4 semana 4 a 8 mayo los instrumentos de la orquesta parte1

ProfesorCarlos Valderas
Artes Musicales
LOS INSTRUMENTOS DE LA ORQUESTA

Artes Musicales
El violín
El violín es un instrumento que tiene cuatro cuerdas y se toca frotándolas con un arco
o pulsándolas con los dedos.
El arco ( Al principio se trataba de un arco real; hoy es una varita de madera
(pernambuco, originaria de África). En ella se extiende una cerda de crin de caballo.
Cuanto más grande es el intrumento (grave), el arco es más corto, lo cual ayuda a que
haya más potencia.) está formado por crines de caballo tensadas.
El armazón de madera es la caja de resonancia (El "alma del violín" es una pieza
alargada, situalda en el interior del cuerpo. Esta pieza es la que se encarga de soportar la
presión de las cuerdas, apoyando cada uno de sus extremos entre tapa y tapa del
armazón. Si este "alma" variara su situación todo el sonido del violín cambiaría.
Realmente es adecuado el nombre.) sin la cual no podría sonar.
Es el más pequeño de los de la familia de la cuerda y uno de los instrumentos más
importantes de la orquesta
Nace en Italia (Crémona) durante la segunda mitad del siglo XVI. Ampliar
Su forma y proporciones, que no han evolucionado desde hace cuatro siglos, son la
base de la calidad y belleza de su sonoridad.
ADEMÁS... AUDICIONES EXTENSIÓN: tres
octavas

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Partes del violín
Evolución del arco
Los violines en la orquesta
Violinistas famosos
Antonio Stradivari
Colorea el violín
En la red
Encarta
El sitio del violín
Wikipedia: El violín
Violín solo: fragmento Gavotte de la partita nº3 BACH
Algunas técnicas:
Salteado: El arco rebota sobre las cuerdas.
Trémolo: Es una repetición rápida de las notas.
Col legno: La cuerda es frotada con la madera del arco
Piezas famosas (fragmentos)
"Sherezade" Rimsky-Korsakov
Rondó. Allegro spiritoso. Concierto nº 1 en re mayor
para violín y orquesta, op 6. Nicolo Paganini .
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Posición para tocar
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Los violines suelen estar divididos en dos grupos: violines primeros y violines segundos.
El "concertino" de una orquesta es el primer violín, y en su defecto es el solista. Es el instrumento que se encarga
de afinar a toda la orquesta. También se encarga de coordinar el movimiento de arco de los instrumentos de su
sección.

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Berlioz habla así de los violines en la orquesta:
"Los violines son servidores fieles, inteligentes, infatigables. Para interpretar las melodías tiernas, nada mejor
que un grupo de violines. Nada iguala la dulzura penetrante de una veintena de "primas" (prima es la primera y más
aguda cuerda del violín), que vibran medienta veinte arcos bien gobernados. Ellos son la voz femenina de la
orquesta, voz apasionada y melodiosa al mismo tiempo, desgarradora y dulce, que llora, grita y se lamenta, canta,
reza y sueña, o estalla en acentos jocosos como ningún otro instrumento puede hacerlo."
VIOLINISTAS FAMOSOS
NICCOLÓ PAGANINI: (1782- 1840), es considerado como el violinista más famoso de todos los tiempos. Vivió
toda su vida como un virtuoso independiente y viajero. En su época, se decía que para tocar de aquella manera tenía
que haber vendido su alma al diablo. A donde iba fascinaba al público con su manera de tocar. Paganini revolucionó
la técnica de tocar el violín e influyó en muchos otros compositores. Decían que tocaba su propio "Meuvement
perpetuel" en tres minutos y tres segundos; ¡ esto equivalía a doce notas por segundo!
ALBERT EINSTEIN: El más famoso físico de nuestra época, disfrutaba tocando el violín y afirmaba que la
música era su mayor afición, y su violín, lo que más placer le daba en la vida.
En nuestro siglo han destacado vilinistas como Jascha Heifetz, Isaac Stern y Yehydi Menuhin y en nuestros
días, Gidon Kremer y Anne Sophie Mutter.
Antonio Stradivari (1644-1737) fue uno de los más grandes y prolíficos de todos los constructores de violines.
Pasó su vida en Cremona (Italia). Construyó alrededor de 1200 instrumentos, de los cuales apenas se conservan
250.
La importancía de Stradivari no reside solamente en su excelente madera, sino en las modificaciones que hizo en el
diseño básico del violín. Sus instrumentos más importantes combinan potencia con belleza de sonido, así como la
comodidad en su manejo.

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La viola
Es un instrumento de la familia de la cuerda frotada. Es ligeramente mayor que el violín.
Su sonoridad se sitúa entre las notas graves del violín y las agudas del
contrabajo. Su timbre es muy hermoso, aunque posee un color más opaco.
Tiene cuatro cuerdas que se afinan con las notas do - sol - re - la.
Nace entre los siglos XIV y XV, como la heredera directa de la viella
de cuerda.
El papel de la viola es fundamental en la orquesta ya que da
profundidad y apoyo a la armonía .
La viola ha ido ganando terreno frente al violín y violonchelo,
convirtiéndose en el "instrumento poeta" dentro del grupo, apoyándose
en su enorme poder expresivo.

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ADEMÁS...
Partes de la viola
La viola, esa gran
desconocida
Violistas famosos
Colorea la viola
AUDICIONES
 Concierto en sol mayor ( Telemann )
 Concierto para dos violas (Telemann)
 Concierto para viola (Walton)
 Trío para viola, clarinete y piano (
Mozart )
 Sexto Concierto de Brandeburgo ( J.
S. Bach )
 Suites para viola sola (Bach)
EXTENSIÓN: tres octavas
Escúchalo aquí
En la red
WIKIPEDIA
Guía completa de la viola
Planeta viola

Artes Musicales
LA VIOLA, ESA GRAN DESCONOCIDA
Entrevista a Sviatoslav Belonogov
Solista de la Sección de Violas de la Orquesta Sinfónica de
Tenerife
Por Carlos Vilchez Negrín
¿Cómo nace, históricamente, la viola como
instrumento?
En sus orígenes fue muy grande. Antes de nacer los
instrumentos de arco y cuerda tal como los conocemos
ahora en las orquestas sinfónicas y de cámara, existía otra
familia de instrumentos de arco y cuerda cuya forma
recuerda al contrabajo, pero con los hombros más caídos.
Tenían más cuerdas que ahora, y se colocaban bien
apoyados en las piernas o bien en el suelo, siempre en
posición vertical. Un poquito más tarde vinieron
instrumentos de tamaño más pequeño que ya se podían
apoyar en el pecho, aunque todavía no en el hombro. Las
primeras se denominaron violas da gamba, y las segundas
violas da braccio. Ante la necesidad de un sonido más
brillante y potente, fue diseñándose la actual, que vino
antes que el violín, que etimológicamente significa viola
pequeña.
Y la viola tal como la conocemos ahora ¿Cuándo
nació?
En la época de Bach. Fue una transformación lenta durante
un largo período.
¿Cuál es el papel de la viola dentro de la sección de
cuerda de la orquesta y dentro de la orquesta en
general? ¿Qué es lo que aporta este instrumento?
La viola es un instrumento de afinación intermedia. No es
tan agudo como el violín ni tan grave como los violonchelos
y contrabajos. Tiene la función de voces medianas, y
solemos tocar con los violines y con los chelos. Algunas
veces también tocamos solos, aunque no sean muchas. El
principal inconveniente es que todavía existe una lucha
entre los distintos tamaños de viola. Una lucha ideológica,
se entiende. En una misma orquesta pueden convivir una
viola muy pequeña junto a una muy grande. Eso se debe a
las necesidades de los compositores del clasicismo, más
preocupados por la melodía que por el timbre del
instrumento. Los músicos en ese tiempo querían utilizar
instrumentos pequeños, casi como un violín, pero afinados
como una viola. No quiero decir con esto que suponga un
factor negativo, pues hay violas pequeñas que suenan muy
bien, aunque sean diferentes de las de tamaño estándar.
Y esos diferentes tamaños de violas dentro de una
misma sección ¿no produce confusión?
A veces sí, depende. Pero si el instrumento es de buena
calidad, puede convivir en un espectro muy amplio.
¿A qué cree que se debe el hecho de que antes se
componía siempre para el violín y para el violonchelo,
y casi nadie lo hacía sólo para las violas?
Las razones son históricas, pero no tienen nada que ver con
el instrumento en sí. Los principios musicales nada tenían
que ver con los del romanticismo hasta ahora. Durante el
barroco, con el uso de la polifonía, cada voz tenía su peso,
su línea: fuga, no-fuga, fugueta, y todos eran importantes.
Con la llegada del preclasicismo, los instrumentos centrales
perdieron importancia, con lo que escasearon los violistas

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profesionales. A partir de ese momento, a los compositores
les resultó complicado escribir cosas para la viola. Pero a lo
largo de la historia podemos encontrar cosas muy grandes.
Entre ellas, los cuartetos de Mozart, los de Haydn, la misma
Sinfonía Concertante para Violín y Viola de Mozart. El
agujero posterior duró hasta finales del XIX, compositores
como Wagner y Richard Strauss escribieron algunas cosas
muy importantes para viola. Para viola dentro de la
orquesta.
Pero el repertorio para viola solista es escaso...
No, el repertorio existe. Tenemos obras muy grandes, claro
que se conoce más los chistes sobre las violas...
¿No le molesta esas bromas?
¡No, que va! A mí me encantan... ¿Sabe cuál es el chiste
más largo sobre violas?... Harold en Italia de Hector Berlioz.
Dura 45 minutos.
¿Por qué razón técnica se colocan a la derecha, al
lado de los chelos? ¿Cómo contrapeso entre las
familias?
Existen varias formas de disposición de las cuerdas en una
orquesta. La vienesa, por ejemplo, coloca las violas justo en
el sitio donde en nuestra orquesta están los chelos.
También está la que coloca a los primeros violines a la
izquierda, los segundos a la derecha, y los chelos y violas
en el centro. A mí, personalmente, me gusta cuando las
violas se encuentran en el centro.
¿Un buen violista sería un buen violinista y al
revés?¿O son dos instrumentos que pese a ser de la
misma familia son muy diferentes?
No son muy diferentes, la escuela es la misma. Tenemos un
claro ejemplo en un señor que se llama Pinchas Zukerman,
un perfecto violinista que es, incluso, mejor violista. Pero
claro, para lograr esto se necesita tener un talento especial.
Existen otros famosos precedentes, como Mozart, que
tocaba instrumentos de viento, el violín y la viola. O Johann
Sebastian Bach, que tocaba la viola, el violín, el órgano y el
violonchelo.
Pero hay grandes violinistas, que aunque no lo hagan
públicamente, por ejemplo Itzhak Perlman, tocan
también la viola...
Por supuesto. Yo también puedo coger violín ahora y tocar
algo. No tengo porque ser un gran violinista pero poder,
puedo. Yo empecé mi carrera como violinista y estuve ocho
años estudiando el violín. Luego me pasé a la viola.
¿Por necesidad o por gusto?
Por gusto, pero esto hay que explicarlo. En España existe
otro sistema, pero en Rusia todos los niños empiezan por el
violín porque no existe una viola pequeña que suena más o
menos normal. Además, para este instrumento existe
mucho repertorio clásico para niños. Creo que se aprende
mejor con el violín, porque la base es la misma. Luego
puedes elegir el camino que quieres seguir.

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VIOLISTAS FAMOSOS
 Alan Kovacs
 Cynthia Phelps
 David Fons
 David Quiggle
 Dionisio Rodriguez
 Gérard Caussé
 Jose Manuel Román
 Joseph de Pasquale
 Julia Malkova
 Kim Kashkashian
 Lionel Tertis
 Massau Tawasaky
 Michel Michalakakos
 Monica Henchel
 Nobuko Imai
 Paul Cortesse
 Paul Doktor
 Paul Hindemith
 Paul Neubauer
 Pinchas Zukerman
 Rebecca Young
 Roberto Díaz
 Tabea Zimmermann
 Toby Hoffman
 Viacheslav Dinerchtein
 Vladimir Mendelssohn
 William Primrose
 Yuri Bashmet

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El violonchelo
El violoncello es un instrumento de cuerda que está entre la viola y el contrabajo. Se toca
con un arco, y el instrumento apoyado en el suelo y sujeto entre las piernas del violoncellista.
La palabra proviene del termino italiano violoncello que se pronuncia igual que
significa "violón del cielo"
Las partes del violonchelo son las mismas que las del resto de instrumentos de cuerda
frotada. En la parte inferior lleva una pieza de hierro llamada pica, cuya misión es fijar el
instrumento en el suelo y regular la altural del mismo.
Es el instrumento de cuerda que tiene un mayor parecido a la voz humana. A pesar de su
tamaño, es uno de los instrumentos más versátiles y expresivos.
El chelo se desarrolló a partir del 1500, y convivió durante un tiempo, con su
actecesora, la viola da gamba, que fue desapareciendo gradualmente.
Desde principios de 1700, el chelo se ha convertido en uno de los instrumentos favoritos
para interpretar solos.
ADEMÁS...
Partes del violoncello
Un poco de historia
Audiciones
Arpegio
Collegno
EXTENSIÓN: 4
octavas

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Interpretes de
violoncello
Pau Casals
Colorea el violoncello
Dibujos sobre las
posiciones
Escala cromática
Mi pieza favorita: Bach, J.S.- BWV 1007 Suite- Prelude
Escúchalo aquí
En la red
Wikipedia
Imagenes curiosas
Técnicas elementales
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Afinación del violonchelo
El violonchelo tiene cuatro cuerdas. De grave a agudo, de más gruesa a más fina, estas son las notas en las que se afinan las cuerdas del
violonchelo:
 Do
 Sol
 Re
 La
El violonchelo para principiantes
Como sucede con otros instrumentos de cuerda frotada, cuando un niño comienza a tocar el violonchelo se suelen emplear instrumentos
de un tamaño menor al habitual. Existen diferentes tallas de violonchelo, de mayor a menor:
 Violonchelo 4/4: es el tamaño estándar, para adultos y niños mayores de 14 años. Mide 122 cm en total.
 Violonchelo 3/4: con sus 114 cm, es un poco menor que el violonchelo habitual, ideal para niños y jóvenes entre 12 y 14 años.
 Violonchelo 1/2: según la proporción establecida con respecto al violonchelo de 4/4, este modelo mide 106,5 cm en total y es
habitualmente empleado por niños entre 8 y 12 años
 Violonchelo 1/4: es el apropiado para pequeños violonchelistas de entre 5 y 8 años, ya que mide en total 98 cm.
Existen violonchelos aún menores, como los de 1/8 o incluso de 1/10, para niños muy pequeños a los que se quiere iniciar tempranamente
en el contacto con el instrumento. Sin embargo, los más habituales son el violonchelo de 4/4 y el violonchelo de 3/4.
El violonchelo se toca sentado al borde de una silla, con las rodillas dobladas en ángulo recto. Se debe apoyar la parte superior de la caja
de resonancia en el pecho y el mástil se pasará por el lado izquierdo de la cabeza. Las rodillas pueden asegurar el cuerpo del violonchelo,
siempre sin ejercer presión.
Lo más importante es que se puedan alcanzar con comodidad los dos extremos del diapasón con la mano izquierda, para que pueda ésta
se pueda mover con libertad hacia arriba y abajo. Además, la pica debe regularse para que el arco se deslice sobre las cuerdas con
facilidad, entre el comienzo del mástil y el puente.
VIOLONCHELISTAS FAMOSOS
Pau Casals
(España, 1876-1973)
escuchar
Violonchelista, director y compositor catalán. Ha sido uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Nació
en Vendrell el 29 de diciembre de 1876. Recibió las primeras lecciones musicales de su padre y más tarde

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estudió en el conservatorio de Madrid con Jesús Monasterio y Tomás Bretón. Tras
debutar como violonchelo solista en los conciertos Lamoureux de París en 1898 realizó giras por Europa,
Estados Unidos y América del Sur. Revolucionó el papel del violonchelo gracias al extraordinario virtuosismo
de su técnica y su indiscutible musicalidad. Fueron especialmente destacadas sus versiones de las suites para
violonchelo solo de Johann Sebastian Bach. Esta interpretación soberbia que insistía en los matices, y que
también había querido destacar Gaspar Cassadó, contribuyó al redescubrimiento de estas obras por el gran
público. Junto con el pianista francés Alfred Cortot y el violinista también francés Jacques Thibaud, formó
un importante trío de cámara. En 1919 fundó la Orquesta Pau Casals en Barcelona; con Casals como director, se
convirtió en una importante organización cultural en Catalunya hasta 1936, año en que la Guerra Civil
española interrumpió sus actividades. Tras la caída del gobierno republicano Casals se estableció en Francia.
En 1950 organizó el primer festival musical anual de Prades, en el Rosellón (Francia) en conmemoración de
Bach. En 1956 se trasladó a San Juan de Puerto Rico; el Festival Casals anual se inició allí en 1957. Con el
fin de promover la paz mundial, compuso el oratorio El pessebre con texto de Juan Alavedra (1960) y el Himno
de las Naciones Unidas (1971). Sus recuerdos están reflejados en Conversaciones con Casals, grabado en 1955
por Josep María Corredor. Los pensamientos sobre su propia vida se publicaron con el nombre de Alegrías y
tristezas (1970). © M.E.
Gaspar Cassadó
(España, 1897-1966)
escuchar
Violonchelista y compositor español nacido en Barcelona. Realizó sus estudios musicales en su ciudad natal,
viajando mas tarde a París, donde conoció y estudió con Pau Casals y trabajó armonía con Ravel y Falla. Su
carrera como solista le llevó a actuar por todo el mundo estrenando obras de autores
como, Honegger, Hindemith, Halfter, Khachaturian, Martinu y Delius, entre otros. En la década de los
cincuenta formó dúo con la pianista Alicia de Larrocha y tocando con grandes músicos como Oistrakh,
Rostropovich y Menuhin. Fue profesor de la Academia Chigiana de Siena. Como compositor escribió una gran
cantidad de transcripciones para chelo y piano, varias piezas para piano solo y música de cámara, entre ellas
la Rapsodia catalana y el Concierto para violonchelo, y arreglos de obras de otros músicos, entre
ellos Frescobaldi, Albéniz y Couperin.
Paul Tortelier
(Francia, 1914-1990)
escuchar
Violonchelista y compositor francés, considerado uno de los mejores intérpretes de este instrumento del siglo
XX. Nació en París, estudió violonchelo en el conservatorio de esta ciudad. En 1930 ganó el primer premio de
interpretación del concierto para violonchelo de Elgar y en 1931 debutó como solista en los Conciertos

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Lamoureaux de París. En 1937 se trasladó a Estados Unidos contratado por la Sinfónica
de Boston; regresó a París en 1939 contratado por la orquesta del Conservatorio. En 1947 vio consagrada su
carrera internacional como solista con la interpretación en Londres del Don Quijote de Richard Strauss bajo
la dirección de Thomas Beecham. A continuación recibió ofertas como solista por parte de numerosas orquestas
como la Sinfónica de Boston, el Concertgebouw de Amsterdam y la Filarmónica de Berlín. En 1957 Tortelier fue
nombrado profesor del Conservatorio de París e impartió una serie de clases magistrales para la cadena de
televisión BBC. En 1946 contrajo matrimonio con una discípula suya, Maud Martin, con quien tuvo tres hijos,
todos ellos actualmente músicos profesionales. También trabajó como director de orquesta y es autor de una
serie de obras entre las que destacan la Symphonie israélienne, inspirada en su estancia en un kibutz en
1956, Ofrenda (como tributo a Beethoven) y varias obras para violonchelo, entre las que destacan una sonata,
una suite para violonchelo y un concierto para dos violonchelos. © M.E.
János Starker
(EEUU, 1924-2013)
escuchar
Violonchelista estadounidense de origen húngaro. Nació en Budapest, donde comenzó a estudiar violonchelo
desde muy temprana edad y realizó su debut como solista en 1935, con once años. Fue el chelista principal de
la Orquesta Filarmónica y de la Ópera de Budapest durante dos años y en 1948 se trasladó a Estados Unidos,
donde trabajó en la Metropolitan Opera Orchestra de Nueva York (1949-1953) y en la Orquesta Sinfónica de
Chicago (1953-1958) antes de ser nombrado profesor de chelo en la Universidad de Indiana. Han sido numerosas
sus grabaciones discográficas, más de sesenta, aunque entre ellas destaca su interpretación de las suites
de Johann Sebastian Bach, versión que ha sido comparada en originalidad y capacidad expresiva con la de Pau
Casals. Ha sido primer intérprete de los conciertos que Bernard Heiken y Miklós Rosza compusieron
especialmente para él, y ha formado parte de prestigiosos grupos de cámara, como el constituido por Josef
Suk, Julius Katchen y él mismo. © M.E.
Mstislav Rostropovich
(Rusia, 1927-2007)
escuchar
Músico de origen soviético, máximo violonchelista de su generación. Nació en Baku, República Socialista
Soviética de Azerbaiyán (actualmente Azerbaiyán), estudió en el Conservatorio de Moscú, donde más tarde
trabajó como profesor. Desde 1950 ha actuado como violonchelista y como director. Ha dado asimismo recitales
de piano acompañando a su mujer, la cantante Galina Vishnevskaya. Ha encargado o estrenado obras para
violonchelo de los principales compositores contemporáneos, como la Sinfonía concertante en mi menor, opus

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125 (1952) de Serguéi Prokófiev, los dos conciertos para violonchelo (1959, 1966)
de Dmitri Shostakóvich y la Cello Symphony (1963), la Sonata para violonchelo y piano (1961) y las Suites
para violonchelo (1964, 1967, 1971) de Benjamin Britten. Después de haberle sido concedido el premio Lenin,
máximo galardón soviético, en 1963 defendió de forma pública al escritor disidente Alexandr Solzhenitsin. En
1974 Rostropóvich y su esposa tuvieron que abandonar la URSS y en 1978 se les retiró la nacionalidad
soviética. Emigraron a Estados Unidos y en 1977 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Washington,
D.C. En 1990 fue invitado a actuar con esta orquesta en la Unión Soviética, ocasión en la que les fue
devuelta la nacionalidad soviética a él y a Galina Vishnevskaya.
Carlos Prieto
(México, 1937)
escuchar
Violonchelista, escritor y académico mexicano. Se ha dedicado a la música, llegando a convertirse en uno de
los chelistas más respetados. Interpreta con frecuencia las obras compuestas para él mismo por otros
compositores latinoamericanos, estadounidenses y europeos. Aparte de su exitosa carrera como chelista, Carlos
Prieto también es un destacado escritor. Ha tocado con orquestas tales como la Royal Philharmonic Orchestra
de Londres, la Orquesta Sinfónica de Berlín, la Camerata de San Petersburgo, la American Symphony Orchestra y
muchas más. Es también miembro del Consejo Asesor de Música y Teatro del Instituto Tecnológico de
Massachusetts, del Consejo Asesor de las Bellas Artes de la Universidad de Texas en Austin y miembro de
número de la Academia Mexicana de la Lengua. Desde 1994 es Presidente de la Fundación del Conservatorio de
las Rosas, el más antiguo conservatorio del continente americano. Cada tres años el Conservatorio de las
Rosas, y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de México llevan a cabo el Concurso de Violonchelo
Carlos Prieto.
Jordi Savall
(España, 1941)
escuchar
Violista, director y creador catalán nacido en Igualada (Barcelona). Estudió en el Conservatorio Superior de
Música de Barcelona y es pionero en la introducción de la música antigua a un público más amplio, así como la
revalorización de un instrumento prácticamente olvidado como la viola de gamba. En 1968 completó su formación
en la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) donde sucede, en 1973, a su maestro August Wenzinger. Ha dado a
conocer como solista las obras maestras del repertorio violinístico, siendo reconocido internacionalmente
como uno de los más grandes intérpretes de la viola de gamba. Ha recibido numerosas distinciones en Francia,
Austria y España. Ha compuesto bandas sonoras para el cine, es fundador del sello discográfico Alia Vox y se
encuentra por méritos propios en la vanguardia de la interpretación, gracias a una nueva concepción
caracterizada por una gran intensidad musical, compaginada con la máxima fidelidad histórica.

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Natalia Gutman
(Rusia, 1942)
escuchar
Violonchelista rusa nacida en Kazán. El lanzamiento de su carrera internacional fue en 1967 cuando ganó el
Concurso ARD de Munich. Desde entonces ha interpretado su instrumento en todo el mundo y con las mejores
orquestas, Sinfónica de Londres, Filarmónica de Viena, Filarmónica de Berlín y Filarmónica de San
Petersburgo, entre otras. Son notables sus estrenos de obras contemporáneas y sus interpretaciones de las
Suites completas para violonchelo solo de Bach.
Jacqueline Du Pré
(Gran Bretaña, 1945-1987)
escuchar
Violonchelista británica. Desde niña demostró sus extraordinarias facultades. En 1955 estudió con William
Pleeth en Londres. También fue discípula de Paul Tortelier, Pau Casals y Mstislav Rostropóvich. Debutó en
Londres en el año 1961. En 1965 ofreció una gira de conciertos por Estados Unidos como solista y en 1967
contrajo matrimonio con el pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Dejó de actuar en público en
1971. Al año siguiente le diagnosticaron esclerosis múltiple, enfermedad que le hizo abandonar para siempre
su carrera como concertista aunque continuó enseñando durante varios años. Fue famosa por su sonido cálido y
la aparente espontaneidad con la que interpretaba, aunque siempre reforzada con una técnica sorprendente.
Realizó numerosas grabaciones discográficas, entre ellas los conciertos de Antonín Dvorák, Frederick
Delius, Camille Saint-Saëns y William Schumann, así como las cinco sonatas para violonchelo de Beethoven,
acompañada al piano por Stephen Kovacevich. En 1978 estrenó la Romanza de Alexander Goehr para violonchelo y
orquesta. Se la asoció en especial con el concierto para violonchelo de Elgar, obra que grabó dirigida por
Barenboim. La popularidad de este concierto se debe a la difusión que tuvo en distintas cadenas televisivas y
a las numerosas ocasiones en que lo interpretó.
Mischa Maisky
(Israel, 1948)
escuchar
Violonchelista israelí nacido en Letonia. Comenzó a tocar el violonchelo a los ocho años, estudiando música
en el Conservatorio de Moscú con Rostropovich y Piatigorsky. En 1970 pasó cerca de 18 meses encarcelado en un

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campo de trabajo muy cerca de Gorky, en Rusia y dos años después fue repatriado a
Israel. Ha grabado tres veces las seis suites de Bach. Maisky puede presumir de haber conocido al gran
maestro, compositor y también violonchelista español Pau Casals en 1973, tan sólo unos meses antes de su
muerte. Ese año tocó con él un concierto privado en una habitación de hotel en el que realizó, además, la
última fotografía que se hizo en vida al compositor español. Es posiblemente el mejor violonchelista vivo del
planeta.
Nathaniel Rosen
(EEUU, 1948)
escuchar
Violonchelista norteamericano nacido en Altadena, California. Se crió en una familia musical, su padre era un
violinista aficionado. Fue miembro fundador y primer violonchelo de Los Angeles Chamber Orchestra. En 1977, a
la edad de 30 años, se convirtió en el primer violonchelo de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh y, bajo la
dirección de André Previn.
Lluis Claret
(España, 1951)
escuchar
Violonchelista nacido en Andorra, de padres catalanes exiliados. Después de obtener los máximos galardones en
el Conservatorio del Liceo, recibe clases de Enric Casals (hermano de Pau Casals) quien, durante muchos años,
y pese a no ser violonchelista, se convierte en su principal profesor. Ha estudiado en Francia, Italia y
Estados Unidos con Maurice Gendron, Radu Aldulescu y Eva Janzer, y ha conseguido los primeros premios de los
Concursos Internacionales de Bolonia (1975), Pau Casals (1976) y Mstislav Rostropovich (1977). Ha sido
invitado como solista por importantes orquestas, como la Filarmónica de Moscú, la Orquesta Nacional de
Francia, la English Chamber Orchestra, bajo la batuta de directores como Pierre Boulez, Karl Münchinger,
Witold Lutoslawski, George Malcolm y Mstislav Rostropovich. Fue fundador del Trío Barcelona (1981-1993) y ha
desarrollado una gran actividad pedagógica. Su repertorio se extiende desde Bach hasta los contemporáneos e
incluye estrenos, primeras audiciones y obras dedicadas de muchos compositores actuales
(Dutilleux, Lutoslawski, Boulez, Xenakis, Ducol, Bleuse y Guinjoan).

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Yo-Yo Ma
(EEUU, 1955)
escuchar
Violonchelista estadounidense nacido en París, de padres chinos. Hizo sus estudios con Janos Scholz y Leonard
Rose en la Juilliard School, dando su primer recital con sólo 5 años. Graduado por la Universidad de Harvard,
es uno de los más populares violonchelistas de nuestro tiempo. Aparte de las piezas clásicas
de Brahms, Bach, Fauré, Schumann, Beethoven y otros, ha estrenado obras de compositores contemporáneos
como Stephen Albert, William Bolcom, Richard Danielpour, John Harbison, Leon Kirchner, Ezra Laderman, Peter
Lieberson y Bright Sheng. Siempre utiliza en sus conciertos dos cellos, un Montagnana de Venecia construido
en 1733 y un Davidoff Stradivarius de 1712. Ha sido comparado con maestros de este instrumento como, Mtislav
Rostropovich y Pau Casals, ganándose a pulso una reputación internacional como embajador de la música clásica
y su papel vital en la sociedad.
Truls Mørk
(Noruega, 1961)
escuchar
Violonchelista noruego nacido en Bergen. Estudió en el Edsberg Music Institute, consiguiendo con sólo 21
años, ser finalista del prestigioso Festival Tchaikovsy de Moscú. A partir de 1989 ha actuado como solista
por todo el mundo, junto a la Orquesta Filarmónica de Oslo. Truls Mork es uno de los más destacados
representantes de la nueva generación de brillantes violonchelistas.
Anne Gastinel
(Francia, 1971)
escuchar
Violonchelista francesa nacida en Tassin-la-Demi-Lune. En sus comienzos estudió piano y oboe, aunque más
tarde se decidiría por el violoncello. Completó su formación en el Conservatorio de Música de París, donde
tuvo como profesores a Paul Tortelier y Yo-Yo Ma. Ha actuado junto a las orquestas más importantes del mundo.
Es profesora del Conservatoire national supérieur musique et danse de Lyon.

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Contrabajo

Artes Musicales
El contrabajo es un instrumento de cuerda, dentro de la familia de los de cuerda frotada ya que para producir el sonido se debe frotar la
cuerda con un arco, aunque puedes también utilizar las yemas de los dedos como se hace con el bajo eléctrico o el tololoche, técnica más
conocida como pizzicato o pellizco.
También lo podemos integrar dentro de los instrumentos de cuerda frotada de tesitura grave ya que solo el octabajo es capaz de dar sonidos
dos octavas más graves, razón por la cuál, hasta hace relativamente poco no se utilizaba el contrabajo como solista hasta que aparecieron
los virtuosos Domenico Dragonetti y Giovanni Bottesini.
Al contrario que otros instrumentos de su familia éste se afina por cuartas ascendentes: Sol, Re, La Mi. Lo cierto es que actualmente es un
instrumento bien conocido, aunque no siempre ha sido así y ha tenido que luchar mucho para hacerse un hueco entre los instrumentos más
utilizados. Eso sí, debido a su tesitura grave ha sido un instrumento musical poco usado en la faceta solista.
Partes de un contrabajo
El contrabajo tiene unas partes muy similares a la mayoría de los instrumentos de cuerda frotada, e incluso se puede llegar a asemejar a las
partes de instrumentos de cuerda pulsada como la guitarra.
Las partes más importantes del contrabajo son: la voluta (que es ese adorno situado en la parte más alta del contrabajo) el clavijero y las
clavijas (que nos permitirán afinar) la cejuela, el mástil, el diapasón, el talón, por supuesto las cuerdas, el puente, el cordal, la caja de
resonancia, las características “efes” que adornan la caja, la cejuela inferior, y la pica (que es el soporte en el que los contrabajistas apoyan
el instrumento contra el suelo).
 Voluta: Adorno con forma de caracol que esta en la parte más alta del instrumento.
 Clavija: Tienen la misión de afinar el instrumento para conseguir el sonido perfecto.

Artes Musicales
 Cejilla: Sirven para acordar las cuerdas y así ajustar el tono.
 Mástil: Es la parte donde está situado el mango, por donde el contrabajista coge el contrabajo.
 Cuerda: Normalmente suelen tener 4 cuerdas aunque también podemos encontrar de 3 y de 5 cuerdas.
 Tabla de armonía: Es donde está el diapasón y sirve para sostener las cuerdas desde el puente hasta la pica.
 Puente: Es la parte que mantiene a las cuerdas elevadas para que no toquen la tabla de armonía.
 Oídos: Son los dos orificios en forma de «efe» o de «ese» situados a ambos lados de las cuerdas.
 Cordel: Objeto de metal en la parte de abajo que sirve para mantener tensadas las cuerdas.
 Pica: es la parte de abajo que se apoya en el suelo y sirve para regular la altura.
Las cuerdas y la afinación
El contrabajo tiene cuatro cuerdas, y como hemos comentado antes, está afinado por cuartas ascendentes, en lugar de por quintas como el
violín, aportando al instrumento un toque distinto en su funcionamiento y sonido. Así la afinación del contrabajo es de la primera a la cuarta
cuerda: Sol, Re, La y Mi.
Debido a su envergadura, el contrabajo cuenta con unas cuerdas muy largas y gruesas capaces de soportar toda la tensión necesaria para
sonar en su tesitura. Además se trata de cuerdas entorchadas planas que serán hechas sonar por la vibración producida por los pelos de
caballo del arco al frotar las cuerdas entre la cejuela superior y el puente, los dos principales puntos de apoyo de las cuerdas. Ésta es la
razón que da sentido a que digamos que es un instrumento de cuerda frotada.

Artes Musicales
Medidas del Contrabajo
Como hemos dicho antes, el contrabajo es un instrumento muy grande.
Un contrabajo de tamaño normal mide aproximadamente unos 190 centímetros de alto, por unos 65 centímetros de ancho, lo cual requiere
unos largos brazos y envergadura para poder dominar el instrumento.
Afortunadamente existen versiones más reducidas que se adaptan a todas las estaturas, como los contrabajos de ¾, o los de ½, entre otros.
Tipos de contrabajo
 Contrabajo acústico
 Contrabajo electrónico
 Tololoche
El Contrabajo eléctrico
Otra buena noticia para los amantes del contrabajo es que es un instrumento que no ha dejado de avanzar con el tiempo. La aplicación de
este instrumento a la música popular lo ha llevado mucho más allá e incluso hemos llegado a la creación del contrabajo eléctrico. Éste es un
versión amplificada del contrabajo tradicional. Al ser amplificado eléctricamente ya no se hace necesaria la existencia de una caja de
resonancia tan grande, e incluso puede eliminarse, ya que en estos contrabajos el sonido es procesado por una pastilla o micrófono a través
de un cable que lo llevará a un sistema de amplificación, que puede llegar a alcanzar grandes volúmenes.
Aunque la forma de tocarlo y las técnicas y funcionamiento es el mismo, si es cierto que es una versión mucho más manejable que tiene una
escala más corta en el mástil y en general es más cómodo de tocar y más fácil de construir.

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Historia del Contrabajo
El origen del contrabajo se remonta al siglo XVI, cuando ya existía un instrumento parecido llamado “violone” y también la conocida como
“Viola de Gamba”. Digamos que el contrabajo ha sido fruto de una evolución que parte de estos dos instrumentos que al mismo tiempo se
encuentran emparentados con el Violín.
No sería hasta el siglo XVII cuando adquiere la forma con la que lo conocemos actualmente. Además, fue precisamente en este siglo cuando
pasó a formar parte de las grandes orquestas de música clásica, donde tenía la misión de reforzar la línea grave que solían interpretar los
violonchelos.
A pesar de su gran tamaño y dificultad para ser tocado, el contrabajo fue ganando importancia a lo largo de los siglos XVIII y XIX gracias
a compositores que le dieron papeles más notables en las obras y las interpretaciones. Sin embargo, no sería hasta el siglo XX cuando la
música popular le daría al contrabajo su papel más destacado. Gracias a músicas como el Jazz el contrabajo alcanzó un papel vital en el
soporte de la música y tuvo por fin un espacio para ser exhibido también como un instrumento solista, llevándolo a límites que jamás se habían
imaginado para él, y creando montones de nuevas técnicas gracias a los distintos instrumentistas y a su uso en otras músicas.
Mejores contrabajistas
Es cierto que podríamos escribir una laaarga lista de músicos, sin embargo estos son los que los redactores del blog consideran mejores
(teniendo en cuenta su obra, las valoraciones y el restigio).
 Charles Mingus
 Oscar Pettiford
 Franco Petracchi
 Manuel Verdeguer
 Paul Chambers

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Octabajo

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El Octabajo es un instrumento musical que pertenece a la familia de cuerda, particularmente clasificado bajo los instrumentos de cuerda
frotada. El instrumento mide 3 metros y medio, y está compuesto por 3 cuerdas.
Dado que es un instrumento muy grande, impide que sea tocado como un instrumento normal de cuerda frotada. El músico debe situarse
encima de una silla o taburete para poder tocar el Octabajo.
El inventor del Octabajo fue el francés Joan Baptiste Vuillaume en 1894.
A primera vista, el Octabajo puede parecer un instrumento normal y corriente, pero no lo es; es uno de los instrumentos más raros del mundo.
Su rareza es tan espectacular que los pocos Octabajos que quedan en actualmente están expuestos en museos.
La singularidad del Octabajo se debe principalmente a dos cualidades: su sonido y su tamaño. Puede llegar a sonar en la frecuencia más baja
capaz de escuchar el ser humano (16Hz)
Afinación del Octabajo
Siguiendo el mismo patrón que el resto de instrumentos de cuerda frotada (exceptuando el contrabajo), la afinación del octabajo se realiza
por quintas ascendentes.
La afinación de cada cuerda es:
1. Cuerda Prima: en Re 1.
2. Cuerda Intermedia: Sol 0.
3. Cuerda más grave: Do 0 (corresponde al Do más grave empleado).

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