2. Que es el periodo clasicismo
Clasicismo es el estilo de la música culta
europea desarrollado aproximadamente
entre 1750 y 1820 por compositores
como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph
Haydn. Coincide con la época cultural y artística
hoy denominada, en la arquitectura, la literatura y
las demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus
grandes centros de difusión
en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena.
Se caracteriza por la claridad de las texturas, la
simetría de las frases, la consolidación de la
tonalidad plena y el establecimiento de las formas
musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto...).
3. Características generales
El siglo XVIII fue el de la Ilustración, y su
estética se trasladó al estilo musical: gusto por
lo natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del
artificio y el exceso de sofisticación de la
música barroca; imitación de la naturaleza, en
forma de estructuras simples y frases
simétricas similares a las de la música
folclórica; en la ópera, verosimilitud y cercanía
al espectador de los argumentos, e
integración íntima del drama y la música.
4. Como consecuencia de todo ello las
características principales de la música del
Clasicismo son:
Uso de la textura de melodía acompañada,
consistente en el predominio de la voz más
aguda, que centra el interés en su melodía,
mientras el resto de instrumentos la
acompañan; sólo en ocasiones se usa
la homofonía o la polifonía imitativa. El
acompañamiento es ya escrito explícitamente
(desuso del bajo continuo).
5. Melodías de un mayor carácter cantabile y
simétricas, con frases estructuradas en
antecedente y consecuente
(o pregunta y respuesta), que típicamente se
cierran en las armonías de dominante y tónica,
respectivamente.
Armonías muy claras y funcionales, basadas en los
acordes de tónica, dominante y subdominante, que
estructuran las frases y la forma musical
con cadencias muy claras. El ritmo armónico
(velocidad a la que cambian los acordes) suele ser
más lento que en el Barroco: es típico el
6. Se escribe mucha más música en modo mayor
(más alegre) que en modo menor. Se amplía el
campo de las modulaciones y se usan
tonalidades cada vez con más alteraciones.
Compás muy claro y regido también por la
armonía.
Se amplía la orquesta y su rango dinámico.
Cada vez se escribe en detalle una mayor
variedad de dinámicas y articulaciones,
dejando menos espacio a la interpretación del
ejecutante.
7. Se usan formas estandarizadas (en particular
la llamada forma sonata) pero con gran interés
y variedad en la estructura interna de la
música. Es en este periodo cuando se definen
claramente las formas y estructuras en las que
se basa la música culta occidental casi hasta
nuestros días: la sonata, la sinfonía y
el concierto clásico.
8.
9. Periodo y autores del
clasicismo
A mediados del XVIII convivieron diversas
corrientes musicales. El Rococó o estilo galante,
ejemplificado por Johann Christian Bach (hijo
de Johann Sebastian Bach y conocido como el
Bach de Londres), se caracterizó por el paso de las
texturas complejas a melodías claras con
acompañamientos sencillos, y la creación de
estructuras formales bien definidas con secciones
claramente articuladas: una fusión de la claridad
formal de la música francesa con las innovaciones
armónicas y estructurales del estilo italiano, como
las del sinfonista milanés Giovanni Battista
Sammartini. En Alemania surgió el Empfindsamer
Stil o estilo sentimental, que buscaba la expresión
directa y natural de sentimientos, y que
practicaron Wilhelm Friedemann Bach y Carl
10. Una de las figuras decisivas en la fijación de la
forma sonata fue el compositor
italiano Domenico Scarlatti. El estilo de sus
obras era innovador porque utilizaba
estructuras claras, y melodías con
acompañamientos cada vez más
comprensibles para el oyente. Otro compositor
influyente fue Christoph Willibald Gluck,
reformador operístico que pretendió volver a
una fusión de música y texto, restándole
importancia a la improvisación
de ornamentos típica del bel canto y
atendiendo más a la modulación como forma
11. Instrumentos en el periodo
clasicismo
Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya
existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y
se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y
de composición de la época: así, los de viento
aumentan el número de agujeros y llaves para
adaptarse a las tonalidades con muchas alteraciones.
Algunos instrumentos que surgen en este periodo son
el pianoforte, el arpeggione y el clarinete, mientras
pierden vigencia casi hasta su extinción la viola da
gamba, el clavicordio, la flauta dulce (que volverá a
renacer en el siglo XX), el bajón y el laúd, entre otros.
El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que
pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara
e incluso en los conciertos solistas.
12. La opera
Ya desde inicios del siglo XVIII se había
convertido en un fastuoso espectáculo de
corte, a través del cual los monarcas y
aristócratas exhibían su esplendor. Los temas
se referían a la mitología y representaban
grandes tragedias lírico-heroicas, montadas
con gran aparato: era la llamada ópera seria,
cantada en italiano.
Por el contrario, las clases sociales menos
favorecidas contaban con su propio teatro
musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones
satírico-burlescas.
13. La música religiosa
Un gran número de compositores siguió
adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron
escribiendo por tanto formas religiosas como
la misa y el motete, en general para orquesta,
coro y solistas, y en un estilo deliberadamente
arcaico. Un ejemplo muy conocido de este
género es el Requiem de Mozart
