El documento describe la arquitectura barroca del siglos XVII y XVIII. El barroco se caracterizó por efectos de luz y movimiento para sorprender a los fieles y reflejar el poder absoluto de los monarcas. Artistas como Bernini y Borromini crearon obras maestras en Roma con formas curvas y dinámicas. La arquitectura barroca se extendió por Italia, Francia y otros países católicos para glorificar a la Iglesia y a los gobernantes.

1. Republica Bolivariana de Venezuela
Ministerio del Poder Popular para la Educación Superior
Instituto Universitario Politécnico Santiago Mariño
Historia de la Arquitectura
Cabimas-Zulia
Br: Josmaglin Dominguez
Br: Christianny Carrasquero

2. Arquitectura Barroca Siglo XVII y XVIII
El barroco fue un arte enfocado a la legitimación del poder absoluto de los
monarcas y de la Contrarreforma religiosa emprendida por la Iglesia católica.
Nacido en Roma como expresión esencial de la Contrarreforma, se impuso
especialmente en los países católicos, y renovó la iconografía y el arte sacro.
Pero fue también un arte cortesano, que reflejaba el absolutismo de los príncipes
en el fasto de los decorados.
Contrariamente al ideal de serenidad y equilibrio metódicos del
Renacimiento, el Barroco es un arte de una época de crisis, que desconfía de la
inteligencia: quiere sorprender, deslumbrar y llegar hasta los sentidos en una
época en la que se proclama el carácter afectivo de la fe. Lo logra mediante
efectos de luz y movimiento, de formas de expansión que se expresan en
arquitectura por el empleo del colosalismo, de la línea curva y de las rupturas: en
escultura, por la preferencia hacia la torsión, las figuras volantes, los ropajes
tumultuosos; en pintura, por composiciones en diagonal y juegos de perspectiva
y de escorzo. Pero lo esencial es que las diferentes disciplinas tienden a fundirse
en la unidad de una especie de espectáculo cuyo dinamismo y brillo multicolor
son pruebas de su exaltación.
Pero el Barroco es también es una vuelta al naturalismo del Renacimiento,
abandonado durante el Manierismo. En este sentido, el Barroco enlaza
nuevamente con el clasicismo del Renacimiento y lo prolonga hasta la Edad
Contemporánea.

3. CARACTERÍSTICAS GENERALES.
Mientras en el Renacimiento y en el siglo XVI el hombre tenía una confianza ilimitada en sus propias
fuerzas, en el Barroco y en el siglo XVII el hombre pierde la confianza en su capacidad y surge en el arte
el tema del desengaño: es una época de crisis política, social, demográfica, económica y religiosa.
En esta época, en los países católicos culmina la Contrarreforma religiosa y predomina el
Absolutismo político.
El arte y la Contrarreforma.
El arte religioso al servicio de la
Iglesia católica debe deslumbrar a los fieles
con la fastuosidad y espiritualidad de sus
monumentos y ritos. La iconografía de la
escultura y la pintura sigue las pautas de la
Contrarreforma, con un sentido didáctico de
las vidas de los santos y de la Virgen (la
Inmaculada), el tema de la Eucaristía, las
visiones místicas.
En los países protestantes, en
cambio, el arte se queda al margen de la
Reforma: las iglesias son mucho menos
grandiosas, se elimina la escultura en su
decoración; sobre todo, la pintura es
cotidiana, con retratos, bodegones y
paisajes al gusto de la clientela burguesa.
El arte y el absolutismo.
El arte laico-político sirve y legitima la
monarquía absoluta, que debe impresionar
a los súbditos con la contemplación del
poder y de la gloria del monarca. Esto
explica la importancia del urbanismo de las
capitales, en las que se trazan grandes
avenidas y plazas y se construyen enormes
y lujosos palacios, así como se realizas
obras plásticas que enaltecen al soberano.
En Francia hay un evidente dirigismo
político en el arte cortesano, divergente del
arte barroco religioso (Italia), burgués
(Holanda) o popular. Es en Francia donde el
arte y el absolutismo se funden de modo
más evidente, sobre todo durante el reinado
de Luis XIV (1643-1715), al principio bajo la
regencia de Mazarino.
Mapa de la Europa de la primera mitad del siglo
XVIII.

4. La estética barroca.
Los rasgos estéticos del arte barroco son naturalismo realista, clasicismo, pluralidad gramatical, movimiento y
desequilibrio, interés por el tiempo, contrastes, lujo.
- Naturalismo realista. El arte idealista del Renacimiento no reflejaba la realidad. En el Barroco se impone la
vuelta a lo real, se intenta captar al hombre y a la naturaleza con todas sus imperfecciones. Pintores como
Rembrandt y Ribera prefieren pintar dramáticamente a viejos, santos huesudos que viven y sufren ascéticamente,
Velázquez retrata bufones enanos. Consideran que estas figuras feas existen en la realidad y deben ser
representadas en el arte.
- Clasicismo. Se vuelve a los modelos clásicos de la Antigüedad, denostados por el experimentalismo del
Manierismo. Se cultivan sobremanera los temas mitológicos y alegóricos. En este sentido destaca la arquitectura y la
escultura de Bernini, la pintura serena de Poussin. Pero en Italia más que el modelo clásico se toma el modelo
helenístico, más expresivo.
- Pluralidad gramatical. Conviven varios grandes modelos: en arquitectura el italiano y el francés; en escultura
el italiano y el francés; en pintura el italiano, el holandés y el flamenco, mientras que el español se puede considerar
un modelo independiente.
- Movimiento y desequilibrio. Movimiento y retorcimiento se generalizan en las formas. Es un arte que procura
captar la vida, que es movimiento y no quietud.
- Interés por el tiempo. El hombre barroco contempla con melancolía el paso del tiempo, de ahí la ternura
dolorosa con que plasma el tema de la vejez. La vida es fugaz y el artista capta el momento concreto y lo inmortaliza.
- Contrastes. La luz y la sombra se disputan el dominio de las pinturas y los interiores de los edificios, así como
se resaltan los contrastes entre los primeros planos y los últimos, lo mismo en las pinturas que en las
construcciones.
- Lujo. Para compensar la melancolía del paso del tiempo se destaca la riqueza: las telas costosas en la pintura
o los mármoles de colores en la arquitectura.

5. Periodos:
No hay acuerdo entre los autores sobre los periodos del Barroco. Generalmente se defendió que
habría comenzado hacia 1600, al decaer el Manierismo, y perduró hasta el 1750 o incluso más en
algunos países, hasta el triunfo del Neoclasicismo.
Aunque hay obras de espíritu barroco ya hacia 1570, en la actualidad la tesis más generalizada
data su inicio pleno entre 1600 y 1620, e incluso hay autores que lo atrasan hasta 1630, cuando se
evidencia un entero cambio estilístico respecto al manierismo. Sí hay consenso en que se origina en
Italia y que en unos pocos decenios se extiende por toda Europa, aunque con mayor rapidez en los
países que ya habían recibido antes el Renacimiento.
Habría dos fases:
- Un barroco estructural del siglo XVII.
- Un barroco tardío y decorativo, que impera sobre todo en la primera mitad del siglo XVIII, que
caerá en el exceso, también llamado por algunos autores Rococó.

6. CARACTERÍSTICAS:
Rasgos de la arquitectura barroca son:
- Es una arquitectura grandiosa, de enorme amplitud en los espacios, que se centralizan o alargan
en San Pedro del Vaticano o Versalles, mientras que las cúpulas se levantan.
- El equilibrio de formas, con un modelo italiano que se interesa por el movimiento y la curva,
mientras que el modelo francés, en cambio, se preocupa por la estabilidad y la recta. Pero en ambos el
conjunto es armónico y simétrico, con formas puras como el cuadrado, círculo o triángulo.
- Gusto por los contrastes en el interior, tanto cromáticos como lumínicos, creando claroscuros que
impresionen.
- La decoración impresionante con adornos que cubren las superficies, de creciente lujo y
esplendor, hasta que llega el Rococó, de un exceso delirante.
- La integración de las artes de arquitectura, urbanismo, escultura, pintura, en una unidad, con el
modelo coetáneo de la ópera.
- La contraposición de varias tendencias que se fusionan y contraponen, como ocurre con los
modelos francés e italiano.
- La importancia del urbanismo, en la teoría y la práctica, al servicio del poder, sobre todo en las
plazas públicas.
- El mecenazgo del poder político y religioso de los Príncipes y los Papas, los nobles y los obispos,
que son los grandes clientes y exigen una arquitectura que legitime su poder.

7. ITALIA:
En Italia la capital artística es Roma, con más fuerza aún desde finales del siglo XVI. En Roma en 1585-1590 hay
una profunda reordenación urbana con Sixto V, para hacer de la ciudad una urbe emblemática del catolicismo. Sixto V
justifica el grandioso proyecto de urbanismo en un documento: Roma ha de ser la Santa Sede de Pedro, príncipe de
los apóstoles y sede de la capital de los cristianos, por lo que debe tener la máxima belleza material para significarlo.
Se derriban barrios enteros, se abren anchas avenidas, se colocan edificios monumentales y obeliscos egipcios en los
hitos. La escenografía urbana y la fiesta son parte fundamental de la vida en la época. El palacio italiano se articula a
partir del cortile integrado en el conjunto del edificio.
En la arquitectura religiosa hay una variada tipología:
- Basilical.
- Planta elíptica: doble circunferencia interrelacionada.
- Centralizada.
- Doblemente centralizada: se pondera el eje de continuidad de la tradición basilical e insiste en la extensión a
través de capillas.
Bernini
Es el artista más importante y completo del barroco italiano del siglo XVII.
Bernini fue en el barroco como Miguel Ángel en el Renacimiento: decorador,
urbanista, pintor...
Bernini fue el artista preferido por los Papas. En sus obras se resalta el
triunfo de la Iglesia Católica. Tiende a espacios centrífugos (volcados hacia
fuera).
Principales Exponentes y sus Obras:

8. Las construcciones más importantes de Bernini son:
San Pedro del Vaticano: Maderno, Bernini.
Uno de los hitos del Barroco es la continuación de la obra de la catedral de San Pedro, la culminación
de la historia del proyecto en los siglos XVI-XVII, desde Bramante (planta central), Rafael, Peruzzi, Miguel
Ángel (cúpula, volumen exterior, centralización del crucero), Della Porta (que hace reformas).
En 1607 el papa Pablo V decide continuar las obras, pues faltaba la fachada principal. Había entonces
un cuerpo delantero para las bendiciones papales (hacia el exterior), y ya estaba el obelisco. Pero hay un
cambio de gusto artístico en este momento. El concurso de proyectos de 1607 supone la llegada de artistas
de formación tardorrenacentista, que buscaban nuevas fórmulas de experimentación, y por ello el Barroco se
pudo experimentar y consolidar en esta obra.

9. El Baldaquino de San Pedro del Vaticano, por Bernini.
En el interior destaca la decoración, para la que
se usan monumentos funerarios de los papas,
con escalas divina y humana, y el famoso
baldaquino de Bernini, con columnas
salomónicas (fuste retorcido), en 1630-1633, con
una función de decoración estructural que se
relaciona con la cátedra de San Pedro. Este
baldaquino subraya el centro de la iglesia y el
lugar de la cúpula, pero lo hace mediante un
monumento abierto, sin fragmentar la unidad
espacial al permitir la visión a través de sus
columnas.

10. Borromini
San Carlo delle Quattro Fontane (1638-1641) muestra una gran plasticidad, en órdenes en
escala monumental y humana (a veces intermedias), con alveolos. Santa Agnese in Agone tiene
un gran efectismo visual, con cúpula avanza respecto a la fachada hacia la Piazza Navona como
punto de partida para su lectura, con una arquitectura de órdenes que crea los ritmos y el
movimiento en la fachada. Sant Ivo alla Sapienza (1642-1662) tiene una estructura (con sus
volúmenes) que domina sobre la decoración.
Otras obras maestras son las fachadas de Francesco
Borromini (1599-1667) en Roma para San Carlo delle Quattro
Fontane, Santa Agnese in Agone, San Ivo alla Sapienza, con
curvas, contracurvas e interpenetraciones de figuras
geométricas
Francesco Castelli, llamado Francesco
Borromini (Bissone, Suiza, 25 de
septiembre de 1599 - Roma, 3 de agosto de 1667)
fue un arquitecto suizo-italiano, considerado uno de
los máximos exponentes del barroco romano.

11. En el norte de Italia destacan los arquitectos de Turín. Un gran arquitecto piamontés es
Guarini (1624-1683) con la capilla del Santo Sudario.
Filipo Juvara realiza la gran Basílica de Superga (1717-1731) en Turín, con planta barroca
de octógono irregular y un pórtico clásico, con atrio exterior y atrio interior, es una fórmula
mixta de tradición basilical; también realizará el Palacio Real de Madrid (1738-1764,
terminado por Sacchetti). En Venecia destaca el arquitecto Baldassare Longhena, autor de
la espectacular Santa Maria della Salute.
Camillo Guarino Guarini (Módena, 1624 -
Milán, 1683) fue un sacerdote teatino, matemático,
escritor y arquitecto italiano del siglo XVII.
Fue al mismo tiempo estudioso de las matemáticas,
profesor de literatura y filosofía en Mesina, y, desde los
diecisiete años, arquitecto del duque Filiberto de
Saboya. Escribió una serie de libros de matemática en
latín e italiano, entre los que su "Euclides adauctus" es
uno de los primeros tratados de geometría descriptiva.
Capilla del Santo Sudario
Se encuentra en el ábside de la catedral de
Turín en contacto con el Palacio Real. En el cuerpo
cilíndrico insertó tres pechinas que soportan
el tambor donde están las ventanas que se
alternan con nichos convexos; la propia cúpula se
define por costillas que se entrelazan rompiendo la
superficie de la cúpula y de la luz difusa a través
de las numerosas ventanas que emergen
curiosamente al exterior de la estructura, en el que
el tambor está cerrado por una línea sinuosa que
contiene las ventanas. De una gran originalidad es
la culminación en forma de pagoda obtenido por la
disminución gradual de los elementos concéntricos
utilizados. Recientemente, el edificio sufrió graves
daños por un incendio y fue objeto de
una restauración reconstructiva particularmente
difícil.

12. FRANCIA:
El clasicismo domina en este periodo la arquitectura francesa, de tal modo que muchos autores
han rehusado llamarla barroca y prefieren llamarla clasicista. Este modelo clasicista pervivirá hasta el
mismo siglo XIX.
En el reinado de Enrique IV (1598-1610) y la posterior regencia de María de Medicis (1610-
1630) se reconstruye la economía y la sociedad después de las Guerras de Religión, en la
agricultura, industria y administración. En el arte hay un impulso en la arquitectura: reformas urbanas
en París, continuación de las obras en los palacios reales. En pintura y escultura hay la segunda
Escuela de Fontainebleau. El Manierismo tardío se centra en Nancy (Vellange, Callot) y París
(Vignon, Villard).
A continuación se entra en una fase de consolidación del arte cortesano, en los reinados de Luis
XIII (1630-1643) y, sobre todo, Luis XIV (1643-1715), cuando Francia, pese a las crisis y las guerras,
emerge como el país más poderoso y rico de Europa, y su monarquía dedica grandes medios
económicos a una arquitectura grandiosa, que exalte su gloria y su poder político. Los ministros
franceses, Richelieu y Mazarino, más tarde Fouquet o Colbert, son grandes ideólogos del arte oficial,
mecenas del arte áulico, del arte como expresión del poder. Las Academias, controladas por el
Estado, desarrollan un programa artístico al servicio del poder. Por ejemplo, se rechazaron los
proyectos de Bernini, por ser poco espectaculares.

13. Las iglesias.
Sus características generales son la centralización, la simetría, la geometría, pero
ello no impide que se integren influencias barrocas italianas, con líneas más cóncavas
y convexas que en la linealidad rectilínea francesa.
Destacan las iglesias en París de la Visitación, Val-de-Grâce, la Sorbona, Cuatro
Naciones y Los Inválidos.
Caracterizan el espacio barroco francés la simetría y la geometría, la continuidad
y la extensión. Los arquitectos más importantes son Perrault, Lemercier, Le Vau y
François Hardouin Mansart. En Francia la reacción antimanierista es más tardía, pero
más intensa, pues comienza la interpretación francesa de la tradición clasicista
italiana.
La iglesia de la Visitación (1632-1634), de François Mansart (padre de Jacques-
Hardouin Mansart), centralizada, simétrica, pero más cercana al modelo italiano. La
fachada es clásica, con una cúpula enorme, y tiene a un lado un cuerpo de tipología
civil.

14. La iglesia de Val-de-Grâce, de François Mansart (d. 1646), se parece al modelo italiano de Vignola
para el Gesú en Roma, con fachada-retablo, con una cúpula medio oculta. Comienza una fase más
purista y racionalista en la utilización de los elementos del clasicismo, eliminado ya el manierismo.
La iglesia de la Sorbona (1635-1642), de Jacques Lemercier, es de planta basilical, centralización
muy subrayada (con cúpula), con una entrada lateral mayor que la principal (para tener una mejor
perspectiva exterior). La fachada no es representativa del barroco francés posterior debido a su entrada
no simétrica respecto a la planta, que es una licencia extraña.
El Colegio de las Cuatro Naciones (d. 1663), de Louis Le Vau, con simetría, pura geometría (un
elemento muy recurrente en la tradición francesa) y planta central.
La iglesia de los Inválidos, de Jacques-Hardouin Mansart
La iglesia de los Inválidos (hoy tumba
de Napoleón y otros hombres ilustres), de
Jacques-Hardouin Mansart (1679-1691), con
planta centralizada integrada simétrica, con
capillas enormes. Es un eje longitudinal, con
extensión en las capillas. El exterior es de un
clasicismo estricto, con linealidad,
progresión, monumentalidad. Los órdenes
definen los ritmos, con cuerpos de escala
humana.

15. El palacio de Versalles.
En la arquitectura civil francesa el patio controla
la axialidad del edificio, los volúmenes de las salas y
del cuerpo central. En los hoteles (como se
denominan las residencias particulares de la
burguesía) el cuerpo central está al fondo del patio
con alas para los servicios. Mansart construye varios
de estos hoteles, en los que hace un uso muy
personal de la arquitectura de órdenes, con una
decoración austera, en una línea racionalista y
tradicional.
El palacio de Versalles, de Le Vau y Mansart (d.
1667) es el desarrollo monumental del esquema del
palacio renacentista. Realizado para Luis XIV,
concentra todos los recursos de la política
cortesana. Existieron varios proyectos: Legrand,
Bernini, Le Vau y, por último, Mansart. Sigue el
esquema del palacio de Vaux-le-Vicomte, con
cuerpo central y dos alas laterales, destacando la
cámara del rey que jerarquiza todo el espacio.
Los jardines de Le Notre son muy simétricos,
de un geometrismo emparentado con la idea
racional del absolutismo monárquico. El pabellón del
Grand Trianon, de Mansart, de dimensiones más
reducidas, es un ámbito más humano..
Un precedente de Versalles es el palacio de
Vaux-le-Vicomte, construido por Le Vau para el
ministro Fouquet en 1661 y de inmediato éste
celebró una lujosa fiesta en su palacio, con una
fastuosa iconografía del poder, que despertó la
envidia y preocupación del rey y le convenció para
detener a Fouquet y copiar su palacio en Versalles,
pero en tamaño mucho más imponente, repitiendo
su esquema de planta alargada con dos pequeñas
alas en la fachada principal.

16. INGLATERRA:
El barroco tuvo un tímido desarrollo en Inglaterra, ya que fue un estilo propio del papado y las casas reales
italianas y francesas, enfrentados con la Iglesia anglicana inglesa y de la monarquía británica. En Inglaterra hay
una pervivencia de lo clásico, gracias a que Inigo Jones realiza en la primera mitad del siglo XVII una
introducción tardía del clasicismo de Palladio.
Ya en la segunda mitad del siglo XVII aparece el gran arquitecto
Christopher Wren, autor de la catedral de San Pablo (con
altísima cúpula) en Londres y de numerosos templos,
aprovechando la labor de reconstrucción después del gran
incendio de Londres (1666).Ya en el siglo XVIII, Wood edifica
parte de la ciudad balneario de Bath, pero en el estilo del
neoclasicismo.
El Barroco inglés queda anulado por la presencia de Van Dyck.
Se desarrollan nuevos géneros: los bodegones, paisajes,
retratos, cuadros de género o costumbristas. Se enriquece la
iconografía de asunto religioso. El color, la luz y el movimiento,
son los elementos que definen la forma pictórica.

17. Jones, Inigo (1573-1652), primer maestro inglés de la arquitectura y el
diseño, que introdujo en su país los principios clasicistas del
renacimiento italiano.
Jones nació en Londres el 15 de julio de 1573, hijo de un fabricante de
telas. Entre los años 1600 y 1603 visitó Italia, donde aprendió la
arquitectura de la antigua Roma y en especial la versión renacentista
de Andrea Palladio. En 1605 se unió a la corte real inglesa bajo el
mecenazgo de Jaime I, y allí continuó durante el reinado de Carlos I,
trabajando como arquitecto y escenógrafo. En este periodo diseñó
docenas de decorados y vestuarios fantásticos para las funciones
teatrales palaciegas, conocidas con el nombre de mascaradas. En
1615 fue nombrado inspector de obras del rey y comenzó a proyectar
las residencias de la corona. Uno de sus edificios más representativos
es la austera Queen’s House de Greenwich (Londres, 1617). Sin
embargo, su obra maestra fue la Banqueting House en Whitehall
(Londres, 1619-1622). En 1630 comenzó a trabajar en la planificación
del nuevo Londres, para el que proyectó y construyó la plaza de
Covent Garden, incluyendo las fachadas y el templo (en la actualidad
reconstruido). Otro de los proyectos importantes acometidos por Jones
fue la restauración de la vieja St Paul’s Cathedral (1634-1642), una
composición romana que influyó de forma decisiva en el proyecto de
sir Christopher Wren, que reconstruyó la iglesia después del incendio
de Londres de 1666. Su asociación con los realistas le obligó a
abandonar la ciudad en 1642, debido al desencadenamiento de la
Guerra Civil. Sin embargo, fue rehabilitado en 1646 y en 1649
proyectó la Wilton House, cercana a Salisbury. Murió el 21 de junio de
1652 en Londres.

18. Wren, Sir Christopher (1632-1723), arquitecto, científico y
matemático inglés, considerado como la figura más importante
de la arquitectura de su país. Su obra se puede considerar como
una versión depurada del estilo barroco, muy original en cuanto a
diseño y soluciones estructurales. Ejerció una importante
influencia en la arquitectura británica posterior, tanto en el
periodo georgiano como en su versión colonial estadounidense.
Wren nació el 20 de octubre de 1632 en East Knoyle (Wiltshire) y
a los 14 años comenzó a estudiar matemáticas en la Universidad
de Oxford, donde más tarde impartió clases de astronomía. Ya
era un reputado científico y matemático cuando, a la edad de 29
años, decidió estudiar arquitectura. Recibió la influencia de Inigo
Jones, y en 1665 visitó París para estudiar el barroco francés y
conocer a Gian Lorenzo Bernini, uno de los principales maestros
italianos.

19. En la temática religiosa es una
escultura aplicada a la arquitectura, en la
que destacan las tallas de madera. En
Munich destaca Baltasar Permoser.
Destaca también el arte del retrato
áulico al servicio del poder, sobre todo en
Viena, con el escultor Donner.
ALEMANIA:
Alemania es el escenario de la terrible Guerra de los Treinta Años, que desoló la zona, lo que explica
su relativo retraso hasta finales del siglo XVII y principios del XVIII. Domina la influencia de dos modelos,
en general del francés en los palacios y del italiano de Borromini y Guarini en los templos, gracias a las
órdenes religiosas. El Rococó, de extraordinarios efectos recargados, es el estilo dominante en el siglo
XVIII.
En Alemania tenemos en Múnich a los arquitectos Assam, Cuvillés y los Zimmermann. Pero es en la
imperial y católica Austria donde están las mejores obras, con los arquitectos Fischer von Erlach, L. von
Hildebrandt y Neumann. En Bohemia destacan la familia de los Dietzenhofer, con la iglesia de San Nicolás
de Praga. Numerosos palacios, iglesias de peregrinación y abadías muestran la alegría del Barroco
germánico, que llega a los países protestantes de Sajonia (Dresde, con Pöppelmann) y Prusia (palacio de
Sans-Souci en Postdam).
Iglesia San Nicolas de Praga

20. El arte de los hermanos Asam posee la ligereza del rococó
contemporáneo. El esquema de planta central tiene también
cierta afinidad con las rotondas unificadas de Fischer y de
Neumann. Sin embargo, la formación barroca de los hermanos
Asam se percibe aún claramente en el violento dinamismo de
sus altares.
Con Johann Dientzenhofer (1673-1726) la interpretación
bohemia de las ars combinatoria de Guarini se hace elemento
constitutivo del desarrollo del barroco tardío alemán. Activo
igualmente en la construcción de edificios eclesiásticos y
seculares, preparó el camino de la labor definitiva de Baltasar
Neumann.
Mientras San Gall concede aún importancia primordial al
“recorrido” los edificios de Baltasar Neumann (1687-1753) son,
fundamentalmente, organismos de planta central, su tema
fundamental era la rotonda dominante y la gran escalera.
Consiguió por tanto ofrecer una última interpretación básica
tanto de la iglesia como del palacio, lo cual es un hecho raro,
pues la mayoría de los arquitectos de la época se dedicaban
con exclusividad a un tema o a otro. Neumann también
aprovechó en sus soluciones todas las experiencias de diversas
tradiciones, lo cual no significa que adoptara el pluralismo de
Juvarra: su estilo es más uniforme, pero como lenguaje formal
es tan rico que puede materializar cualquier contenido.
Johann Dientzenhofer

21. Distinción entre Barroco y Rococó:
Ha habido varios intentos teóricos de configurar el Rococó como un estilo independiente del
Barroco. El Rococó aparecería en algunos países, sobre todo en Francia e Inglaterra, hacia finales
del siglo XVII, conviviendo cronológicamente con el Barroco durante decenios y dominando hacia
mediados del siglo XVIII en la mayoría de Europa, para enlazar y diluirse con el racionalismo del
neoclasicismo en la segunda mitad del XVIII. La estética rococó se caracterizaría por su creciente
racionalismo, por el cultivo de lo intrascendente y de lo mínimo, de lo decorativo, por academicismo
(algunos autores prefieren el término “academicista” para este estilo) para satisfacer el gusto de la
clientela cortesana y burguesa con un arte mucho menos expresivo, dramático, religioso y
monumental que el Barroco.
Pero no hay un consenso historiográfico al respecto y la mayoría de los autores consideran que
el Rococó no es un estilo propio porque no supone una estética alternativa, sino una exageración y
evolución de los rasgos más decorativos, cortesanos y burgueses del Barroco, lo que parece
evidente al menos en los casos de Alemania, Austria y la misma España, aunque bastante menos
en los de Francia e Inglaterra.
Una conclusión plausible sería señalar que el término Barroco no es un concepto universal y
homogéneo, sino una concepción historiográfica que debe ser continuamente revisada, sin caer en
dogmatismos, y que debemos identificar en su seno profundas diferencias regionales, matices,
evoluciones. En este sentido, el término Rococó podría ser muy útil para referirse al Barroco final o
Barroco tardío y su enlace con los movimientos racionalistas e ilustrados del siglo XVIII en los
países más avanzados.

22. Las características de la arquitectura española son la modestia y las pocas novedades. La pobreza material de
España explica que se utilicen materiales pobres (ladrillo para la estructura, dejando la piedra para las fachadas) y
estructuras falsas (por ejemplo las cúpulas con entramado de madera en vez de piedra como en Roma). Perviven
durante mucho tiempo el modelo herreriano de El Escorial, tan bien adaptado al espíritu de la Contrarreforma, con sus
líneas sencillas y rectas, aunque ahora aparece una libertad completamente barroca. Los edificios, muy austeros en la
primera mitad del siglo XVII, recibirán en la segunda mitad, pese a la pobreza general del país, la influencia de un
hiperdecorativismo.
En España no hay un modelo propio, sino una síntesis de dos modelos, el francés y el italiano, con un dominio del
espíritu de la Contrarreforma, al servicio del poder real: las plazas mayores como grandes escenarios para el poder y la
fiesta barroca. Hay una evolución desde el clasicismo romano al barroco exaltado y expresivo (churriguerismo), y luego
una vuelta al clasicismo, hasta desembocar en el neoclasicismo.
Las fachadas adquieren la máxima importancia pues en ella se suelen volcar los mayores empeños decorativos
mediante numerosas cornisas y columnas griegas, romanas y salomónicas. Por el predominio de los elementos
decorativos sobre los constructivos, se puede afirmar que el estilo barroco más que un estilo de arquitectura es una
forma de decoración arquitectural. Las plantas de los templos también tienden a alejarse de las formas clásicas basadas
en la línea recta, el cuadrado y la cruz y en muchas ocasiones se adoptan plantas circulares, elípticas o mixtilíneas. Esta
libertad en las plantas arquitectónicas permite una mejor adaptación al lugar en que se va a erigir el edificio.
En la arquitectura barroca española destacan autores como José de Churriguera (retablo de San Esteban de
Salamanca), José de Ribera y arquitectos del s. XVIII como Hipólito Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa.
ESPAÑA:

23. Los que más resaltaban por su decoración eran, Las iglesias,
Los palacios, sobre todo el palacio real, por ser la época de las
monarquías absolutas.
También hay que resaltar el interés del barroco por las plazas,
las fuentes, los jardines...Además los arquitectos barrocos no se
plantearon la ciudad de modo operativo.
Los elementos arquitectónicos que utiliza son: Cúpulas que
producen una ilusión de espacio interior.(Por eso las pinturas
que cubren la bóveda se desarrollan en el cielo o en espacios
arquitectónicos imaginarios de inmensas proporciones).
Orden colosal.
Columna salomónica.
La arquitectura herreriana, estilo herreriano o estilo escurialense,
se desarrolló en España el último tercio del siglo XVI,
coincidiendo con el reinado de Felipe II (r. 1556–1598), y
continuó vigente en el siglo XVII, aunque transformado por las
corrientes barrocas del momento. Se corresponde con la tercera
y última etapa de la arquitectura renacentista española, que fue
evolucionando hacia una progresiva depuración ornamental,
desde el plateresco inicial hasta el purismo clásico del segundo
tercio del siglo XVI y la absoluta desnudez decorativa que
introdujo el estilo herreriano.

24. Se originó con la construcción del Monasterio de El Escorial (San Lorenzo de El
Escorial, Madrid) y, más en concreto, con la reorganización del proyecto
realizada por el arquitecto montañés Juan de Herrera (1530–1597), tras la
muerte de Juan Bautista de Toledo (1515–1567), autor del primer diseño
La arquitectura del siglo XVIII aumenta la
tendencia ornamental hasta límites nunca
conseguidos; a este estilo se le
llama Churrigueresco: por el nombre de la familia
con este apellido que produjo mayores obras. Es
una decoración de amontonamiento de formas en
ciertos lugares del edificio –puertas, fachada, etc;
sobresalen por su monumentalidad y
aparatosidad. frente al resto del edificio de líneas
más sóbrias-. Destacan: colegios de Anava y
Calatrava en Valladolid, plaza Mayor de la ciudad
de Salamanca.
churrigueresco

25. Plaza Mayor de Salamanca, de Alberto
Churriguera
Catedrales Virreinales De La Nueva España
Principales Construcciones

26. Ejemplo espectacular de la arquitectura barroca española, la Plaza Mayor
de Salamanca, fue diseñada por Alberto de Churriguera, quien inició las
obras en 1729 y las concluyó a mediados de siglo. Andrés García de
Quiñones fue el encargado de realizar la fachada del ayuntamiento. La
plaza fue levantada, a imagen de otras plazas mayores ya existentes en
Madrid, Valladolid o Córdoba, con el fin de celebrar en su recinto actos
públicos que dieran cabida a un gran número de personas.

27. El estilo Churigueresco
En el siglo XVIII la arquitectura incorpora el modelo francés y evoluciona desde la Contrarreforma a la
Ilustración (casi un neoclasicismo). Destacan entre los arquitectos los tres hermanos Churriguera (José,
Alberto y Joaquín), Casas Novoa, Miguel de Figueroa, Hurtado, Tomé y Pedro Ribera.
José de Churriguera, el más importante de los hermanos, es autor de las iglesias del Nuevo Baztán y
Loeches y de otras obras importantes, en colaboración con sus hermanos Alberto y Joaquín.
Plaza Mayor de Salamanca (1729-1733), de Alberto Churriguera.
Las plazas siguen el modelo anterior y destaca la Plaza
Mayor de Salamanca (1729-1733), de Alberto Churriguera.
Entre las obras religiosas sólo destaca la fachada del
Obradoiro en Santiago (1738), de Casas Novoa.
Narciso Tomé fusiona las tres artes en el Transparente
de la girola de la catedral de Toledo (1732). Pedro Ribera,
tal vez el mejor arquitecto e ingeniero barroco español,
realiza numerosas portadas en Madrid en la primera mitad
del siglo XVIII, como la del Antiguo Hospicio. Los edificios
más emblemáticos son los palacios, que con el relevo de los
Austrias por los Borbones intentan imitar el esplendor de
Versalles.
Destacan de Juvara el Palacio Real de Madrid (terminado por Sachetti) y la fachada del de La Granja
en Segovia (la planta es de Teodoro Ardemans), con sus jardines regulares. El Palacio del Marqués de Dos
Aguas, en Valencia, de Rovira (1740-44) concentra la decoración en el portal y en las ventanas.

28. El barroco vino al continente Americano por medio de los españoles; por lo que
hizo que este alcanzara su mayor expresión durante el siglo XVIII, al mezclarse
con los diversos aportes indígenas. Esta mezcla da origen a un estilo muy
característico que ayuda a enriquecer las fachadas de los edificios debido a su
decoración; denominándose como estilo Ultrabarroco. Este estilo se hizo
totalmente americano al incorporar lo natural a los diversos elementos
decorativos de cada región.
Se desarrolló de una manera más resaltante en México, donde pasa de ser una
imitación del estilo Español a un estilo propio, aportando nuevos elementos
característicos del indígena, lo que hace que el barroco se convierta en un
barroco Hispano-indígena
Las civilizaciones indígenas más importantes del continente Americano, Mayas,
Incas y Aztecas, se ven influenciadas por los españoles, en el momento de su
llegada a dicho continente. Es por eso que México y Guatemala se consideran
como los lugares más importantes donde se desarrolla con mayor importancia
este estilo.
Catedral de México
Catedral Metropolitana.
Guatemala
Transmisión del Barroco al Mundo Americano

29. Las primeras construcciones que se originaron en América, fueron las que recogían
formas renacentistas, pero se mezclaron con los gustos indígenas y dieron origen a
una arquitectura característica del lugar. Así mismo fueron entrando al continente
americano diversos estilos artísticos viéndose cada uno de ellos influenciado, ya que
se desarrollaron de una manera muy distinta que en Europa.
Catedral de Lima
Es en el estilo Barroco donde se da el
mayor apogeo de la arquitectura
hispanoamericana. Durante esta época ya
los españoles eran aceptados y los
pueblos indígenas eran más pacíficos, lo
que hace que la influencia europea se
haya asumido de mejor manera, pero
influyendo siempre en las costumbres y
formas, en todas las obras artísticas;
produciéndose así el llamado
Ultrabarroco, por la exageración de las
formas de dicho arte y de manera muy
especial en las decoraciones.

30. México se caracteriza por conservar construcciones alargadas en cuanto a sus fachadas las
cuales a su vez se encuentra delimitada por dos grandes torres. En estas construcciones son
características las cúpulas sobre tambores octogonales y decoradas con cerámicas vidriadas.
Los colores son otro elemento
importante del barroco colonial
Mexicano, mostrándose a través de la
piedra, el ladrillo revocado en blanco,
la tintura de almagre con un tono de
oxido rojo, el yeso policromado y los
azulejos. Como ejemplo más
característico se encuentra la fachada
de San Francisco de Acatepec, donde
se observa claramente el interior con
ladrillos rojizos alternados con
azulejos.
Otras obras resaltantes de la
arquitectura Mexicana realizada en el
siglo XVIII de ese estilo son:
la Catedral de México, La Capilla
Pocito ubicada en Guadalajara, Iglesia
de Santa María Tonantzintla entre
otras.
" Fachada de la iglesia de
San Francisco de Acatepec

31. Por otro lado, en Perú las fachadas son de menor tamaño al igual que las torres que la enmarcan. Aquí se
emplea muy rara vez la bóveda. Por el contrario son muy usadas las columnas salomónicas inclusive en sus
fachadas. Entre las construcciones más resaltantes se encuentran los conventos con claustros de dos pisos,
donde, en el piso mas alto se dobla el numero de arcos.
En las viviendas particulares se destacan las viviendas con
volados recubiertos con celosías. Las construcciones peruanas y
ecuatorianas poseen perfiles mas bajos debido a los continuos
terremotos que se producían en el sector, es por esta razón
también que se emplean muy rara vez las cúpulas, la cual se
sustituye por una armadura de madera conocida como mudéjar.
Entre las obras más resaltantes se encuentra la iglesia de San
Francisco de Quito, donde se trata de repetir la exuberancia de
su interior en el exterior, así como los Conventos de la
MercedSanto Domingo en Lima, y los de San Agustín o San
Francisco y iglesia San Ignacio en Quito.
Convento de la Merced. Perú
Interior Iglesia de Santa
María Tonantzintla