Literatura 2011

Academia de Ciencias Exactas de Mérida, A.C.
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Cursos Propedéuticos

INTRODUCCIÓN A LA LITERATURA Y GÉNEROS LITERARIOS

La poesía épica es un género literario en el cual el autor presenta de forma objetiva hechos legendarios o ficticios
desarrollados en un tiempo y espacio determinados. El autor usa como forma de expresión habitual la narración,
aunque pueden darse también la descripción y el diálogo. En algunos casos, la épica no es escrita, sino más bien
contada oralmente por los rapsodas.
Según el diccionario, "Mito" es una fábula religiosa, una ficción en la que una cosa representa a otra diferente.
Un mito es, pues una forma de explicar los sucesos o acontecimientos que más importan a los hombres. Por
ejemplo, por qué hay enfermedades, por qué existe el sufrimiento, qué pasa después de la muerte, por qué las
plantas brotan y se marchitan, cómo surgió el universo.
Las fábulas son composiciones breves literarias en las que los personajes son siempre animales, plantas u otros
objetos que presentan características humanas como el habla, el movimiento, etc; por ejemplo, en El asno y la
perrita de Esopo. Estas historias concluyen con una enseñanza o moraleja de carácter instructivo.
En literatura, una leyenda es una narración ficticia, casi siempre de origen oral, que hace apelación a lo
maravilloso. Una leyenda, a diferencia de un cuento, está ligada siempre a un elemento preciso (lugar, objeto,
personaje histórico etcétera) y se centra menos en ella misma que en la integración de este elemento en el mundo
cotidiano o la historia de la comunidad a la cual pertenece. Contrariamente al cuento, que se sitúa dentro de un
tiempo ("érase una vez...") y un lugar (por ejemplo, en el Castillo de irás y no volverás) convenidos e imaginarios,
la leyenda se desarrolla habitualmente en un lugar y un tiempo precisos y reales; comparte con el mito la tarea de
dar fundamento y explicación a una determinada cultura, y presenta a menudo criaturas cuya existencia no ha
podido ser probada (la leyenda de las sirenas, por ejemplo). Durante el Romanticismo la leyenda se escribía por
autores conocidos en prosa o verso en diversas colecciones; sus autores más celebrados fueron en ese siglo Ángel
de Saavedra, José Zorrilla, Gustavo Adolfo Bécquer y José Joaquín de Mora
La epopeya es un subgénero épico, es decir, narrativo, escrito la mayor parte de las veces en verso largo
(hexámetro), o prosa que consiste en la narración extensa de acciones trascendentales o dignas de memoria para
un pueblo en torno a la figura de un héroe que representa sus virtudes de más estima. Casi siempre estas acciones
son guerras o viajes y suelen ser muy extensas. En ella intervienen muchas veces los dioses y existen elementos
fantásticos, cada vez más escasos en los cantares de gesta o epopeyas medievales y, ya en el siglo XIX,
absolutamente eliminados en la novela realista o epopeya del héroe vulgar o de la clase media que por entonces
conquistó el poder político y el prestigio social y reveló en ella los valores de la burguesía: el individualismo y el
materialismo.
El cuento literario: es el cuento concebido y trasmitido mediante la escritura. El autor suele ser conocido. El
texto, fijado por escrito, se presenta generalmente en una sola versión, sin el juego de variantes característico del
cuento popular. Se conserva un corpus importante de cuentos del Antiguo Egipto, que constituyen la primera
muestra conocida del género. Una de las primeras manifestaciones en la lengua castellana fue El conde Lucanor,
que reúne 51 cuentos de diferentes orígenes, escrito por el infante Don Juan Manuel en el siglo XIV.
La novela (del italiano novella, noticia, relato novelesco) es, según la RAE, una obra literaria en prosa en la que
se narra una acción fingida en todo o en parte, y cuyo fin es causar placer estético a los lectores con la descripción
o pintura de sucesos o lances interesantes, de caracteres, de pasiones y de costumbres.
La lírica o género lírico es un género literario en el que el autor quiere expresar todos sus sentimientos y
emociones respecto a un ente u objeto de inspiración.
Se llama género lírico porque en la antigua Grecia este género se cantaba, y era acompañado por un instrumento
llamado lira. Su forma habitual es el verso y la primera persona. El presente, pasado y futuro se confunden.
Comunica las más íntimas vivencias del hombre, lo subjetivo, los estados anímicos y los estados amorosos.
La oda (del griego antiguo, ωδή, odé, ‗canto‘), es la composición lírica en verso, de mediana extensión
(clásicamente 15 sonetos) y de tema noble y elevado.
Antiguamente se cantaba con el acompañamiento de un instrumento musical. En la Antigua Grecia donde tiene
sus principios, existían dos tipos de odas: las corales y las cantadas por una sola voz (monodia).

Literatura Mexicana e Hispanoamericana 1 CURSO 2009 - 2010


Composición poética del género lírico en la cual se expresa la admiración exaltada por algo o alguien; según el
tema que se cante, puede ser sagrada, heroica, filosófica, amatoria. En general se aplica a todo poema destinado a
ser cantado.
La Elegía es un subgénero de la poesía lírica que designa por lo general a todo poema de lamento o poema triste.
La actitud elegíaca consiste en lamentar cualquier cosa que se pierde: la ilusión, la vida, el tiempo, un ser querido
y un largo etcétera. La elegía funeral (también llamada endecha o planto, en la Edad Media) adopta la forma de un
poema de duelo por la muerte de un personaje público o un ser querido, y no ha de confundirse con el epitafio o
epicedio, que son inscripciones ingeniosas y lapidarias que se inscribían en los monumentos funerarios, más
emparentados con el epigrama, otro género lírico.
El himno es una de las formas poéticas más antiguas, en un principio el himno fue una composición coral (para
ser cantada) en honor a un dios, del que se le recuerdan los favores, brindar homenajes, o de agradecimiento.
Se convirtió en uno de los géneros poéticos de la literatura clásica grecolatina, para después perpetuarse como
género en la poesía latina de la Edad Media.
Posteriormente fue una composición musical revestida de solemnidad usada para transmitir sentimientos graves,
como el patriotismo o la religión o la superioridad de unos países frente a otros o, incluso, las gestas realizadas
contra otros, si fueron escritos en los momentos inmediatos a la independencia.
Los autores o compositores de los himnos recogen en sus letras los valores, sentimientos, esperanzas o sueños que
identifican a un grupo de personas o colectividades.
Madrigal; composición poética breve, que expresa un pensamiento delicado, tierno o galante. Composición para
varias voces, sin acompañamiento, que intenta traducir las más delicadas inflexiones de un poema.
El epigrama, del griego antiguo ἐπί-γραφὼ (literalmente, "sobre-escribir", o "escribir encima"), es una
composición poética breve que expresa un solo pensamiento principal festivo o satírico de forma ingeniosa.
El epigrama se creó en la Grecia clásica y, como su nombre indica en griego, era una inscripción que se ponía
sobre un objeto, que podía ser un exvoto, un regalo, una estatua o una tumba; los epigramas sobre las tumbas
formaron clase aparte y se denominaron epitafios o epicedios, por lo que el vocablo pasó a designar el poema
ingenioso que poseía la calidad de ser breve para poder pasar por rótulo o inscripción. La mayoría de los
epigramas griegos puede encontrarse en la llamada Antología Palatina. Tras los griegos, destacaron en la
composición de epigramas los romanos, singularmente Catulo y Marco Valerio Marcial.
El género dramático es aquel que representa algún episodio o conflicto de la vida de los seres humanos por
medio del diálogo de los personajes.
La palabra dramático proviene de ―drama‖; esta palabra corresponde al nombre genérico de toda creación
literaria en la que un artista llamado dramaturgo concibe y desarrolla un acontecimiento dentro de un espacio y
tiempos determinados. Los hechos se refieren a personas o caracteres que simbolizan en forma concreta y directa
un conflicto humano.
Este género está destinado a ser representado públicamente frente a un auditorio, por lo tanto, este género abarca a
todas las manifestaciones teatrales, a todo lo escrito para el teatro y a todo lo que es susceptible de representación
escénica ante un público.
Una característica esencial es la acción. Lo que sucede en la obra no está descrito ni narrado ni comentado
directamente por el dramaturgo, sino visto por el espectador. La obra está escrita, pero lo principal en ella es lo
que ocurre (debido a esto, existen obras dramáticas sin palabras, osea mudas, en las cuales se utilizan gestos y
actitudes que expresan el conflicto).
La tragedia, cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/, es decir, macho cabrío, apelativo que
se daba al dios Dionisos, es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera
misteriosa, inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses, moviéndose siempre hacia un desenlace fatal
por una fuerza ciega, la fatalidad, el sino, el hado o fatum; las tragedias han de acabar generalmente en muerte o
en la destrucción física, social, intelectual o moral del personaje principal, que es sacrificado así a esa fuerza que
se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris. También existen las tragedias de



sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone
por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo, un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. La
tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frínico, y se consolidó con la tríada de grandes
trágicos del clasicismo griego: Esquilo, Sófocles, Eurípides. Las tragedias clásicas generan en el espectador la
catársis.
La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a
las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace
escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el
medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días.

Como los demás géneros dramáticos, a la comedia lo determina la acción dramática del personaje protagonista; de
ahí que no sea extraño encontrar personajes con un rol trágico en obras de teatro cómicas, siempre y cuando estos
sean, por decirlo de algún modo, personajes secundarios.
Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir
mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de
la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje
protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más
bien un obstáculo para el personaje.
Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo
que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad.
La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros
dramáticos llamados realistas.
Según la definición romana clásica, drama (del griego δράμα, hacer o correr) es la forma de presentación de
acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. Existe una confusa tendencia
dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos, especialmente cuando se da el llamado "final
eclipsado". Por ello, una tendencia generalizada, por un lado, al drama como género literario (el texto), al teatro
como de puesta en escena del propio texto dramático; pues, según esta posición, el texto dramático no es teatro
hasta que se lleva a escena para ser visto por el público.
Las figuras literarias se clasifican en figuras de dicción, figuras de pensamiento y figuras de traslación de sentido
Las figuras literarias

Se clasifican en figuras de:
 Dicción
 Pensamiento
 Traslación de sentido

Las figuras de dicción se dividen en: epíteto, asíndeton, elipsis, retruécano, reiteración e hipérbaton.

Epíteto: es un adjetivo muy expresivo que destaca alguna cualidad relevante del sustantivo al cual acompaña. Por
lo común el epíteto precede al nombre.
Asíndeton: consiste en suprimir las conjunciones para darle a los enunciados mayor vigor y rapidez.
Elipsis: suprime verbos y nombres para otorgarle dinamismo a la frase.
Retruécano: juego verbal según el cual se invierte el orden de una frase en forma ingeniosa.
Reiteración: Es la repetición de palabras o frases enteras sin alteración para obtener una pausa rítmica.
Hipérbaton: su esencia es forzar el orden natural de la frase para dar la sensación de retorcimiento o extrañeza.

Las figuras de pensamiento se dividen en: lógicas, patéticas y descriptivas.



Figuras lógicas

Proverbio: es una frase que resume, de manera muy elegante y lacónica, alguna sabia observación sobre la
conducta humana.
Refrán: frase ingeniosa que resalta alguna constante social observada por el pueblo, de manera que circula
anónimamente.

Figuras patéticas

Paradoja: enfrenta ideas contradictorias para poner en evidencia lo confuso de la conducta humana.
Interrogación: preguntas que se formulan para respaldar una emoción y no aguardan respuesta alguna.
Apostrofe: el poeta se dirige a un ser ausente, abstracto o imaginario, y muchas veces, se combina con la
interrogación.

Figuras descriptivas

Topografía: se basa en la descripción de un lugar o paisaje natural
Prosopografía: forma de descripción que se esmera en detalles, hace referencia al aspecto exterior de un ser
animado.
Retrato: descripción de los rasgos físicos y morales de una persona.

Las figuras de traslación de sentido se dividen en: comparación, metáfora, sinécdoque y metonimia

Metáfora: Tropo que consiste en trasladar el sentido recto de las voces a otro figurado, en virtud de una
comparación tácita; p. ej., Las perlas del rocío. La primavera de la vida. Refrenar las pasiones. Aplicación de una
palabra o de una expresión a un objeto o a un concepto, al cual no denota literalmente, con el fin de sugerir una
comparación (con otro objeto o concepto) y facilitar su comprensión
Comparación: Destaca el parecido o comunidad de elementos de una cosa con otra, incluyendo la partícula
como, cual o tal, o bien utilizando el verbo parecer o el adverbio así.
Sinécdoque: figura de desplazamiento en la cual se establece un nexo entre dos objetos que mantienen una
relación de coexistencia. Esta relación presenta múltiples fuentes. Las formas de sinécdoque son:
 El todo por la parte
 La parte por el todo
 La especie por el individuo
 El individuo por la especie
 El plural por el singular
 El singular por el plural
 La materia por la obra
Metonimia: consiste en asociar dos objetos por sus relaciones de causa o procedencia. Sus fuentes son varias:
 El signo por la cosa significada
 El instrumento por quien lo utiliza
 El lugar de procedencia por la cosa
 Lo físico por lo moral



Estructura del cuento

El cuento tiene una estructura del tipo: Introducción – nudo - desenlace

En la introducción, se presentan los personajes, el escenario, y demás elementos que conforman la normalidad de
la historia. Puede representarse con el había una vez del cuento de hadas. Es importante tener en cuenta que la
normalidad puede ser algo completamente anormal, terrible o fuera de lo común; pero, presentado como
introducción, pasa a ser la normalidad de ESA historia. La introducción sirve también para inducir al lector hacia
el conflicto.

El nudo inicia cuando aparece un elemento de tensión que rompe con la normalidad planteada en la introducción.
Se podría representar con el Pero un buen día de los cuentos tradicionales. La ruptura genera consecuencias, que
pueden a su vez generan otros puntos de tensión y de ruptura, con sus respectivas consecuencias, etcétera. Esta
sucesión de conflictos encadenados va generando la trama del cuento.

Llegado un punto de tensión determinado, ocurre algún hecho que reordena estos elementos y establece una nueva
normalidad. A este punto se lo conoce como final o desenlace. Se lo podría representar con él hasta que al fin...
del cuento clásico.

Esta nueva normalidad puede ser similar a la previa al conflicto o mejor o peor o completamente diferente. Lo
importante es que el desenlace deja planteado como serán las cosas a partir de ese momento. Muchos cuentos
eliden el desenlace, dejándolo planteado o inducido a partir de un hecho determinado. A esta estructura se la
conoce como final abierto y es muy utilizada por autores del siglo XX.

Muchas novelas tienen también una estructura argumental. La diferencia radica en que en el cuento, la estructura
argumental es el todo de la narración; en cambio, en la novela conviven una cantidad de elementos ajenos al
argumento que sirven como complemento estético de la historia.

Estructura de la novela

ELEMENTOS INTEGRANTES DE LA NOVELA:
I. CONTENIDO:
A. Título: su sentido y función.
B. Asunto (resumen de la obra)
C. Tema (idea dominante)
D. Elementos de la novela:
1. Personajes:
a. Clasificación, caracteres, tipos, símbolos
b. Caracterización directa o indirecta
c. Relación entre personaje y acción
d. Relación entre personajes y ambiente
2. Ambiente:
a. Escenario y época (el donde y el cuando de los hechos)
b. Índole real o ficticia, rural o urbana, actual o del pasado
c. Atmósfera (sensación que prevalece en la obra)
3. Acción:
a. Naturaleza:



1. Interna o externa
2. En el tiempo o en el espacio o en ambos
3. Tiempo de duración de la acción y tiempo vivido.
b. Lógica y motivación:
1. Relación causal o casual.
2. Obedece a motivos o propósitos humanamente comprensibles o actúa arbitrariamente o movido
por fuerzas superiores.
II. FORMA:
A. Estructura o composición:
1. Exposición
2. Nudo
3. Desarrollo
4. Punto culminante
5. Resolución
B. Composición: lógica o artística
C. Relación entre contenido y estructura:
D. Aspectos técnicos:
1. Punto de vista
2. Técnicas narrativas
3. Relación entre el autor y la forma
E. Estilo:
1. El lenguaje y sus particularidades: la lengua.
2. Relación entre contenido y forma
3. Relación entre autor y forma
F. Apreciación y valores de la novela:
1. Valores diversos: lógicos, éticos, estéticos, lingüísticos, etc.

Estructura de una obra dramática

Una obra de teatro está formada por dos tipos de textos: texto principal o primario y texto
secundario.

EL TEXTO PRINCIPAL
• Es el contenido, propiamente, de la obra que se divide en :
-Actos: Es una unidad temporal y narrativa, que está marcado por la subida y bajada el telón.
-Cuadros: Parte del texto que está marcada por el cambio total o parcial del decorado.
-Escenas: Parte de la obra que viene determinada por la entrada o salida de los actores. Cada vez que cambia el
número de actores en escena, cambia la escena.
• Usa cuatro formas de expresión:
-Diálogo: Es la conversación entre dos personajes.
-Monólogo: Es el modo de expresarse cuando un solo personaje está hablando. Se llama también soliloquio.
-Aparte: Es la forma de hablar de uno o varios personajes que utilizan cuando dicen algo sobre la obra, y los
demás personajes fingen no enterarse.
-Off: cuando se habla fuera de escena

• La acción suele tener la siguiente estructura básica:
-Exposición: Es el principio de la obra y en ella se presentan los datos más importantes de la obra.



-Nudo: Coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.
-Desenlace: Es el momento en que se resuelve el problema planteado en el desarrollo de la obra.

EL TEXTO SECUNDARIO O ACOTACIONES
Aporta información para la representación teatral. Ésta puede ser

• Sobre la acción
-Datos e indicaciones sobre el lugar en el que se desarrolla la acción: decorados, época, mobiliario, etc.
-Iluminación, con la que se expresan la hora del día, un espacio concreto, etc.
-Sonidos, para indicar o provocar diversos efectos.

• Sobre los personajes: vestuario, movimientos, gestos, tono de voz, intencionalidad expresiva, etc

LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
El fin primordial de un texto dramático, aunque puede ser leído, es su representación en un escenario ante unos
espectadores. Esta tarea es llevada a cabo por los actores, que encarnan a los personajes y que son conducidos por
un director, que los organizará y transformará ese texto escrito en un espectáculo. Por último, la escenografía es
otro de los elementos esenciales de la representación teatral, con ella se sitúa la historia en un tiempo y espacio
concretos.

PERSONAJES
• Principales: son aquellos sobre los que recae el peso de la acción. Pueden ser:
-Protagonista: actúan de una forma. (De acuerdo a la tesis del autor)
-Antagonista: actúa de forma contraria al protagonista.
•Secundarios: ayudan a los principales.

ESCENOGRAFÍA. Comprende los siguientes campos:
• Decorados: Elementos necesarios para ambientar el escenario.
•Vestuario: Prendas y ropas de vestir.
•Iluminación: Luces y elementos luminosos para provocar efectos: día, noche, tormentas...
•Sonido: Música y efectos sonoros para complementar lo que aparece en escena: ruidos, etc.
Literatura prehispánica y clásica

Por esencia la lírica comunica la subjetividad del autor, sus sentimientos, sus opiniones y su forma de ver el
mundo. Utiliza recursos estilísticos, como: adjetivos, metáforas, comparaciones, imágenes, símbolos. Es por lo
tanto la forma literaria más rica, profunda y esclarecedora del alma indígena. En ella destacan dos aspectos: su
forma y su contenido.

Forma: mediante el estudio de la poesía náhuatl en la lengua original, se ha encontrado en ella ritmo, rima y
cómputo silábico o métrica, ya que la recitación del poema se ajustaba a la música y a la danza.
Contenido: por su contenido podemos dividir a la poesía náhuatl en:
Religiosa: la poesía náhuatl tiene un trasfondo religioso, como si no pudiese el alma indígena concebir al mundo
y al hombre independiente de la voluntad de los dioses.
Guerrera: la figura del guerrero, sus hazañas, la guerra misma, como forma y justificación de la vida.
Filosófica: la brevedad de la vida, la incertidumbre sobre lo que hay después de la muerte, la crueldad o
indiferencia de los dioses, su naturaleza, la amistad, el valor de la poesía y la belleza, la tristeza y la melancolía
del individuo sometido a los designios de dioses terribles, son los temas de este grupo.



Netzahualcóyotl

Es el fiel reflejo de su filosofía y de su época; sus poemas contienen su inquietudes sobre la naturaleza, son
lamentos por la fugacidad de la vida y los deleites; pensamiento sobre la vida después de la vida, elogios a
guerreros y príncipes, cantos a la primavera. Tres son los temas principales: la divinidad, el destino del hombre y
la poesía misma.
Esta poesía es una muestra de la filosofía prehispánica, desarrollada a través de una constante meditación que
refleja la búsqueda intuitiva de la verdad. El tiempo, la muerte y el más allá parecen reunirse en el pensamiento
angustiado del vivir en la realidad misma de nuestra vida en la tierra: aceptar la realidad es lo único que da
tranquilidad y alegría al corazón, invocar al Dios desconocido, al omnipresente, y tener como destino su eterna
búsqueda, es el mensaje y el postulado de su filosofía.
Poesía Maya

Los pueblos prehispánicos desarrollaron un sistema de escritura pictográfica, ideográfica y parcialmente fonética.
De estas escrituras la más conocida es la náhuatl tanto por los estudios de los jeroglíficos por varios
investigadores, como porque de esta cultura se han conservado muchos textos que, aprendidos por los indígenas
en forma de memorización, fueron transcritos al alfabeto latino pero en lengua náhuatl durante el siglo XVI.
Como es sabido, los nahuas memorizaban sus crónicas y tradiciones sistemáticamente, y así pudieron escribir,
cuando aprendieron el alfabeto latino, todo lo que los frailes y cronistas les inquirían.

La escritura maya prehispánica, sólo ha podido ser descifrada en parte. En lo que más se ha profundizado es en la
escritura matemática y cronológica, pero la escritura literaria permanece casi del todo desconocida. Los
investigadores han tratado de acercarse a ella, algunos considerando que era una escritura ideográfica, otros
considerando que era fonética y por último algunos pensando que era la mezcla de los dos sistemas. Aunque como
dice Lizardi Ramos: lo que más resultados ha dado es el acercamiento a esta escritura considerándola ideográfica,
en realidad la última palabra sobre las características de la escritura maya todavía no se puede dar.

Por otra parte, se sabe también que los mayas memorizaban sus tradiciones y principios religiosos con un sistema
muy parecido al náhuatl. Dice Fray Diego de Landa en su Relación de las Cosas de Yucatán: "usaba también esta
gente de ciertos caracteres o letras con las cuales escribían en sus libros sus cosas antiguas y sus ciencias, y con
estas figuras y algunas señales de las mismas, entendían sus cosas y las daban a entender y enseñaban".

Después de la conquista, varios sabios mayas que guardaban la tradición y sabiduría de su antigua cultura, se
dedicaron a transcribirla en su lengua pero con caracteres latinos. La abundancia de estos textos mayas no es,
desgraciadamente, comparable con la abundancia de los textos nahuas, aunque no es menos importante. Estos
textos mayas parece que son en lo general transcripciones de textos jeroglíficos (Thompson, 1959), pero éste no
es un criterio compartido por todos los investigadores. A este respecto, dice Mediz Bolio refiriéndose a los textos
del Chilam Balam de Chumayel: "Sin duda alguna los textos del ′Chumayel′, más o menos adulterados, provienen
directamente de antiguos cantos o relaciones poemáticas que de padres a hijos fueron bajando, repetidos de
memoria hasta los días de la dominación española, al principio de la cual algunos de los indios (probablemente
sacerdotes) que aprendieron a escribir con los caracteres europeos consignaron sigilosamente por escrito todas las
relaciones con objeto de que no se perdieran en definitiva." Por lo tanto, tal vez debamos decir que aunque
seguramente hay textos después de la conquista que transcriben escrituras jeroglíficas, hay también, en número
regular, textos que necesariamente son los conservados oralmente, por medio de memorización que se lograba,
quizá poniendo ante el estudiante los códices en forma de biombo que se le iban explicando y haciendo
memorizar.



Después de la conquista hay en las tradiciones conservadas, tanto oralmente como por escrito, frecuentes
interpolaciones de ritos, costumbres y tradiciones católico-occidentales. Estas interpolaciones comprueban que no
pueden ser siempre simples transcripciones de textos jeroglíficos, y menos si consideramos que varias de ellas
fueron escritas en los siglos XVII y XVIII, fechas en las que seguramente la lectura de los glifos había sido
olvidada por los mayas.

LOS TEXTOS MAYAS

Es difícil hacer una lista exhaustiva de los textos mayas que se conservan, tanto porque son bastante abundantes
como porque hay algunos de los que se conoce tan sólo una somera descripción pero que en la actualidad se
desconoce su paradero.

Por otra parte, hay que dividir los textos mayas según la lengua mayance en la que fueron escritos. En maya
yucateco, conocemos varias crónicas, libros sobre medicina y una colección de textos conocida bajo el título
genérico de Libros de Chilam Balam.

De los libros del Chilam Balam, de los cuales se tiene noticia de la existencia de dieciocho, hemos escogido para
este disco al gunos textos pertenecientes al llamado Chilam Balam de Chumayel, que es el más conocido y
estudiado, pero del que aún es necesario hacer una traducción más definitiva y buscando el acercarse todo lo
posible al sentido original.

En otras lenguas mayances como el chontal, el quiche, y el cak-chiquel, se conservan también textos de
importancia. Es precisamente en quiche que fue escrito el libro más célebre e importante de todos los mayas que
se conservan. Nos referimos al Popol Vuh, conocido también bajo el nombre de "Libro del Consejo" o Manuscrito
de Chichicastenango. De este texto hemos escogido las secciones que hablan de la creación del mundo, de los
animales y del hombre, lo que constituye en verdad una Biblia indígena, y que seguramente es uno de los textos
más hermosos y poéticos que ha producido la humanidad.

EL POPOL VUH

A principios del siglo XVIII, el Popol Vuh fue descubierto por el padre Fray Francisco Ximénez, cura de
Chichicastenango en Guatemala, en una vieja alacena de la sacristía de su iglesia. El mismo padre Ximénez,
interesado en las cosas indígenas, copió el texto quiche tal como se encontraba, e hizo una traducción al
castellano. Por el texto, podemos calcular que fue escrito hacia el año de 1555 aproximadamente, y aunque en él
hay clarísimas interpolaciones cristianas, no cabe duda que la mayoría de los textos registran tradiciones de origen
prehispánico.

El manuscrito pasó después al poder del Abate Brasseur de Bour-bourg, quien lo tradujo al francés y lo llevó a
Europa como parte de su Colección Americana. Después de la muerte del Abate, esta obra fue adquirida por el Sr.
Edward E. Ayer, quien la incorporó a su valiosa colección lingüística, la cual se conserva en la Biblioteca
Newberry de Chicago. Hay que tener en cuenta que el manuscrito original se perdió, y lo que se conserva en la
actualidad es la transcripción del quiche que hizo el padre Ximénez, así como las traducciones al castellano del
mismo autor y al francés del Abate de Bourbourg.

Hemos utilizado para esta grabación la transcripción quiche del padre Ximénez, y la magnífica traducción de la
misma que hizo el recién fallecido investigador guatemalteco Adrián Recinos.



Literatura griega épica

Los primitivos habitantes de Grecia, los pueblos de las civilizaciones egea y micénica, poseyeron una literatura
oral compuesta en su mayor parte por canciones que hablaban de las guerras, las cosechas y los ritos funerarios.
Los helenos se apropiaron de estas canciones en el segundo milenio a.C. y, aunque no se conserva ningún
fragmento, los cantos de los aedos dedicados a los héroes prefiguran la poesía épica.

La épica griega alcanzó su máximo esplendor con la Ilíada y la Odisea de Homero, aunque se cree que pueden ser
obra de una sucesión de poetas que vivieron a lo largo del siglo IX a.C. (véase Poesía épica; Poesía). Escritos en
dialecto jónico con mezclas eólico, la perfección de sus versos hexámetros dáctilos indica que los poemas son la
culminación, más que el principio, de una tradición literaria. Los poemas épicos homéricos se difundieron en las
recitaciones de cantores profesionales que, en sucesivas generaciones, alteraron el original, actualizando el
lenguaje. Esta tradición oral se mantuvo durante más de cuatro siglos.

Otros acontecimientos míticos y heroicos que no se celebran en la obra homérica o que no se narran en su
totalidad, se convirtieron en el argumento de varios poemas épicos posteriores, algunos de cuyos fragmentos se
conservan. Un grupo de estos poemas épicos, compuestos entre 800-550 a.C., por un número indeterminado de
poetas conocidos como poetas cíclicos, tratan de la guerra de Troya y la expedición de Los Siete contra Tebas.
Entre los poetas épicos conocidos, casi todos posteriores, se cuentan Pisandro de Rodas, autor de la Heracleia, que
trata de las hazañas del héroe mitológico Hércules; Paniasis de Halicarnaso, que escribió una obra también
llamada Heracleia, de la que sólo se conservan algunos fragmentos, y Antímaco de Colofón o Claros, autor de la
Tebas y considerado fundador de la llamada escuela de poesía épica. Antímaco influyó poderosamente en los
poetas épicos alejandrinos posteriores (véase, más adelante, el periodo helenístico).

La crítica textual contemporánea ha establecido que varias de las obras atribuidas en un principio a Homero son
de autoría posterior. Las más tempranas son, probablemente, los llamados 34 himnos homéricos, fechados entre el
700 y el 400 a.C., una magnífica serie de himnos a los dioses escritos en hexámetros dactílicos. Entre otros
poemas semejantes destaca la burlesca Batracomiomaquia.

Poco después de Homero, el poeta Hesíodo escribió su obra principal, Los trabajos y los días, compuesta también
en dialecto jónico con algunas mezclas de eólico. Es el primer poema griego que abandona la leyenda o el mito
para centrarse en la vida cotidiana, las experiencias y pensamientos de un granjero beocio. La Teogonía,
normalmente atribuida a Hesíodo, aunque algunos críticos la consideran posterior, narra el nacimiento del orden a
partir del caos y el de los dioses.

El dístico elegíaco se popularizó en toda Grecia durante el siglo VII a.C. y se utilizó en composiciones de todas
clases, desde canciones fúnebres a canciones de amor. El primer autor conocido de elegías fue Calino de Éfeso.
Otros famosos poetas elegíacos primitivos fueron Tirteo de Esparta, Mimnermo de Colofón, Arquíloco de Paros,
Solón —el primer poeta ateniense— y Teognis de Megara.

Se cree que el creador del verso yámbico fue Arquíloco, que lo utilizó ampliamente en sátiras mordaces. Solón y
muchos otros poetas también lo usaron en poemas reflexivos. Puesto que representa los ritmos de la antigua habla
griega con mayor fidelidad que ningún otro metro, el verso yámbico empezó a emplearse también en el diálogo de
las tragedias, en la forma de trímetro yámbico. Las fábulas de Esopo se escribieron originalmente en trímetros
yámbicos, aunque los textos que han llegado hasta nuestros días datan de mucho tiempo después.



Tragedia griega

A lo largo de la historia, el hombre ha dirigido su atención hacia su propio mundo interior. Gracias a esta
búsqueda de lo intrínsecamente humano hemos podido disfrutar de grandes producciones artísticas, como las
tragedias griegas. Pues en ellas, se narran las aventuras del hombre, que explora los abismos y vericuetos del
alma.

En el año 334 a.C. Aristóteles postuló que la tragedia (mediante una serie de circunstancias que suscitan piedad o
terror) es capaz de lograr que el alma se eleve y se purifique de sus pasiones.

Este proceso, que se denomina "catarsis", es la purificación interior que logra el espectador a la vista de las
miserias humanas. El fondo común de lo trágico será la lucha contra un destino inexorable, que determina la vida
de los mortales; y el conflicto que se abre entre el hombre, el poder, las pasiones y los dioses.

Sus temas, sin duda grandilocuentes, no solo no han perdido vigencia, sino que además adoptan otro significado y
se materializan continuamente, en los distintos sucesos que padece la humanidad.

Los griegos fueron los creadores de la tragedia. En un principio, le confirieron un profundo sentido religioso, ya
que la obra trágica nació como representación del sacrificio de Dionisios (Baco) y formaba parte del culto
público.

Los teatros debían edificarse en las inmediaciones del templo del dios. Los actores y cantores eran considerados
por los sacerdotes, personajes inviolables y sagrados.

Para los antiguos griegos, Dionisios era la divinidad protectora de la vida y símbolo del placer, el dolor y la
resurrección. Durante la época de la vendimia en su honor se cantaban a coro distintos himnos llamados
ditirambos. En los poblados y en las plazas, donde el público danzaba, 50 coreutas hacían una ronda alrededor del
altar.

Representaban a los "hombres cabrones" o "sátiros" (seres mitológicos que tenían cuerpo de hombre y piernas de
cabra) que lamentaban el sepelio del dios.

Primitivamente, sólo se trataba de una ceremonia mimética, pero con el correr de los años, las técnicas fueron
evolucionando y la magia del disfraz enriqueció la puesta en escena.

Cuando los actores interrumpían sus lamentos para tomar aliento, se introducía entre las estrofas el "solo" de un
recitante.

A partir de esta primera innovación, ya no sólo se conmemoraba la pasión de un dios sino también, todos los
rasgos de la leyenda, que eran interpretados por gemidos que emitía la concurrencia a modo de acompañamiento.
Esta ceremonia recibía el nombre de "coro cíclico".

Las ofrendas del público consistían generalmente en un macho cabrío, que era consagrado a Dionisios.
Etimológicamente, la palabra "tragedia" tiene mucho que ver con este ritual. El nombre deriva de "trago día" (del
griego "tragos", que significa macho cabrío y de "oda", que significa canto).
El primer trágico fue Tespis, que triunfó en el año 536 a.C. en el Primer Concurso Trágico instituido por Pisístrato
para las grandes dionisíacas (fiestas que se celebraban durante los primeros días de abril y que duraban 6 días).



Tespis reemplazó el pintarrajeo grosero de los coreutas por una máscara de género estucado. Las máscaras
representaban las facciones de los distintos personajes. Las más primitivas estaban hechas de corteza de árbol
luego de cuero forrado con tela y finalmente, de madera.

Los creadores eran verdaderos artesanos, la abertura de la boca era grande y prolongada como un embudo hecho
de cobre. Este formato contribuía a aumentar el volumen de la voz en escena.

Hubo varias clases de máscaras: cómicas, trágicas y satíricas. Las primeras eran ridículamente toscas, con los ojos
bizcos, la boca torcida y las mejillas desvencijadas. Las trágicas eran notablemente grandes, tenían la mirada
furiosa, los cabellos erizados y las sienes o la frente deformes. Las satíricas eran las más repugnantes y
representaban solamente figuras extravagantes y fantásticas, tales como cíclopes, centauros, faunos y sátiros.
Con las innovaciones que introdujo Tespis, la máscara griega dejó de lado el bestiario fabuloso y la tragedia
adquirió un tenor más humano. A comienzos del siglo V a.C, la tragedia ya se había instalado como género dentro
de la literatura.

Características

Podría decirse que el eje central de toda obra trágica es el restablecimiento doloroso del orden, y el
alumbramiento traumático del deber en su doble aspecto. Desde el plano religioso, desarrolla el antagonismo que
existe entre el hombre y el cosmos. Y en el plano político explica la conflagración subyacente entre el hombre y el
poder.

Tanto en un aspecto como en otro, la representación será el vértice del debate. No es casual, por ejemplo, que la
figura más relevante de las obras clásicas sea la de los reyes. Esto se debe a que ellos representaban los blancos
más visibles de la sociedad, y en consecuencia, eran los más susceptibles, ya que la vida privada de los monarcas,
en un espectáculo público pertenecía a todo el mundo.

Este aspecto formaba parte de la mentalidad de los griegos. De hecho, la Polis era considerada como un todo, y la
justicia, para este pueblo era un valor excelentísimo. Si no había justicia en sus gobernantes la Polis tampoco
podía ser justa. Por eso, para los griegos, la política y los políticos eran los encargados de ejecutar justicia, pero en
una dimensión propiamente humana. No había posibilidades de realización individual dentro de un régimen
injusto.
La justicia era para ellos una perfección valiosa; algo que no se buscaba por sus ventajas, y cuyos designios, sin
embargo eran implacables.
La finalidad de los festivales dramáticos era la de exaltar la tradición mítica, el patriotismo; aleccionar, conmover,
marcar nuevos rumbos, como así también dar lugar a cuestiones honoríficas y cuando no, farandulescas. Muchos
actores obtenían premios tales, como la corona de hiedra o placas recordatorias llamadas ex-voto.

Desde luego que tampoco faltaron los "intereses creados". En los teatros, en primera fila y en los palcos de honor,
había un gran sitial destinado al sacerdote del dios.
El coro (coreutas) estaba a cargo de los ciudadanos ricos y hacendados, quienes corrían con todos los gastos del
espectáculo, creyendo que cumplían así un deber de piedad patriótica" (piedad que, por cierto, contribuía también
a la conquista de los sufragios populares).

Los asistentes eran clasificados por categorías: los sacerdotes, magistrados y generales; luego los ciudadanos y
por último el pueblo.



Al entrar al teatro los espectadores entregaban a los revisores una ficha de hueso o de marfil, que con anterioridad
habían comprado en la taquilla a un empresario, y que indicaba el sitio que debían ocupar. El público podía, si
quería, aplaudir la obra o silbar en señal de desagrado.

El precio de los asientos, que median unas 13 pulgadas de largo, era de dos óvolos para los de preferencia; todas
las demás localidades eran gratuitas, y los indigentes recibían fondos del "Theoricon".

En los anfiteatros se utilizaron distintos mecanismos. Al principio fueron pocos y rústicos; luego se fueron
perfeccionando e incluyeron plataformas móviles y todo tipo de parafernalias, gracias a las cuales los personajes
adquirían mayor movilidad y desplazamiento sobre el escenario.

Sin duda, tres de los trágicos más grandes de la historia de la literatura son Esquilo, Sófocles y Eurípides. Cada
uno, imbuido por los sucesos de su tiempo supo plasmar en sus obras las emociones, las angustias, las dudas y las
pasiones de los hombres de su época, con exquisito talento.

Prometeo encadenado

Entre el siglo VI y V a. C vivió Esquilo. Este hombre, nacido en la ciudad de Eleusis, fue muy temeroso de Zeus.
Los personajes de sus obras se mueven según los designios de este dios del Olimpo, y por una aguda fatalidad.
Introdujo las primeras reformas dentro de la estructura de la tragedia. Escribió 7 obras, de las cuales solo se
conservan 5: La Orestíada; Las Suplicantes; Los Persas; Prometeo encadenado y Los siete contra Tebas.

Sus personajes dramáticos parecen tallados en bloques de granito. Su personalidad adusta no conoce términos
medios, pues las figuras del teatro de Esquilo, de principio a fin permanecen idénticas a sí mismas: mueren o
triunfan.

Troyanas

Eurípides vivió en una época de la cultura griega dominada por una profunda crisis. Esta crisis puso en peligro, y
en algunos casos llegó a destruir, los valores que hasta ese entonces habían sido considerados como inmutables: el
Estado, la cultura y la religión. Vivió en el momento más crítico de la evolución histórica de Grecia, durante la
Guerra del Peloponeso.

Las tragedias de Eurípides reflejan, no sólo los cambios coyunturales de la nación, sino también el terrible cambio
espiritual que se estaba gestando en Atenas, durante la segunda mitad del siglo V a.C.

Así como Ibsen, Nietzsche o Bertolt Brecht supieron retratar la profunda crisis del mundo contemporáneo,
Eurípides fue el espíritu de su época, llamado a expresar en su obra la situación del hombre griego y la decadencia
de un imperio.

Hasta bien entrado el siglo V a.C., la ideología dominante en toda Grecia era la concepción aristotélica de la vida,
el "Ideal Dórico-délfico", encarnado principalmente en Esparta, en lo que se refiere a la política; y en Delfos, en
lo que respecta a la religión (de hecho, la forma más antigua de tragedia fue la prolongación de la lírica coral
doria).



Dos rasgos caracterizaron esa mentalidad: la sumisión del individuo a la colectividad y la limitación humana
frente a Dios. Sin embargo, poco a poco, al lado de esta concepción un tanto arcaica si se quiere, comienza a
desarrollarse una doctrine existencial mucho más libre y optimista. Será el legado del "espíritu jónico", que
permitirá la elaboración de atrevidas síntesis, con un alto grado de valoración individual.

El ideal jónico se ocupó también de estudiar las costumbres de otros pueblos, llegando en algunos casos, a
conclusiones relativistas sobre el valor de lo bueno y lo malo, lo decente y lo indecente, lo justo y lo injusto.
Otra característica propia de este espíritu fue el inicio de la reflexión sobre el hombre como tal, el investigarse a sí
mismo. Sin duda fue un movimiento revolucionario para la época, con el que Eurípides logró identificarse y
mediante el cual pudo ir tejiendo la trama de sus obras. Podría decirse que la generación a la cual perteneció este
gran dramaturgo fue una generación "quemada", llena de desengaños.

Esto se traduce en las tragedias de Eurípides. Sus personajes no creen ya en la grandeza humana. Se han
acostumbrado a penetrar en el corazón humano, y no han sabido encontrar allí más que pasiones desbocadas,
crueldad, ambición, etc. Y esa desconfianza en el hombre actual, no sólo se materializaba en tiempo presente, sino
que también se retrotraía al pasado y se proyectaba hacia el futuro.

Para referirnos a la vida de Eurípides es necesario basarnos en fuentes de diversa procedencia. En Sátiro, que
vivió en el siglo II a.C., o en eruditos romanos como Aulo Gelio y Varrón. Durante la edad bizantina, la Suda
dedicó su atención a este autor (noticias de Eurípides proceden de Filócoro, léxico que vivió en el siglo III d.C).

Existen también fuentes epigráficas. La más importante es el llamado "Mármol de Paros", descubierto en el siglo
XVII. Incluso hay testimonios literarios que proceden de la comedia; más concretamente, de las obras de
Aristófanes, el gran detractor de nuestro trágico. Sin embargo tales testimonios deberían tomarse con precaución,
ya que los métodos empleados por la comedia ática son conocidos: los hechos son vistos como a través de un
lente que desorbita la realidad objetiva, convirtiendo muchas veces en algo especial aquello que en verdad es
insignificante. De hecho, lo que construyen las comedies son caricaturas.

Aristófanes fue el gran opositor de Eurípides, pues veía en el poeta trágico, al representante típico y el portavoz de
las "nuevas ideas" que invadían y contaminaban al mundo ateniense.

Cuentan todos estos testimonios que el padre de Eurípides se llamaba Mnesarco o Mnesarquides y su madre,
Clito. Según las fuentes más antiguas, su padre era un tendero al por mayor, y de acuerdo con algunos pasajes
aristofánicos, su madre verdulera.

La exquisita educación que recibió nos permite suponer que su familia era acomodada (Eurípides fue el primer
intelectual griego que dispuso de una biblioteca particular). Era un espíritu melancólico, poco amigo de las
multitudes, y del bullicio de la vida mundana. Pasaba largas temporadas en una cueva de Salamina, isla donde sus
padres tenían algunas propiedades.
Sin embargo, este ostracismo "auto-impuesto" no le impidió seguir con suma atención los hechos de su tiempo.
Fue un lector apasionado de los grandes filósofos de la época: Arquelao, Anaxágoras, Pródico, Georgias, etc. Y al
parecer fue muy amigo de Sócrates, del que ciertos testimonios dicen que colaboró en la elaboración de algunas
de sus tragedias. Hacia el final de su vida, el poeta recibió la invitación del rey Arquelao de Macedonia, aunque
poco y nada se conoce de su paso por la corte.

Un rasgo típico de la literatura clásica griega es el hecho de que muchos escritores se limitaban a cultivar un solo
género, y Eurípides, trágico por vocación y convicción llegó a ser autor de innumerables tragedias. Compuso



también algún epigrama y un canto triunfal, además de los dramas satíricos que contribuían al cierre obligado de
las trilogías, que los trágicos presentaban en concurso.

Los antiguos le atribuyen 92 tragedias, de las cuales solo 17 se conservan: Alcestis; Andrómaca; Bacantes;
Electra; Hécuba, Helena; Heracles loco; Heráclidas; Hipólito; Jon; Ifigenia en Aulide; Ifigenia en Táuride;
Cíclope; Medea; Orestes; Fenicias; Reso; Suplicantes y Troyanas.

Dentro de las innovaciones introducidas por Eurípides se destacan los prólogos netamente narrativos y los coros
(ejecutados por mujeres). En todos ellos desarrolla una verdadera lucha dialéctica entre los personajes de la obra.
Modificó la técnica del deus ex machina (procedimiento del héroe salvador: personaje que pasa casualmente por
el lugar de la escena, ya sea para resolver una situación cuando ya todos creían que no había solución o bien, para
justificar la conducta de un personaje dentro de la obra).
Podemos observar en las obras de Eurípides, un marcado racionalismo. La tragedia eurípidea deja traslucir cierto
perfil del autor como magnífico psicólogo de su época. Pues supo penetrar en lo más recóndito del corazón
humano, hurgando en sus miserias y sus pasiones. Pareciera que sus héroes han perdido por completo la confianza
en sí mismos; dan un paso adelante, para retroceder luego dos pasos atrás.

El pesimismo es otro rasgo característico de nuestro poeta. Fue precisamente esto lo que lo condujo a realizar un
análisis tan hondo y exhaustivo de la naturaleza humana. Y lo que vio de los hombres fue el reflejo de seres
atormentados por la pasión; seres embarcados en la búsqueda acuciante y sin tregua de paz consigo mismos (...o
de la paz interior).

Hay en sus obras un alto grado de realismo psicológico; los grandes héroes de la mitología se convierten en las
tragedias de Eurípides en hombres tal cual son, con virtudes y falencias.

La crisis de las ideologías, la falta de fe, la muerte de las utopías y la desconfianza son factores que siempre han
rodeado la vida del ser humano, y que adquieren mayor o menor intensidad bajo nuevas formas y en distintas
circunstancias.

Edipo Rey

Sófocles nació en el 496 a. C en Colono, localidad cercana a Atenas. Si bien las informaciones acerca de su vida
son relativamente escasas, es evidente que gozó de un gran prestigio entre sus compatriotas, conforme a
numerosos registros históricos que narran como era su vida como ciudadano. Sófocles fue quizás, el que mayor
supo reflejar en sus obras, los principios y dilemas espirituales de la Grecia clásica del siglo V a.C., cuando
Atenas se hallaba en su máximo esplendor político, económico y cultural.

Hijo del acaudalado Sifilos, cuando solo contaba con 16 años llegó a ser encargado de dirigir un canto de gracia a
los dioses por la victoria de la batalla de Salamina, contra los persas. Posteriormente se desempeñó en distintos
cargos oficiales. En el 440 a.C. fue elegido como uno de los 10 estrategas o jefes militares del Ejército ateniense,
y en calidad de tal participó de varias expediciones. Fue un estrecho colaborador del gobernante Pericles y del
historiador Heródoto. Además asumió dignidades religiosas.
De todos modos, su reputación se sustentó fundamentalmente en la actividad teatral, a la que se dedicó toda su
vida. En el 448 a.C. derrotó por primera vez al ya anciano Esquilo en el festival dramático anual. Obtuvo la
victoria, cuanto menos en otras veinte oportunidades.



Sófocles estableció varias modificaciones en la forma tradicional de la tragedia fijada par Esquilo. Sustituyó las
trilogías encadenadas por las libres (compuestas de tres piezas conexas, pero completas en sí mismas).
De Los 123 dramas se conservan solo siete: Áyax; Antígona; Edipo Rey; Las Triquinias; Filoctetes; Edipo en
Colono y Electra.

Cabe destacar que el teatro de Sófocles siempre fue fiel a una determinada concepción del mundo, según la cual
éste se halla regido por leyes eternas, encarnadas en sus obras por los dioses, a las que los hombres se encuentran
sujetos. A diferencia de Esquilo, no centró su teatro en la inexorabilidad del destino, sino que destacó la capacidad
humana para asumirlo y llevar una vida ligada a principios éticos. Para él no existía conflicto entre la necesidad
cósmica y la libertad individual. La mayoría de sus personajes (Electra, Antígona, etc.) ilustran la tesis de que es
preciso soportar con nobleza las adversidades y los sufrimientos; y realzan la grandeza de la voluntad que se
enfrenta a las consecuencias.

Los protagonistas son de carne y hueso. No luchan contra los obstáculos exteriores o la fatalidad, sino contra las
debilidades del corazón. Sin embargo, pese a todo, el idealismo de Sófocles, muchas veces influenciado por los
héroes homéricos, fue capaz de crear adalides más que convincentes.
Sófocles murió en Atenas en el 406 a. C. Fue elogiado por Aristóteles que hizo de su obra el modelo de la
tragedia clásica, como el mayor de los dramaturgos griegos. Su obra puede considerarse la fuente de todo el teatro
occidental.

Virgilio

Hijo de campesinos, Virgilio nació en Andes, una aldea próxima a Mantua, en la región italiana de Venetia et
Histria. Recibió una esmerada educación y pudo estudiar retórica y poesía gracias a la protección del político
Cayo Mecenas (de éste proviene el término "mecenas" aplicado a quienes protegen y estimulan las artes). Sus
primeros años los pasó en su ciudad natal, pero al llegar a la adolescencia se trasladó a Cremona, Milán y Roma
para completar su formación. En Roma se introdujo en el círculo de los poetae novi. A esta época pertenecen sus
primeras composiciones poéticas, recogidas bajo la denominación de Apéndice Virgiliano.

Retrato de Virgilio.Llegó a Nápoles en el 48 a. C. para estudiar con el maestro epicúreo Sirón. Por entonces
estalló la guerra civil tras el asesinato de César, lo que afectó a Virgilio, quien incluso vio peligrar su patrimonio.
Pasó gran parte de su vida en Nápoles y Nola. Fue amigo del poeta Horacio y de Octavio, desde antes de que éste
se convirtiera en el emperador Augusto.

Entre el año 42 a. C. y el 39 a. C. escribió las Églogas o Bucólicas, que dejan entrever los deseos de pacificación
de Virgilio en unos poemas que exaltan la vida pastoril, a imitación de los Idilios del poeta griego Teócrito.
Aunque estilizados e idealizadores de los personajes campesinos, incluyen referencias a hechos y personas de su
tiempo. En la famosa égloga IV, se canta la llegada de un niño que traerá una nueva edad dorada a Roma. La
cultura posterior encontró aquí un vaticinio del nacimiento de Cristo.

Entre el 36 a. C. y el 29 a. C., compuso, a instancia de Mecenas, las Geórgicas, poema que es un tratado de la
agricultura, destinado a proclamar la necesidad de restablecer el mundo campesino tradicional en Italia.

A partir del año 29 a. C., inicia la composición de su obra más ambiciosa, la Eneida, cuya redacción lo ocupó
once años, un poema en doce libros que relata las peripecias del troyano Eneas desde su fuga de Troya hasta su



victoria militar en Italia. La intención evidente de la obra era la de dotar de una épica a su patria, y vincular su
cultura con la tradición griega. Eneas lleva a su padre Anquises sobre sus hombros y su hijo Ascanio de la mano.
En Cartago, en la costa de África, se enamora de él la princesa Dido, quien se suicida tras la partida del héroe. En
Italia, Eneas vence a Turno, rey de rútulos. El hijo de Eneas, Ascanio, funda Alba Longa, ciudad que más tarde se
convertiría en Roma. Según Virgilio, los romanos eran descendientes de Ascanio, y por lo tanto del propio Eneas.
El estilo de la obra es más refinado que el de los cantos griegos en los que se inspiró.

Había escrito la Eneida cuando realizó un viaje por Asia Menor y Grecia, con el fin de constatar la información
que había volcado en su poema más famoso. En Atenas se encontró con Augusto y regresó con él a Italia, ya
enfermo. A su llegada a Brindisi, pidió al emperador antes de morir que destruyera la Eneida. Augusto se opuso
rotundamente y no cumplió la petición, para gloria de la literatura latina.

La épica medieval. Los cantares de gesta
Definición
Un poema épico, o, entre nosotros, un cantar de gesta, es un poema narrativo de tipo tradicional en el que se narran
las hazañas legendarias de un héroe nacional.

Frente a la lírica, de carácter individual, y a la épica culta (pienso, por ejemplo en el Libro de Alexandre, la poesía
épica popular sintetiza el espíritu de la colectividad de un pueblo, que afirma su conciencia política en estos signos
culturales.

Cantar de gesta es el nombre dado a la epopeya escrita en la Edad Media o a una manifestación literaria extensa
perteneciente a la épica que narra las hazañas de un héroe que representa las virtudes que un pueblo o colectividad
consideraban modélicas durante el medievo.

Emisor y receptor
Su receptor es un público que carece de una formación cultural y que requiere sólo unas escuetas noticias de la
vida de sus héroes para identificarse con ellos y asumir, de ese modo, su identidad social. Por tanto, estos textos
precisan de unos intérpretes muy especiales: los juglares, cuya profesionalidad les debía permitir conocer técnicas
de recitación y dominar modalidades interpretativas, por las que entrar en contacto y conmover a una masa difusa
de receptores. La tradición épica se difunde, primeramente, por esta vía oral. Los juglares, con especiales trucos
mnemotécnicos (de ahí las fórmulas cada treinta o cuarenta versos), serían capaces de aprender unos treinta
poemas con una media de tres a cinco mil versos. En realidad no memorizaban todo el texto de una obra, sino sus
estructuras narrativas y temas argumentales, lo que les permitiría un alto grado de improvisación. La presencia del
diálogo y el frecuente recurso a los verbos dicendi permiten pensar en una poesía muy dramatizada.

Características generales de la épica
Según Colin Smith, los elementos definitorios de la épica son los siguientes:
 Un héroe que ha de conseguir un ideal y se ve obstaculizado en su empresa.
 Tal ideal es un ejemplo moral para una comunidad.
 El héroe tiene contactos con la divinidad, de modo que su gesta puede devenir empresa providencial.



 El mundo es el de la guerra, sin cabida para lo cortesano.
 Tono elevado y sublime.

Teorías sobre el origen de la épica castellana
Hay tres teorías sobre el origen de la épica castellana: la francesa, la germánica y la arábigo-andaluza.
La tesis francesa
Cree que El Cid y la épica son copia de la épica francesa (Chanson de Roland). Se admite que la épica francesa
llegara a España a comienzos del siglo XII por medio de las peregrinaciones a Santiago de Compostela y las
relaciones de la corte carolingia con la castellana. Pero estos elementos franceses son aportaciones formales a un
género ya constituido en España y, por lo tanto, la imitación francesa queda reducida a elementos de carácter
accesorio.

La tesis andalusí
Julián Ribera, por su parte, postula un origen arábigo-andaluz para nuestros poemas épicos. Es cierto que hay
elementos de procedencia árabe en la épica española, pero son –como los franceses- accesorios....

La tesis germánica
Cree que el origen germánico es idéntico para la épica española y para la francesa. Es decir, que los poemas épicos
provienen de los cantos guerreros de los visigodos. El principal defensor de esta tesis, Menéndez Pidal, establece
una relación muy estrecha entre invasión árabe y nacimiento de la poesía épica española. Según él hubo período de
formación entre el siglo VIII y el año 1140, cuyos textos serían:
Poemas breves de unos seiscientos versos.
Cuentan luchas entre familias hispánicas.
No tienen influencia francesa.
Características de la épica primitiva española
Realismo o historicidad. El poema se sujeta a los datos reales, topográficos y ambientales. Faltan los elementos
maravillosos y fantásticos, las fuerzas sobrehumanas, que abundan en la épica francesa o germana. Lo maravilloso
queda reducido a elementos oníricos o conjuros, que eran realidades para la mentalidad popular de entonces.
Su resistencia al tiempo. Mientras Francia abandona los temas épicos al declinar la Edad Media, en España
rebrotan una y otra vez.
La rima asonante, la irregularidad métrica y el que no tenga estrofas, sino tiradas; al contrario de la épica gala, que
optó por el decasílabo, era de rima consonante y contaba con estrofas.
Corpus de la épica medieval española
Aunque sólo se nos han conservado de forma más o menos completa tres cantares de gesta (Cantar de mío Cid,
Cantar de Roncesvalles y Las Mocedades de Rodrigo), en las crónicas quedan vestigios de otros títulos:



Ciclo cidiano: La Condesa traidora.
Las Mocedades de Rodrigo. Romanza del infanta García.
Cantar de Sancho II. Ciclo carolingio:
Cantar de mío Cid. Cantar de Roncesvalles.
Ciclo de los condes de Castilla: Mainete.
Poema de Fernán González. Bernardo del Carpio.
Los Siete infantes de Lara.

COMPOSICIÓN LITERARIA

Se llama composición porque intervienen en ella varios elementos que, formando una unidad, nos ofrecen un todo
coherente; se llama literaria porque se vale del lenguaje propio de la literatura para dar la impresión estética que
toda expresión literaria debe tener.

Todo escrito es una composición, sea literaria o no, que tiene que someterse a ciertas reglas; como es una
comunicación de ideas, éstas deben ser claras y asimilables por el lector; tiene que reunir ciertas características
para que cumplan con su misión: transmitir un pensamiento en forma eficaz, es decir, que pueda ser recibido por la
persona. Toda expresión, para que se convierta en comunicación consta de tres factores: EMISOR (escritor),
IDEA, RECEPTOR (lector).
Se han establecido tres elementos necesarios en la composición literaria: invención, disposición y elocución.

I. INVENCIÓN: quiere decir estructurar, forjar, imaginar, elegir el tema sobre el cual va a versar la
composición, así como las ideas que complementen dicho tema. El tema es la idea central, nuclear, de la
composición.

Las ideas expresadas en la composición literaria deben ser:
 CLARAS: Los pensamientos deben captarse fácilmente.
 ORIGINALES: los pensamientos deben ser propios, es decir, sin llegar al plagio.
 SOLIDAS: los pensamientos deben estar de acuerdo con la realidad o ser al menos verosímiles.

II. DISPOSICIÓN: quiere decir poner en orden las ideas, enlazándolas y jerarquizándolas.
Esta fase de la composición literaria es muy importante. Ya que se tiene todo el material, es necesario
seleccionar, discriminar las ideas para tomar en cuenta sólo aquellas que contribuyan para integrar
convenientemente la composición. Cada párrafo debe contener al menos una idea importante, con sus ideas
secundarias, que vienen siendo los comentarios: agregados, juicios, ejemplos, etc.

III. ELOCUCIÓN: quiere decir verter al papel las ideas ya dispuestas mentalmente, de tal manera que
las palabras y oraciones digan exactamente lo que se quiere comunicar y no otra cosa.



En este momento hay que tomar en cuenta la materia prima de la composición: el lenguaje. Hay que manejarlo
correctamente. Debe dársele variedad, pero siempre que las palabras conserven propiedad y significación. Hay
que atender al uso de:

 Sinónimos: palabras de significación semejante, que sirven para enriquecer el lenguaje para darle
variedad.
 Neologismos: palabras nuevas. A este respecto hay que tener mucho cuidado, pues los neologismo
creados por necesidad lingüística genuina son correctos, pero aquellos que han sido creados por
necesidad aparente, esnobismo, moda, etc., deben evitarse; sólo se usarán cuando sea necesario (como
es el caso de un diálogo en el que participen determinado tipo de personajes, cuya caracterización
exige de este tipo de neologismo.
 Tecnicismos: palabras que forman el vocabulario científico. Deben usarse sólo cuando lo requiera la
composición.
 Arcaísmos: palabras inoperantes ya, pasadas de moda. Deben evitarse. Su uso es correcto cuando,
como en el caso de los neologismos creados por necesidad artificial, el personaje lo requiera para su
caracterización.
 Signos de puntuación y ortografía: escritura correcta de las palabras.
 Figuras literarias: lenguaje que expresa belleza y que afecta a la palabra, al pensamiento y a la
traslación de sentido de las palabras.

EL CLASICISMO.

A la aparición de la literatura clásica contribuyo el predominio de la monarquía y el auge de las grandes cortes.
Luis XIV, el Rey sol y su Palacio de Versalles, Estocolmo, Madrid y san Petersburgo. En ésta época surgen
instituciones y costumbres que condicionan la producción literaria y se refleja en ellas:
Los escritores releen a los autores grecolatinos a los que consideran como los maestros por excelencia. No los
imitan servilmente, sino que toman de ellos los géneros literarios modificados para que se adapten a la época y
ciertos lugares comunes de Psicología y moral que se enriquecen con las ideas cristianas de ese tiempo.
Hombres y mujeres de la burguesía se reúnen en los salones literarios. Allí se muestra un gusto por todo lo que
sea distinguido y elegante tanto en las costumbres como en el espíritu y el lenguaje.
Es la época de los grandes moralistas que contagian sus ideas a los dramaturgos y a los poetas. La preocupación
de los escritores es el hombre y la finalidad de sus obras es enseñarlo a conocerse a sí mismo a vencer sus
pasiones.
Los escritores, deseosos de crear una literatura que alcance profundos valores humanos toman como guía a la
razón y la colocan sobre la imaginación y los sentimientos.
Se deja sentir un afán de disciplina.

EL BARROCO.

En el barroco literario las formas renacentistas se van recargando de elementos ornamentales. El barroco es un
fenómeno europeo que en los diversos países asume formas específicas. En España, el culteranismo y el

Literatura Mexicana e Hispanoamericana 20


conceptismo, que llenan todo el siglo XVII y que, por superar en valor literario a las demás escuelas barroco
europeo, merecen especial atención.
El barroco en su doble vertiente, obedece también a un fenómeno histórico: la decadencia política de España. Por
eso no afecta sólo, como en los otros países, a la forma externa, sino que reviste cierto carácter trágico de fondo,
con las siguientes características que señala Blecua: un tono de desengaño y pesimismo, que se traduce en
profunda melancolía; la resignación ante lo inevitable, frente a la alegría de lucha que caracterizó al renacimiento;
en la poesía, concretamente, una desvalorización del concepto petrarquista del amor, con un mayor acercamiento
a la realidad, aunque en poetas como Góngora se advierte paradójicamente una huida de la realidad por un deseo
angustioso de belleza superior. En cuanto a la forma, el culteranismo, representado principalmente por Góngora,
se caracteriza por la distorsión de la sintaxis, por la utilización de neologismos y cultismos, por un recargamiento
del juego metafórico, por la ornamentación y belleza retórica, por la riqueza y la variedad de los elementos
sensoriales; el conceptito, que tiene como autores más representativos a Quevedo y Gracián, consisten en una
racionalización intensa del concepto, del que hace un juego sutilísimo de ideas y violentos contrastes de
pensamiento, al tiempo que rechaza elementos ornamentales y extrema las posibilidades expresivas del lenguaje,
dándole, con su agudeza y concisión, una fuerza nervadura.

DIFERENCIA ENTRE EL LENGUAJE BARROCO Y EL CLÁSICO.

Mientras que en el lenguaje barroco dominaba el ornato y artificio, en el lenguaje clásico dominaba el criterio de
naturalidad y selección.
Durante la época clásica culminó la tendencia a eliminar el amaneramiento latinizante, a diferencia del barroco
que introduce multitud de vocablos tomados del latín.
La norma general imperante en el lenguaje clásico era la expresión llana, libre de afectación, pero depurada según
los gustos del habla cortesana que resulta contrastante con la expresión elegante pero ajena al lenguaje común,
característica del lenguaje barroco.
El lenguaje poético de Garcilaso (que sirvió de modelo a toda la poesía española del Siglo de Oro) se distinguió
por las imágenes, epítetos y esquemas distributivos de la materia poética en el verso, todo hecho con la más tersa
y elegante sencillez a diferencia del lenguaje gongorino que está lleno de cultismos y neologismos.
En el clasicismo se emplea un lenguaje corriente espontáneo. En el barroco se emplea un lenguaje poético, selecto
e inaccesible al vulgo, erudito, armonioso y espléndido

EL ROMANTICISMO.

 El romanticismo es una nueva manera de ver la vida.
 Se refleja en las costumbres, en la política, la literatura y todas las manifestaciones acústicas.
 Rompe con las reglas impuestas por las Academias.
 Impone el sentimiento sobre la razón.
 Lucha por la libertad en todos los sentidos y se rebela contra todo lo que sujete o limite.
 El autor impone su yo como medida de todo y se coloca con sus impresiones y sentimientos en primer
plano.
 La realidad choca con el mundo subjetivo del autor romántico y de ahí provienen:



 La melancolía, la frustración, la sensación de fracaso;
 El gusto por la soledad, la noche, la luna, los cementerios, las ruina;
 La muerte como última solución y con ella el suicidio;
 La evasión en el tiempo y por lo tanto la recreación histórica;
 El ensueño, lo fantástico;
 Lo exótico y lo primitivo;
 El gusto por la naturaleza.

 El romanticismo se caracteriza en el aspecto formal:
 Por permitir una gran libertar métrica;
 Por dar lugar a la aparición de formas literarias nuevas;
 Por permitir formas de expresión más sencillas, más libres, sin énfasis, en ocasiones coloquiales.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA LITERATURA DEL SIGLO XX

 El arte pedía una total libertad y se pronunciaba en contra de normas y restricciones estéticas anteriores
 Lleno de diversas y profundas aportaciones artísticas con modelos que reúnen diversas propuestas
estéticas.
 En la literatura contemporánea se continúan impulsos y aportaciones artísticas, como las del
romanticismo y del realismo.
 Interés por la historia como tema literario.
 Aumento de la precisión y la minuciosidad reconstructiva en la novela histórica.

EL ROMANTICISMO HISPANOAMERICANO

En Hispanoamérica, el movimiento romántico surge a partir de las imágenes que brindan los artistas europeos. Las
lecturas de Lord Byron, Víctor Hugo y Walter Scout, entre otros, conforman el marco literario a partir del cual la
poesía, la prosa y aun el teatro en Hispanoamérica conciben en el terreno de las ideas los principios de libertad, de
intensidad, de éxtasis que supone la experiencia romántica.
En nuestro continente, el romanticismo contó asimismo con una expresión notoria en el terreno novelístico. Entre
las obras principales de esta etapa destacan María de Jorge Isaacs y Amalia, de José Mármol.

Entre los principales representantes del romanticismo mexicano se encuentran:

1. Manuel Carpio con su poema ―El río Cosamaloapan‖
2. Ignacio Rodríguez Galván (primer romántico) con su obra profecía Guatimoc.
3. Fernando Calderon con su poema El soldado de la libertad.
4. Manuel M. Flores con su obra Pasionarias.
5. Manuel Acuña con su poema Ante un cadáver.



6. Manuel Payno con su obra El fistol del diablo, los bandidos del río frío considerada el mejor cuadro
costumbrista del siglo XIX.
7. Vicente Riva Palacio historiados en novelas como Martín Garatuza y Memorias de un impostor.
8. Ignacio Manuel Altamirano de principios románticos y patrióticos en novelas como Clemencia y El zarco.
9. José Joaquín Fernández de Lizardi conocido como el pensador mexicano escribió El periquillo Sarniento,
la Quijotito y su prima, Don catrín de la Fachenda.

EL REALISMO

Es un movimiento literario, surgido a mediados del siglo XIX como reacción contra el romanticismo teniendo
como representantes a autores como Honorato de Balzac y Gustavo Flaubert, en Francia y Carlos Dickens, en
Inglaterra, Dostoievski y Tolstoy en Rusia.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS

 Se orienta hacia la observación de la conducta social.
 Transcribe con exactitud los sucesos de la vida cotidiana.
 Tendencia hacia la reproducción fiel de la realidad que se manifiesta principalmente en la novela y el
teatro.
 Cuidadoso análisis de las costumbres.
 Detenida reconstrucción literaria de los escenarios en que se desarrollan las acciones.
 Reproducción de la lengua coloquial o familiar.

De la observación de tipos, ambientes, costumbres, etc., habían surgido el realismo y el costumbrismo. Pero pronto
los autores no se conformaron con llevar a la literatura un trozo de vida, sino que fueron más allá; tomando como
base los estudios más avanzados de la época sobre los métodos experimentales en las ciencias biológicas, se
empezaron a inclinar por el materialismo y así surgió una nueva tendencia: el naturalismo. En esta escuela se nos
presenta a los individuos como parte y producto de un determinado ambiente que los señala y les confiere cierta
fisonomía, tanto interna como externa, que no puede dejar de reflejarse en su vida.

EL MODERNISMO

Es un movimiento literario de origen hispanoamericano, que cubre desde el último cuarto del siglo XIX hasta la
segunda década del siglo XX. Surge como una reacción contra los excesos del Romanticismo y el Realismo.
Se inspira en corrientes poéticas francesas como el parnasianismo y el simbolismo; los modernistas rechazan el
mundo cotidiano, el lugar común, la vulgaridad de la expresión y las imágenes gastadas.
El modernismo fue un movimiento que unificó a Latinoamérica y que significó fundamentalmente una renovación
formal y la conquista de la originalidad en nuestras tierras.
Las primeras manifestaciones del modernismo se dan en México.



PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS

 Refinamiento verbal, busca connotaciones sugestivas y sensuales
 Aprovecha las sutilezas del espíritu parnasiano y la musicalidad e imaginación del simbolismo
 Introduce importantes innovaciones en la métrica del verso español
 Da al verso nuevas armonías por medio de la acentuación y la rima no usuales.
 Intenta hace la poesía la prolongación de la música.
 Logra hallazgos en el uso de la metáfora y el adjetivo
 Frente a la realidad inmediata, algunos autores idealizan el pasado nacional, otros, en cambio, vuelven
sus ojos hacia lejana culturas: el oriente, Francia, la cultura grecolatina.
 Posee y difunde un espíritu cosmopolita.
 En su preciosismo verbal abundan el léxico de reyes, princesas, duques, castillos, cisnes, etc.
 Toma del Romanticismo el ansia de libertad ilimitada.
 Menciona con frecuencia la mitología clásica.

LA POESÍA DEL SIGLO XX EN HISPANOAMÉRICA

El rompimiento con el modernismo no se realiza en forma drástica. Algunos de los poetas posmodernistas
anunciaban en su obra el cambio. Pero no fue sino hasta la época de la Primera Guerra Mundial cuando los
escritores americanos, que mantenían profundos nexos con el mundo cultural europeo, resintieron la influencia de
las escuelas de vanguardia. Es entonces cuando llegan a América los llamados ismos europeos que se manifestaron
no sólo en la literatura sino en la pintura y en la escultura.

UN PRECURSOR DEL RENACIMIENTO ITALIANO:
DANTE ALIGHIERI
Introducción
En la Baja Edad Media, Italia ofrece dos claras tendencias literarias: una que cultiva la literatura popular y
religiosa y otra de marcado carácter culto. De ambas surge la escuela del Dolce stil nuevo que intenta lograr una
síntesis entre lo popular y lo culto.
Fue Italia el país en el que se inició el primer brote del mundo renacentista, particularmente en la ciudad de
Florencia, en el siglo XIV. Se despierta un gran interés por la cultura clásica grecolatina y en este ambiente es que
surge la figura de Dante Alighieri.

DANTE ALIGHIERI
Dante nació en Florencia en 1265. Como otros italianos de su época, se sintió muy atraído por los escritores
latinos y la lengua latina, pero aprendió también otros idiomas como el francés y el provenzal. Fue muy estudioso
y le interesaron tanto la ciencia como las letras, el derecho y el arte.



Fue, además un político activo, y ocupó diversos cargos públicos. Por sus ideas políticas, fue desterrado de
Florencia.
Quizás el dato más curioso de su vida sea que, cuando sólo tenía nueve años, conoció a Beatriz Portinari, mujer
que se convirtió en su musa para el resto de la vida y que tiene una presencia muy intensa en La divina comedia,
su obra más representativa. En realidad, se trata más de una imagen de mujer que de una mujer real, pues nunca la
conoció ni, mucho menos, compartió su vida con ella. Volvió a verla nueve años después (ya casada) y cuando la
joven falleció, apenas con veinticuatro años, su muerte resultó un duro golpe para Dante. Se trata, sin duda, de un
amor platónico, que rindió abundantes frutos en la literatura de este escritor. Beatriz inspira sus poemas en la obra
Vida nueva y aparece como compañera de viaje del poeta en la tercera parte de La divina comedia, el Paraíso.

LA DIVINA COMEDIA
El infierno, de El Bosco
Esta es una de las obras clásicas por excelencia. Se trata de un texto escrito en verso, en tercetos endecasílabos.
Cada una de sus partes está dividida en cantos, a su vez compuestos de tercetos. La composición del poema se
ordena según el simbolismo del número tres: tres personajes principales,
Dante, que personifica al hombre, Beatriz, que personifica a la fe, y Virgilio, que personifica a la razón; la estrofa
tiene tres versos y cada una de las tres partes cuenta con treinta y tres cantos. La estructura matemática de la
Divina comedia, por otra parte, es mucho más compleja de lo que aquí se esboza.
Tiene tres partes: el Infierno, el Purgatorio, el Paraíso.
La primera parte narra el descenso del autor al Infierno, acompañado por el poeta latino Virgilio, autor de "La
Eneida", a quien Dante admiraba. Acompañado por su maestro y guía, describe los nueve círculos en los que son
sometidos a castigo los condenados, según la gravedad de los pecados cometidos en vida. Dante encuentra en el
Infierno a muchos personajes antiguos, pero también de su época, y cada uno de ellos narra su historia brevemente
a cambio de que Dante prometa mantener vivo su recuerdo en el mundo; cada castigo se ajusta a la naturaleza de
su falta y se repite eternamente. Es particularmente recordada la historia de Paolo y Francesca, amantes adúlteros
que se conocieron al leer en el libro de Lanzarote los amores de la reina Ginebra y este caballero, que fue motivo
de inspiración y homenaje por poetas románticos y contemporáneos, así como la historia de Ugolino da Pisa, el
último viaje de Ulises, el tránsito por el bosque de los suicidas, la travesía del desierto donde llueve el fuego y la
llanura de hielo de los traidores.

En la segunda parte, Dante y Virgilio atraviesan el Purgatorio, y allí se despiden, pues a Virgilio, un pagano, no le
está permitido entrar al Paraíso. La despedida de ambos es señalada por muchos críticos como uno de los
momentos más conmovedores del libro. El purgatorio es una montaña de
cumbre plana cuyas laderas son escalonadas y redondas, simétricamente al Infierno. En cada escalón se redime un
pecado, pero los que lo redimen están contentos porque poseen esperanza. Dante se va purificando de sus pecados
en cada nivel porque un ángel en cada uno le va borrando una letra de una escritura que le han puesto encima. En
el purgatorio encuentra a famosos poetas, entre ellos a Publio Papinio Estacio, autor de la Tebaida. Cerca de la
cumbre está la fuente Eunoe, en la que al beber se olvidan todas las cosas malas y sólo se recuerdan las buenas.
En el Paraíso, de estructura no menos compleja que la del Infierno y concebido como una rosa inmensa en cada
uno de cuyos pétalos se encuentra un alma, y en cuyo centro mareante se encuentra Dios, Dante encuentra a su
amada, Beatriz, cercana a Dios. Cuando el poeta dirige la mirada a Él su memoria se desborda, se desmaya y
despierta.



Autor Obras

Representantes de Género Narrativo

Giovanni Bocaccio  El Decamerón (obra más importante y representativa)
 Filocolo
 Filostrato
 La Teseida
 Ameto
 La amorosa visión
 La elegía de doña Fianmmetta Las ninfas de Fiésole
Miguel de Cervantes Saavedra  La Galatea (1585)
 El ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha (1605)
 Novelas ejemplares (1613)
 Segunda parte del ingenioso caballero don Quijote de la Mancha (1615)
 Los trabajos de Persiles y Segismunda (1617)
 La Gitanilla
 El amante liberal
 Rinconete y Cortadillo
 La española inglesa
 El licenciado Vidriera
 La fuerza de la sangre
 El celoso extremeño
 La ilustre fregona
 Las dos doncellas
 La señora Cornelia
 El casamiento engañoso
 El coloquio de los perros
 El viaje del Parnaso (1614)
Benito Pérez Galdós  La desheredada (1881)
 Fortunata y Jacinta (1887)
 Miau (1888)
 Tristana(1892)
 Nazarín (1895)
 Misericordia (1897) – su obra maestra-
 Marianela

Juan Rulfo  El llano en llamas
 Pedro Páramo
 Nos han dado la tierra



Julio Cortázar  Los Reyes (1949)
 Bestiario (1951)
 Final de Juego (1956)
 Las armas secretas (1959)
 Los premios (1960)
 Historias de Cronopios y de Famas (1962)
 Rayuela (1963)
 Todos los fuegos el fuego (1966)
 La vuelta al día en ochenta mundos (1967)
 62/Modelo para armar (1968)
 Último round (1969)
 La prosa del Observatorio (1972)
 Libro de Manuel (1973)
 Octaedro (1974)
 Alguien anda por ahí (1977)
 Territorios (1978)
 Un tal Lucas (1979)
 Deshoras (1982)
 Nicaragua tan violentamente dulce (1983)
 Divertimento (1986)
 El Examen (1986)
 Diario de Andrés Fava (1995)
 Adiós Robinson (1995)
Gabriel García Márquez  Cien años de soledad (1967)
 La increíble y triste historia de Cándida Eréndira y su abuela desalmada
(1972)
 El otoño del patriarca (1975)
 Crónica de una muerte anunciada (1981)
 La mala hora
 El coronel no tiene quien le escriba
 Los funerales de la mamá grande
 La hojarasca
Mario Vargas Llosa  La ciudad y los perros (1962)
 La casa verde (1966)
 Los cachorros (1967)
 La guerra del fin del mundo (1981)
 Pantaleón y las visitadoras (1973)
 La tía Julia y el escribidor
 La señorita de Tacna (1981)


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