte de las mismas, se pueden apreciar adornos y formas puramente estilísticas
que no forman en realidad parte de la letra: Conexiones, círculos, semicírculos,
espirales, picos y, sobre todo, el elemento más caracterísico y el icono universal del
graffiti: Las flechas (con todad sus variantes), que si bien no aparecen como símbolo de
arma o violencia, si le proporcionan un dinamismo muy característico a toda pieza que
posea alguna.
Con la llegada del estilo salvaje, se produce una auténtica Guerra de estilos, provocando
diferentes piezas, unas más legibles y otras más barrocas, en ocasiones la legibilidad es
nula y la única manera de identificar a su autor es el estilo. Dentro del wild style
también nos podemos encontrar con diferentes grados de complejidad, podemos
diferenciarlos (de manera arbitraria para poder entenderlo) en dos categorías con
subdivisiones a su vez en ellas:
1. COMPOSICIÓN
A. Estático: Lo podemos denominar así por su carácter más geométrico, con ángulos
más marcados, líneas más rectas y pocas curvas. Estos elementos pueden ser aplicables
a las propias letras o a sus adornos y conexiones.

27. B. Dinámico: En el que las formas de las letras y las conexiones son más redondeadas,
estilizadas y suavizadas. Tienen, en conjunto, más movimientos y son, por decirlo de
alguna forma, más desenfadadas.
2. MORFOLOGÍA
A. Semi wild style: El menos complejo en su construcción aunque no por ello menos
estilizado. Suele constar de unas letras por lo general legibles y algún complemento
puntual que no resta visibilidad al nombre del escritor. Se podría destacar aquí a Dero,
un escritor neoyorkino.
B. Wild style: Algo más complejo que el anterior, la forma de las letras se pierde más
entre los abundantes complementos y adornos, aparte de la propia forma de las letras,
que suele ser más compleja. Es quizás el estilo más común de graffiti y el estilo por
excelencia, aunque hay muchos buenos escritores que lo desarrollan, hay muchos otros
escritores de calidad que no lo practican. Como pioneros de este estilo o escritores que
lo han popularizado podemos nombrar a algunos del Bronx como T-Kid, Seen, Ces,
Cope 2, TAT's Crew y muchos otros, aunque se considera al inventor de este estilo a
Kase 2, un escritor neoyorkino de los años 70. En Europa hay multitud de escritores que
lo han desarrollado, podemos citar algunos como Bates o Swet en Dinamarca, Dare en
Suiza, Can 2 o Phos 4 en Alemania o Fasim en España, aunque la lista sería
interminable.
C. Estilo California: Sería el "hiper wild style", es un grado de complejidad tal, que no
llega incluso a distinguirse las letras de los complementos y adornos, roza la abstracción
de no ser por que se reconocen elemento como el relleno, el borde, el 3D.
De la misma manera que el wild style busca crear estilo y lllamar la atención mediante
su complejidad de formas y combinación de colores, el model pastel busca crear un
efecto de tridimensionalidad en las letras, es por lo tanto un estilo muy efectista, donde
incluso a veces el diseño de las letras pasa a un segundo plano y cobra más importancia
el relleno de las mismas. Los efectos de trideminsionalidad se consiguen de muchas
maneras, tanto por el uso del color, como por la forma en las letras creando perspectiva
o cambiando el ángulo de visión de las mismas. Generalmente este estilo prescinde de
elementos formales del graffiti convencional, como por ejemplo el trazo o los brillos, y
adopta otros recursos como degradados o planos de color. Generalmente necesita más
dedicación y su carácter es menos espontáneo y más artístico. De hecho, suele ser el
estilo de graffiti que más suele gustar a la gente ajena al movimiento.
A diferencia del wild style genuino de Nueva York, este estilo nace en Europa, aunque
posteriormente también llegó a Estados Unidos, llegando a usarlo escritores genuinos de
otros estilos como Seen o Ces. También podemos dividir este estilo en dos categorías
arbitrarias, aunque las combinaciones son en realidad infinitas:
1. 3D con diseño wild style: Se trata de la fusión de dos estilos, una pieza con diseño
wild style, pero sin bordes y con cierto carácter volumétrico y juegos de luz y sombra.
Podemos mencionar a dos escritores (entre muchos otros), inicialmente de wild style,
que han desarrollado piezas con su estilo genuino pero en carácter tridimensional: Ces
de Nueva York y Dare de Basilea.

28. 2. Model pastel: Es estilo tridimensional propiamente dicho, donde desaparece la línea
exterior dando paso a juegos de color, a veces en la misma gama cromática y otras con
simple planos de color y formas determinadas. También hay distintos grados de
acabado, unos más pulidos y realistas, con un trabajo minucioso y mucha limpieza, y
otros más efectistas, con trazos sueltos pero eficaces generando dobleces en las letras.
Podemos destacar en este estilo (también estre muchos escritores) a Daim y Loomit en
Alemania. El primero trabajando a partir de unas letras más legibles y con un acabado
muy pulido y el segundo letras menos legibles y desproporcionadas con un acabado más
efectista.
Entre estas dos clasificaciones podemos mencionar un estilo intermedio. Consiste en
letras de caracter tridimensional por su forma, estructura y tratamiento del color en
cuanto a luces y sombras pero con rasgos propios del graffiti convencional como
contorno exterior en las mismas perfilando su forma. Dos escritores que desarrollan un
estilo a caballo entre el graffiti convencional y el tridimensional son Kelzo en Inglaterra
y Delta en Holanda.
Un estilo más reciente basado en la trasgresión de los elemento formales y estéticos del
graffiti, es decir, desdibujándolo, creando formas "incorrectas", deformidades, colores
repelentes a priori y, en definitiva, generando un estilo sucio. El riesgo que conlleva este
estilo es saber si realmente el escritor lo realiza por intencionalidad propia o bien por
incapacidad a hacerlo bien, por lo que algunos escritores de este estilo también pintan
piezas más convencionales para demostrar que realmente saben pintar.
Este estilo es originario de Francia y uno de sus máximos exponente fue Honet por la
antigüedad de sus obras. En España podemos destacar en este estilo a Inupié (Pie),
quien añade unos elementos y colores a sus letras de formes que puedan dar a pensar
que es un escritor novato, cosa que ha desterrado varias veces con piezas de un estilo
más convencional.
Este es un nombre arbitrario para desugnar un estilo de graffiti relativamente novedoso.
Es de los primeros indicios que muestran la posterior fusión de todos los estilos, donde
en una misma pieza, unos conviven con otros. En este estilo las letras cobran un carácter
propio adoptando formas de objetos, fusionando así el dibujo de letras tradicionales en
el graffiti con complementos como personajes u objetos. Así tenemos que una calavera
se convierte en una "O" en una pieza del escritor neoyorkino Sento, o quelas letras
tienen actitudes humanas como una "E" llevando una gorra de Dume. También
podríamos encasillar aquí las piezas que estan compuestas por formas reconocibles
formando parte de las mismas y dándoles un aspecto orgánico y de objetos. Es el
ejemplo de Sender en Holanda u otros elemento que le dan un aspecto cibernético a las
letras en el caso de Seak en Alemania.
Los personajes surgieron principalmente para acompañar a las letras, auque hoy en día
son muchos los escritores que basan su obra íntegramente en la cración de personajes.
Algunos provienen del graffiti genuino, empezaron pintando letras en las calles y lo han
derivado a personajes. Otros provienen del mundo del arte, les gustaba dibujar
personajes, cómics o lo que fuese y han acabado plasmándolos en la pared. Hay quien
se atreve incluso a practicar las dos disciplinas, letra y personajes.

29. Los personajes surgen en el metro de Nueva York. Los escritores los plasmaban
influenciados por personajes mediáticos de dibujos animados o del cómic. Como ya se
vió en un apartado anterior tuvo especial influencia la obra de Vaughn Bode, aunque
también unos cuantos personajes de otros cómics o de series televisivas. Estos
personajes daban más riqueza a las obras y permitían expresar mejor una idea, un
mensaje o un estado ánimo del escritor. La inclusión de personajes populares dió paso a
que algunos escritores crearan los suyos propios, permitiéndoles crear auténticos
"murales" (aún siendo sobre vagones de metro) como por ejemplo a Lee, quién lo usó
en ocasiones para transmitir mensajes con trasfondo social, permitiendo que el graffiti
no fuese sólo un nombre, sino también una idea y transmitiese mensajes.
También hay diferentes grados de representación en los personajes. Nos encontramos
así con algnos de carácter pictográfico (Inupié, Hask), caricaturas, animales u objetos,
con estilo cómic o ilustrativo (Mode 2, Rostro, Toast, Can 2 o incluso de carácter
realista (Sip, Alex, Sex 69), etc. La lista sería una vez más infinita.
Podrían considerarse los iconos una derivación de los personajes. Como rasgo esencial,
un icono suele ser más esquemático y fácil en su ejecución. Su función es la de llamar la
atención y crear una mayor pregnancia en el ojo del espectador. Es más facil de recordar
un icono que un nombre. Algunos escritores llegaron casi a sustituirlos por su firma. Se
busca sobre todo en los iconos la originalidad y el impacto. Sus formas de presentación
son muy variadas, desde un color a varios y de objetos simples a algunos más
complejos: un chupete, una pluma, una rodaja de limón, un rollo de papel... Algunos
utilizan objetos pictóricos como un rodillo de pintor, una mancha de pintura, etc.
Uno de los iconos más conocidos es el del escritor madrileño Suso33 y su famosa plasta
de pintura, representando una mancha de pintura personalizada con ojos y boca
adoptando diferentes formas y colores. Otro representativo es la mano de Nami en
Barcelona, realizada casi siempre en dos colores, negro y crema. También destacaba en
Barcelona El Xupet Negré, un dibujo simple de un chupete de color negro.
Llendo un poco más lejos hay quien usa su tag a modo de insignia, llegando un
momento en que no se lee, simplemente se ve ve y se reconoce. Es el caso del
anteriormente mencionado Muelle o más actualmente el caso de Buni (ambos en
Madrid). Otros han convertido un throw-up en un icono como Seen en Nueva York o
Jon 1 en París.
Se podría considerar como el grado extremo de la escala donde el graffiti pierde ya su
identidad. Si bien sigue realizándose con aerosol, el único rasgo que le liga al graffiti es
su ubicación o que el autor sea un escritor de graffiti. En ocasiones sólo pierde la forma
de las letras y, lo que en una pieza convencional sería un relleno de colores, degradados
y pompas, pasaría a ocupar la superficie entera del soporte pero sin ninguna forma de
letra definida.
Se podr´ía destacar como pionero en este estilo al neoyorkino Futura 2000, quien ya en
los 80 llenaba vagones enteros con pinturas abstractas. Lo mismo ocurrió con Phase 2
(el inventor de las letras pompa) quien acabó pintando murales enteros con formas de
graffiti pero sin referente alguno a ninguna letra.

30. Toda obra de graffiti convencional, independientemente de sus estilo o grado de
complejidad, tiene por norma general una serie de componentes comunes. En rasgos
generales, estos son algunos de los componentes de toda pieza de graffiti, aunque como
ya he dicho, pueden prescindir de ella. Partiendo de la base que una pieza de graffiti es
la forma de unas letras tenemos:
1. La forma propia de la pieza (por decirlo de alguna manera su alma o para
materializarlo más, su esqueleto).
2. El relleno (visible o no), es decir un borde de unas letras en color en una pared blanca
tendría como relleno de la letra el propio blanco.
3. El borde, que es lo que define la forma de la letra. A veces visible (en un wild style) o
a veces invisible (en un estilo 3d).
4. El fondo, que a veces será la propia pared (diremos que no tiene fondo) y otras tendrá
uno o varios colores.
5. La nube, que es un plano de color detras de las letras pero que no rodea toda la
superficie alrededor (pueden ser formas circulares, cuadrados, estrellas y un sinfín de
formas).
6. Power Line, una línea exterior al contorno que, generalmente sive para separar la
pieza del fondo.
7. Brillo, líneas que dentro del relleno de la letra van pegadas o semipegadas al borde
exterior de la misma.
8. Destello, que puede formar parte o no de los brillos e intenta emular un destello de
luz.
9. 3D, que puede ser de muchas clases: a un color o a varios, con colores planos o
degradados, con puntos, opacos, del mismo color que el borde, pueden ser también a
modo de sombra paralela, llegar hasta el suelo, etc.
10. Remates, como los serif en las tipografías románicas, son pequeños adornos que no
definen la forma de la letra pero si la estilizan, la compensan o la hacen más estable.
11. Conexiones, son formas que unen unas partes de la letra con otras pero no forman
parte de las letras (a veces si). Su finalidad es entrelazar las letras.
12. Flechas, que las puede haber de muchos tipos. A veces forman prte de la propia letra
y otras solo como elementos aislados o a modo de adorno, a veces salen de las
conexiones y otras de los remates. Otras veces forman parte del fondo, etc.
13. Firma del autor, ya que a veces lo que pone en la pieza no es el nombre del autor,
sino una frase o palabra, por lo que éste estampa su firma para dar a conocer su autoría.

31. 14. Inscripciones que complementan la pieza, como grupos a los que pertenece,
dedicatorias, año, etc. Pueden ir a modo de tag o bien formar un subconjunto de letras
más modesto que el principal.
Puede haber más elementos que conformen una pieza de graffiti, puede que se me
olvide alguno, y, por supuesto, ninguno de ellos es imprescindible a la hora de realizar
una obra.
¿Hacia dónde evoluciona el graffiti? Como toda tendencia artística, el graffiti también
se ve afectado por una evolución lógica que desemboca en muchas y muy diferentes
disciplinas que plantean un nuevo interrogante: ¿Cuando el graffiti pierde su identidad y
pasa a convertirse en otra cosa? En ocasiones no hace falta estar ante una pintada para
afirmar que lo que vemos es graffiti o proviene de un escritor de graffiti.
Haré un rápido comentario sobre algnunas de las desembocaduras de este fenómeno.
Obviamente, no me extenderé mucho en esta exposición, ya que de por sí cada una de
ellas podrían ser objeto de otro trabajo y desvirtuaría la esencia del presente.
1. ARTE (Pintura y escultura)
En ocasiones el graffiti abandona su ubicación habitual pasando a formar parte de otros
soportes como lienzos, tablas, papel, etc. Así como distintos materiales aparte del
aerosol. Abandona su carácter transgresor y espontáneo para convertirse en algo
plástico, por lo que la experimentación con formas, colores y soportes desvirtúan, a
veces casi por completo su identidad.
En el ámbito de la pintura, se parte de los tradicionales bocetos en papel previos al
desarrollo de una pieza, los cuales se van haciendo más complejos hasta dar el salto a
otros soportes (lienzos, cartones, tablas...). Así, lo que empezó como un boceto de guía
a una obra definitiva, se convierte en una obra final.
Las aplicaciones en este género hacen que muchos escritores de graffiti conviertan esta
habilidad en un modo de ganar dinero, ya sea por su talento con el dibujo (trabajando
como ilustradores), en sus ideas (como diseñadores), en su técnica (pintura mural o
rótulos) o en su vocación como artistas (exponiendo y vendiendo obras).
En el campo de la escultura, mucho escritores encontraron otras formas de
representación en sus diseños. Escritores de model pastel, como por ejemplo Daim,
comenzaron a trabajar esculturas con su nombre. El graffiti aquí piere sus soportes y
ubicaciones tradicionales, pero aún conserva su estética y su autoría. Nos encontramos
con obras de todo tipo en todo tipo de materiales: madera, piedra, cartón, escayola, y un
largo etcétera.
2. PUBLICIDAD (Diseño, carteles, pegatinas e intervenciones)
Basándose en la función publicitaria de captar la atención, el graffiti adopta diversas
técnicas y recursos publicitarios para hacer efectiva su intención.
Se empiezan a utilizar las pegatinas como soporte rápido y efectivo. Permite una mayor
elaboración y un menor riesgo en su puesta en escena. Las pegatinas más conocidad son

32. las americanas a modo de tarjeta de visita en las que figura una banda en la parte
superior en la que se cita: "Hello, mi name is (Hola, mi nombre es)" en las que un
espacio inferior en blanco permite plasmar el tag o el dibujo de su autor. No sólo esto,
las pegatinas evolucionaron hasta impresiones a un color o varios colores con y distintos
tamaños con diseños totalmente personalizados de sus autores, permitiendo una lucha
por destacar entre ellos.
La aparición de los diseños de escritores en carteles les hizo dar el salto a formatos cada
vez más grandes. El soporte puramente publicitario se convierte ahora en el arma de los
escritores de graffiti, abaratando costes y ganando visibilidad y rapidez en su ejecución.
Des taca en este género los carteles y diseños de OBEY GIANT, quién aparte de su
ciudad de origen, Los Ángeles, ha inundado medio mundo con sus carteles
representando el rostro de André el gigante.
Por último expondré algunos de los innumerables ejemplos de otra de las vertientes en
las que han desembocado algunos escritores de graffiti: Las intervenciones urbanas, que
como su nombre indica, se refiere a la colocación de elementos interactuando con el
paisaje urbano. Aquí, la esencia del graffiti se reduce de tal manera que el único factor
que asocia las intervenciones urbanas con él es su emplazamiento -la calle- y su
procedimiento -la ilegalidad- aparte del anonimato de su autor. Los materiales y las
formas son muy dispares: Siluetas en papel pegadas sobre señales de tráfico, plantillas
pintadas a spray sobre una pared, troquelados en cartón pluma pegados en cualquier
superficie, formas con pincel y pintura directamente sobre el suelo urbano, azulejos
pequeños a modo de mosaico, y un sinfín de técnicas alternativas a los rotuladores y el
aerosol.
Desde la incorporación de algunos escritores de graffiti a alguna de estas nuevas
tendencias, ns encontramos con que estas acciones ya no atraen sólo a gente proveniente
de este arte callejero. La intencionalidad artística y el conceptualismo a veces intelectual
de algunas de estas acciones, hacen que gente ligada al mundo del diseño, el arte o la
música, incluso activistas políticos vean en estos medios de expresión un medio para
manifestar sus inquietudes. Por tanto es difícil discernir y diferenciar en ocasiones si el
autor de estas obras lleva en sus adentros el afán de los escritores de graffiti por dejar su
nombre de manera anónima demostrando su estilo o conlleva una preparación y
meditación artística de la que se expera su posterior reconocimiento en una exposición.
En el fondo no hay duda. Si nos encontamos con una firma en una pared que nada tiene
que ver con una rúbrica ni la caligrafía personal de alguien, si nos encontramos con
unas grandes letras que nada tienen que ver con un rótulo comercial, si vemos una
pintada con estilo en un lugar que no debiera, no dudemos, seguramente eso si sea
graffiti.
Enlaces
A continuación enumero una serie de enlaces a páginas web relacionadas con algunos
de los contenidos que aparecen en este trabajo, generalmente de graffiti, aunque también
a otras disciplinas también citadas en relación con él o simplemente páginas de interés.
Se recomienda usar los links de las mismas, ya que la lista que podría exponer es
infinita.

33. También cito a modo de bibliografía algunos libros y sus editoriales para un estudio
pormenorizado o como referencias de simple interés en el fenómeno.
Art crimes
Amplio portal de graffiti donde pueden verse piezas y murales de escritores y crews de
todo el planeta. Destaca el amplio menú de secciones de ciudades estadounidenses de
las que poco se conoce.
http://www.graffiti.org/
Cerebros líquidos
Página de este colectivo entre cuyos miembros se encuentran los autores de esta historia
del graffiti. Se muestran trabajos en diferentes disciplinas, graffiti, diseño, ilustración,
demostraciones y exposiciones así como su fanzine.
http://www.cerebrosliquidos.com/
Seen
Página personal de este mítico escritor de graffiti neoyorkino de los años 70 que sigue
activo hoy en día. También incluye trabajos de tatuaje realizados por él.
htpp://www.seenworld.com
Subway out laws
Mucho graffiti old school en trenes y pared catalogados por secciones: tags, throw ups,
outlines, entrevistas...
http://www.subwayoutlaws.com/
Kent
Página personal de este escritor de graffiti alemán con un diseño muy trabajado y
numerosas secciones: Muros, bocetos...
http://www.klarkkent.de/
Can 2
Página personal de este escritor alemán. Con un original y cuidado diseño nos presenta
sus piezas, murales, etc. También dispone de tienda on line con diseños personalizados.
http://www.can2.de/
Bates y Great
Página compartida por estos dos míticos artistas de graffiti de Dinamarca con secciones
separadas de piezas, bocetos , descargas y diseños exclusivos.
http://www.greatbates.com/
Positivos
Portal de Hip Hop en general, aunque con mucho graffiti, entrevistas, exhibiciones,
artículos... En español.
http://www.positivos.com/
Urban discipline
Página que recoge el trabajo de esta exposición colectiva de escritores de graffiti y sus
trabajos en otras disciplinas como diseño, ilustración, arte... Escritores de todos los
rincones del planeta, con muchas página personales de muchos de ellos.
http://www.urbandiscipline.de/
Graffiti old school Madrid
Página con algo de historia del graffiti en Madrid. Incluye entrevistas y fotos de tags,
muros, metros...
http://www.iespana.es/madridoldschool/
Obey Giant

34. Página de este artista de Los Ángeles que ha inundado medio mundo con sus carteles,
apareciendo en video clips, películas, videojuegos...
http://www.obeygiant.com/
Aerovicio
Graffiti de los años 90 en Barcelona, Dae, Wem y Ceo...
http://aerovicio.atwebpages.com/
-Barcelona 1000 graffitis. Rosa Puig Torres (2005). Gustavo Gili.
-Subway Art. Martha Cooper y Henry Chalfant. Thames & Hudson.
-Spray Can Art. Henry Chalfant y James Prigoff. Thames & Hudson.
-Los Graffiti (edición en castellano). Craig Castleman. Hermann Blume.
-Style: Writing from the underground. Stampa Alternativa/IGTimes.
-The Art of Gettin' over. Stephen Powers. St. Martin Press.
-Madrid graffiti. Fernando Figueroa y Felipe Gálvez. Megamultimedia.
-Futura. Andrew Holmes & James Lavelle. Booth-Clibborn Editions.
-Graffiti Art. Schwarzkopf & Schwarzkopf.
http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/02prologo.html