1. PINTURA BARROCA
EGG IES M de M

2. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA BARROCA
-Predominio del color sobre el dibujo
- La luz define la forma y la sombra lo que no se ve. La luz es real: ilumina unos
objetos y deja otros en penumbra.
- Composición asimétrica y atectónica (sin límite, sin techo: cuando éste existe
pintado simula a su vez un cielo abierto. Esto ocurre por ejemplo en las bóvedas
pintadas).
- Presenta un espacio no limitado: lo representado excede del marco pictórico.
Así lo señalan los escorzos, las diagonales compositivas …)
- Posee gran movimiento: diagonales, contrastes, figuras inestables …
- Es una pintura realista: los personajes, las escenas, los temas, los objetos se
extraen de la vida cotidiana y se presentan tal como son: bellos, feos, pobres,
tristes. No hay que olvidar que el Barroco discurre en un momento de crisis.
- También existen personajes mitológicos
- Aquellos otros personajes que se intentan ensalzar caso de monarcas, validos
o papas también estarán representados.

3. CARAVAGGIO ( Miguel Angelo Meresi)
-Nació en Bérgamo y aprende de Giotto, Massaccio y Mantegna.
- Pinta las cosas tal como las ve y en los lugares en las que las ve:
tabernas, pensiones, en la calle….
- De talante bohemio y visceral estuvo obligado a huir más de una vez
del lugar donde trabajaba. No obstante, esto no supuso un freno a su
reconocimiento y encargos ya que era reconocido por sus
contemporáneos.
- En su obra La Vocación de San Mateo, el tema, Mateo, recaudador
de impuestos del Imperio Romano se halla contando monedas y es
entonces cuando Cristo acompañado por San Pedro irrumpe y le dice
que le siga, se desarrolla en un espacio realista, una taberna, en torno a
una mesa. Parece algo instantáneo, que no está preparado. La
composición es diagonal, al seguir el rayo de luz diagonal que desde un
ventanuco de la derecha ilumina a los personajes. Reparad en los
contrastes: zona baja poblada de figuras y alta sin ellas; estudio
psicológico de los personajes, individualizados en actitudes. Diferenciar
y valorar el tenebrismo,

4. Caravaggio. Vocación de San Mateo. 1598 -1600 Óleo. Iglesia San Luis de los Franceses. Roma

5. PETER PAULUS RUBENS (1577 1640)
-Pintor flamenco. Católico. Representa la corriente católica barroca. Pronto viajó a
Italia por lo que su hacer tiene influencias d ambos países.
- Influencias flamencas gusto por el detalle y por el realismo. Italianas: la
profundidad de atmósfera de Leonardo, monumentalidad y energía de Miguel Ángel
y el tratamiento del color influenciado por la escuela veneciana (Tiziano, Tinttoreto,
Veronés).
- Fue un pintor que vivió bien: tuvo un taller en el que se formaron pintores de la talla
de Van Dyck. Además fue embajador, por lo que vivió en varias ciudades italianas
así como en Madrid con Felipe III y IV.
- Iconografía: relatos mitológicos y religiosos principalmente.
- Composición: gusto por las líneas diagonales, dinamismo, juego de curvas y
tensión.
- Colores: gran empleo de cálidos. Las figuras en grises y azules. Gran fastuosidad
en el color por la influencia veneciana.
- Luz. Influencia de Caravaggio: empleo de recursos para crear un escenario
dramático. Pincelada rápida, enérgica, violenta.
- Gusto por el desnudo femenino en temas mitológicos: no captó la psicología de los
personajes. Los cuerpos serán de carnes blandas y palpitantes.
- Influencias: influyó en Velázquez y en los grandes pintores del romanticismo.

6. Autor: Peter Paul Rubens
Comitente: Abad Matthaeus Yraelius
Título: Adoración de los Reyes
Magos. 1624
Lugar: Koninklijk Museum Amberes
Técnica: Óleo sobre tabla.
Dimensiones: 448 x 346 cm.
Estilo: Barroco flamenco.
Tema religioso al servicio de la Iglesia
Composición abigarrada, casi piramidal
Técnica: Pincelada suelta, importancia
del color, que centra y atrae y de la luz
dada a fogonazos

7. Rubens. La Adoración de los Magos. 1609. Óleo sobre lienzo. 3,46 x 4,88. Barroco
flamenco. Museo del Prado.

8. Autor: Rubens.
Título: Tríptico del Descendimiento.
Cronología: 1612.
Estilo: Barroco flamenco.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Lugar: Catedral de Amberes.
Tema:
Cristo es descendido de la cruz en una
escena compositivamente violenta:, en
aspa, y abierta. Se desprende un gran
dramatismo.

9. Predominio de curvas, de
contrastes, de inestabilidad..
Se aprecia lo dramático de la
acción. La inestabilidad de los
personajes representados incide en
ensalzar el dramatismo del tema.
La luz también incrementa el
dramatismo.
Técnicamente el dramatismo se
consigue con el contraste del color:
la figura de Cristo, blanca, está
rodeada de colores cálidos.
Es una obra que refleja influencias
de Miguel Ángel, Caravaggio y
ejemplifica lo que fue el barroco de
la contrarreforma.
Es una obra en la que están
presentes todas las características
de la pintura barroca.

10. Autor: Rubens.
Título: Las Tres Gracias. 1639.
Estilo: Barroco flamenco.
Técnica: Óleo sobre tabla.
Lugar: Museo del Prado.
Tema: Talia, Eufrosine y Anglae,
hijas de Zeus y Eurymone
representan la belleza que no
necesita esconderse.
Técnica: Los colores se han
realizado mediante veladulas y
adumbración de tonos (con la
pintura aún fresca se dan
pinceladas en blanco aquí y allá)
Así se matizan los colores

11. Composición: Representa un
círculo, pero ondulante, con la
línea de sus cuerpos y la floresta
superior plana.
Luz: Existen contrastes al
presentarse zonas de umbría
como recoge Ovidio. Esta umbría
y juegos de luces genera cierto
misterio que nos recuerda a
Giorgone.
Valoración: Rubens además de
ser un pintor de la contrarreforma
realizó obras mitológicas que le
sirvieron para abordar el tema del
paisaje, como aparece en este
caso, con sus efectos de
penumbra y luz y diversas
cualidades de la vegetación
representada si bien gira en torno
a la figura humana.

12. LAS TRES GRACIAS
1.- Rafael de Urbino. 1504 05
2.- Hans Baldung – Grien. 1539
3.- Boticelli
4.- Nicolás Cordier. 1565 – 1612.
Manierismo
5.- Relieve de la antigüedad

13. Jean - Louis David.
Marte desarmado por
Venus y las Tres
Gracias.
Pintura Neoclásica.

14. Beschey, Jacobus Andreas. Las Tres Gracias. Amberes 1710 – 1786. Óleo
sobre tabla. Museo del Prado. Madrid.

15. REMBRANDT (1606 – 1669) Pintura holandesa.
- Nace en Leyden y se establece en Amberes. Se casó y tuvo un hijo. Pero
enviudó y estableció una relación sentimental con la niñera de su hijo. La sociedad
puritana en la que vivió no le perdonó y de ahí el fracaso en sus negocios. La
muerte de su hijo y de su pareja contribuyeron a unos últimos días de soledad
entre la pobreza y la enfermedad.
- Comparte con los flamencos el gusto por el detalle.
- Es buen retratista: recogía las flaquezas y sentimientos humanos. El mismo se
retrató varias veces. En los retratos grupales se observa la narración de la historia
de la ciudad.
- Las obras religiosas plasman la fe protestante: sentido ético de la vida, íntimo y
nunca teatral como el expresado por la Iglesia Católica.
- Manifestó un gran gusto por las calidades de la materia. La sinceridad y la
veracidad prevalecen sobre la armonía y belleza clásicas: así, la cara de una
anciana, con sus arrugas posee más belleza que una piel tersa anónima.
- Tratamiento de la luz: trata zonas con luz y otras con sombra. Este juego le sirve
para delimitar los perfiles y aportar misterio a las escenas. Inspiró a pintores del
XVIII y en todos los que dieron importancia al color y a las sombras.

16. Rembrandt. Lección de anatomía del doctor Tulp. 1632. Óleo lienzo. Barroco holandés. M. La Haya

17. Tema: retrato de cirujanos en una
clase de anatomía.. Hay que
destacar: no hay jerarquía de los
retratados, como era habitual; se da
gran importancia a la acción; no es
una clase habitual ya que la
disección comenzaba por el
abdomen y seguía por la cabeza.
Esquema compositivo piramidal: el doctor levemente separado y con
sombrero, tres están atentos a las pinzas y forman un triángulo; 4 miran al doctor
o al espectador. Un asistente lleva en el folio los nombres de los retratados. A los
pies está el libro de anatomía, base de esta disciplina moderna.
Luz: El cadáver es un foco de luz que ilumina los rostros. Hay una gradación en
los cuellos para pasar a la oscuridad.
Contrastes, antagonismos barrocos: dinamismos de las miradas y
disposiciones frente al estatismo del muerto; La variedad e individualidad de los
personajes y el conjunto; la oscuridad de los cuerpos y el foco blanco del
cadáver.

18. Capta la psicología de los
personajes a través de las
expresiones faciales y de la
mirada. Se presentan como
personajes ambiciosos ya que
la riqueza era un signo de
predestinación
Detallismo que comparte con los
flamencos, en las cualidades de la
materia y de las telas.

19. Rembrandt. La ronda de noche, 1642. Óleo sobre lienzo. Amsterdam. Rijn Museo

20. Tema: retrato colectivo. Fue encargo
de la compañía de arcabuceros de
Banning Cocq. Responde a la
costumbre de los holandeses del XVII
de encargar pinturas para dejarlas
expuestas en las sedes sociales.
Lo tradicional era representar a los
personajes en una composición
horizontal sin que ninguno de ellos
sobresaliera. Pero no lo hace así.
Capta al grupo como en la instantánea
de una fotografía, cuando salen de una
callejuela. Ahora los personajes se
Subordinan respecto del grupo y de la instantánea: así el capitán de la compañía y el
lugarteniente ocupan el primer plano. Unos personajes son visibles mientras que otros
aparecen en penumbra. Esta forma de presentar el tema -todos los retratados habían
pagado por igual y varios no eran reconocibles- no gustó a los comitentes.
EL tema se presenta totalmente dinámico, vivaz, rompedor respecto a los modelos de
la época y que incorpora elementos de lo cotidiano y callejero, como la representación
de la niña, perfectamente iluminada, y que nada tiene que ver con el gremio de los
arcabuceros

21. Capitán de la compañía con banda roja y el lugarteniente. Valorar la luz.

22. La composición aparentemente es
desordenada pero está construida de
forma racional en torno a dos ejes
medios del rectángulo: A y B. El eje
horizontal que sirve para determinar
un telón de personajes que sirve de
fondo y de apoyo a las dos figuras
principales. En primer plano cuatro
personajes con trajes característicos
que dominan el grupo central.
El eje vertical determina la posición
del capitán en negro y con ancho
echarpe rojo al lado de la figura más
baja del lugarteniente.
Las diagonales de la larga lanza y
del asta de la bandera se cruzan en
el centro luminoso de la escena.
Finalmente el grupo de la derecha
está relacionado con el resto por la
lanza.

23. Yo ya sé que mis obras no tendrán éxito.
Gasto más de la mitad de mi tiempo en un
problema que hasta ahora nadie ha
resuelto, y del cual, que yo sepa, nadie
tiene una idea. Rubens es un gran artista,
pero ni siquiera sospecha la existencia de
la materia cuya expresión es mi afán
desde hace muchos años, la luz (…). EL
público no entiende nada de mis intentos.
Autorretrato, 1634
Si dentro de cuatro siglos existen cuadros
míos, tal vez se dirá: Por lo menos, ese
Rembrandt andaba por el camino

24. Autor: :Rembrandt.
Título: El Buey Desollado. 1665.
Técnica: Óleo.
Estilo: Barroco holandés.
Lugar: Museo del Louvre. París.
El tema es un bodegón y le sirve para
profundizar en las cualidades de la
materia y en el estudio de la luz.
Aunque la materia esté arrugada,
muerta puede resultar bella.
Está representado con realismo, con
crudeza: el color dispuesto de forma
táctil hace verosímil la carne de la
que gotea en tonos rojos la sangre.
Simbólicamente el tema aludiría a la
Prudencia: necesidad de preparase
para momentos difíciles en la vida.
Puede quizás conectarse con las
dificultades económicas del pintor.

25. Francis Bacon
Figura con carne, 1954
Otros autores como
Eugène Delacroix y
Chaïm Soutine también
lo han representado.

26. Chaïm Soutine
Buey desollado, 1925
Expresa su admiración por el
pintor holandés. Aquí el buey
está lleno de sangre y resalta
más sobre el fondo azul cobalto
de la obra.
El autor estaba muriéndose de
una úlcera de estómago.
Nuevamente la materia muerta
estaría representando algo.

27. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA BARROCA
ESPAÑOLA
-La crisis del s. XVII influyó en la pintura: el óleo fue más asequible
que las grandes composiciones al fresco; los comitentes, más que
nobles e Iglesia fueron cofradías, conventos o iglesias. No obstante, la
Corte ejerció un importante mecenazgo.
- Temáticamente se dio un predominio de los temas religiosos: vidas
de santos, martirios, penitentes … Pero el retrato fue también
importante: fue el vehículo a través del cual nobles y realeza
demuestran su alta condición social. El tema mitológico, el de género,
bodegón o paisaje así como la pintura de Historia se practicaron en
menor medida.
- Fue un arte naturalista: se pintaba la realidad, y ésta es bella y
horrenda de ahí las representaciones tiernas, cálidas e ingenuas de
niños por ejemplo, y las cruentas y horrorosas o terribles de cadáveres
en descomposición.
- Partió del naturalismo – tenebrismo y llegó a alcanzar el misticismo.
- Los numerosos pintores del siglo se pueden distribuir en tres
escuelas: la valenciana, la madrileña y la andaluza.

28. Jusepe de RIBERA (1591 – 1652, Játiva, Valencia)
-Valenciano, de formación incierta, pronto fue a Italia donde transcurrió su vida.
Dejaba constancia de su origen: “Il Spagnoletto”.
- Al ser amigo de los virreyes españoles su producción estuvo siempre presente en
las grandes colecciones nacionales, como si trabajara en España.
- Como español, su producción artística destacará por la temática religiosa, sobre
todo por los martirios, tema propuesto por la Compañía de Jesús.
- La influencia italiana se ve en sus temas mitológicos, en la práctica del grabado y
en la influencia de Caravaggio.
- Fue un gran tenebrista, en el que las figuras se recortan violentamente sobre un
fondo oscuro. La luz, por el contrario, deja ver el gran colorista que fue.
- La pincelada es pastosa, curva, envolvente. Deja ver además el dominio del dibujo.
- Sus composiciones serán muy cuidadas: teatrales, dramáticas, con diagonales,
escorzos y contrastes o desequilibrios entre masas y vacíos, tan propio del Barroco.
- Como buen español gustó del naturalismo: pobres, mendigos, monstruos, enanos,
deformes son habituales en su obra.
- Su evolución como pintor: hasta 1635 será tenebrista; de 1635 a 1650 importancia
de la luz y de los fondos con paisajes. A partir de 1650, vuelta al tenebrismo.

29. Ribera. El Martirio
de San Felipe.
1639. Óleo sobre
lienzo. Museo del
Prado.
El tema es cómo los
verdugos levantan a
San Felipe a la cruz,
ante la intriga de
unos y la indiferencia
de otros.
Técnica: Pinceladas
pastosas.
Importancia de los
colores: atrae la
atención del verdugo
de rojo, en escorzo,
sobre el resto de
marrones y ocres.

30. Importancia de la luz: deja ver
todos los rostros, los que sienten
curiosidad e indiferencia. Además
la luz modela los contornos de los
cuerpos.
Los cuerpos son grandiosos
Composición: A base de líneas
diagonales y escorzos. Contrastes.
Diferenciación de los verdugos, de
los personajes que ven la escena y
del santo. Importancia del mástil ya
que permite guiar la mirada más
allá de la representación.
Gusta más de representar los
preparativos que el martirio en sí.
Ribera influyó en otros pintores caso de Zurbarán, Alonso cano o Murillo. Obtuvo
fama internacional, siendo miembro de la Academia San Lucas de Roma y
condecorado por el Papa Urbano VIII.

31. Ribera. El Patizambo. 1642. Óleo
sobre lienzo. Barroco español. Museo
de Louvre
Se representa a un niño tullido
por alguna enfermedad. Es un
mendigo. Su sonrisa pícara
centra nuestra atención
distrayéndonos de la deformidad
de su pie. Nos aleja además de
su triste condición social.
La figura está de perfil, en
contraposto y con el cielo de
fondo. Ribera se ha alejado del
tenebrismo. En esta obra impera
la luminosidad.
Valoración del naturalismo y
realismo de la pintura.

32. Francisco de ZURBARÁN (1598 – 1664)
- Nació en la provincia de Badajoz Se formó artísticamente en Sevilla, y es posible
que allí conociera a otros aprendices caso de Velázquez o de Alonso Cano.
- Comenzó con un naturalismo tenebrista para acabar con más luz en sus obras.
- Fue nombrado “Maestro” de Sevilla. Fue sin discusión el pintor monástico del
Barroco y el que mejor supo mostrar la espiritualidad monacal que dictaba la
Contrarreforma.
- Sus composiciones trascurren casi siempre en interiores. No domina la
profundidad y los personajes se disponen en filas paralelas. Se aleja de las
diagonales y escorzos del Barroco. Equilibra masas y vacíos. La pincelada es fina.
- Trabajó también el tema del retrato, con santas. Ejemplo Santa Casilda. Los
bodegones fue otro de sus temas.
- Estuvo en Madrid en 1633, en la Corte con Felipe IV. Su estancia no fue muy
agraciada. Pintó dos obras de historia, una de ellas “Batalla de Cádiz” y Los
Trabajos de Hércules. Al año siguiente regresó a Sevilla.
- La crisis económica que atravesó España a mitad del XVII hizo que
descendieran mucho los encargos pictóricos.

34. Autor: Zurbarán
Título: San Hugo en el
refectorio de los cartujos
1655 (?)
Comitente: Cartuja de
Santa María de las
Cuevas
Estilo: Barroco español
Técnica: Óleo sobre
lienzo; 2,68 x 3,18
Lugar: Museo de Bellas
Artes de Sevilla
Tema: San Hugo, con un
paje, entra en el refectorio,
reprende al hermano prior
por no guardar ayuno y
convierte la comida en
ceniza
Técnica y color: Ha abandonado el tenebrismo para centrarse en el volúmen de los
objetos y de las personas, empleando una pincelada fina. Los colores que predominan
son los blancos y los grises. Hay colores cálidos en los ropajes de la Virgen y de San
Juan adulto del cuadro de la pared. La paleta se completa con malvas y ocres. La luz
ayuda al modelado de personas y objetos y aporta cierto aire de misterio a la escena.

35. .
Composición: Rígida y austera. Hay
tres planos: San Hugo y su paje; La
mesa con los objetos; los monjes con
S. Bruno en el centro. El refectorio
tiene poca profundidad y los monjes
están dispuestos siguiendo la mesa.
Sólo la puerta de la derecha se abre
al paisaje exterior. Existe una
correlación con la pintura de la pared,
único elemento decorativo.
Zurbarán ha realizado un auténtico
retrato de cada monje: rostros
particularizados, reflejan las
consecuencias de la cuaresma y la
dura vida del cartujo.
Zurbarán refleja aquí las dificultades compositivas: escenas siempre en interiores, poco
dominio de la profundidad y personajes colocados en fila. Refleja su seguimiento a la
Contrarreforma: reflejo del misticismo. En esta obra conjuga la serenidad mística y la
representación de bodegones, algo en lo que también fue maestro.
Aportó a la pintura española la producción de ambientes monásticos. Por ello, sus
principales comitentes fueron los conventos y los monasterios.

36. Los Bodegones:
Reflejan el amor que sentía
por los objetos. Aparecen de
una forma ordenada y
sobresalen las calidades de la
materia
Predominan los colores grises
y blancos. Son colores
simplificados.
Aunque los primeros
antecedentes son clásicos, el
"bodegón" o "naturaleza
muerta" tiene sus orígenes en
Europa a mediados del S.XVI,
adquiriendo el español pronto
personalidad propia,
incluyendo indistintamente la
pintura de flores, frutas,
animales y objetos, casi
siempre relacionados con la
cocina.

37. Cuatro objetos están colocados en un mismo plano. La composición parece sencilla
a primera vista, pero es bastante compleja ya que la luz no da por igual a todos los
objetos. La luz es lateral. Permite diferenciar las distintas calidades de las materias,
con sus reflejos y tonalidades. Los objetos emergen desde la oscuridad. He aquí el
tenebrismo que caracterizó a buena parte de la obra de Zurbarán.

38. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617 – 1682)
-Originario de una familia numerosa, el último de catorce hermanos, se quedó
huérfano con tierna edad y un tío suyo, al ver las dotes que presentaba para el
dibujo, le ayudó en su formación.
-. Inmerso en un siglo de crisis y dificultades. Sin embargo, dotó a sus pinturas
de una gracia singular: embelleció aquella España en crisis, la humanizó: la
pobreza, la miseria, las enfermedades, los niños abandonados … todos eran
humanos y tenían atracción, gracia. Practicó mucho el tema costumbrista.
- Los temas religiosos también los humaniza de tal forma que los santos,
mártires y los personajes divinos parecen personas cotidianas, del pueblo Fue
capaz de aunar el misticismo con lo popular. Esto hizo que sus obras y su figura
fueran muy populares.
- Para el pintor todo conducía a Dios: de ahí que lo más sórdido pudiera ser
representado sensible, humano, bueno.
- Son famosas sus Inmaculadas, sus cuadros de niños – él amaba los niños-
- Contemporáneo de Velázquez, en un principio estuvo influido por él, pintando
cierto aire tenebrista con contrastes de luces y sombras.

40. Autor: Murillo.
Título: Sagrada familia del
pajarito. 1650.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Localización: Museo del Prado
Tema: Todo parece una
escena familiar. Sin embargo
es un tema religioso. El Niño
Jesús y el perrito se
comunican con complicidad;
San José coge al Niño con
ternura, atendiendo a su hijo
como buen padre. La Virgen María, ocupada en el tejer – actividad propiamente
femenina- observa y disfruta en ver la escena. Ha hecho un alto en su tarea mientras
come una manzana. Sobresale la figura de San José siguiendo los modelos del
Concilio de Trento: San José joven. El color es poco variado: ocres, blanco y negro.
La luz es plenamente barroca: ilumina los rostros, el perro y al Niño; el resto
permanece casi en penumbra. Simbolismo: el pájaro, un gorrión, el más humilde de
los pájaros, sólo viene a la tierra por el deseo de Dios. En esta obra costumbrista nos
dice Murillo que el Verbo, se ha hecho hombre, aunque aún sea Niño, que tal como
dice el gorrión, acepta el sacrificio propuesto por el Padre. El perro, refirma la lealtad.

41. Autor: Murillo, Bartolomé Esteban
Título: Niños comiendo uvas y
melón 1650 (?)
Estilo: Barroco español
Técnica: Óleo sobre lienzo; 1,46 x
1,03
Lugar:Alte Pinakothek. Munich
Dos muchachos, despreocupados, con
harapos, descalzos, en un callejón,
comen uvas y melón.
Dibujo preciso, detallismo, naturalismo.
El color negro es suavizado con
pinceladas verdosas. La paleta se
completa con el blanco, negro y una
variedad de colores ocres y marrones.
Tema reiterado. Humanización de
Murillo. Reflejo de la España y Sevilla del
XVII

42. Niños jugando a los dados Niño espulgándose

43. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599 – 1660)
-Nace en Sevilla. Se forma en el taller de Francisco Pacheco. Se casa con la hija de
éste
- Lleva una vida sencilla y tranquila.Tras su primera época sevillana y bajo la
protección del conde-duque de Olivares llega a la Corte. Felipe IV será su mecenas.
- No tuvo problemas económicos. Su obra está hecha sin prisa, con abundantes
retoques y arrepentimientos. No tuvo premura ni de tiempo ni de dinero. Fue
nombrado caballero de la Orden de Santiago
- Etapa sevillana (hasta 1623): Composiciones tenebristas. Colores ocres y
cobrizos. Importancia de los objetos (bodegones) y de la caracterización de los
personajes. Obras: Vieja friendo huevos; el Aguador de Sevilla …
- Primera etapa en Madrid (1623 -1629) : Se inicia como retratista y trabaja para la
Corte. Conoce la obra de autores italianos y realiza temas mitológicos como Los
Borrachos. Se va alejando del tenebrismo.
- Primer viaje a Italia (1629 – 1631) Tras el estudio de los grandes maestros
italianos cambia su estilo pictórico: abandono del tenebrismo, pintura más fluida,
estudio del desnudo y de la perspectiva aérea. Ejemplo: La fragua de Vulcano
:

44. -Segunda etapa madrileña (1631 – 1649) Muy fructífera y variada
temáticamente: Cristo Crucificado; numerosos retratos de la familia real. Inicia la
decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que ideó
Las Lanzas, el Retrato de Felipe IV y el del Príncipe Baltasar Carlos, Retrato del
Conde Duque de Olivares; Esopo, Menipo, El niño de Vallecas. Pintura de gran
dinamismo, estudio de la perspectiva, detallismo, tratamiento aéreo del paisaje
…
- Segundo viaje a Italia (1649 – 1651) Marcha por encargo real para hacerse
con obras para la colección de la Corona. Pinta Retrato de Inocencio X, La Villa
de Médicis, La Venus del Espejo. Técnica impresionista; introducción del
desnudo femenino en la pintura española del Barroco, representando el espejo
un mundo de vanitas.
- Periodo final (1651 – 1660) Su pintura alcanza la vaporosidad; tonos rosados
y marfil. Pinceladas sueltas que van sugiriendo las formas; dominio de la
perspectiva aérea. Pinta retratos. Destaca Las Meninas y su última obra,
síntesis de su madurez, Las Hilanderas.
-- La trascendencia de su obra será importantísima: Goya se inspirará en Las
Meninas para ejecutar el retrato de La familia de Carlos IV; los impresionistas se
interesarán por su técnica pictórica.

46. Autor: Velázquez.
Título: El Aguador de Sevilla (1620)
Técnica: Óleo sobre lienzo. 2,23 x
2,90.
Localización: Museo del Prado.
Pertenece a su etapa sevillana.
Tenebrismo. Tonos madera.
Gusto por las calidades de los
objetos. Hay un bodegón.
Fondo melancólico y una forzada
sonrisa que deja ver el espíritu
conmovido del pintor frente a la
pobreza.
Composición sencilla, ordenada,
en tres planos verticales.
Significado de la obra debatido.

47. Velázquez. El Triunfo de Baco o Los Borrachos. 1628. Museo del Prado.

48. Los Borrachos o El Triunfo
de Baco 1628. Comitente:
Felipe IV.
Obra de madurez en la que el
tema mitológico y el de género
se funden. Primera etapa
madrileña.
La pincelada es suelta. Y en el
horizonte podemos ver un
intento de perspectiva aérea.
Baco corona a uno de los
borrachos en honor a sus
méritos. Por esto es
considerada una obra satírica.
Baco está incluido como una persona más, pero para diferenciarle se le ha dotado de un
color más blanquecino. La escena puede dividirse en dos mitades: la izquierda, con
Baco, que recuerda la impronta de Caravaggio y la derecha, con los borrachos, más
español
Los cacharros de primer plano, bodegón, dan naturalismo
Influencias de Caravaggio (retratos de Baco) , Rubens y Ribera (los borrachines, aire
muy español).

49. Retrato de
Felipe IV
Esta obra pertenece a
su primera etapa
madrileña en la que
realiza numerosos
retratos.

51. La Fragua de Vulcano. Amberes. 1606. Obra de Antonio Tempesta. Los
especialistas piensan que de esta obra se inspiró Velázquez para realizar su
Fragua de Vulcano de 1630.

52. Primer viaje a roma Personajes en
expectación
Espacio
abierto
Apolo
Vulcano Resplandor del fuego

54. Felipe IV
Segunda
etapa
madrileña.
Retratos
reales.
También el
retrato
ecuestre del
conde-
duque de
Olivares.

55. Inocencio X
Óleo sobre
lienzo
1650
Galeria
Doria
Pamphili.
Roma
Segundo
viaje a roma

56. FRANCIS BACON
INOCENCIO X
Neofiguración: movimiento
artístico de la segunda mitad
del siglo XX, caracterizado por
una vuelta a la pintura
figurativa frente a la
abstracción, aunque los
pintores tratan el tema de una
manera informal. El pintor más
representativo es el irlandés
Francis Bacon, quien retrata la
soledad, el horror y la angustia
contemporáneas en sus
figuras aisladas y deformes.
Ejemplo: estudios sobre el
retrato del papa Inocencio X,
de Velázquez.

57. Venus del espejo. 1649 (?). National Gallery. Segundo viaje a Italia.

58. La familia de
Felipe IV (Las
Meninas)
Óleo sobre
tela. 1656. 318 x
276 cm.
Museo del
Prado. Madrid
Retrato de grupo, informal,
realizado en una sala del
Palacio. Es una pintura
cortesana. Parece una
fotografía.
No hay acuerdo sobre la
significación de la obra.
Se aprecia un movimiento
interrumpido de los
personajes: algo ajeno a lo
que recoge el cuadro les
ha frenado en la acción.

59. En el fondo, el aposentador de la
reina José de Nieto Velázquez.
Reflejados en el espejo: Felipe
IV y Mariana de Austria
El plano medio está ocupado
por Marcela de Ulloa, dama
de honor, y un guardadamas
sin identificar
Dama de honor o menina Isabel
de Velasco.
Enanos: Mari Bárbola y Nicolás
Pertusato.
Infanta Margarita Menina María Agustina Sarmiento. Le
Velázquez ofrece agua con un búcaro.

60. Meninas de Picasso

61. Manolo Valdés. Meninas

62. Dos meninas. Manolo
Valdés. Serigrafía
'Menina'. Manolo Valdés
(Serie de aguafuertes y
collage)

63. Manolo Valdés.
Meninas
Instalación
Valladolid

65. La mano que hila
Hilandera central

66. Rastro de la mano
moviendo la rueca