1. QUE ES BARROCO?
El Barroco fue un período cultural que se desarrolló a comienzos del siglo
XVII en Roma, Italia. Generalmente, se le sitúa entre el Renacimiento y el
Neoclásico. Ha sido considerado por muchos autores como el arte de la
contrarreforma o del absolutismo europeo, pero también se afirma que es
un conjunto de tendencias desarrolladas en la época, sin estar
necesariamente vinculadas a ningún gobierno o religión. A pesar de haber
sido, en algún momento, un término peyorativo, el estilo Barroco hoy se
admira por haber producido grandes obras en pintura, escultura,
arquitectura, música y literatura.
CARACTERISTICAS GENERALES
El Barroco es una época contrapuesta al Renacimiento que destaca
por un siempre presente sentimiento de desconfianza, pesimismo y
desengaño. Estas son algunos aspectos de esta época en materia social,
cultural, artística y literaria:
Aspectos Políticos: Felipe II, Felipe III, Felipe IV, Carlos II
 Despreocupación y debilidad de los monarcas y dirección de la nación
por ineficaces validos
 Corrupción
 Bancarrota del estado
Aspectos Sociales
 Caída demográfica: guerras, hambre, migraciones a la periferia y
América
 Estructura social: nobleza privilegiada pero inoperante
(concentra la riqueza pero no la invierte en industria)
 La burguesía no tiene suficiente dinero para crear industria
 Empobrecimiento general y fuertes subidas de impuestos
=> contraste de la gran pobreza del pueblo con el lujo en la corte
Aspectos Económicos
 Contraste pobre <=> rico
 Reducción de los beneficios de las colonias
 Escasez de mano de obra
 Aumento de la mendicidad (pícaros, vagabundos, ladrones, ...)

2. => Pesimismo, escepticismo y desengaño
=> Para superar este sufrimiento: gran deseo de goce / idealización de la
vida / tendencia a la exageración / búsqueda de la perfección y el
retorcimiento / contrastes (técnica del claro-oscuro)
Renacimiento: HUMANISMO IDEALIZADO
Barroco: HUMANISMO VITALISTA (individualidad e historicidad de los
hombres en primer plano)
PINTURA BARROCA
-Abarca todas las manifestaciones del espíritu y vida del siglo XVII, desde
finales del siglo XVI, la sociedad atraviesa por una honda crisis que afecta
la vida entera del hombre europeo, tiñéndola de angustia e inseguridad, se
habla de una crisis económica, política, social y moral, hay mucha
desigualdad social, intransigencia religiosa, guerras sucesivas. El siglo
XVII es más racional y científico con respecto al siglo XVI, ya que durante
el renacimiento se había centrado la actividad del hombre en su
sensibilidad artística y en la unidad de una fe religiosa ardorosamente
defendida (Reforma y Contrarreforma), y en el estudio y el pensamiento
humanístico. Este entorno de crisis afecta y da un sello característico al
Barroco.
-La acumulación de objetos es también una característica de ésta época,
en la decoración y en cuanto a la pintura el claro - oscuro es el principal
sello barroco.
-El artista que mejor representa este estilo es, Caravaggio, pintor italiano,
quien utilizaba el naturalismo tenebrista, que se cultiva en el Barroco
italiano. El Realismo era también muy utilizado por los artistas de la época.
-Existieron también otros maestros barrocos, como los Holandeses
Rembrandt, Vermeer de Delf, Hals; así, es el momento del triunfo del
bodegón, el paisaje y la pintura de género.
-En cuanto al retrato existen dos vertientes: la intimista, que recoge la labor
cotidiana de un personaje de la casa, género muy cercano a la pintura de
costumbres; éste es el caso de Vermeer de Delft, quién retrata siempre a
mujeres haciendo algo dentro de una habitación, con un mapa y una silla
comúnmente presentes en varias de sus obras. La otra vertiente es la del
retrato de grupo, encargado por cofradías de profesionales o gremios,
como sería el caso de la famosa Lección de Anatomía de Rembrandt. No
puede omitirse al famoso pintor Pedro Pablo Rubens, quien con sus

3. bodegones exuberantes, sus escenas picantes, su alegría de color en los
cuadros religiosos, gustaron mucho en la Corte española.
-Existe otro estilo nombrado como final del Barroco, hablamos del Rococo.
-El Rococo se sitúa característicamente en Francia, en la corte francesa y
en sus suntuosas y grandiosas fiestas en el palacio de Versalles, mientras
el pueblo se moría de hambre. Es la época de la frivolidad, vanidad y
trivialidad.
-Los temas utilizados mayormente son las escenas cortesanas, pastoriles,
temas mitológicos y venus, donde todo es paz, amor y tranquilidad.
Son artistas de la época Fragonard, Bateau y Boucher, los tres franceses.
ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca es un período de la historia de la arquitectura
europea que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generó
en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados del siglo
XVIII por los Estados absolutistas europeos.
El término Barroco, derivado del portugués "barru", "perla de forma
diferente", se utilizó en un primer momento de forma despectiva
paraindicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. La
característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de
composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como
figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se
intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la
escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y
exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían
encargado.
En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regiones
de la Europa septentrional se produjo un movimiento más racionalista
derivado directamente del Renacimiento que se denominó Clasicismo
barroco. A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia un
movimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y se
basaba fundamentalmente en las artes decorativas que se
denominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa.
Contrariamente a las teorías según las cuales el movimiento barroco surgió
a partir del Manierismo, fue el Renacimiento tardío el movimiento que
acabó desencadenando en último término el Barroco. De hecho, la
arquitectura manierista no fue suficientemente revolucionaria para
evolucionar radicalmente, en un sentido espacial y no sólo superficial, a

4. partir de los estilos de la antigüedad a los nuevos fines populares y
retóricos de la época del contrarreformismo.
Ya en el siglo XVI, Miguel Ángel Buonarroti había anunciado el Barroco de
una forma colosal y masiva en la cúpula de la Basílica de San
Pedro de Roma, así como las alteraciones en las proporciones y las
tensiones de los órdenes clásicos expresados en la escalera de acceso a
la Biblioteca Laurenciana deFlorencia, del mismo autor, y la enorme
cornisa añadida al Palacio Farnese. Estas intervenciones habían suscitado
diversos comentarios en su época por su brusca alteración de las
proporciones clásicas canónicas. No obstante, en otras obras Miguel Ángel
había cedido a la influencia manierista, por lo que fue sólo tras el fin del
Manierismo cuando se redescubrió a Miguel Ángel como el padre del
Barroco.
El nuevo estilo se desarrolló en Roma, y alcanzó su momento
álgido entre 1630 y 1670; a partir de entonces el Barroco se extendió por el
resto de Italia y de Europa, mientras que en el siglo XVIII Roma volvió de
nuevo al Clasicismo siguiendo el ejemplo de París.
La influencia del Barroco no se limitó al siglo XVII; a principios del siglo
XVIII se desarrolló el estilo denominado Rococó, que no siendo una pura
continuación del primero podría ser considerado como la última fase del
Barroco.
Difusión de la arquitectura barroca en el siglo XVII
En la España peninsular, la afirmación del Barroco se encontró con las
dificultades debidas a la decadencia económica del reinado de Felipe III.
En la segunda mitad del siglo XVI, Felipe II había mandado construir el
importante complejo del Monasterio de El Escorial, construido en su mayor
parte según el proyecto de Juan de Herrera (1530-1597). A Herrera se
debe también el proyecto de la Catedral de Valladolid, en el que se
refuerza el concepto del eje central y que sirvió de modelo para la Catedral
de México.
Progresivamente, la arquitectura española del siglo XVII fue evolucionando
hacia el estilo barroco, aunque no dejó grandes ejemplos significativos. La
mayor parte de las influencias barrocas fueron recogidas de forma
exclusivamente decorativa, especialmente en las iglesias. Este lenguaje,
que resultaba rápidamente comprensible incluso para el segmento de la
población menos instruido, fue exportado con éxito a las colonias
americanas.

5. Entre los edificios religiosos más importantes del siglo XVII en España
puede destacarse la Colegiata de San Isidro en Madrid, iniciada en 1629,
la iglesia de Santa María Magdalena de Granada(iniciada en 1677 con
planta longitudinal derivada de los edificios con esta disposición de
la Antigua Roma) y la Capilla de Nuestra Señora de los
Desamparados en Valencia, de planta elíptica.
Francia
La arquitectura barroca francesa es sobre todo palaciega, y en cuanto a su
exterior, de composición en general muy clásica. Asimismo, las tres claves
de la arquitectura barroca francesa serán la sobriedad, la armonía y la
claridad.
Es una arquitectura principalmente al servicio de la monarquía absoluta,
especialmente a la persona de Luis XIV, el “Rey Sol”, quien tomó el palacio
de Versalles como expresión de su poder y de su propia persona,
convirtiéndose así en el prototipo de residencia áulica del príncipe absoluto.
El monarca es el astro rey, de quien emana toda la sabiduría, toda la luz, y
con su gloria ilumina a toda Francia. Este mensaje está claramente
presente en la disposición de salones (el dormitorio de Luis XIV ocupa el
centro del palacio y está dispuesto exactamente sobre el eje este-oeste,
los salones de estado están dedicados cada uno a una divinidad romana, o
lo que es lo mismo a un planeta, etc), así como en la fuente de Apolo; cuyo
carro tira del sol, el cual, al estar la fuente mirando hacia el este, parece
que va a emerger del agua. Muy pronto, el palacio y la ciudad que surgirán
en Versalles se convertirán en un suntuoso signo de propaganda política y
escenario de un sinfín de extravagancias y derroches.
Inicialmente, Versalles había sido un pequeño pabellón de caza construido
por Philibert Le Roy por mandato de Luis XIII, quien quedó prendado de la
belleza de aquel paisaje. Su transformación barroca va a seguir un proceso
escalonado que coincide con el año 1661 en que empezaron los nuevos
trabajos de ampliación acometidos por el arquitecto Louis le Vau, quien
había maravillado al monarca demostrando su maestría en la construcción
del Chateau de Vaux Le Vicomte. Hasta el momento Luis XIV convirtió
Versalles en escenario de sus fastuosas fiestas, las cuales conllevaban
también grandes inconvenientes, dado que se habían de desplazar miles
de personas y además no había espacio suficiente para alojar a toda la
corte. Sin embargo 1668 versalles es aún una mansión en el campo a la
que Luis XIV se retira frecuentemente en compañías femeninas y con sus
más allegados. Este año Le Vau inicia una segunda ampliación en la que el
palacio es literalmente envuelto por un edificio de influencia barroca

6. italiana, orientado hacia los jardines. Inicialmente este "envoltorio" que
rodea el palacio primitivo se encuentra en su punto central unido por una
gran terraza. Sin embargo, el incierto clima del Île-de-France hace ver lo
poco práctico que resulta este gran espacio abierto, por lo que en su lugar
se construye la suntuosa Galería de los Espejos. En 1682 Luis XIV expresa
su deseo a su superintendente de finanzas Jean Baptiste Colbert, de
trasladar la corte a Versalles, es decir, unas 4000 personas entre príncipes,
sirvientes, ministros y demás cortesanos. Ello requerirá una obra colosal.
Inglaterra
Los estudios de arquitectura realizados en Italia por el escenógrafo Inigo
Jones y el joven Earl of Arundel constituyeron un impulso inicial que abrió
paso a una reorientación fundamental de la arquitectura inglesa, que
seguía atrapada en las formas tardomedievales y manieristas. The Queen's
House, en Greenwich, pone de manifiesto el brusco cambio de tendencias.
El palacio de la reina consta de dos bloques rectangulares unidos entre sí
por un puente, conectándolo con el que fue el Greenwich Hospital, hoy
conocido como la Old Royal Naval College, declarada Patrimonio de la
Humanidad por la UNESCO. Sobre la planta baja almohadillada se levanta
el piano nobile, la planta noble, que se abre al jardín mediante una amplia
galería con columnas dóricas. Aparte de Jones hubo muy pocos
arquitectos de renombre en este periodo, pero entre ellos cabe citar a
Isaac de Caus, que erigió Wilton House, con sus elegantes y fastuosas
estancias en forma de caja denominadas The cube y The Double Cube.
Sin duda si hay un arquitecto inglés que destaque por la maestría de sus
obras ese es Sir Christopher Wren, quien consiguió imponer en Inglaterra
el clasicismo de cuño romano. En 1666, tras el gran incendio de Londres,
se le convocó junto con sus colegas para presentar propuestas destinadas
a la reconstrucción y urbanización de la que era una de las ciudades más
pobladas de la tierra. La impresionante catedral de Saint Paul, cuya silueta
es inconfundible en el horizonte de la ciudad, y 51 iglesias más son obra
del maestro Wren. También la ampliación del palacio de Hampton
Court por orden de Guillermo II de Orange fue llevada a cabo por el mismo
entre los años 1689 y 1692.
John Vanbrugh y Nicholas Hawksmoor otorgaron al estilo de Wren unas
dimensiones aún más monumentales y sobre todo más pintorescas y
teatrales. A partir de 1699 tuvieron a su cargo la construcción del
imponente Castle Howard al norte de Yorkshire. El recinto entre cour et
jardin (entre patio y jardín) consta de un ala de aposentos similar a un
corredor en cuyo centro destacan el salón abierto al jardín y la gran sala

7. cuadrada abierta al patio. En 1715 y 1717 respectivamente publicaron los
dos volúmenes del Vitruvius Britannicus, con grabados de edificios
británicos clásicos y la traducción de los Quatro libri
dell'architettura de Andrea Palladio, lo que provocó un nuevo cambio
revolucionario: El neopaladianismo. Esta tendencia tenía como objetivo un
retorno a las "reglas nobles y verdaderas" de la Antigüedad tal y como las
habían interpretado Palladio e Inigo Jones. El principal portagonista de este
movimiento fue Lord Burlington, experto en arte que con su Chiswick
House creó un edificio de asombrosa semejanza con las obras de Palladio.
Por último cabe destacar otras hermosas obras del barroco británico que
se materializan en la residencia de los Duques de Devonshire, conocida
como Chattsworth en Derbyshire, Inglaterra, de la mano del
arquitecto William Talman en 1694; sin olvidar claro está el
monumental Blenheim Palace construido en 1710 por el antes
mencionado John Vanbrugh, para el duque de Marlborough de parte de
la Reina Ana.
Tenebrismo
El estilo llamado tenebrista no es más que una aplicación radical del
claroscuro, por la cual únicamente las figuras temáticamente centrales
destacan iluminadas de un fondo generalizadamente oscuro. Se ignora si
por influencia de Caravaggio o por un desarrollo paralelo, el estilo cobraría
mucha relevancia en la pintura española de finales del siglo XVI y
comienzos del XVII, a partir de la obra del catalán Francisco Ribalta.
Ribalta emplearía el color y la luz para dar volumen a las figuras, y para
destacar los protagonistas en sus frescos religiosos, algunos de gran
belleza; talentoso maestro, su estilo influiría en el de su hijo Juan Ribalta,
fallecido tempranamente, y Vicente Castelló. Indirectamente pesaría
también en Zurbarán y en el más destacado de los tenebristas españoles,
José de Ribera; este último llevaría a su madurez el estilo, empleando los
volúmenes ensombrecidos para reforzar el horror y crueldad de los temas
Uno de los grandes pintores españoles, fue sin duda Tomas Riba, que fue
rey durante casi cien años.
Naturalismo (arte)

8. Naturalismo en el arte se refiere a la representación de objetos realistas en
un ambiente natural. Naturalista es el arte que presta atención a detalles
muy precisos y apropiados, y que retrata las cosas tal como son.
El movimiento realista del siglo XIX defendía el naturalismo como reacción
a las representaciones estilizadas e idealizadas del Romanticismo, pero
muchos pintores han adoptado un enfoque similar a lo largo de los siglos.
El naturalismo comenzó a principios del Renacimiento, y se desarrolló más
aún durante el Renacimiento, como ocurre con la Escuela florentina. Lo
mismo que en literatura se distingue entre realismo y naturalismo, así
ocurre en el campo de la pintura, para caracterizar la obra de algunos
pintores que presentaban algunas diferencias respecto a los realistas,
como la preferencia por los temas campesinos y obreros, en lugar de
temas históricos. Suelen pintar lienzos de gran formato en el que lo
principal es la figura humana, más que el paisaje. Una parte importante del
movimiento naturalista radica en su perspectiva darviniana de la vida y su
creencia en la futilidad de los esfuerzos humanos contra las fuerzas de la
naturaleza.
La Escuela Sevillana
Sevilla fue centro productor de pintura de primer orden debido a tres
factores:
En el siglo XVI es una ciudad abierta a todo tipo de intercambios y con una
situación económica favorable.
Como proveedora de América, requirió continuos envíos de obras.
Demandó a un gran número de artistas, muchos de ellos extranjeros, que
propició una excelente comunicación con los grandes centros creativos de
pintura de Italia, Alemania y Flandes.
La pintura que se realizaba a finales del siglo XVI repetía modelos y
esquemas inspirados en estampas manieristas de pintores italianos y
flamencos, cuyo máximo representante fue Pacheco.
El pintor Roelas, formado en Venecia, sería uno de los introductores de la
observación directa de la naturaleza y el colorido cálido propio de esta
escuela italiana. Ejecutaba sus obras con gran agilidad y valentía técnica,
predominando la mancha de color y un interés por los tipos populares, que
provocará las críticas de Pacheco, aduciendo falta de decoro y exceso de
celo en la reproducción de lo cotidiano.
A Roelas le seguirá Herrera el Viejo que ahondará en el naturalismo,
dando a sus personajes religiosos un aspecto más verosímil y una técnica
pictórica cada vez más libre.

9. La iluminación es un elemento esencial en la pintura sevillana. Se resaltan
las figuras y los objetos con una luz potente en contraste con un fondo
oscuro. Es una de las novedades introducidas porCaravaggio y José de
Ribera El Españoleto, cuyas obras llegan a Sevilla influyendo en Pacheco,
Zurbarán, Alonso Cano y en la primera época de Velázquez.
Esculturas bernini
En sus primeras obras Bernini respetaba fielmente los cánones clásicos, a
la vez que se observaba la influencia manierista de su padre. Sin embargo,
su estilo muestra una evolución en los cuatro grupos Borghesianos, donde
aparece con fuerza la creatividad del artista.
En estas composiciones el artista plasma el momento culminante del
drama, mostrando la gracia y la expresión de los personajes. Pero sobre
todo, lo que fascina de estas obras es el virtuosismo, la naturalidad, el
efecto de materialidad y de claroscuro. Por otro lado, resulta novedosa la
relación de las esculturas con el espacio circundante, ya que están
concebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para ser
rodeadas y vistas desde cualquier ángulo.
Como ejemplo de su maestría con la piedra, durante los trabajos del busto
de Scipione Borghese, apareció un defecto en el mármol. Borghese aceptó
no posar durante varios días, ignorando que en ese tiempo esculpiría un
busto idéntico desde cero.
 San Lorenzo de la Retícula (Martirio de San Lorenzo) (1614-1615) -
Mármol, 66 x 108 cm, Colección Contini Bonacossi, Florencia
 La Cabra Amaltea (1615) - Mármol, Galería Borghese, Roma
 San Sebastián (h. 1617) - Mármol, Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid (depósito de la sociedad Omicron)
 Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) - Mármol, altura 220 cm,
Galería Borghese, Roma
 Rapto de Proserpina (1621-1622) - Mármol, altura 295 cm, Galería
Borghese, Roma
 Apolo y Dafne (1622-1625) - Mármol, altura 243 cm, Galería Borghese,
Roma
 David (1623-1624) - Mármol, altura 170 cm, Galería Borghese, Roma
 San Longino (1631-1638) - Mármol, altura 450 cm, Basílica de San
Pedro, Ciudad del Vaticano

10.  Busto de Scipione Borghese (1632) - Mármol, altura 78 cm, Galería
Borghese, Roma
 Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) - Mármol, altura 70 cm, Museo
Nacional del Bargello, Florencia
 Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) - Mármol, Museo del
Louvre, París
 La Verdad (1645-1652) - Mármol, altura 280 cm, Galería Borghese,
Roma
 Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) - Mármol, capilla Cornaro, Santa
Maria della Vittoria, Roma
 Daniel y el león (1650) - Mármol, Santa Maria del Popolo, Roma
 Busto di Francesco I d'Este (1650-1651) - Mármol, altura 107
cm, Galería Estense, Módena
 Constantino (1654-1670) - Mármol, Palacios Pontificios, Ciudad del
Vaticano
 Habacuc y el ángel (1655) - Terracota, altura 52 cm, Museo
Sacro, Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano
 Busto de Luis XIV (1665) - Mármol, altura 80 cm, Museo Nacional de
Versalles, Versalles
 Ángel con la corona de espinas (1667-1669) - Mármol, tamaño mayor
que el natural, Sant'Andrea delle Fratte, Roma
 Busto di Gabriele Fonseca (1668-1675) - Mármol, más grande que el
natural, San Lorenzo in Lucina, Roma
 Luis XIV a Caballo (1669-1670) - Terracota, altura 76 cm, Galería
Borghese, Roma
 Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674) - Mármol, capilla
Altieri-Albertoni, San Francesco a Ripa, Roma
Caravaggio
En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte,
Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia
romana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este
encargo fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo,
entregados en 1600. El tenebrismo se mostró una vez más en estos
trabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional.
Fue criticado por su excesivo realismo y por no usar dibujos preparatorios.
Mientras que algunos de los pintores italianos aclamaron a Caravaggio por
estas obras, que lo encumbraban, siempre desde su punto de vista, como

11. maestro del arte religioso italiano: «Los pintores romanos de la época
fueron sorprendidos grandemente por estas pinturas, principalmente los
jóvenes. Éstos se reunieron en un círculo en torno al pintor, aclamándole
como el mejor artista de la naturaleza y considerando su obra como un
milagro».18 En La vocación de San Mateo, Caravaggio muestra un haz de
luz entrando por una ventana, que expresa simbólicamente la conversión
de Leví en Mateo. Otras alegorías a la redención del cobrador de
impuestos son la bisagra de la puerta sostenida por los ángeles, a partir de
nubes u otros artefactos.
Caravaggio siguió haciendo durante algún tiempo encargos religiosos, en
los que destacaba la muerte en figuras grotescas de martirios,
decapitaciones y asesinatos. Para la mayoría de la gente romana, estas
obras aumentaron la popularidad del pintor, mientras que para algunas
personas les parecía violento y sin el verdadero sentido de la doctrina
católica, por lo que Caravaggio debió rehacer algunas pinturas sin el
sentido violento característico de su obra. La esencia del problema
consistía en que Caravaggio tenía una forma bastante explícita de
representar el dramatismo, visto muchas veces como vulgar.19 Justo en
ese año surgió el primer gran escándalo de su carrera: Caravaggio debía
pintar a San Mateo inspirado para escribir suevangelio, junto a un ángel
que supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas. Pero Caravaggio,
joven y sin experiencia en trabajos religiosos, representó al santo como un
hombre viejo, parecido a un jornalero, con la frente arrugada y sosteniendo
torpemente el libro, como si estuviese cansado. El ángel fue pintado como
un adolescente, casi niño, que llevaba la mano de Mateo cual maestro que
enseña a escribir al alumno. Como era de esperarse, la obra fue rechazada
por el clero y el pueblo, por considerarla una falta de respeto hacia el
santo. Caravaggio debió pintarla de nuevo, ateniéndose a los cánones más
ortodoxos de la pintura sacra. El primer cuadro se conservó, hasta que fue
destruido en el siglo XX.20 De forma similar,La conversión de San
Pablo tampoco fue aceptada, pero otra versión pictórica del mismo tema
bíblico, (La conversión de San Pablo en el camino a Damasco), sí lo fue. La
primera mostraba al santo empequeñecido ante el caballo, lo que no gustó
al pueblo de Roma. Un soldado y Caravaggio discutieron bruscamente por
este tema: «¿Por qué has puesto al caballo en medio y a San Pablo en el
suelo. ¿Es acaso el caballo Dios? ¿Por qué?», a lo que Caravaggio
respondió: «No, pero el animal está en el centro de la luz de Dios».21 Otros
trabajos incluyen El entierro de Cristo, la Madonna de Loreto (también
conocida como Madonna de los peregrinos), Madonna con el niño y Santa
Ana y la Muerte de la Virgen. Las últimas dos pinturas atestiguaron, de

12. forma especial, un recibimiento poco cálido entre el pueblo de Roma.
La Madonna con el niño y Santa Ana, conocida como Madonna dei
palafrenieri fue pintada para un pequeño altar de la Basílica de San Pedro,
sólo permaneció en su lugar dos días, y fue retirada. El secretario de un
cardenal escribió al respecto: «En esta pintura todo es vulgaridad,
sacrilegio y disgusto. Una cosa puedo decir, es un trabajo hecho por un
pintor que no pinta bien, con un espíritu oscuro y que ha estado alejado de
Dios durante mucho tiempo, y también de cualquier otra cosa buena». La
muerte de la virgen, le fue encargada a Caravaggio por un acaudalado
jurista, quien pensaba ubicar el cuadro en su capilla personal, mantenida
por carmelitas. Éstos rechazaron terminantemente el cuadro en 1606, y el
contemporáneo de Caravaggio, Giulio Mancini recuerda que el hecho que
motivo tal rechazo fue que el pintor usó a una reconocida prostituta como
modelo para la Virgen;22 Giovanni Baglione, otro contemporáneo, relata
que otro punto por el que la obra no obtuvo aceptación fue que la virgen
tenía las piernas desnudas.23 —un problema de decoro en cualquier caso—
John Gash, estudiosos de Caravaggio, sugiere que el problema para los
carmelitas era que tenían una visión más teológica que estética, y que por
ello Caravaggio falló al plasmar de manera errónea la doctrina de
la Asunción de María, en específico la idea de que la Madre de Dios no
murió en forma ordinaria sino que fue llevada al cielo. El reemplazo para el
altar fue hecho por uno de los más conspicuos discípulos de
Caravaggio, Carlo Saraceni, en la que mostraba a la Virgen viva y sentada,
al igual que Caravaggio, pero en actitud casi moribunda. Nuevamente
rechazada, en el trabajo que la sustituyó la Virgen ya se veía siendo
llevada al cielo por ángeles. La muerte de la Virgen, fue comprada por el
Duque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para el
monarca Carlos I de Inglaterra. Finalmente entró en la corte francesa
en 1671.
Una de las pocas pinturas de carácter secular y no religioso de aquella
época fue El triunfo del amor, pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani,
miembro del círculo social del cardenal Del Monte. En un diario que data
del siglo XVII, el modelo es llamado «Cecco», en italiano, diminutivo de
Francesco. Posiblemente se trató de Francesco Boneri, artista italiano
activo entre 1610 y 1625, y conocido popularmente como Cecco del
Caravaggio.24 La obra muestra a un Cupido desnudo, cargando un arco y
unas flechas, mientras pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y el
gobierno. El modelo está desvestido, y es difícil aceptar que se trate de uno
de sus siervos. El punto culminante que relaciona esta pintura con las

13. religiosas es la intensa ambigüedad con la que el pintor maneja los
modelos de diferentes posturas, ya sea sacra o profana.