1. La Historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en lamúsica y su
ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la
historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha
venido siendo habitual, a Occidente, donde se ha utilizado la expresión «historia de la
música» para referirse a la historia de la música europea y su evolución en el mundo
occidental.
La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de la
cultura, como la organización económica, el desarrollo técnico, la actitud de
los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticasmás generalizadas
de cada comunidad, la visión acerca de la función del arteen la sociedad, así como las
variantes biográficas de cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente,
según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el
planeta, hace más de 50 000 años.1
Es por tanto una manifestación cultural universal.
Índice
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1 Música en la Prehistoria (50.000 a.C. - 5.000 a.C)
2 Mundo antiguo (5000 a. C.-476 d. C.)
o 2.1 Antiguo Egipto y Mesopotamia
o 2.2 Antigua Grecia
o 2.3 Antigua Roma
o 2.4 La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china
3 Música de la Edad Media (476-1500)
o 3.1 La música en la Iglesia católica primitiva
o 3.2 El canto gregoriano
 3.2.1 Otros tipos de liturgia
 3.2.1.1 Véase también
4 Música del Renacimiento (1500-1600)
o 4.1 Escuela flamenca
o 4.2 Música renacentista francesa
o 4.3 Música renacentista italiana

2. o 4.4 Música renacentista inglesa
o 4.5 Música renacentista alemana
o 4.6 Música renacentista española
5 Música del período de la práctica común o "clásica" (1600 - 1900)
o 5.1 Barroco (1601-1750)
 5.1.1 El bajo continuo
 5.1.2 El sistema tonal
 5.1.3 Primer Barroco (1600-1650)
 5.1.4 Barroco medio (1650-1710)
 5.1.5 Barroco tardío (1700-1760)
o 5.2 Clasicismo (1750-1800)
 5.2.1 La orquesta y nuevas formas musicales
 5.2.2 Escuela de Mannheim
 5.2.3 Otras escuelas
 5.2.4 Clasicismo mediterráneo
o 5.3 Romanticismo (1800-1900)
 5.3.1 El piano romántico
 5.3.2 Música programática
 5.3.2.1 El lied
 5.3.3 Sinfonía romántica
 5.3.4 Los nacionalismos (1850-1950)
 5.3.4.1 Rusia
 5.3.4.2 El Grupo de los Cinco
 5.3.4.3 Bohemia
 5.3.4.4 Escandinavia
 5.3.4.5 Francia
 5.3.4.6 España
o 5.4 Impresionismo (1860-1940)
6 Música moderna y contemporánea (1910 - presente)
o 6.1 Música modernista y contemporánea académica
 6.1.1 Futurismo
 6.1.2 Crisis de la tonalidad y atonalismo
 6.1.3 Primitivismo

3.  6.1.4 Microtonalismo
 6.1.5 Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo
 6.1.6 Neoclasicismo
 6.1.7 Música electrónica y concreta
 6.1.8 Música aleatoria y vanguadismo radical
 6.1.9 Micropolifonía y masas sonoras
 6.1.10 Minimalismo
 6.1.11 Música cinematográfica
 6.1.12 Poliestilismo
 6.1.13 Espectralismo
 6.1.14 Nueva simplicidad
 6.1.15 Libre improvisación
 6.1.16 Nueva Complejidad
o 6.2 Jazz
 6.2.1 Jazz de Nueva Orleans
 6.2.2 Dixieland
 6.2.3 El jazz de Chicago y New York
 6.2.4 La era del swing
 6.2.5 Bebop
 6.2.5.1 Cool jazz
 6.2.6 West Coast jazz
 6.2.7 Hard bop
 6.2.8 Soul jazz y Funky jazz
 6.2.9 Free jazz
 6.2.9.1 Post-bop
 6.2.10 Jazz rock y jazz fusión
 6.2.10.1 Jazz latino y jazz afrocubano
 6.2.11 Jazz flamenco y otras fusiones étnicas
 6.2.12 La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo.
 6.2.13 El jazz contemporáneo
o 6.3 Música popular
 6.3.1 Rock
 6.3.2 Música pop (1980-2000)

4. o 6.4 Referencias
o 6.5 Bibliografía
o 6.6 Enlaces externos
[editar]Música en la Prehistoria (50.000 a.C. - 5.000 a.C)
Artículo principal: Música en la prehistoria.
Danza de Cogul (provincia de Lérida). En esta pintura rupestre varias mujeres danzan alrededor de un
hombre desnudo. Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las
culturas prehistóricas.
Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras
que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades
intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una
función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con
los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.2
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida
y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta
doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos
de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También
aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para
producir sonidos.
Hay constancia de que hacia el 3000 a. C. en Sumeria ya contaban con instrumentos
de percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien
lamentaciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas
donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada
principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las

5. manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus
sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo
del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre
que podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:
a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que
están construidos, son instrumentos de percusión, hueso contra piedra por ejemplo.
b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el
hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un
recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.
c) Cordófonos: de cuerda, el arpa.
d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.
Uno de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso
con agujeros.
[editar]Mundo antiguo (5000 a. C.-476 d. C.)
Artículo principal: Música en la Antigüedad.
[editar]Antiguo Egipto y Mesopotamia
La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los
sacerdotes, en el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo
contó con instrumentario rico y variado, algunos de los más representativos son el
arpa como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En
Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio,
acompañaban al monarca no solo en los actos de culto sino también en las suntuosas
ceremonias de palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más
apreciados en Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada
origen de la cultura musical occidental.
[editar]Antigua Grecia

6. Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de lacultura indogriega. Era
habitual encontrar a un músico tocando una siringa o similar.Ancient Oriental Museum de Tokio.
En la Antigua Grecia, la música se vio influenciada por todas las civilizaciones que la
rodeaban, dada su importante posición estratégica. Culturas como
la mesopotámica,etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante
influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales. Los griegos
daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música. Por ello está muy
relacionada con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de
una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la
historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música
estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la
música. Pitágoras la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza
para llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos,
acompañados de danzas y el aulós, un instrumento parecido a la flauta. Surgen
asimismo dramas,tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la
danza, la música y la poesía.
Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulós,
la siringa(una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo
el tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro,
las castañuelas.
[editar]Antigua Roma

7. Euterpe con unaflauta. Sarcófago de las musas. Museo del Louvre, en París.
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de esta era muy importante, y aunque ambas
culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a
la manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la
música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos,
añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos
vivían de una manera bohemia, rodeados siempre de fiestas.
En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los
autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo
trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel
trascendental en estas obras teatrales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Estos eran
unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de la tibia (una especie
de aulós). Los romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música
vocal. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que significabailarines en
etrusco. Ninguna música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño
fragmento de una comedia de Terencio.
Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece
considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria,
Egipto y las que provenían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer
antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola
virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Pese a
todo esto, no está claro que Roma valorara institucional y culturalmente a la música.
[editar]La música en la China Antigua: simbología y textura en
la música tradicional china

8. Artículo principal: Cultura de China.
Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional china.
Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima
consideración. Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la
música China está impregnada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una
de las filosofías más antiguas del mundo.
En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a todas las
representaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido
concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de
cada momento, con su estética correspondiente.
Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera
empírica, sin necesidad de fengs humanos ni mitológicos. Como cosa natural
debieron haber relacionado las distintas longitudes de los tubos con los distintos
sonidos que en estos se obtienen. No es raro, tampoco, que les hayan aplicado la
relación 3:2, dado que esta tenía para ellos un valor simbólico. Armonizar el cielo con
la tierra.
Un sistema musical "representa el inventario de sonidos de que se vale una música, la
altura y distancia de sonidos musicales entre sí". Si ubicamos que corresponde a una
quinta justa, un poco más chica que la que se obtiene con cuerdas. Este principio se
denomina cíclico, porque el total de sonidos que integra la escala repertorio, se va

9. generando por una constante matemática en las longitudes de los tubos que integran
el sistema. Musicalmente se manifiesta por intervalos de quinta justa al ascender y de
cuarta justa al descender.
Representación de una cadencia típica en la música china.
La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada.
Si soplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a fa4 se
obtendrá una quinta justa superior, es decir do5. Pero estedo5 también se puede
obtener soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del
primero.
Al cortarse un tercer tubo, que mida dos tercios de do5 se obtendrá una quinta justa
superior a do5, es decir, sol5. Como este sonido está muy alejado dehuang-chung, se
duplica su longitud y se obtiene Sol4, dado que la relación doble corresponde a la
octava.
Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo sol4,
cortando un tubo que midiera cuatro tercios de do5.
Trabajando así, y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro
tercios, llegaron a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la octava
justa, por cierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. Obtuvieron
entonces, una escala dodecafónica de temperamento desigual.
El peligro de esta escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las
fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Si
otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico
(2/3-4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones, y cada vez se hacen
más complicadas las ecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42,666-56,888-etc.,
meros lu para su escala usual.

10. Sistema tonal chino tradicional.
En el siglo IV a. C. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar la
octava, es decir, intentaron el temperamento igual, pero solo en el año 1596 el
príncipe Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio equivalente al
temperamento igual.
Para que la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal,
materiales más durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas
constituyeron los litofonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce lajas,
luego se añadían seis más. Los litofonos no eran instrumentos melódicos propiamente
dichos, sino puntos de ri-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los
primeros antepasados en wu-i (instrumentos) y chia-chung(canto). Todo esto debía
relacionarse, asimismo, con danzas específicas.
Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera
inferior correspondía a los lu impares (principio yang, masculino) y la superior a los lu
pares (principio yin, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la perfección en sí
mismo pues de él depende todo el sistema, es la fuente de origen del mismo, es el
sistema en potencia. Por eso a la hilera impar le correspondía el principio yang.
Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y el
femenino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo
femenino es la madre y el masculino el hijo.
Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica,
pentatónica anhemitonal (sin semitonos).

11. Desde el año 1300 a. C. se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde
cinco transposiciones modales, o sea que tomando como tónica cada uno de sus
sonidos, el número teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12 lajas es
de 60 modos pentatónicos, y 84 si se trata de escalas con piens. Este número de
escalas posibles variaba también según las dinastías, y asimismo variaba el número
de escalas reales empleadas.
[editar]Música de la Edad Media (476-1500)
Artículo principal: Edad Media.
Artículo principal: Música medieval.
Artículo principal: Música de la Edad Media de España.
Artículo principal: Compositores medievales.
Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la
música del periodo tardío romano. La evolución de las formas musicales apegadas al
culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. La
música monódica profana comenzó con las llamadas canciones
de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de
los menestrelli,juglares, trovadores y troveros, junto a los minnesinger alemanes. Con
la aparición en el siglo XIII de la escuela de Nôtre-Dame de París, la polifonía alcanzó
un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo
XIV con el llamado Ars Nova, que constituyó la base de la que se sirvió
el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento.
[editar]La música en la Iglesia católica primitiva
Artículo principal: Rito litúrgico católico.
Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de Milán
hacia el año 325 d. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los
primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. Estos cristianos
primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos musicales
predominantes paganos de la Roma de aquella época.
Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías
orientales. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con
Asia que con Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo
testamento dentro delLibro de los salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son
canciones de alabanza de tradición helénica. Son estas formas de música de origen
oriental y basadas en una melodía cantada solo con la voz humana y sin

12. acompañamiento instrumental de ningún tipo, las que dieron forma a la música desde
entonces y hasta principios del segundo milenio.
En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al
emperador Justiniano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos una
interesante referencia de su música: «...ellos (los cristianos) tenían la costumbre de
reunirse en un día específico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se
tratase, con un canto alterno».
El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta
una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y
se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.
San Ambrosio, obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona.
Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se
propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio
romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una
dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada región.
[editar]El canto gregoriano
Artículo principal: Canto gregoriano.
El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia católica. Es utilizado como
expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa.
Las principales características generales de este estilo musical son las siguientes:
normalmente son obras de autor desconocido, son cantadas solo por
hombres, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son obras
escritas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido a
pocas personas, la melodía se mueve grados conjuntos y los llamados ocho modos
gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros.
Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día
en el que son interpretadas, según el incipitliterario pueden ser himnos, salmos,
cánticos de alabanza, etc.; según el modelo de interpretación, si son de tracto solista
o congregatorio, antifonal (alternación de dos coros), responsorios de solista y coro o
de estilo coral directo.
[editar]Otros tipos de liturgia
 Liturgia ambrosiana o liturgia milanesa: canto de finales del siglo IV, que crean el
himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial.

13.  Liturgia hispánica o liturgia mozárabe: canto mantenido en las regiones de Al-
Andalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es
sustituido por el canto gregoriano, menos en aquellas ciudades que solicitaban
una dispensa para mantener su propio canto, como fue la ciudad de Toledo.
 Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.
[editar]Véase también
 Liturgia católica
 Secuencia (liturgia)
 Misa (música)
 Canto mozárabe
[editar]Música del Renacimiento (1500-1600)
Artículo principal: Música renacentista.
Artículo principal: Compositores del Renacimiento.
[editar]Escuela flamenca
Es en la región flamenca (en los Países Bajos) donde, por su desarrollo económico, la
polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV
y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto
excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una
mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros
musicales de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico
flamenco. Esto se vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes
catedrales en donde fue creada una gran cantidad de schola cantorum.
Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de
quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin
Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su
estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo
uso del semitono. Se dice que Des Pres escribía tan solo cuando le daba la gana:
algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores.
[editar]Música renacentista francesa
La chanson, música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. En él
destacan Pierre Attaignant, Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600). Las
peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a
su música un carácter enormemente extrovertido, se distinguió por tener realismo
expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus

14. exponentes es Clement Janequin. Escribió una de las canciones populares
llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla,
parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si
quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.
El canto de la reforma religiosa se aplican a melodías de canciones populares y se
utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas.
Juan Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.
[editar]Música renacentista italiana
La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores
flamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico
holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de
la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales:
 la fróttola, que era un tipo de canción estrófica, silábicamente musicalizada a
cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo
homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como
la barzelleta, el capitolo, elestrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz
superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran
amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos.
 la lauda, contrapartida religiosa de la fróttola; se cantaba en reuniones religiosas
semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores.
Era en su mayor parte silábica y homófona, con la melodía en la voz superior,
llamada música.
KK
[editar]Música renacentista inglesa
En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien
desempeñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia
es John Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.
[editar]Música renacentista alemana
Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio
Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba
una guerra contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania
sufrían una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros,
no era permitido componer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la
intervención del cardenal Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania,

15. entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann
Pachelbel y Heinrich Schütz, aunque estos no escribieron la música religiosa en
alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann
Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.
[editar]Música renacentista española
Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española.
Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de
Morales y Francisco Guerrero.
La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe,
incluso el mismo Alfonso X «el Sabio» compuso las cántigas bajo la influencia árabe,
ya que era un gran admirador de su cultura; entre las obras más importantes del
renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de Isabel I de
Castilla y Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras
para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y
el madrigalista Juan del Encina.
[editar]Música del período de la práctica común o
"clásica" (1600 - 1900)
[editar]Barroco (1601-1750)
Artículo principal: Corriente musical del periodo barroco.
Artículo principal: Músicos barrocos.
La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo
XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-
1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania
durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y
revolucionarios de la historia de la música.
En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances
técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo,
expresividad, bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata,
tocata, suite, fuga y la sinfonía.
[editar]El bajo continuo
También llamado bajo continuo, designa el sistema de acompañamiento ideado a
comienzos del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico
de escritura musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan

16. solo el contorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el
relleno armónico, a la invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos
instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola, gamba, violoncelo, contrabajo,
fagot, etc.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín,
órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías,
de acuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras
figuraciones, todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto
musical.
[editar]El sistema tonal
El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval
hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales
del posromanticismo. En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta
por siete asuntos distintos: las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de
escala, los tonos, la modulación y la composición de melodías.
[editar]Primer Barroco (1600-1650)
La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba viviendo
su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico, de lo
excelso a lo sublime; el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo
divino en el campo de batalla que era el Barroco. El theatrum mundi italiano vivía bajo
el precepto de «delectare et movere» („deleitar y emocionar‟). Lasprezzatura italiana,
daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera.
El concerto grosso italiano y laorquesta italiana fueron el prototipo de composición y
de ejecución a seguir por toda Europa occidental. Los castrati juegan un rol
preponderante durante el Barroco italiano, eran el Barroco humano, lo hermoso
extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o manierista, lo bello con lo
monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de la sociedad de
la Italia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini) inmortalizados por una voz que
trascendía el concepto de «perfección», que incluso a algunos llevó a la locura.
El violino italiano, una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo más
para el virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente indicaba
pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta época son los
doce conciertos de Pietro Locatelli, el concerto grosso de Arcangelo Corelli,
el Concerto grosso de las quatro stagioni de Vivaldi.
 Antonio Vivaldi (1678-1741, il prete rosso —„el cura rojo‟—, por el color de su
pelo).
 Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621).

17.  Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano, uno de
los primeros en desarrollar los recursos barrocos, los que aplicó extensamente a
la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de
comienzos del siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía franco-
flamenca. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana.
Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte
de sus óperas se han perdido. Se conservan solo tres "Orfeo" (1607), "El regreso
de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624). Monteverdi sobresalió por su
libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas antiguas y nuevas, del
poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los
instrumentos de la orquesta.
 Girolamo Frescobaldi (1583-1643).
 Heinrich Schütz (1585-1672).
[editar]Barroco medio (1650-1710)
 Jean Baptiste Lully (1632-1687).
 Dietrich Buxtehude (1637-1707).
 Johann Pachelbel (1653-1706).
 Arcangelo Corelli (1653-1713), compositor y violinista italiano, uno de los primeros
grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en
Italia. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. Compuso
tambiénSonatas tanto de cámara como de iglesia. Corelli fue uno de los primeros
compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del
Sistema tonal.
 Henry Purcell (1659-1695).
 Alessandro Scarlatti (1660-1725).
[editar]Barroco tardío (1700-1760)

18. Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la cima de la era barroca.
El barroco en la música, al contrario de en otras ramas del arte, pervive un poco más
en el tiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII, cuando
mueren los últimos grandes exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi, Georg
Philipp Telemann, Jean Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Doménico
Scarlatti y Georg Friedrich Handel.
La última generación importante nacen todos entre 1668 y 1685 donde muchos de
ellos representan el cenit nacional y de la era en el país donde vivieron: Vivaldi en
Italia, Bach y Telemann en Alemania, Handel en Inglaterra, Rameau y Couperin en
Francia y Scarlatti en España. Aunque algunos de ellos no solo se apegan a su
escuela nacional y hacen una magnifica síntesis y resumen de todas las escuelas
como es el caso de Bach, Handel y Telemann, todos nacidos en Alemania, aunque
Handel se marcha a Italia en 1706 para no volver jamás y asentándose en Inglaterra
en 1713 hasta su muerte, convirtiéndose el mayor exponente de la escuela inglesa.
Es con esta generación alemana, especialmente por Bach, cuando el mundo musical
germánico se convierte en la patria musical de primer orden, superando Italia y
desplazando en ser la máxima potencia musical, que durara hasta principios del siglo
XX, desde Bach hasta Schonberg y la segunda escuela de Viena.
En esta última etapa del barroco, que comienza hacia 1700-1710 cuando esta
generación empieza a ser activa en el mundo musical de la época, la música adquiere
y avanza a un nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos,
desde los géneros y formas, hasta la forma de escuchar la música pasando por los
instrumentos e instrumentación. El barroco musical adquiere aquí una espléndida
madurez, apogeo y una gran refinación inédita en las dos etapas anteriores que
culminará especialmente en la obra de Bach y Handel, las dos grandes figuras
dominantes de este periodo.

19. Jean Philippe Rameau es el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach estableció el
sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Sus obras son la cumbre del Barroco francés.
La técnica de la polifonía y el contrapunto aún tiene una especial importancia en esta
época, de forma más notable en Alemania y sobre todo en Bach, pero la homofonía
adquiere cada vez más auge y importancia, conviviendo las dos técnicas durante
algunas décadas de forma a la par durante esta generación de compositores, algunos
de ellos como Bach o Handel, dominándolos con gran maestría.
Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo
asentamiento de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más
importantes de la música universal, el clave bien temperado BWV 846-893, de Bach,
una colección en dos libros publicados en 1722 y 1744 que se compone de 24
preludios y fugas cada libro en los tonos del sistema tonal, siendo una magnifica
demostración del sistema tonal que estará vigente hasta principios del siglo XX.
En el mismo año del primer libro, 1722, de forma simultánea aunque independiente,
se publicara también el primer gran tratado del sistema tonal: "Tratado de armonía
reducida a sus principios naturales" deJean Philippe Rameau, que aunque este
tratado es imperfecto, se utilizara de referencia hasta principios del siglo XX.
Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo
anterior, pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y abrirán
un camino de algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la
segunda mitad de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con
acompañamiento sin bajo continuo.
Handel es una gran figura del último Barroco. Sus óperas son la máxima expresión del género en esa
era, siendo conjuntamente con Mozart, el compositor más importante del género en el siglo XVIII.
En cuanto a instrumentos, se hacen varios cambios y algunos instrumentos de etapas
precedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso mucho antes, el

20. laud y la viola la gamba, en general remplazados por otros más nuevos que en esta
época alcanzan un gran auge técnico y de prestigio, como el violín, la guitarra o el
violonchelo. El clave seguirá omnipresente en toda la música de este periodo
culminando su larga trayectoria de los siglos anteriores en las obras de Bach,
Rameau, Handel, y Scarlatti, aunque estará en boga hasta 1770. El órgano seguirá
teniendo un peso importante en Alemania, donde con Bach alcanza su más alta
expresión en toda la historia.
Conforme pasa el tiempo el estilo Barroco, que llevaba ya mucho tiempo como el
estilo dominador de la música occidental, es rechazado por las generaciones
posteriores a los últimos grandes exponentes del Barroco, que practicaran un estilo
más sencillo, con apenas contrapunto, el estilo Galante, en boga desde 1730.
La nueva generación ilustrada, nacida a partir de 1700, la rechazara por complicada,
recargada, por abusar del contrapunto, por árida y antigua, y el estilo quedara
apegado a partir de 1730 a las generaciones más viejas del momento, extinguiéndose
prácticamente entre 1741 y 1767, con la muerte de Vivaldi, Bach, Handel, Rameau y
Telemann.
[editar]Clasicismo (1750-1800)
Franz Joseph Haydn
Es el estilo caracterizado por la transición de la música barroca hacia una música
equilibrada entre estructura y melodía. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz
Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus
representantes más destacados
Artículo principal: Música del clasicismo.
[editar]La orquesta y nuevas formas musicales

21. Wolfgang Amadeus Mozart
 Carl Philipp Emanuel Bach
 Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austriaco, una de las figuras más
influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750-1820). En 1755
trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus
primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde
Fernando Maximilian von Morzin. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio
de los príncipes Esterhazy ―primero Paul Anton y luego Nikolaus―, donde tuvo a
su disposición una de las mejores orquestas de Europa.
 Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor austriaco del periodo clásico.
Uno de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental.
Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que
trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Desde pequeño
fue niño prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto,
debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. Se
caracterizaba por su estilo sencillo, claro y equilibrado, aunque sin huir la
intensidad emocional. En su enorme producción musical (más de 600 obras, a
pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otros géneros musicales, sus
conciertos para piano y sus óperas.

22. Ludwig van Beethoven
 Ludwig van Beethoven (1770-1827), compositor alemán, considerado uno de los
más grandes de la cultura occidental. Se formó en un ambiente propicio para el
desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de
talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que
era tenor en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como
músico de la corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela
del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre
por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se
pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang
Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no
pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con
el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto por
sus principios clásicos como por su libertad de expresión, por lo que se lo sitúa
como el último de los clásicos y el primero de los románticos.
[editar]Escuela de Mannheim
La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la
escuela de Mannheim. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela
orquestal. A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la
época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el
compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían
todas las orquestas clásicas del período.
Esta escuela contribuyó a fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos
orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas.
Además dividió la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.
[editar]Otras escuelas

23. La Escuela de Viena. La particularidad de esta escuela es el uso de temas de carácter
contrastante. Tuvo como representantes aFlorian Leopold Gassmann, Georg
Monn y Georg Christoph Wagenseil.
La escuela de Berlín. La importancia de esta escuela radica en que fue el primer lugar
en donde se inicia la técnica del desarrollo. Como representante está Carl Philipp
Emmanuel Bach.
[editar]Clasicismo mediterráneo
 Luigi Boccherini
 Ferran Sors
 Antonio Soler
[editar]Romanticismo (1800-1900)
Artículo principal: Romanticismo.
Artículo principal: Música del Romanticismo.
[editar]El piano romántico
 Franz Schubert (1797-1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su
tiempo, cuyos lieds (canciones para voz solista y piano basadas en poemas
alemanes) están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos
instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX.
Escribió obras para piano, música sinfónica, religiosa y numerosas óperas.
 Félix Mendelssohn (1809-1847), compositor alemán, una de las principales figuras
de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. A los 9 años debutó como
pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la
obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que
contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al
compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl
Friedrich Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de
Johann Sebastián Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo.
 Frédéric Chopin (1810-1849), comenzó a estudiar piano a los cuatro años.
Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque
más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca.
También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817.
Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante

24. quienes tocaba en sus reuniones musicales. A los 20 años de edad dejó su
Polonia natal en un viaje de estudios, pero nunca regresó. Su obra se caracterizó
por el intimismo, la delicadeza, la facilidad melódica, y una revolucionaria técnica
de ejecución. El piano fue su instrumento por excelencia, y tuvo gran popularidad
e influencia en los compositores de su época.
 Robert Schumann (1810-1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde
niño, ya demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su
formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical
se vio truncada por la muerte de su padre, aunque posteriormente reemprendería
sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió
descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En 1839,
Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus
últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y
periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.
 Franz Liszt
 Johannes Brahms (1833-. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre,
contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó
a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador
gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de
conciertos como pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi.
Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quien lo
presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan
sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que
escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven
compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa
pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de
ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso.
[editar]Música programática
[editar]El lied
El lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Consiste en la
interpretación de un poema realizada por un cantante y piano. La estructura general
es A B A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. El creador del
lied es Schubert, sus principales temas eran la muerte, el amor y la naturaleza.
[editar]Sinfonía romántica

25. [editar]Los nacionalismos (1850-1950)
[editar]Rusia
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su
ópera Una vida para el zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a
convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados
en la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera
de Dargomyzhski El convidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó
esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa.
Una vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores,
despertó una gran atención tanto en su país como en el extranjero. Sus operas rusas
ofrecían una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que
su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de
lo tradicional y lo exótico.
[editar]El Grupo de los Cinco
Artículo principal: El Grupo de los Cinco.
De este grupo de cinco, solo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili
Balákirev, ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por
su composición En las estepas de Asia Central y por Bailes polovtsianos de su
ópera Príncipe Ígor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del
folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan
características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La
noche en el Monte Calvo y Cuadros de una exposición, que posteriormente llamaron
la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su
trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más
improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade.
También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua rusa.
Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color
brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música
de tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes.
Obras como la obertura de Marcha eslava, y Capricho italiano ubican definitivamente
a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a
menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas.

26. [editar]Bohemia
 Smetana (Mi patria)
 Antonín Dvořák (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo Mundo
[editar]Escandinavia
 Jan Sibelius (Finlandia)
 Edvard Grieg (Peer Gynt).
[editar]Francia
[editar]España
 Isaac Albéniz (Suite Iberia)
 Enrique Granados (Goyescas).
[editar]Impresionismo (1860-1940)
El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y
principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los
compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una
mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los
timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque
los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se
relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes
mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este
movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.
 Gabriel Fauré
 Claude Debussy
 Maurice Ravel
 El Bolero de Ravel
 Isaac Albéniz
 Suite española y Suite ibérica
 Enrique Granados
 Manuel de Falla
 Joaquín Rodrigo
 El Concierto de Aranjuez
 Jesús Guridi
 El caserío.

27. [editar]Música moderna y contemporánea (1910 -
presente)
Artículos principales: Música del siglo XX, Música modernista, Música académica
contemporánea, Jazz y Música popular.
El siglo XX estará marcado por dos grandes acontecimientos que serán muy decisivos
en la historia de la música occidental, y marcarán el avance posterior que seguirá la
música hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandono de la tonalidad y la
total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de
la era barroca a partir de 1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras
ramas de las artes. A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y
los compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los
instrumentos, los colores, la tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente
nueva y alejada del período de la práctica común de los últimos trescientos años.
El segundo gran evento y el más reciente es el nacimiento y auge de un nuevo tipo de
música que es totalmente diferente de las dos grandes ramas en que se dividía hasta
ese momento la música: la étnica y la académica, la popular. Este tipo de música
nacerá gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las nuevas tecnólogias de
principios del siglo XX. En ese momento, la música occidental de origen europeo
pierde la unidad que conservaba desde su nacimiento en la Edad Media, ya no hay un
tipo, sino dos. A partir de ese momento la que se venía tocando desde hace siglos se
la conocerá de forma coloquial como música "clásica" y la nueva será la música
"popular". Con el auge de la música popular, y de forma simultánea, nacerá y se
expandirá conjuntamente con el nuevo tipo de música la industria musical. El efecto
de la música popular y la industria que viene con ella cambiarán drásticamente los
hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.
[editar]Música modernista y contemporánea académica
[editar]Futurismo
Artículo principal: Futurismo.
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo
XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso
Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909
en el diarioLe Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los
signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea,

28. esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo
recurría a cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía,
publicidad, moda, cine y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo
año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales
compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.
Russolo concibe en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una
consecuencia a los estudios previamente realizados por Pratella. La «música de
ruidos» fue posteriormente incorporada a las performances, como música de fondo o
como una especie de partitura o guía para los movimientos de los intérpretes, además
inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue
duramente criticada en su época. Entre sus obras más significativas destaca Los
Relámpagos de 1910.
Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se
utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica
(técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
[editar]Crisis de la tonalidad y atonalismo
Artículos principales: Atonalidad y Cromatismo (música).
Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran
en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de1885, período que ya se hablaba de
una "crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más
frecuente de acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las
inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de lamúsica tonal. La
distinción entre lo excepcional y lo normal se hizo más y más borrosa, y como
resultado, se produjo un aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través
de los cuales los tonos y armonías habían sido relacionados entre sí. Las conexiones
entre las armonías eran inciertas, las relaciones y sus consecuencias se volvieron tan
tenues que apenas funcionaban en absoluto. A lo sumo, las probabilidades del
sistema tonal se habían vuelto demasiado oscuras; en el peor de los casos, se
estaban acercando a una uniformidad que proporcionan pocas guías para la
composición o la escucha. A principios del siglo XX compositores como Claude
Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl
Ruggles, Ígor Stravinsky y Edgard Varèse, escribieron música que se ha descrito, total
o parcialmente, como atonal. Aleksandr Skriabin realizó un particular estilo de
impresionismo y atonalidad, basando obras como Mysterium, Poema del
éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por cuartas y tritonos llamado

29. "acorde místico", muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por
intervalos de tercera.
La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como
"atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la
armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la
ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold
Schoenberg. El primer período de piezas libremente atonales de Schoenberg (de
1908 a 1923), tienen a menudo como un elemento integrador a una célula interválica
que, además de la expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que
las notas individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para
permitir la superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o
más células básicas". Otros compositores en Estados Unidos como Charles
Ives, Henry Cowell y más adelante George Antheil, produjeron música impactante
para la audiencia de la época por su desprecio de las convenciones musicales.
Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad,
extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles
Seeger enunció el concepto de contrapunto disonante, una técnica usada por Carl
Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.
[editar]Primitivismo
Artículo principal: Primitivismo.
Ígor Stravinsky (1982-1971), su obraLa consagración de la primavera es considerada la obra más
importante del siglo XX.

30. El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más
arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su
afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y
otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los
dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinsky y el húngaro Bela
Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos
trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para
Diáguilev. Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para
ser interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos
argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto
en su desarrollo como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de
fuego (1910), es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido
de la orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el primero
de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer
ballet, La consagración de la primavera (1913), el que generalmente es considerado la
apoteosis del "Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la
brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva
interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo.
Hay varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer
tema basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi
fuera de rango; y el ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del
período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su
acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por
las cuerdas y haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante
del motivo inicial, duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados
cada vez. La consagración es generalmente considerada no sólo la obra más
importante del primitivismo o de Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto por su
ruptura con la tradición, como por la influencia en todo el mundo.
Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El
Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923),
instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con
participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela
nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

31. Bela Bartok (1881-1945) fue el creador de la etnomusicología.
Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador
de música folclórica de la Europa oriental (especialmente de los Balcanes). Bartók fue
uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen
la etnología y lamusicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy
personal e innovador.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las
canciones folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos
nacionalistas. Toma entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria
musical tradicional de su país. Junto con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los
pueblos de Hungría y Rumanía para recoger miles de melodías y canciones que
transcribieron y grabaron con un gramófono. Extendieron luego esa labor a buena
parte de los pueblos de la Europa central y hastaTurquía. Anteriormente, se pensaba
que la música folclórica húngara se basaba en melodíaszíngaras. Pero Bartók
descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas,
al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una buena cantidad de
pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó
acompañamientos para canciones populares.
Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö
Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema.
Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones
con el folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques,
distintos en cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse
incluso en una misma obra en distintas secciones; son el sistema diatónico, basado
en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros
procedimientos que no entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influenciado
también por el folklore, y que se basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en

32. la Proporción áurea. Su obra más puramente "primitivista" sea probablemente Allegro
Barbaro (1911), junto con una gran cantidad de canciones y danzas folclóricas que
Bartok recopiló y musicalizó provenientes del oriente Europeo. Ese mismo año
escribió la que fue su única ópera, El castillo de Barba Azul. Durante la Primera
Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso,
seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente
unas de sus más complejas piezas. Su afán de experimentación lo llevó a un estilo
cada vez más único y genial, con obras como la Música para cuerda, percusión y
celesta, la Sonata para dos pianos y percusión, además de 6 cuartetos de cuerda, la
obra para piano Mikrokosmos, y los tres conciertos para piano y orquesta.
[editar]Microtonalismo
Artículo principal: Microtonalismo.
El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales
menores que un semitono). El músico estadounidenseCharles Ives definía a los
microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”.
Experimentando con el violínen 1895, el mexicano Julián Carrillo (1875-1965)
distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los lanzamientos de G y A
emitida por la cuarta cuerda de violín. Llamó a estas distinciones microtonales Sonido
13 y escribió sobre la teoría de la música y la física de la música. Inventó un simple
notación numérica para representar las escalas musicales sobre la base de cualquier
división de la octava, como tercios, cuartos, quintos, sextos, séptimos, y así
sucesivamente (incluso escribió, la mayoría de las veces, para cuartos, octavos y
dieciseisavos combinados, la notación es la intención de representar cualquier
subdivisión imaginable). Inventó nuevos instrumentos musicales, y otros los adaptó
para producir microintervalos. Compuso una gran cantidad de música microtonal y
grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los cuartos de tono y otras
subdivisiones de la octava recibieron la atención de otros compositores como Charles
Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escalas no
octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos experimentos infructuosos en la
adaptación de un piano de tercios de tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin
Schulhoff dio clases de composición con cuartos de tono en el Conservatorio
de Praga. Destacados compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y
1950 incluyeron a Adriaan Fokker (31 tonos iguales por octava), y aGroven Eivind. La
música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante
casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia.
[editar]Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo

33. Arnold Schoemberg (1874-1951), músico autriaco fundador de la segunda escuela de Viena y creador
deldodecafonismo.
Artículos principales: Segunda escuela de
viena, Dodecafonismo, Serialismo y Expresionismo.
Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg.
Sus primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard
Wagner yGustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para
escribir músicaatonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el
uso delsistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas
propias. Los tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o
la Segunda Escuela Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva
Música tuvo el mismo efecto innovador que laPrimera Escuela de
Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en
la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir,
sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la
tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música
dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la
melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se
escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas son de igual
importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta

34. por las doce notas. El compositor decide el orden en que aparecen con la condición
de que no se repita ninguna hasta el final.
La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus días, y
así permanece todavía en alguna medida. Como carece de un sentido
de melodía definida, algunos oyentes la encontraban —y todavía la encuentran—
difícil de seguir. A pesar de ello, actualmente se siguen interpretando, estudiando y
escuchando obras como Pierrot Lunaire, mientras que se han olvidado otras
composiciones contemporáneas que en su momento se consideraban más
aceptables. En gran medida, la causa de esto es que su estilo pionero resultó muy
influyente, incluso entre compositores que continuaron componiendo música tonal. A
partir de ellas, muchos compositores han escrito música no basada en la tonalidad
tradicional.
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue
creada por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden
no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las
diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las
dinámicas (los niveles de intensidad sonora), como también para laarticulación. Todas
estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado
serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo.
Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en
el que los sonidos individuales son cuidadosasmente ubicados en la obra de manera
que cada uno tiene importancia— se convirtió en norma en Europa durante los años
cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre compositores de la postguerra
comoOlivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz
Stockhausen e Ígor Stravinsky.
[editar]Neoclasicismo
Artículo principal: Neoclasicismo.
El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una
práctica común de tradición en cuanto a la armonía, al melodía, la forma, los timbres y
los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados,
como punto de partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul
Hindemith, Serguéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores
más importantes usualmente mencionados en este estilo, pero también el
prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneosFrancis Poulenc y Arthur Honegger.
El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales
en las artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso,

35. más ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación
emocional que muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo
en cuenta que los problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la
búsqueda por hacer “más con menos” se tornó en consecuencia una práctica
obligada. Historia del soldado de Stravinski es por esta razón una semilla de pieza
neoclásica, como sucede también en el concierto Los robles de Dumbarton, en
suSinfonía para instrumentos de viento o en la Sinfonía en do. La culminación
neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («Rake's Progress»),
con libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.
Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el
neoclasicismo, mezclando punzantes disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro
de un estilo utilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este
estilo, quizá el más famoso de ellos sea Mathis der Maler. Su producción de cámara
incluye su Sonata para corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles
oscuros y conexiones internas.
El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de Nadia
Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la música de
Stravinski. Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott
Carter (en su primer época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor
Piazzolla y Virgil Thomson.
El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como
intervalo fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques
armónicos y mezcla libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la
audiencia con rapidez, y fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como
la verdadera música moderna.
En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif
Stalin, el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente
estética cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las
vivencias de los hombres por medio del arte. De esta manera los prominentes
compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer
forzadamente en este estilo, incorporando elementos nacionalistas y valores
comunistas, pues cualquier tipo de vanguardia se consideraba como parte de la
decadencia de la burguesía de occidente.
[editar]Música electrónica y concreta
Artículos principales: Música académica electrónica, Música electroacústica y Música
concreta.

36. Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Franciase desarrolló la música
concreta escuela que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta
porque según Pierre Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos
concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales.
El primero que dispuso de esos medios fue Edgar Varese, quien presentó Poème
électronique en el pabellón Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951,
Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el Grupo de Investigación de Música
Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre los que se acercaron se
encontraban diferentes compositores significativos como Olivier Messiaen, Pierre
Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis
Xenakis, Michel Philippot yArthur Honegger. La producción compositiva entre 1951 y
1953 comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952)
por Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y
La voile d‟Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por
Barraqué, las piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por
Schaeffer/Henry, y la música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y
Astrologie (1953) por Henry. En 1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio para
trabajar en las partes en cinta de Déserts y La rivière endormie. En Alemania en
cambio la forma se usar la tecnología se llamómúsica electrónica, que es aquella que
utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto tendría
lugar enDarmstadt en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El canto
de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton
Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para crear música. Otros compositores
abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron cintas magnéticas para crear
música, grabar sonidos, y manipularlos de alguna manera. Hymnen (de
Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky)
ofrecen unos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos
compositores simplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas
relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas
Martenot en cierto número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la
película Los pájaros (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un instrumento
electrónico que él mismo ayudó a desarrollar. Morton Subotnick proveyó la música
electrónica para 2001, una odisea del espacio. Otros compositores como Luigi
Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la investigación y
exploración de la música electrónica.
Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e
instrumentos electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones.

37. Algunos de estos trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras
muestran una violenta y salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon
Mumma y David Tudor crearon e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo
diseñando sus propios instrumentos o usando cintas. En el siglo XX florecieron una
cantidad de instituciones especializas en música electrónica, siendo quizá
el IRCAM de París la más conocida.
[editar]Música aleatoria y vanguadismo radical
El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas
musicales vanguardistas del siglo XX.
Artículos principales: Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.
Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella
se refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de
música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos
como ruidos, grabaciónes, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro,
el absurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados
dentro de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica
en vivo, el teatro musical, la música ritual, la composición de procesos,
el happening musical, o la música intuitiva, entre muchas otras. Entre los
compositores más trascendentales que incursionaron en estas aventuras se
encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el
recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un
papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas.
Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo
de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas

38. aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la
reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la
interpretación simultánea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable
difusión a partir de la década de 1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de
sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John
Cage conMusic of Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del
siglo XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33
segundos). También fue notable el uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico
sobre eventos cambiantes, el cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual
de Cage. Conocido también por la invención del piano preparado, compuso varias
obras entre las que destaca Sonatas e interludios. El alemán Karlheinz
Stockhausen con Hymnen (1967), y la electrónica Gesang der Jünglinge, fueron hitos
importantes. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco
Donatoni, el polaco Witold Lutosławski, el griego Iannis Xenakis, el húngaro Gyorgy
Ligeti, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y Mauricio Kagel y
los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron significativos.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en
la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones
interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la
improvisación; y el llamadowork in progress, que constituye el máximo grado de azar
en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos,
con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales
como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas.
[editar]Micropolifonía y masas sonoras
Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora.
En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de
diferentes líneas, ritmos y timbres».3
La técnica fue desarrollada por György Ligeti,
quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada
en un flujoarmónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino
que se van convirtiendo en otras; una combinación interválicadiscernible es
gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una
nueva combinación interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a
los clústers, pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que
estáticas».3
El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el
segundo movimiento de su composición orquestalApparitions.4
También son pioneras

39. en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el
primer movimiento de su Requiem, para soprano, mezzosoprano, coro
mixto y orquesta sinfónica. Esta última obra alcanzó gran popularidad debido a que
formó parte de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea
del espacio
La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes
o con instrumentos musicales polifónicos como el piano.3
Aunque el Poème
Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin
parangón».5
Muchas de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de
micropolifonía aplicados a esquemas rítmicos derivados del complejo "minimalismo"
deSteve Reich y de la música de los pigmeos.
Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa
sonora que es una textura musical cuyacomposición, en contraste con otras texturas
más tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para
preferir la textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el
impacto».6
Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo
musical y después se extendió a la escrituraorquestal hacia finales de los años
1950 y 60. La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».6
Una
textura puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto
fusionado de timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern
lights, en una distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado
que se apoya en un redoble de platillo suspendido.»7
Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof
Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis
Xenakis con su obra Metástasis.
[editar]Minimalismo
Artículo principal: Música minimalista.

40. Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es
actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.
Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora
llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio
de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a
otros, a menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora. Ejemplos
tempranos incluyen En do (deTerry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). La
primera de estas obras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del
minimalismo; es una pieza formada por celdas melódicas comprimidas, que cada
intérprete en un conjunto toca a su propio tempo. La onda minimalista de
compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John
Adams yMichael Nyman, para nombrar los más importantes— deseaban hacer la
música accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y
concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más
bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores de la música
tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.
Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes
celdas "fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con la obertura de El
oro del Rin deRichard Wagner, donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte
está controlada por un mismo impulso y se mueve a la misma velocidad.
La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos la
encuentran demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan
que los elementos fijos que a menudo son permanentes producen mayor interés en
los pequeños cambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado
a muchos compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas

41. (como Karlheinz Stockhausen yGyörgy Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John
Tavener y Henryk Górecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más vendido en
los años noventa, encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo
feliz” en obras de profundo sentido religioso.
La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados
minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el compositor de ópera John
Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La expansión del miminalismo de un sistema
musical a música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha
generado una diversidad de composiciones y compositores.
[editar]Música cinematográfica
Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora.
Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los 1920', la música
cumplió un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes
compositores de la década tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic,
incursionaron también en esta área. Sin embargo llaman la atención ciertos
compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a través del cine.
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The
Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away(1944), King
Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with
the Wind (1939). Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred
Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. Bernard
Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The
Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The
Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The
Untouchables (1987), yCinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the
Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John
Williams con; las dos trilogías de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T., el
extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter entre muchísimas
otras. Otros de los grandes compositores, especialmente del último cuarto de siglo en
adelante han sido Nino Rota, Howard Shore, Alan Silvestri, Danny Elfman, Hans
Zimmer y Henry Mancini
[editar]Poliestilismo
Artículo principal: Poliestilismo.
Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas
musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales
del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud

42. ecléctica, que es la de quien recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo
y la actitud poliestilista, que es la de quien fusiona las fuentes de modo coherente,
deliberado y propio. El compositor poliestilista no emplea necesariamente su canon de
estilo y técnica en un solo trabajo sino que en el conjunto su obra se advierte
diferentes "estilos". Esta corriente, pese a haber sido anticipada en una temprana
tendencia que unificaba elementos de folk o de jazz en trabajos clásicos, se desarrolla
realmente desde finales del siglo XX, y mientras más y más estilos entran en juego en
el nuevo siglo, el movimiento se hace cada vez más importante y diverso. Los
compositores poliestilistas han usualmente comenzado su carrera en una corriente
para moverse a otra a la vez que guardando elementos importantes de la anterior.
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze,George Rochberg, Arturo
Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín
Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.
[editar]Espectralismo
Artículo principal: Espectralismo.
La musica espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el
descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral
del sonido musical, en el origen de la percepción del timbre. El espectralismo se
originó en Francia en la década de los setenta alrededor de un grupo de compositores
agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes
Dufourt y Michael Levinas). En Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de
investigación liderado por los compositores Johannes Fritsch, Mesias
Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier, y Clarence Barlow. En Rumania existió un
movimiento importante de esta tendencia liderado por Ştefan Niculescu, Horatiu
Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua
Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija
Saariaho permanecen desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve
Lehman ha introducido técnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El
movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias
contemporaneas de composición y en muchos de los compositores más
jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie,Jean-Luc
Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus
Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco
Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por citar algunos.

43. [editar]Nueva simplicidad
Artículo principal: Nueva Simplicidad.
La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los
componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos
de los ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra
la vanguardiamusical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino
también contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo
y su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva
característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más
fácil con las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje
tonal del siglo XIX así como a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las
combinaciones instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que
habían sido evitadas en su mayor parte por la vanguardia. Para otros compositores,
significó trabajar con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en
contextos no tonales. De entre los compositores identificados de una forma más
cercana con este movimiento, solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una
reputación significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans
Abrahamsen, Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer,Ladislav
Kupkovic, György Kurtág, Roland Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt
Schwertsik y Howard Skempton han sido relacionados ocasionalmente con los
“nuevos simplicistas”. Al menos dos autores han ido aún más lejos al asegurar que
uno de los compositores vanguardistas contra el que se había rebelado más
ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se habría anticipado a
sus posiciones con la simplificación radical de su estilo que se produjo entre 1966 y
1974.
[editar]Libre improvisación
Artículo principal: Libre improvisación.
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas,
secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos
realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a generos musicales reconocibles.
El término es en alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una
técnica (empleada por cualquier músico que quiere olvidarse de generos rígidos y
formas) y como género reconocible en sí mismo. La improvisación libre, como estilo
de música, se desarrolló enEuropa y EE. UU. en la mitad y fines de la década

44. de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por
lamúsica clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este
estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek
Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
[editar]Nueva Complejidad
Artículo principal: Nueva complejidad.
La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida
en la década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de
múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren
simultáneamente en todas las dimensiones del material musical". Es muy abstracta,
disonante y atonal, caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las
posibilidades de la escritura musical. Esto incluye el uso de técnicas
extendidas, texturas complejas e inestables,microtonalidad, contorno melódico
altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios bruscos en la textura, y
así sucesivamente. También se caracteriza, a diferencia de la música de los
serialistas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, por la
dependencia frecuente de sus compositores en concepciones poéticas, muy a
menudo implicados en los títulos de las obras individuales y en los ciclos de trabajo de
cada compositor.
Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael
Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.
[editar]Jazz
Artículos principales: Orígenes del jazz, Jazz y Jazz contemporáneo.
[editar]Jazz de Nueva Orleans
Artículo principal: Hot.
Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin
del siglo XIX, ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz
rudimentario, como las de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L.
Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de
Nueva Orleans,8
suele considerarse a Buddy Bolden como la primera gran figura y el
iniciador del primer estilo definido de jazz.nota 1
Convencionalmente, se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz.
Aún no se ha desprendido de las influencias delminstrel y contiene todas las
características propias del hot. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las

45. conocemos, no existían; de hecho, los solistas elaboraban largas variaciones
melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones
diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran
ambulantes y solían preferir siempre interpretarespirituales, ragtimes, marchas y
cantos de origen afrocubano. El peso sonoro y conceptual de la música recaía en
la corneta, que era quien desarrollaba las melodías, apoyada por el trombón y
el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodía base. Es lo
que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del jazz de Nueva Orleans».9
El resto
de los instrumentos (usualmente banjo,tuba, caja y bombo, aunque paulatinamente
fueron introduciéndose el contrabajo, el piano y la batería) tenían una función
meramente rítmica. En ocasiones se usaba el violín como complemento en la sección
de metales.
Es una escuela de bandas célebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de John
Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900- 1909), y otras de
renombre histórico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass
Band del trompetista Papa Celestin, ésta anterior al cambio de siglo. También estaban
las bandas del cornetista Papa Mutt Carey, que se reputa como el introductor de
la sordina de «desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah, y que tenía
a Sidney Bechet en el clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole
Orchestra, etc.
[editar]Dixieland
Artículo principal: Dixieland.
A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del
Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas
variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron
más las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas
menos "africanas".10
El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos
técnicos", con melodías más pulidas y armonías "limpias".11
Además, se introdujeron
el piano y el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el
estilo tailgate de los trombonistas.
Sus principales figuras fueron, en una primera época, el corneta Papa Jack Laine, que
se reputa como el "padre del dixieland";12
el trompetista Nick La Rocca y sus Original
Jass; los Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New
Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. En la década de los 40, el Dixieland
disfrutó de un poderoso revival, obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of

46. Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y aún hoy en día existen bandas
con nombres tan rancios como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.
[editar]El jazz de Chicago y New York
El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917,
supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la
zona, pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música
en vivo.13
Este hecho inició la gran migración de los músicos de jazz hacia las
ciudades del norte, y especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una
agitada vida nocturna,14
con una poderosa escena de blues y ragtime, desde una
década antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll
Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, se trasladaron a la «ciudad del viento» y
grabaron allí sus primeros discos, a comienzos de la década de 1920.
En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto y
lacónico, desbrozado de adornos, económico en recursos, bañado «en una atmósfera
exasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión hot».15
El sonido
perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y
abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se
desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías
paralelas, dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus). El material
temático tendió hacia un abandono de los rags y stomps y su sustitución por blues y
canciones de influencia europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta
época es la de la explosión del llamado «blues clásico», con artistas como Bessie
Smith, que se rodeaban de bandas de jazz en sustitución del tradicional
acompañamiento de guitarra o piano sólo.
Duke Ellington uno de los principales compositores de swing.

47. El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos
negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que
imitaban a aquellos,16
y supuso algunos cambios importantes incluso en la
instrumentación típica, al comenzar a asentarse elsaxofón. Un buen número de
músicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate,Eddie
Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como figura más
relevante, Bix Beiderbecke.
Desde muy temprano, el jazz se introdujo también en Nueva York, inicialmente a
través de los pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie en los honky tonks,
como James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero también
gracias a bandas, como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students",
dirigida por Will Dixon y Will Marion Cook, en época tan temprana
como 1905.17
Algunos autores destacan también el papel que músicos como Nick La
Rocca o el baterista Louis Mitchell, originario de Filadelfia, tuvieron en la extensión del
jazz en la ciudad.18
Sin embargo, el verdadero estilo de Nueva York, o High Brow,
como se le denominó en su momento, comenzó con la orquesta de Fletcher
Henderson, en la que tocaron todas las grandes figuras del jazz de los años 1920.
Sería precisamente Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un
tipo de jazz estilizado, menos localizado y más universal, «realizado sobre la base de
una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y
escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la
polifonía hot».19
Pero la escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyección
aún, Duke Ellington, procedente de Washington D.C., que alcanzó gran fama con sus
sesiones en el Cotton Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilo
fueron Red Nichols y sus "Five Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William
McKinney y Don Redman, así como la banda del pianista Sam Wooding o la
del panameño de nacimiento, Luis Russell.
El estilo de Nueva York, con el impulso que supuso a las big bands, fue la corriente
principal de desarrollo del jazz a finales de la década de 1920, desembocando en
el swing.
[editar]La era del swing
Artículo principal: Swing (jazz).
En el último tercio de la década de 1920, los estilos de two beat habían agotado sus
posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una
nueva forma de hacer jazz, que se consolidó sobre todo como resultado de la
migración masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos".20
Las