1. George Gershwin
Compositor estadounidense. En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había
dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes
llegados de Europa, George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente
autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su
patria. Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes
del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares
como el de la música sinfónica y la popular.
Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a
temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el
piano de oído. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor,
Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o
Debussy. Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron
Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus
comedias musicales. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque
latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.
Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que,
sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a
componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre
todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, La, la, Lucille. Su
inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor. A éste siguieron
otros títulos como Lady Be Good, Oh Kay!, Funny Face, Girl Crazy y Of Thee I Sing, que
contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus
admirados Kern y Berlin.
A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las
salas de concierto. Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando
estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su Rhapsody in blue, una pieza para piano y orquesta
en la que de manera original se sintetizaban algunos elementos del jazz, como la síncopa, con
otros de procedencia clásica. La obra fue polémica, sobre todo a causa de esa misma mezcla de
estilos «serio» y «ligero» que constituye su esencia, pero en poco tiempo consiguió hacerse con
un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas.
Rhapsody in blue fue la primera obra seria en que Gershwin abandonó los fáciles éxitos de las
operetas, del cinematógrafo y de los teatros de variedades, e intentó revestir las características
rítmicas, instrumentales y temáticas del jazz con los modos sabios de la música europea, la cual
estaría representada en este caso por el poema sinfónico de Strauss. Con todo, algo del énfasis y
de la megalomanía instrumental del modelo ha pasado a la susodicha imitación americana,
sofocando en parte la frescura y la sinceridad de los elementos del jazz.
El "blue", que es, como se sabe, típica expresión americana que indica tristeza, nostalgia o
melancolía, sentimiento característico que se infiltra en la ruidosa jovialidad, dio lugar a un ritmo
en el que se inspiró Gershwin cuando quiso celebrar, en su primera composición de gran acierto y
serias aspiraciones, la vida intensa y tumultuosa de las metrópolis, los torbellinos de las
muchedumbres atareadas, el caos de las grandes arterias bulliciosas y palpitantes bajo las moles
despiadadas de los rascacielos, la insatisfacción y la tristeza reprimida del individuo perdido en
medio de la muchedumbre. Fenómeno típicamente americano; la flor del sentimiento brota tenue y
delicada del árido suelo de cementos y asfaltos en la geométrica rigidez de la vida
moderna.Musicalmente, Rhapsody in blue está compuesta de varios órdenes de elementos: los
2. gritos lacerantes y descarados de una abigarrada instrumentación de jazz, atractiva con la
insignificancia de su fácil y clamorosa alegría; el angustiado replegarse en la nostalgia de los
instrumentos de cuerda y de los saxofones; y por debajo de todo esto, el ritmo obstinado y
frenético del jazz, ininterrumpidamente palpitante como el cuerpo gigantesco de la gran ciudad,
como el pisoteo de los pies de la enorme muchedumbre atareada. Rhapsody in blue no es una
obra ligera y burlesca, como podría darlo a creer su exterioridad espectacular y brillante; en ella
está profundamente sentida y parcialmente expresada la trágica contradicción de la vida moderna
en las grandes metrópolis apresuradas, rígidas y desecadas en sus construcciones geométricas
de cemento y acero. Una especie, en suma, de Dos Passos musical, incluso por su ingenua
afición a la sensacional exterioridad técnica.
El éxito de Rhapsody in blue no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo
que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más
ambiciosas. En 1925 llegó otra composición concertante, el Concierto para piano en fa, a la que
siguió la pieza sinfónica Un americano en París.
Estrenada el 13 de diciembre de 1928 en Nueva York, Un americano en París es una partitura
colorista y brillante en la que Gershwin intentó describir las impresiones de un turista
estadounidense mientras pasea por la capital gala. Y lo hizo con un envidiable sentido del humor,
evidente en algunos originales recursos instrumentales, como el sorprendente uso de bocinas de
automóvil o la cita de melodías de variopinta procedencia. La orquestación es del propio
Gershwin, y en ella interviene destacadamente la batería, así como las cuatro bocinas de auto
adquiridas por el compositor en un establecimiento situado en la avenida de la Grand'Armée. El
cine, de la mano del director Vincente Minnelli y el actor y bailarín Gene Kelly, contribuirían a la
celebridad de la pieza.
La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, en la
que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense,
representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea. Gershwin escogió para su primera y
única ópera (su prematura muerte truncó la realización de nuevos proyectos) un argumento en el
que se describe de forma vívida y poética la vida de una comunidad negra en el sur de Estados
Unidos, concretamente en la localidad de Charleston.
Sus protagonistas principales son el inválido Porgy y Bess, una joven con problemas de adicción a
las drogas. El conflicto estalla cuando Crown, el amante de ella, mata a un hombre durante una
partida de dados y huye. Cuando Bess busca refugio al lado de Porgy, el amor nace entre ellos
dos. La felicidad de ambos, sin embargo, no será posible: Crown regresa y Porgy se ve obligado a
matarlo. Con Porgy en la cárcel, Bess cederá a las insinuaciones de Sporting Life, un traficante de
drogas, para marchar a Nueva York con él. Cuando el inválido sale de la prisión y se entera de la
noticia, decide partir en busca de su amada.
Compuesta sobre un libreto escrito por su hermano Ira, su habitual colaborador, y Du Bose
Heyward, sobre una novela original del segundo, Porgy and Bess no sólo es el título de la obra
fundamental del repertorio operístico estadounidense, sino que también es el de una de las más
extraordinarias óperas del siglo XX. Una de las características más sorprendentes de esta ópera
es el uso que su autor hace del jazz (asociado primordialmente al personaje de Sporting Life) y del
espiritual afroamericano. Ya en obras anteriores Gershwin se había distinguido por su habilidad
para sintetizar recursos de estos lenguajes con la tradición clásica europea, pero es en su ópera
donde esta síntesis alcanza sus mejores resultados. Números como Summertime (una de las
canciones más universales de todo el repertorio estadounidense), Oh, I got plenty o'nuttin o Bess,
you is my woman now son absolutamente inolvidables. Ellos son los que, junto a algunas páginas
corales, hacen de Porgy and Bess una obra irrepetible y fascinante.
El estreno de Porgy and Bess tuvo lugar el 30 de setiembre de 1935 en Boston, provocando el
desconcierto de algunos críticos por su innovador uso de fórmulas procedentes del jazz y del
espiritual africano, dos estilos alejados de la ópera convencional. A pesar de esa inicial resistencia
por parte de la crítica especializada, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de
todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia. George
3. Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral
truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores
más representativos y universales.
