El documento describe el estilo musical conocido como Clasicismo, que se desarrolló entre 1750 y 1820 aproximadamente. Se caracterizó por la claridad de las texturas musicales, el uso de formas como la sinfonía y la sonata, y fue impulsado por compositores como Mozart y Haydn. Fue una época de gran desarrollo de la orquesta sinfónica y de las formas musicales que aún se usan hoy en día.

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EL CLASICISMO

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• Clasicismo es el estilo de la música culta europea
desarrollado aproximadamente entre1750 y 1820 por
compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y
Joseph Haydn. Coincide con la época cultural y artística
hoy denominada, en la arquitectura, la literatura y las
demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus grandes centros
de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo,
Viena.
• Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría
de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el
establecimiento de las formas musicales clásicas
(sinfonía, sonata, cuarteto...).

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Características
• Uso de la textura de melodía acompañada, consistente
en el predominio de la voz más aguda, que centra el
interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos
la acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o
la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito
explícitamente (desuso del bajo continuo).
• Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas,
con frases estructuradas en antecedente y consecuente
(o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en
las armonías de dominante y tónica, respectivamente.

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Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre)
que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones
y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
Compás muy claro y regido también por la armonía.
Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se
escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y
articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del
ejecutante.
Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma
sonata) pero con gran interés y variedad en la estructura
interna de la música. Es en este periodo cuando se definen
claramente las formas y estructuras en las que se basa la
música culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la
sinfonía y el concierto clásico.

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Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el
conjunto al que están destinadas:
La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el
piano), o bien para piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.).
El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas
respectivamente para tres, cuatro, cinco... instrumentos. Entre estas
combinaciones quedan fijadas algunas plantillas fijas, como la del
cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.
La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un
conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de
viento), para ser interpretados al aire libre.
El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.
Todas estas obras son estructuradas de modo similiar, tomando como
modelo la sonata. Tiene esta tres o cuatro movimientos.

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ESTRUCTURA DE LA SINFONÍA
http://youtu.be/JTc1mDieQI8

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LA ORQUESTA SINFÓNICA
Este es un periodo clave también para la orquesta porque se configura la
orquesta sinfónica como tal, por influencia de Mozart, Haydn y la escuela de
Mannheim.
De la orquesta de cámara heredada del Barroco se mantiene la sección de
cuerdas como base, aunque esta es ampliada en número y suele
complementarse con al menos un par de oboes y de trompas. Al avanzar el
siglo queda fijada la sección de instrumentos de madera a dos: dos flautas
traveseras, dos oboes, dos clarinetes y dos fagotes. La sección de metal solía
incluir entre dos y cuatro trompas, dos trompetas (con timbales) y,
ocasionalmente, uno o varios trombones.
Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el clavecín en la
orquesta, salvo para los recitativos operísticos.

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NUEVOS INSTRUMENTOS
PIANOFORTE
CLARINETE

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La Danza en el Clasicismo
A mediados del siglo XVIII el ballet sufrirá una gran
transformación de la mano del coreógrafo Jean Noverre
quien creará un género en el que la danza, el mimo y la
música podían narrar una historia sin tener que recurrir a
la poesía o la canción. De esta manera surge el ballet
moderno, concebido como la conjunción de música,
coreografía y escena, unificados para expresar una idea
dramática.
Se crearán pasos, argumentos, al igual que el uso del
cuerpo de baile como telón de fondo y se abandonarán
las máscaras, pelucas y vestidos poco prácticos.