40 principales

VIDA
Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga. Fue un pintor y
escultor español, creador del cubismo. Pintó más de dos mil
obras.
Abordó géneros como el dibujo, el grabado, la escultura, etc.
En lo político, se declaraba comunista y pacifista. Fue miembro
del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de
1973 en Notre – Dame – de – Vie (Francia) a los 91 años.
MOVIMIENTO ARTISTICO
La corriente de su obra es el cubismo, que fue un punto de
inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de
vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico. Esta
técnica, iniciada por Picasso y Braque tuvo muchos seguidores.
OBRAS
Guernica: pintado en los meses de mayo y junio de1937, cuyo
título alude al bombardeo del Guernica, ocurrido el 26 de abril de
dicho año, durante la Guerra Civil Española.
Esta obra es sin duda, una de las más tristes que se han pintado
ya que representa un acercamiento a lo que significa una guerra,
en este caso, un bombardeo. Los colores oscuros del cuadro
aumenta el drama, produciendo también sensación de tristeza.
Pablo Picasso

Los Tres Músicos :Es un óleo sobre tela
pintado en 1921
En esta obra vemos a los músicos de
perfil y de frente a la vez, gracias a la
superposición de planos, La obra traslada
al espectador al mundo de la comedia
del arte con, un Arlequín, un Pierrot y un
Monje que aparecen tocando un
instrumento musical. Picasso utiliza sus
conocimientos del collage, ya que los
dibujos coloreados de los vestidos de las
figuras, forman superficies que parecen
hechas con papel pegado y se suceden la
una a la otra, dando al cuadro una alegre
vivacidad, incluso una especie de
movimiento interno
La muchacha de la mandolina: Se trata de
un cuadro pintado entre los años 1910-
1912.
Se caracteriza por la descomposición de
las figuras en formas geométricas, que
luego se reordenan de manera semejante a
un puzle.
La atención se centra en el objeto, pero
solo en su forma, no en su color, por eso
hay cierta tendencia a la severidad
cromática, con el uso de los ocres y los
grises. También se produce la pérdida de la
noción de volumen.
En resumen, la obra, debido a sus trazos,
los planos, la posición de la muchacha etc..
suscita una sensación apacible.

Guernica
Los Tres Músicos
La muchacha de la mandolina

VIDA
Nació el 15 de abril de 1452, en Florencia. Artista,
pensador e investigador italiano que, por su
insaciable curiosidad y su genio polifacético,
representa el modelo más acabado del hombre del
Renacimiento.
Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente,
dibujando animales mitológicos de su propia
invención, inspirados en una profunda observación
del entorno natural en el que creció. Su padre lo
autorizó, cuando Leonardo cumplió los catorce años,
a ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del
Verrocchio, en donde, aprendió pintura, escultura,
técnicas y mecánicas de la creación artística.
En 1482 se presentó ante el poderoso Ludovico
Sforza, el hombre fuerte de Milán.
A finales de 1499 los franceses entraron en Milán;
Ludovico el Moro perdió el poder. Leonardo abandonó
la ciudad acompañado de Pacioli.
Años mas tarde, Leonardo abandonó Florencia
cuando en 1506 Charles d'Amboise, gobernador
francés de Milán, le ofreció el cargo de arquitecto y
pintor de la corte.
En 1513 una nueva situación de inestabilidad política
lo empujó a abandonar Milán. En 1516, muerto su
protector Giulano de Médicis, Leonardo dejó Italia
definitivamente, para pasar los tres últimos años de
su vida en el palacio de Cloux, donde murió el 2 de
mayo de 1519.
El realismo procura retratar esmeradamente las condiciones de vida y
dificultades por las que pasan las clases populares en la esperanza de
cambiar la sociedad. Para este movimiento, el artista debe representar su
tiempo, sin que tenga que posicionarse por un partido definido: debe
retratar los puntos que considera adecuados, denunciando la sociedad.
Leonardo Da Vinci

Gioconda: Está pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla de madera de álamo. La técnica utilizada es el "Sfumato"
La figura de la modelo adquiere una humana vitalidad, con una inefable expresión en el rostro, que parece observarnos y meditar.
El paisaje se pierde en la lejanía, diluyéndose en la nada, como sucede en la observación de la realidad.
Para Leonardo, Sus ojos límpidos tienen el resplandor de la vida, orlados de matices rojos y plomados, estaban bordeados de
pestañas cuyo resultado supone la mayor delicadeza. Las cejas con su implantación a veces más espesa o más rala, según la
disposición de los poros, no podían ser más verdaderas. La nariz, de encantadoras aletas rosadas y delicadas, eran la misma
vida. En el hueco del cuello, el espectadoratento percibía el latir de las venas.
San Jerónimo: Esta obra inacabada presenta rasgos inconfundibles del pintor, como el paisaje del fondo, con las montañas
azuladas de grandes rocas. Leonardo se limitó a diseñar el plan general, incluyendo detalles como la iglesita que se ve entre
las rocas a la derecha, o el contorno del león. La parte terminada es el rostro y el comienzo del torso del santo, cuya vejez
recuerda a los dibujos anatómicos que Leonardo tomó del llamado "Centenario".
La última cena: considerada la mejor obra pictórica del mundo fue realizada entre 1495 y 1497.
El motivo del cuadro es el momento en el que Jesús acaba de anunciar que uno de sus discípulos lo traicionará. Para captar las
expresiones más verosímiles, Leonardo estudió las poses, las expresiones faciales y las fisionomías de muchos de sus
contemporáneos, que después incorporó al cuadro.
Esta escena, refleja cuando los apóstoles muestran un sorprendente despliegue de emociones y reacciones ante la noticia de que
uno de ellos traicionará a Jesús.

La última cena
San Jerónimo
Gioconda

VIDA
Nació el 19 de enero de 1839 en
Francia. Pintor, comenzó sus estudios en
el colegio Bourbon de su ciudad natal,
donde entabló relación con Émile Zola.
Se matriculó, por influencia paterna, en
la facultad de derecho, aunque pronto
comprendió que su verdadera vocación
era la pintura. Una vez en la capital
francesa, se inscribió en la Academia
Suiza para preparar el examen de
ingreso en la de Bellas Artes.
Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a
Aix y aceptó un empleo en el banco de
su padre, pero en 1862 decidió volver a
París para consagrarse definitivamente
a la pintura. Allí reanudó su amistad con
Zola y continuó sus estudios en la
Academia Suiza, donde conoció a
Guillaumin y a Pissarro. Como sus
coetáneos, se convenció de la
importancia de pintar al aire libre, y, tras
volver nuevamente a París en 1872,
realizó una colección de paisajes en
Louveciennes junto a otros artistas que
inauguraron su denominado «período
impresionista». El artista murió en Aix, el
22 de octubre de 1906.
Su gran etapa se produce en el Impresionismo, que nace como una
evolución a ultranza del Realismo y de la Escuela paisajística
francesa de finales del siglo XIX. El Impresionismo se corresponde
con una transformación social y filosófica; por un lado, el
florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo.
El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las
reuniones domingueras, etc.
OBRAS
Martes de carnaval: obra inspirada en el teatro, cuyas figuras son
extraídas de la tradición de la comedia italiana con sus trajes
característicos.
Las figuras se enmarcan por dos gruesos cortinajes desarrollando una
sensación de dinamismo.
El suelo, distorsionado desde el punto de vista de la perspectiva, produce
el efecto de deslizarse hacia atrás, por lo que los pies del arlequín
parecen demasiado grandes.

Gran pino: Creada quizas como
homenaje a los árboles que tantas veces
había visto y captado con sus pinceles,
realizó este soberbio lienzo en el que
parece sintetizar todo el bosque
provenzal.
El gran pino se presenta en el centro de
la composición, erguido, mientras sus
jóvenes compañeros parecen retirarse
para que nuestra retina se detenga en el
anciano y majestuoso árbol.
Los jugadores de cartas: Hay una cierta
desproporción entre el tamaño de las
cabezas y la de los cuerpos. Se trata de un
recurso para transmitir mayor sensación
de masa, de estructura en las formas. Así,
los brazos son cilíndricos, lo mismo que el
sombrero del jugador de la izquierda.
El sombrero del otro jugador parece
semiesférico.

Martes de carnaval El gran pino
Los jugadores de cartas

VIDA
Nació en París, el 7 de junio de1848. Fue un pintor posimpresionista.
Jefe de filas de la Escuela de Pont-Avent e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los
pintores franceses del siglo XIX.
Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo,
movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.
El Neo-Impresionismo es básicamente un movimiento de reacción ante el Impresionismo: habiendo agotado éste su intención
estética, la única que tenía en realidad, se ve incapaz de ir más allá. Sus veteranos, y los jóvenes pintores de París y otros países
europeos influidos por el nuevo estilo, se enfrentan a la necesidad de abrir nuevas vías de investigación pictórica.
OBRA
La visión después del sermón: Esta obra muestra un grupo de mujeres bretonas que tienen una visión, inducida por el sermón que
acaban de escuchar.
La visión muestra el episodio bíblico de la lucha entre Jacob y un ángel, mensajero de Dios, para comunicarle su nuevo nombre,
Israel.
El Cristo amarillo: El dibujo y las formas están muy simplificadas. El color se aplica arbitrariamente, sin conexión con lo observado
en la naturaleza, sino más bien con las necesidades expresivas del artista.
El amarillo del Cristo indica el sufrimiento y la humanidad de la figura, transmitiendo al espectador una sobrecogedora sensación de
dramatismo.
Mujeres tahitianas: La escena representa a dos jóvenes tahitianas sentadas en la playa.
Aplica gruesas pinceladas de colores planos sobre el lienzo, en áreas delimitadas por el dibujo negro. Las formas se han depurado y
simplificado en consonancia con el mensaje de sencillez y armonía naturales.
Por otro lado, consigue un efecto decorativo mediante el uso equilibrado del color, que está presente en tonos puros y brillantes.

Mujeres tahitianas
La visión después
del sermón
El Cristo amarillo

VIDA
Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros y 1.600
dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo. La gran amistad entre ellos está documentada
en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1827.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros
de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y
los fauvistas.
Podemos introducir su obra en el Posimpresionismo, término histórico-artístico que se aplica a los estilos
pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo.
Engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un
rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación
compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y
expresión a su pintura.

OBRA
La noche estrellada: En este cuadro combina dos de
los elementos que más le apasionaban durante
esta época de su vida: los cipreses y las
estrellas.
La composición de este cuadro está marcada por la
presencia de los cipreses, que se alzan como
dos llamas negras sobre un cielo estrellado con
la luna en cuarto menguante al fondo. La línea
del horizonte está baja, dando el protagonismo
al cielo.
La presencia imponente de los cipreses a la
izquierda queda equilibrada por la de la luna, a
la derecha.
Las grandes espirales y remolinos, que
intensificaban la sensación de dramatismo.
Café de noche. (Interior): En la composición de la
escena, destaca el punto de vista muy elevado y
en diagonal. Una puerta abierta provoca una
mayor sensación de profundidad.
La perspectiva está algo distorsionada, subordinada
a las necesidades expresivas del artista.
Destaca un uso arbitrario del color a base de pares
de complementarios.
Es llamativa la contraposición del verde con el rojo de
las paredes.
Retrato de Père Tanguy: El dibujo de la figura de
Tanguy es vigoroso, sin embargo en el fondo,
repleto de estampas japonesas, hay un fuerte
colorido.
Van Gogh emplea una pincelada suelta, alargada y
empastada, que será su marca identificativa en
adelante.
Destaca el uso arbitrario del color en beneficio de la
expresión del artista, que también será constante
a lo largo de su obra.

Retrato de Pére Tanguy
Café de noche
La noche estrellada

VIDA
Fue un pintor barroco,
considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española
y figura indiscutible de la pintura
universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla
donde desarrolló un estilo
naturalista de
iluminación tenebrista por
influencia de Caravaggio y sus
seguidores.
Se trasladó a Madrid y a los 24
años fue nombrado pintor del rey,
y cuatro años después fue
ascendido a pintor de cámara, el
cargo más importante entre los
pintores del rey.
Su catálogo consta de 120-125
obras. El reconocimiento como
pintor universal se produjo
tardíamente, hacia 1850. Alcanzó
su máxima fama entre 1880 y
1920, coincidiendo con los
pintores impresionistas franceses
para los que fue un referente.
El barroco surgió a principios
del siglo XVII y de Italia se
irradió hacia la mayor parte de
Europa. Durante mucho tiempo
tuvo un sentido peyorativo, con
el significado de recargado,
desmesurado e irracional,
hasta que posteriormente fue
revalorizado a fines de siglo XIX.
La palabra barroco fue
inventada por críticos
posteriores, más que por los
practicantes de las artes en
el siglo XVII y principios de siglo
XVIII, es decir, los artistas que
plasmaban dicho estilo.
Subrayaba el exceso de énfasis
y abundancia de
ornamentación, a diferencia de
la racionalidad más clara y
sobria de la Ilustración.
D
I
E
G
O
V
E
L
A
Z
Q
U
E
Z

OBRAS
Las meninas: Es una pintura realizada al óleo sobre
un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras
representadas a tamaño natural.
El tema central es la infanta Margarita de Austria,
aunque la pintura representa también otros
personajes, incluido el propio Velázquez.
El artista resolvió con gran habilidad todos los
problemas de composición del espacio, la perspectiva
y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la
gran facilidad para caracterizar a los personajes.
Un espejo representado al fondo de la pintura refleja
las imágenes del rey Felipe IV de España y su
esposa Mariana de Austria.
El triunfo de Baco: El cuadro describe una escena
donde aparece el dios Baco que corona con hojas de
hiedra, a uno de los siete borrachos que lo rodean;
podría tratarse de un poeta inspirado por el vino. Otro
personaje semimitológico observa la coronación.
Algunos de los personajes que acompañan al dios
miran al espectador mientras sonríen.
En ella se representa a Baco como el dios que premia
o regala a los hombres el vino el cual libera de forma
temporal a los hombres de sus problemas.
La escena puede dividirse en dos mitades. La de la
izquierda, con la figura de Baco muy iluminada está
cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio, y la
parte de la derecha, que presenta a unos borrachines,
hombres de la calle que nos invitan a participar en su
fiesta.
En esta obra, Velázquez introduce un aspecto profano
a un asunto mitológico, en una tendencia que
cultivará aún más en los siguientes años.
Cristo crucificado: En la composición del Cristo,
sereno, con cuatro clavos y la cabeza inclinada, hay un
recuerdo del que en varias ocasiones pintó su suegro
Pacheco, cuyo eco llega también a Alonso Cano. El
modelado, blando y suelto, ha perdido la precisión
escultórica de los años juveniles, pero su técnica
ligera, esfumada y sin apenas pasta de color, crea un
cuerpo esponjoso de luz, mas no por ello menos real.
Por su serenidad y su indefinible misterio ha sido este
lienzo punto de partida de meditaciones literarias.

El triunfo de Baco
Las meninas
Cristo crucificado

VIDA
Fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la
pintura y el grabado, siendo el artista más importante de la historia de Holanda.Su aportación a la pintura
coincide con la edad de oro holandesa.
Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, y durante veinte años se convirtió en el maestro de
prácticamente todos los pintores holandeses.
El barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho
tiempo tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que
posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX.
La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes en el siglo
XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que plasmaban dicho estilo.
Subrayaba el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y
OBRA
La ronda de noche: En esta pintura podemos ver la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el
que éste da la orden de marchar al alférez Willen van Ruytenburch.
Rembrandt utiliza el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre penumbra y luz, los tonos del
lienzo son principalmente, los tierras y ocres, aunque hay que destacar el rojo, los blancos, amarillos y negros de
algunos trajes.
A pesar de ser un maestro barroco, vemos una obra tremendamente realista por la verosimilitud con la que
están representados los personajes y el movimiento que se siente al observarlos.

El hombre rico de la parábola:
Sentado tras una mesa en una
habitación, vagamente indicada, un
viejo con gafas contempla con
atención una moneda a la luz de una
vela, que le alumbra a él y al objeto,
en la oscuridad de la noche. El
hombre está rodeado de libros y
legajos, con escrituras que sugieren
hebreo y que a la vista de la moneda
en su mano, el platillo de oro ante él,
la gran bolsa cerca y los objetos de
oro en el cofre abierto tras él no
contienen textos eruditos sino la
administración de sus posesiones. A
la izquierda hay un reloj sobre una
estufa.
Travestimiento irónico: Retrato que
Rembrandt le hizo a su hijo Titus
como un monje. El pintor utiliza este
pretexto para realizar este
nuevo retrato familiar de su hijo.�
Vemos a Titus vestido con la gruesa y
parda indumentaria de un monje con
la capucha puesta.
Este efecto lo utiliza con cierta ironía y a la vez con ternura. La
expresión del rostro es dulce, comprensiva y resignada, propia del
que ha renunciado a lo mundano y se ha refugiado en la búsqueda�
espiritual, pero al mismo tiempo es una expresión tierna e infantil.

Travestimiento irónico
La ronda de noche
El hombre rico de la parábola

VIDA
Nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Lafitte
45 de París. Era el segundo hijo de Claude Adolphe
Monet y su esposa Louise Justine Aubrée. Su padre
era propietario de un negocio que comerciaba con
especies provenientes de las colonias ultramarinas
francesas.
Entre 1851 y 1857 Claude Monet asistió a la escuela
secundaria en El Havre donde recibió clases
de dibujo de Jacques-François Ochard.
Después de la muerte de su madre el 28 de
enero de 1857 su tía, quien era pintora aficionada, se
encargó de él. De estos años provienen los
primeros paisajes de Monet y toma la decisión de
convertirse en pintor.
Fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de
su carrera artística se le adjudica el
estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la
mitad de la década de 1860, son de un estilo realista.
el Impresionismo nace como una evolución a ultranza
del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de
finales del siglo XIX. El Impresionismo se corresponde
con una transformación social y filosófica; por un lado,
el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada
del positivismo.
El cuadro impresionista se vuelca pues en los
paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc.
El Realismo , es un movimiento que intenta plasmar
objetivamente la realidad.
Consigue la máxima expresión en Francia, casi
exactamente, en la mitad del siglo XIX.
Su objetivo era conseguir representar el mundo del
momento de una manera verídica, objetiva e
imparcial.

OBRAS
Campos de bezons: El autor escoge un paisaje de
espigas. En el cuadro se ven tres planos
horizontales (las espigas, el horizonte y el cielo),
rotos por los planos verticales de los árboles.
Consigue profundidad a través de empequeñecer las
imágenes posteriores.
Las pinceladas son pequeñas.
Estanque de nenúfares: Esta obra presenta una de
las numerosas versiones del puente japonés
que Monet tenía sobre el estanque de su jardín.
Es una composición cuidada en la que
predomina el color verde en diferentes
tonalidades para pintar la vegetación y el agua
del estanque. Tiene una iluminación magistral
que consigue a través de los contrastes y de la
luz del sol que representa el momento del día
en que fue ejecutado.
El estanque de los nenúfares, una de las obras más
conocidas de Monet, invita al espectador a
pasear por el jardín japonés de Monet. Es una
obra llena de vida, de luz y de color.
Impresión: Las pinceladas son un tanto libres, rápidas
y directas.
Pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una
condición que sugiere humedad alta y atenuación
atmosférica de la luz. La pintura trata el valor de
contraste simultáneo de los colores, situando tonos
cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en
la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La
vaporización será el elemento fundamental que invade
la superficie, destacando esa humedad que invade la
obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se
condiciona a esta atmósfera húmeda.

Estanque de nenúfares
Impresión
Campos de bezons

VIDA
Nació en Milán, donde su padre, Fermo Merisi, trabajaba
como administrador y arquitecto decorador del Marqués
de Caravaggio, ciudad de la que más tarde tomaría el
nombre. Su madre Lucía Aratori provenía de una familia
adinerada del mismo lugar.
En 1584 entró a trabajar como aprendiz del
pintor lombardo Simone Peterzano.
Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma, y
pocos meses despues, contactó con Giuseppe Cesari.
Caravaggio abandonó el taller de Cesari
en enero de 1594, decidido a abrirse paso por su propia
mano.
Fue un pintor italiano, considerado como el primer gran
exponente de la pintura barroca.
El barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se
irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho
tiempo tuvo un sentido peyorativo, con el significado de
recargado, desmesurado e irracional, hasta que
posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX.
La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores,
más que por los practicantes de las artes en el siglo
XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que
plasmaban dicho estilo.
Subrayaba el exceso de énfasis y abundancia de
ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y
OBRA
El amor victorioso: La obra muestra un Cupido
desnudo, cargando un arco y unas flechas, mientras
pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y el gobierno.
El modelo está desvestido, y es difícil aceptar que se trate
de uno de sus siervos. El punto culminante que relaciona
esta pintura con las religiosas es la intensa ambigüedad
con la que el pintor maneja los modelos de diferentes
posturas, ya sea sacra o profana.
La resurrección de Lázaro: Esta obra presenta una
composición bastante clásica, con unas líneas de tensión
muy estáticas y basadas en triángulos. Los figuras se
encuentran bien definidas. La mayoría de los personajes
aparecen distraídos y ajenos al milagro, de acuerdo con la
doctrina agustiniana de que sólo los receptores de la Gracia
son conscientes de ella.
El martirio de santa Úrsula: En el cuadro la santa atraviesa
uno de los momentos de mayor intensidad, acción y drama
en su martirio, cuando la flecha disparada por el rey de
los hunos, la hiere en sus senos. Todo esto diferencia
especialmente el cuadro de otros, caracterizados por la
inmovilidad de sus modelos

El amor victorioso
El martirio de santa Úrsula
La resurrección de Lázaro

VIDA
Pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto con Robert Campin en Tournai, fue fundador de la Ars Nova, estilo
pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el renacimiento en el norte de Europa. En 1422 trabajó en
La Haya para Juan de Baviera, conde de Holanda. En 1425 Felipe el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor
de la corte, cargo que conservó hasta su muerte.
La asombrosa habilidad técnica de van Eyck y la precisión en los detalles, reproducidos cuidadosamente, fueron
muy admiradas por sus contemporáneos. Sus compatriotas todavía le seguían considerando el rey de los
pintores en el siglo XVI.
Pertenece a la pintura flamenca. Este movimiento, estaba formado por un conjunto de artistas relativamente
aislados de la revolución del Renacimiento. Aún conservaban rasgos del estilo gótico, técnicos, como el uso de la
tabla en lugar del lienzo, y temáticos, sobre todo religiosos y espirituales, sin embargo, la habilidad detallista e
intereses les impulsaron a investigar y a descubrir de forma empírica la perspectiva, a perfeccionar la técnica
del retrato al que dotaron de gran profundidad psicológica y a reivindicar el paisaje como tema pictórico.
OBRA
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa: Representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne
Cenami.
Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se conservan, y a la vez una informativa escena
costumbrista. La pareja aparece de pie, en su alcoba; el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano
derecha, mientras apoya la izquierda en su vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa,
prácticamente hierática; algunos especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la
extendida interpretación que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo.

Virgen del Canciller Rolín: Aparecen
la Virgen y Niño en posición sedente,
y delante de ellos, un donante. Se
trata de una escena interior en la
que la profundidad se consigue
mediante el enlosado. Hay una
ventana que muestra el paisaje
exterior a partir de una arquitectura
que ya no recuerda al gótico.
Elimina la jerarquía del tamaño, pues
pinta con el mismo tamaño a todas
los personajes, salvo los más
alejados que son más pequeños.
Políptico de Gante: En esta obra se
observa una gran minuciosidad y
cuidado del colorido, con buen
tratamiento de los pliegues de los
paños.
Las figuras están representadas con
gran realismo. No se trata de figuras
monumentales sino figuras
alargadas y esbeltas, cuya cuestión
técnica se relega al tratamiento de
los pliegues y paños
Virgen del Canciller Rolín
Políptico de Gante
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa

VIDA
Nació en Núremberg, ciudad a la
que estuvo íntimamente unido.
Heredó el legado del arte
alemán del siglo XV.
Ejerció una enorme influencia
como transmisor de las ideas y
el estilo renacentistas, a través
de sus grabados. Se formó en
una escuela latina y recibió
conocimientos sobre pintura y
grabado a través de su padre,
orfebre, y de Michael Wolgemut.
Entre 1505 y 1507 recibiría las
influencias de Mantegna y
Giovanni Bellini. Previamente
había contraído matrimonio y
abierto un taller en su
Nuremberg natal, donde se
dedicó a la pintura y sobre todo
al grabado.
ALBERTO DURERO
MOVIMIENTO
ARTISTICO
El Renacimiento es fruto
de la difusión de las ideas
del humanismo, que
determinaron una nueva
concepción del hombre y
del mundo.
Las novedades del
Renacimiento se
introducirán de forma
paulatina pero irreversible
a partir del siglo XV. Los
pintores, introducen
también en sus obras la
mitología, la alegoría y
el retrato, que se
desarrollará a partir de
ahora enormemente.
Destaca la búsqueda de
la perspectiva, objeto de
estudio y reflexión para
muchos artistas.
OBRA
Fiesta del Rosario: Se observa una
profundización en los detalles, que
Durero cuidó de representar bien
para lograr un mayor realismo. La
organización es también más
pronunciada en torno a un
rígido triángulo o pirámide central
que engloba a los personajes
principales.
Los cuatro apóstoles: Durero deja
ver la influencia veneciana. Vemos un
intenso cromatismo, Contrasta las
tonalidades cálidas e intensas con
las frías. Es una obra nórdica.
Adoración de la trinidad: Basa su
composición en la multiplicación de
personajes. Se articula en dos
planos. La interacción entre
elementos circulares y
geométricos que se ve es una forma
clásica.

Los cuatro apóstoles
Fiesta del Rosario
Adoración de la Trinidad

VIDA
Nació en Caprese el 6 de marzo de 1475.
Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le
llamaban el Divino. Triunfó en todas las artes en
las que trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo. La escultura, según había
declarado, era su predilecta y la primera a la
que se dedicó; a continuación, la pintura, casi
como una imposición por parte de Julio II y ya en
sus últimos años, realizó proyectos
arquitectónicos.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas
del humanismo, que determinaron una nueva
concepción del hombre y del mundo.
Las novedades del Renacimiento se introducirán de
forma paulatina pero irreversible a partir del
siglo XV. Los pintores, introducen también en
sus obras la mitología, la alegoría y el retrato,
que se desarrollará a partir de ahora
enormemente. Destaca la búsqueda de
la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para
muchos artistas.
OBRA
Juicio final: El tema se basa en el Apocalipsis de san
Juan. La parte central está ocupada por
un Cristo con gesto enérgico, que separa los
justos de los pecadores, y a su lado tiene a su
madre María y a su alrededor están los santos.
Santo entierro: Usa una técnica mixta.
El centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al
sepulcro. El hombre con barba que está tras él
es José de Arimatea, el hombre que dio su tumba
para la sepultura de Cristo. La figura de la
izquierda es probablemente san Juan, con una
larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus
pies estaría María Magdalena.
Tondo Doni: Empleó dos medios para esta
obra, témpera y óleo.
En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san
José. Los brazos y las cabezas crean formas y
triángulos imaginarios que llaman la atención
sobre el grupo. Hay otras relaciones figurativas
entre el grupo y los desnudos. La articulación del
espacio y de los volúmenes, la tensión y el
movimiento son fuertes elementos anticlásicos.

Santo Entierro
Juicio Final
Tondo Doni

VIDA
fue un pintor y grabador español. Su
obra abarca la pintura de caballete y
mural, el grabado y el dibujo.
Tras un lento aprendizaje en su tierra
natal, en el ámbito estilístico del
barroco tardío y las estampas
devotas, viaja a Italia en 1770, donde
traba contacto con el
incipiente neoclasicismo. Una grave
enfermedad en 1793 le lleva a
acercarse a una pintura más creativa
y original, que expresa temáticas
menos amables que los modelos que
había pintado para la decoración de
los palacios reales.
En todas las facetas desarrolló un
estilo que inaugura el Romanticismo.
El Romanticismo es un movimiento
cultural y político originado
en Alemania y en el Reino Unido a
finales del siglo XVIII como una
reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y
el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su
característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista
basada en un conjunto de reglas estereotipadas.
OBRAS
Las mozas del cántaro: Aparecen tres muchachas, de las cuales dos
llevan cántaros sobre la cabeza y en las manos, mientras una
tercera se apresta a rellenar recipientes en la fuente.
Las mozas visten bellos trajes de brillante colorido y llevan joyas
populares al cuello.
También recrea el espacio, dentro de términos reducidos, con la
parte más oscura del muro.
El quitasol: Representa una muchacha sentada, con un perrillo en
el Alda, a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con un
quitasol. El fondo carece de profundidad. La sombrilla aparece
como elemento renovador. Estos elementos revelan una gran
modernidad. El empleo de la luz y la utilización del cromatismo
también son distintos
La maja desnuda: es una postura clave porque se la ve como
haciendo un triangulo, porque esta dividendo el cuadro. Destacar
que es un cuadro muy oscuro, destacando el contraste entre el
negro y el color pálido de la mujer que aparece, este cuadro ha sido
y sigue siendo uno de los más observados por la gente y uno de los
más importantes de su obra, porque es clave.
También destaca la luz tenue con la que esta hecho este cuadro.

El quitasol
Las mozas del cántaro La maja desnuda

VIDA
Nació en París el 23 de enero de 1832, hijo de un alto funcionario del gobierno. Para no estudiar derecho, tal y
como deseaba su padre, intentó hacer la carrera de marino, aunque no superó las pruebas de ingreso.
Después, estudió en París con el pintor Thomas Couture y visitó Alemania, los Países Bajos e Italia para
estudiar la pintura de los viejos maestros. Aclamado como líder por los pintores jóvenes, Manet se convirtió
en figura central de la disputa entre el arte académico y el arte rebelde de su tiempo. En 1864 el Salón
Oficial aceptó dos obras suyas, y en 1865 expuso su Olimpia, desnudo basado en una Venus de Tiziano, que
levantó una tormenta de protestas dentro de los círculos académicos. Manet murió en París el 30 de abril
de 1883.
Fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.
El Impresionismo nace como una evolución a ultranza del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de
finales del siglo XIX. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un
lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo.
El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc.

Olympia: presenta la figura de una
prostituta desnuda, tumbada sobre
un diván, acompañada de su dama
y de un gato negro.
La figura se recorta sobre un fondo
neutro, utilizando una iluminación
frontal que elimina las gradaciones
tonales y las sombras.
Esta iluminación acentúa la
sensación de planitud, eliminada
por Manet al contraponer partes
claras y oscuras, revelando el
sentido del volumen. La pincelada
de Manet es muy segura, define
con brillantez los detalles de las
telas y emplea la mancha para las
flores o las cortinas verdes del
fondo. Destaca el mantón oriental
que sujeta la dama con su mano
izquierda.
La figura mira con descaro al
espectador. Su sensual cuerpo se
ofrece con los zapatos de tacón
puestos, aumentando así el
concepto de realismo
OBRAS
Desayuno en la hierba: Los tres se
sitúan entre los árboles,
apreciándose el Sena al fondo y a
otra joven que sale del baño; la
mujer desnuda ha colocado sus
vestidos a su izquierda, junto a una
cesta de fruta. Resulta chocante el
contraste entre la desnudez de la
joven y los dos hombres que la
acompañan.
Suponía una muestra de la
modernidad, al ser una joven
burguesa cualquiera la que posaba
desnuda ante dos hombres.
En referencia a los tonos
empleados, resulta sorprendente el
contraste entre los negros trajes
masculinos y la clara desnudez de
la modelo, que elimina las
tonalidades intermedias para
marcar aún más ese contraste.
Marca la sensación de profundidad
y de aire.
La música en las Tullerías: Se
considera generalmente esta tela
como el primer ejemplo de obra
impresionista en la historia del
arte.
El pintor se complace en hacer
figurar un determinado número de
las personas que le son cercanas.
Algunas de las figuras son
verdaderos retratos.
Pinta a este abigarrado grupo con
manchas de color.
Se representa con precisión las
vestimentas y los tocados de la
época.
Destacan los vestidos con grandes
lazos que llevan las niñas que
juegan en un primer plano.
Las críticas, acusaron a también a
Manet de trabajar sólo esbozos
borrosos

Olympia
Desayuno en la hierba
La música en las Tullerías

VIDA
Nació en Urbino, el 6 de
abril de1483 Hijo de un pintor y
criado entre artistas, a los 25 años
obtuvo su primer encargo oficial, la
decoración de las Estancias
Vaticanas.
Fue un artista muy productivo, dirigió
un taller conformado por numerosos
colaboradores, y a pesar de su
muerte prematura, gran parte de su
obra aún se conserva. Su carrera se
dividió de manera natural en tres
fases y tres estilos: sus primeros
años en Umbría, el periodo posterior
de cuatro años en Florencia y
finalmente su último y triunfal
período de doce años en Roma.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo,
que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
Las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina
pero irreversible a partir del siglo XV. Los pintores, introducen
también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se
desarrollará a partir de ahora enormemente. Destaca la búsqueda
de la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos
artistas.
OBRAS
Los desposorios de la virgen: Toda la representación es muy
mecánica, muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior
de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que
subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones
de las figuras. El templo domina la estructura de esta composición,
determinando la disposición del grupo del primer plano y de otras
figuras.
Este grupo principal se resalta en detrimento de las figuras
acompañante. Hay toda una serie de figuras detrás del grupo
principal, equilibrando y marcando la profundidad del cuadro

El incendio del Borgo: Tres son los planos de la
composición. En primer término, una serie de
ciudadanos huye del fuego, mientras otros cogen
agua para sofocar las llamas. Este primer plano es
agitado y dramático.
En el plano medio hay toda una serie de ciudadanos
que se dirigen hacia la basílica de San Pedro, para
pedir ayuda al Papa.
Y, el fondo, aparece este, en la fachada de la antigua
basílica, aún no demolida. Esto señala el evidente
interés del artista por la arquitectura.
El dibujo es rico en movimientos.
Liberación de San Pedro: Representa la liberación
de san Pedro de la cárcel de Agripa I el Grande.
Se relata en tres escenas distintas: en el centro se
ve al ángel despertar al santo y romper sus cadenas,
mientras los soldados no pueden hacer nada por
evitarlo; a la derecha cómo escapan ambos mientras
los soldados están dormidos, y en la izquierda los
soldados que se despiertan para perseguirlos.
Destaca de este fresco la luz: débil de la luna y
resplandeciente la del ángel, que se suma a aquella
natural que proviene de la ventana
El incendio del Borgo
Los desposorios de la virgen
Liberación de San Pedro

VIDA
Nació en Loten en 1863. Pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia
en Cristiania. Cuando aún no había cumplido los cinco años, su madre
murió y nueve años más tarde, su hermana Sophie, dos años mayor que él,
fallece de la misma enfermedad. Estos hechos ejercerán una influencia
decisiva en su actividad artística. Sus tristes y angustiosas
representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales
abrieron el camino al desarrollo del expresionismo.
Después de un año en la Escuela Técnica de Arquitectura, en 1880 decide
dedicarse a la pintura.
Edvard Munch perteneció al expresionismo, que fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma
de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel
intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este
movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde
predominase la visión interior del artista El expresionismo suele ser entendido como la deformación de
la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la
expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

El grito: refleja sus propios temores y tormentos. Su fuerza expresiva se debe en gran medida a las técnicas y
efectos pictóricos empleados.
Se expresa la soledad del ser humano y su pesimismo frente las adversidades. Los rasgos de rostro
desaparecen bajo el gesto. No hay nada de realismo, se representa el interior y no el exterior.
La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación, mientras
que en segundo plano aparecen otras personas frías.
El paisaje participa en ese malestar. El cielo encendido y los torbellinos parecen envolver amenazadoramente a
la persona que grita. Los colores cálidos y fríos no están compensados.
Madonna. Supone un vuelco con respecto al modo tradicional de representar la maternidad. Es un espectacular
y sensual desnudo femenino rodeado de una atmósfera poco tranquilizadora. La figura emerge de un fondo
tenebroso, de líneas distorsionadas. El cuerpo nos atrae, pero hay algo que nos angustia, la gran tensión
psíquica, los ojos son casi cuencas cadavéricas que simbolizan la muerte. Es una visión demoledora de la
maternidad.
Muchachas en el puente: Presenta a de tres muchachas asomadas a un puente sobre un riachuelo.
Las líneas sinuosas recrean un ambiente de cierta angustia, las chicas no hablan, no se comunican, solamente
observan en silencio, reflexionan sobre el sentido de la existencia, sobre las contradicciones de la vida, o sobre
la soledad.

Madonna
Muchachas en el puente
El grito

VIDA
Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona,
España. Pintor, escultor, grabador y ceramista
español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes
de Llotja y en la Academia Galí mientras
trabajaba como dependiente en una droguería.
A los 18 años decide dedicarse a la pintura,
arte en el que será influenciado por Cezanne y
Van Gogh, el cubismo, el fauvismo y el
romanismo catalán. Realiza su primera
exposión pictórica en las Galerías Dalmau,
centro de la vanguardia. En 1920 se muda a
París, Francia, donde instala su taller junto a
André Masson.
En 1937 huye de París fruto de la guerra civil y,
en 1940 retorna a España. En 1979 es
nombrado Doctor Honoris Causae por la
Universidad de Barcelona. El 25 de diciembre
de 1983 murió rodeado de sus obras.
El Surrealismo es un movimiento artístico y
literario surgido en Francia a partir
del dadaísmo, en la década de los años 1920,
en torno a la personalidad del poeta André
Breton.
Buscaba descubrir una verdad, con escrituras
automáticas, sin correcciones racionales, utilizando
imágenes para expresar sus emociones, pero que
nunca seguían un razonamiento lógico.
OBRAS
El carnaval del arlequín: La escena es un carnaval,
donde las apariencias pueden transformarse para ver
otras que hay debajo. Por eso, las formas tan extrañas
tienen un simbolismo concreto. Observa elementos de
la naturaleza pero no los plasma en sus cuadros tal y
como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace
es un proceso de metamorfosis para crear formas
diferentes.
La escalera simboliza la huída, el globo, es la
representación del globo terráqueo, idea que le
obsesionaba en ese momento a Miró. El triángulo
negro representa la Torre Eiffel, mientras que el
Arlequín es el protagonista.

Interior holandés: La estructura de la
obra es de apariencia compleja. El
color se aplica de forma plana. La
composición es básicamente intuitiva
y recurre al equilibrio tectónico entre
lineas y manchas de color
Es una habitación de dudosa
estructura tridimensional, en la que
surge la figura de un guitarrista, cuya
cabeza simplificada al máximo está
rodeada de un halo blanco de donde
salen un pequeño bigote
descolocado y un mechón de
cabellos que parecen rodear a una
pequeña oreja. tarrista sujeta el
instrumento, quizá lo más
reconocible de toda la composición.
Bodegón del zapato viejo: consigue
una relación entre el zapato y el resto
de los elementos colocados encima
la mesa, la botella, una manzana con
un tenedor clavado, y el mendrugo de
pan.
los colores consiguen la máxima agresividad ya que son ácidos y
violentos; la pintura en este cuadro no es plana como en obras
anteriores sino que perfila y da dimensión a las formas de los
objetos.
Esta obra, está considerada como una pieza clave de este momento
pictórico de la realidad

El carnaval del arlequín
Interior holandés
Bodegón del zapato viejo

VIDA
Nació en 1541 en Candía, capital de
Creta. Una vez demostrada su
inclinación por la pintura,
frecuentaba el taller de Jorghi
Klontzas. se trasladó a Venecia en
torno a 1566 ante el peligro de una
invasión turca de la isla. El deseo de
perfeccionarse más a fondo en el
arte italiano lo llevó en 1570 a
marcharse a Roma, donde la
actividad artística se centraba en
torno a la corte papal. En 1576
decidió abandonar Roma en busca
de una oportunidad y tras una breve
estancia en Madrid, se estableció en
Toledo hacia la primavera de 1577.
Muere finalmente en la ciudad
toledana en 1614.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo,
que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
Las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina
pero irreversible a partir del siglo XV. Los pintores, introducen
también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se
desarrollará a partir de ahora enormemente. Destaca la búsqueda
de la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos
artistas.
OBRAS
La Expulsión de los mercaderes: representa a Jesús, en una escena
cargada de dramatismo, entre una multitud empuñando un látigo
para sacar del templo a los mercaderes, usureros y mendigos. La
figura de Cristo, situada en el centro de la composición y vestida con
ropajes de color grana, no resalta lo suficiente, debido a la falta de
seguridad en el tratamiento cromático. El Greco proporcionó a esta
pintura una gran sensación de profundidad, acentuada por el cielo y
el palacio que se aprecian a través del arco y por las figuras
situadas en primer plano.
La última cena: se inspiró en la Última cena de Tintoretto, por la
elección de la estructura de la composición y también por algunos
detalles. Destaca en el primer plano de la composición la figura de
Judas en una actitud agitada y situado intencionadamente lejos de
Jesús. El empleo de los colores es todavía de formación bizantina.

La Anunciación del Museo del Prado: El Greco consigue una gran sensación de tridimensionalidad colocando un
punto de fuga al final. Es un excelente ejemplo de perspectiva (a través de la arquitectura y del suelo
embaldosado), colorido (inspirado en la Escuela veneciana) y composición. Es interesante observar el
tratamiento que el artista da a la nube sobre la que se apoya el arcángel San Gabriel.
La ultima cena
La anunciación del museo del prado
La expulsión de los
mercaderes

VIDA
Nació el 5 de septiembre de 1774 en
Greifswald. Cursó estudios en la
Academia de Copenhague y en 1798
se estableció en Dresde. En sus
primeros dibujos aparecen playas de
rocas y cadenas montañosas,
posteriormente comienza a pintar al
óleo en 1807. Los paisajes de
Caspar David Friedrich no son
panteístas, sino religiosos,
apreciándose la influencia del
Pietismo y de la filosofía de
Schleyermacher. Con La cruz de las
montañas, rompe con la pintura
religiosa tradicional, es paisaje casi
en su totalidad; la figura de Cristo
crucificado, vista desde atrás y
recortada contra la puesta de sol en
la montaña, se halla casi perdida en
el escenario natural. Fue profesor de
la Academia de Dresde. Caspar David
Friedrich falleció el 7 de mayo de
1840 en Dresde.
Caspar David Friedrich es considerado como el máximo
representante del Romanticismo, que es un movimiento cultural y
político originado como una reacción revolucionaria contra el
racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, dándole
importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la
ruptura con la tradición neoclasicista basada en un conjunto de
reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda
constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.
OBRAS
Abadía del Robledal: Este paisaje se encuentra iluminado por la luz
del crepúsculo, la cual le da una profunda espiritualidad. En medio
del paisaje aparece la ruina gótica de una abadía. La Naturaleza se
encuentra jerarquizada en función de mostrar este aspecto
religioso.
La presencia de una arquitectura gótica nos muestra la importancia
de este estilo en época ya muy temprana.
El monje frente al mar: Genera una condensación espiritual máxima
que se encuentra cerca de la abstracción.Nos muestra lo sublime, la
pequeñez del monje frente al océano. Plasma la idea del transito al
más allá a través de una contemplación desde la orilla las luces del
amanecer en el cielo, siendo la tierra identificada con el mundo
terreno y el cielo con la salvación. Así, el sol aparece entre las nubes
como una promesa de felicidad eterna. El espacio ocupado por el
mar, de aspecto oscuro y salvaje, separándonos de la luz,
representa al pecado y a la dureza de la vida.

La cruz en la montaña: En estos, árboles puntiagudos representan a las almas, mostrándonos un animismo
religios. A menudo se completan con cumbres escarpadas, en cuya cima hay una cruz. Son lugares de belleza
inaccesible, solitarios o con un contemplador en primer termino y de espaldas, figura que permite al espectador
meterse en el cuadro.
Todas las capas están perfectamente acabadas. La tensión interior del cuadro se encuentra muy marcada.
La cruz en la montaña
El monje frente al mar
Abadía del Robledal

VIDA
Eugenio Salvador Dalí fue sin lugar a dudas, un genio. A la edad 14 había ya expuesto sus trabajos a los críticos,
fue con frecuencia mal entendido. A los 22 se encontró con Picasso. También fue expulsado de la escuela del
arte. Algunos años mas tarde comenzó a ser parte del grupo surrealista de París y allí, comienza su relación con
Gala, la cual se prolongaría hasta 1982 cuando ella muere. A la edad de 79 Dalí pintó su último trabajo y en
1989 muere la edad de 85 años.
El Surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de
los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes
para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
OBRA
La persistencia de la memoria: El paisaje es simple, aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a
la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados. Uno de los relojes cuelga
en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura
sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. El tercer reloj blando está, a punto
de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay
multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.

Muchacha en la ventana: Representa a la hermana
del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años,
asomada a la ventana, de espaldas, en la casa de
vacaciones que la familia poseía en Cadaqués, a la
orilla del mar. Posee gran uniformidad cromática y
sencillez en la composición, donde la muchacha nos
introduce en el paisaje que ella contempla.
Los valores cromáticos de la obra son azules.
La muchacha sufre algunas desproporciones notables
como sus pies, los cuales son muy pequeños.
Crea a partir de una foto un escenario realista de una
estancia apartamental de la época, usando los rasgos
faciales de la actriz como muebles y motivos
ornamentales.
Retrato de Mae West que puede utilizarse como
apartamento surrealista: El pelo es usado como una
cortina que se encuentra en la puerta para entrar a la
estancia. Cada ojo de la actriz simula un cuadro
enmarcado, la nariz toma la forma de una chimenea
sobre la cual hay un reloj y, finalmente, la boca se
convierte en un sofá. El fondo de la cara es pintado de
rojo para la pared y en su parte inferior se simula el
piso del cuarto. Sobre la barbilla, Dalí, pinta unas
escaleras y decora el exterior del cuarto.
Retrato de Mae West que
puede utilizarse como
apartamento surrealista
Muchacha en la ventana
La persistencia de la memoria

VIDA
Nació en Florencia, Italia. Escultor célebre, preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo
exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano. Donatello sentó bases claras respecto a la escultura
renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un
legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las
que dominó a la perfección. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo
original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando marmol, metal, madera,
terracota y piedras nobles.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del
hombre y del mundo.
Las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Los
pintores, introducen también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará a partir de
ahora enormemente. Destaca la búsqueda de la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas.
OBRAS
Crucifijo de la Santa Cruz: Se construye haciendo hincapié en el sufrimiento y la verdad del sujeto humano,
quizás de acuerdo con las exigencias de los clientes franciscanos, siempre interesados en que la figura fuese
patética para llegar más al pueblo, haciéndolos participar en la compasión ante el sufrimiento de Jesús.
El cuerpo, se presenta sufriendo, con el modelo energético y vibrante, que no hace ninguna concesión a la
comodidad ni a la estética; destaca la agonía, siguiendo las peticiones del contrato, con la boca abierta, los ojos
parcialmente abiertos, y el desgarro de la composición del cuerpo.

David: Esta representado en el momento de la victoria e inmediatamente después de la derrota del
gigante Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies, con la piedra todavía en medio de la frente.
Los brazos son desproporcionadamente largos, pero ya se han incorporado elementos del repertorio clásico,
como algún detalle anatómico realista: las manos, el torso, su cabeza coronada de amaranto. La expresión
del rostro es un poco inexpresiva, pero la pose y la actitud parece expresar el orgullo de su conciencia divina.
El desplazamiento del peso sobre la pierna derecha con el torso torcido hacia el lado opuesto, indica la
intención para crear un mayor dinamismo con el clásico contrapposto.
San Juan Evangelista: El santo está representado sentado, con el atributo típico del libro mantenido de pie,
sobre una pierna, con la mano izquierda. Las vestiduras crean fuertes efectos de claroscuro.
Los hombros son curvos con los brazos inertes y abandonados y realiza un fuerte énfasis a las poderosas
manos.
La cabeza, con barba y con un espeso pelo rizado tiene una mirada fija e intensa, creando una sensación de
energía. Las cejas son gruesas y ligeramente juntas en expresión concentrada, gran relieve tienen también,
las profundas arrugas horizontales en la frente y la boca apretada.
Crucifijo de la Santa Cruz
San Juan EvangelistaDavid

VIDA
Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y
diseñador, artista célebre creador de la escultura
estilo Barroco en el siglo XVII.
Emigró a Roma junto a su padre. Los trabajos que
realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se
incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y
obras arquitectónicas.
Bernini fue famoso en vida y todas las cortes
europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo
el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a
París cuando el artista ya contaba con 69 años de
edad.
La técnica de Bernini, cuando trabaja en marmol, es
de un realismo exhuberante, sobre todo cuando se
trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la
textura de la piel y las sombras fue un innovador en
su época.
El barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia
se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante
mucho tiempo tuvo un sentido peyorativo, con el
significado de recargado, desmesurado e irracional,
hasta que posteriormente fue revalorizado a fines
de siglo XIX.
La palabra barroco fue inventada por críticos
posteriores, más que por los practicantes de las artes
en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los
artistas que plasmaban dicho estilo. Subrayaba el
exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a
diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la
Ilustración.
OBRAS
Fuente de los Cuatro Ríos: La fuente se compone de
una base formada de una gran piscina elíptica,
coronada en su centro de una gran mole de
mármol, sobre la cual se eleva un obelisco egipcio
de época romana, el obelisco de Domiciano.
Las estatuas que componen la fuente, tienen unas
dimensiones mayores que en la realidad y son
alegorías de los cuatro ríos principales de La Tierra,
cada uno de ellos en uno de los continentes
conocidos en la época.
Los árboles y las plantas que emergen del agua y
que se encuentran entre las rocas, también están
en una escala mayor que en la realidad

La plaza de San Pedro: La plaza es una gran
explanada trapezoidal que se ensancha lateralmente
mediante dos pasajes, con forma elíptica,
de columnatas rematadas en una balaustrada sobre
la que se asientan las figuras de ciento
cuarenta santos de diversas épocas y lugares; en su
interior se encuentran dos fuentes, una en cada foco
de la elipse,y en medio de la plaza se erigió un
monumental obelisco.
Baldaquino de San Pedro: Está construido en bronce y
simula la forma de un palio, en vez de un templete. Lo
forman cuatro columnas salomónicas de 14 metros de
altura que sostienen sendas porciones de
entablamento, unidas por una cornisa cóncava con
colgaduras que imitan los palios textiles. De los
vértices arrancan cuatro volutas convergentes, altas y
finas, coronadas por un pequeño entablamento
mixtilíneo. Utiliza como elemento de soporte principal
la columna salomónica profusamente decorada. Los
elementos decorativos desbordan lo constructivo y
son abundantes
Fuente de los cuatro rios
Baldaquino de San Pedro
La plaza de San Pedro

VIDA
Nació en Paredes de Nava, España. Pintor y escultor
manierista durante el renacimiento europeo. Recibió
educación artística en Italia, donde adoptó el estilo
de su contemporaneo Miguel Angel. Vivió en
Florencia y al regresar a su tierra natal, trajo consigo
el estilo manierista, el que transmitió a sus pares,
época en que el Renacimiento se introducía poco a
poco en España.
La escultura de Berruguete es ecléctica y mezcla
estilos de varios otros artistas italianos célebres,
entre ellos Rafael y Leonardo. Su especialidad
fueron las obras decorativas para iglesia.
forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV.
Los pintores, introducen también en sus obras la
mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará
a partir de ahora enormemente. Destaca la
búsqueda de la perspectiva, objeto de estudio y
reflexión para muchos artistas.
OBRAS
Retablo de la Mejorada de Olmedo : Los personajes
aparecen trazados con un ardoroso arrebato, llegando
incluso a olvidar Alonso en ocasiones la necesidad de
la ejecución de unas proporciones adecuadas a la
ubicación de las figuras.
Serán, sin embargo, la inestabilidad y deformación de
los personajes muestras apreciables de los
sentimientos.
Retablo de San Benito: En sus figuras es posible
encontrar un ejemplo de la convivencia de las formas
italianizantes con el dramatismo miguelangelesco:
cabezas berruguerescas en un ejercicio de
manifestación del dolor, indumentarias manipuladas
con paños que parecen flotar, cuerpos dónde se
realiza un auténtico estudio de la anatomía
masculina…Todo ello al servicio de un resultado en el
que la gracia y el temor se mezclan a partes iguales.
La Sillería del coro de la Catedral de Toledo: una de
sus más bellas obras. con la gran perfección que
alcanzará en la forma , es posible apreciar la idea del
quehacer artístico que posee. Aquí, continuará jugando
con las posturas de los personajes y las composiciones
de plegados en los ropajes en su búsqueda de
movimiento y expresionismo.

Retablo de San Benito
Retablo de la mejorada de Olmedo
La Sillería del coro de la Catedral de Toledo

VIDA
Nació en Florencia, Italia. Escultor y arquitecto activo a comienzos del período renacentista. Artista innovador
que impulsó el abandono del estilo arquitectónico Gótico, encantando positivamente a sus contemporáneos con
un estilo de mayor simpleza, lleno de elegancia y pureza geométrica basado en formas elementales como el
rectángulo y la esfera.
Era estudioso de la arquitectura antigua italiana lo que le permitió rescatar de ella aspectos positivos que
introdujo para renovar la escuela arquitectónica de Florencia, que a la fecha era considerada de vanguardia y
ejemplo a seguir en el arte italiano.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del
hombre y del mundo.
ahora enormemente. Destaca la búsqueda de la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas.
OBRAS
Palacio Pitti: En él, el autor establece el modelo renacentista de palacio que fue ampliamente seguido por sus
discípulos.
El aspecto externo es casi de una fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen
en torno a un patio. Muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos o
cuerpos.
El muro está muy articulado mediante balaustradas. Se emplean para los muros sillares almohadillados, que va
siendo más plano a mediad que se gana altura. Los vano con arco de medio punto constituidos por dovelas
almohadilladas. Las ventanas llevan frontón.

Capilla Pazzi: es una obra de plena concepción
renacentista. Es de planta cuadrada cubierta con
cúpula, donde se da la interacción del espacio
cuadrado con cubierta circular.
La fachada se articula mediante un pórtico con
columnas por el que se accede a la construcción, que
combina el arco central con superficies adinteladas.
En esta superficie hay un entablamento que "rompe"
en el centro en arco de medio punto.
En todo el edificio se aprecia la búsqueda de la
armonía frente a la monumentalidad.
Fachada del Hospital de los Inocentes: Se trata de un
edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se
dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre
columnas corintias, que se despega visualmente de la
construcción. En las enjutas de los arcos hay tondos o
medallones policromados con figuras blancas sobre
fondo azul.
Es el único elemento figurativo, ya que Brunelleschi
desnuda esta fachada del Hospital de los Inocentes
del resto de elementos decorativos.
Fachada del Hospital de
los Inocentes
Palacio Pitti
Capilla Pazzi

VIDA
Nació en Florencia, Italia. Escultor durante la transición entre el período Gótico y el Renacimiento. Orfebre de
escuela florentina. Ghiberti junto a otros maestros destacados de la época, fueron pioneros en la renovación
del arte italiano. Aunque en sus obras se ve con claridad la presencia del estilo Gótico también se puede
observar que sus trabajos están dotados de alta perfección. Esculpe aplicando técnica impecable y gusto
refinado. Esto se transformó en referente de calidad para los artistas del Renacimiento que le siguieron.
Su obra más famosa corresponde al tallado en bronce de dos puertas de iglesia.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción
del hombre y del mundo.
ahora enormemente. Destaca la búsqueda de la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos
artistas.
OBRAS
El sacrificio de Isaac: Trata cómo Yahveh, para probar a Abraham, le pidió que matara a su propio y único hijo
en el monte Moria. En el último momento, aparece el ángel en el cielo y le dice que no lo haga, que sacrifique
a un carnero en su lugar.
La concepción del espacio es en un entorno natural. El altar de sacrificios se asemeja a una construcción
clásica, con relieves en sus frentes, fruto del gusto por la Antigüedad del Renacimiento.
También encontramos elementos aún góticos, como el ángel suspendido o el paisaje.
En la representación aparece el carnero que Abraham sacrificará en vez de a su hijo.

Puerta del paraíso: La obra presentaba 28 relieves en bronce que narraban, en veintiocho paneles, escenas del
Nuevo Testamento y aún eran visibles en ella ciertas influencias de la escultura gótica. Las figuras se adaptan de
manera fehaciente a los cánones de la perspectiva y, al mismo tiempo, el relieve se va aplanando conforme nos
adentramos en cada escena, hasta resultar casi absolutamente plano en los fondos. Por el contrario, en los
primeros planos predomina el volumen y la corporeidad de los personajes.
San Juan Bautista: La estatua del Santo fue comisionado por el gremio del comerciante de las lanas, Arte di
Calimala. El uso del artista de las curvas unnaturalistic pero elegantes en el pelo y el drapery del santo
demuestra la influencia del Gótico internacional labre frecuente en Italia cuando el trabajo fue creado. El trabajo
fue realizado con éxito en una pieza única, haciéndole la primera estatua del bronce de su tamaño que se
echará en una pieza única por lo menos varios cientos de años en Italia.
San Juan Bautista
El sacrificio de Isaac
Puerta del Paraíso

VIDA
Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus
obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le
permitió abordar todo tipo de temas. A los 11 años, va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces ya
deslumbraba con sus obras talladas en marmol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir
la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, fue requerido en toda .
El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París.
El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a
reflejar en las artes, los principios intelectuales de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía
produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin
embargo después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia
el Romanticismo y el Neoclasicismo fue dejado.
OBRA
Monumento fúnebre de María Cristina de Austria: La obra escultórica se muestra como una gran pirámide
blanca abierta en el centro por una oscura abertura, hacia la cual se dirige una triste procesión. Presenta la
rigidez que caracteriza la nueva dirección artística de la escultura funeraria, dejando el movimiento en esta
tradición del barroco realizado por Gian Lorenzo Bernini.
La pirámide de mármol, tiene sobre la entrada marcada por dos jambas en pendiente y un dintel con la
inscripción uxorio optimae Albertus y presenta en la parte superior un medallón en relieve con el retrato de
María Cristina.

Hércules y Licas : El héroe aparece en un momento de máxima tensión muscular, justo en el acto de levantar
por el pie al infortunado muchacho, que en vano se resiste, aferrándose al altar que se encuentra detrás de
Hércules y a la piel del león abandonada a sus pies. Licas está fuertemente izado y suspendido en el aire un
momento antes de ser arrojado a las olas del mar.
El grupo, muestra el arco de torsión de los dos cuerpos desnudos, emitiendo una energía intensa, que hace
patente el clímax desesperado en la cara del niño y el enojado Hércules, enmarcado por espesa barba rizada, el
héroe aparecería completamente desnudo si no fuera por el tenue velo que Canova utilizó para cubrir la masa de
los músculos.
Cupido y Psyche: se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan
la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor,
que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier
movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa barroca
precedente.
Monumento fúnebre de
María Cristina de Austria
Cupido y Psyche
Hércules y Licas

VIDA
Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfébre de
estilo manierista. Fue heredero artístico de Miguel
Angel, a fines del Renacimiento. Ocupa un sitial
destacado en la historia de la escultura por la
excelencia y perfeccionismo de sus obras, las que
han servido de ejemplo para los escultores clásicos
posteriores a él. Trabajó en Roma, durante el
pontificado de Clemente VII y de Pablo III.
Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo
reclutó para el desarrollo de las artes en su país.
Residió en Paris durante tres años y allí creó sus
obras más destacadas. En esa época se pensaba
que después de Miguel Angel no existiría nadie que
lo superara. Sin embargo, aunque no alcanzó la
misma fama, demuestra en sus esculpidos que
gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.
forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV.
Los pintores, introducen también en sus obras la
mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará a
partir de ahora enormemente. Destaca la búsqueda de
muchos artistas.
OBRAS
La Ninfa de Fontainebleau: es la primera escultura que
se conoce de su mano, fechada poco antes de su
regreso a Florencia motivado por problemas con la
corte, en 1545. Se caracteriza por el trazo nervioso y la
riqueza de detalles, transposición a la escultura de su
formación como orfebre.
Salero de Francisco I: En oro, plata y esmalte, lo
concibió en un diámetro de unos 30 cm como una
fuente monumental que también habría podido
dilatarse a escala humana, hermoseada por una
pareja de dioses desnudos en contraposto, Neptuno
como dios del mar proporcionador de la sal, y Tellus
como divinidad de la Tierra productora de la pimienta,
para la que dispuso un estuche en forma de arco de
triunfo.

Perseo: fundido en 1554 a su retorno de Francia, es,
no sólo por la gallarda actitud del héroe,
personificación del triunfo de Cosme I de
Médicis sobre sus oponentes republicanos, sino
también por el elaborado pedestal marmóreo con
arpías y máscaras entre las que se abren cuatro
hornacinas con dinámicas y elegantísimas figuras
alusivas al mito de Perseo, una de las cimas
expresivas del Manierismo maduro.
Perseo
Salero de Francisco I
La Ninfa de Fontainebleau

VIDA
Nació en Francia. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura.
Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo, que
persigue la expresión más libre e individual.
Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas de la época, igualmente terminó siendo ejemplo para
los artistas de la escultura moderna que vinieron.
Rodin fue contemporáneo de los célebres impresionistas Pissarro y Monet que disentían como él, de los cánones
establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la formas idealistas a manera de Miguel Angel.
El Impresionismo nace como una evolución a ultranza del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de
finales del siglo XIX. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el
florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo.
OBRAS
El Pensador: Aglutina todas las características del autor. Se trata de un hombre sentado, reclinado, con la
cabeza ladeada hacia abajo, en una postura de pensamiento, pasividad, soledad, preocupación, etc. Por una
parte vemos una posición descuidada, hay como un giro de las piernas casual, como si se sentara a pensar. Pero
Rodin va más allá de la representación idealizada de una persona para transmitirnos sentimientos, algo más
universal y profundo, toda una carga psicológica importante. El Pensador está fundido en bronce.

Los Burgueses de Calais: Son un conjunto de seis
personas, prácticamente individualizadas debido a la
vestimenta, el rostro, su expresión, el gesto de las
manos, etc. El tratado es individualizado, sin
embargo, las personas se interrelacionan con el
movimiento lo que la hace ser considerada como
una composición conjunta. La expresividad es una
de las características más destacables de Rodin,
sentimientos de angustia, orgullo, dolor, en fin,
diferentes expresiones según la cara de la figura de
la que estemos hablando. Según el punto de vista,
tendremos una sensación diferente de la figura.
Las Puertas del Infierno: Es un monumental grupo
escultórico con unos seis metros de alto, cuatro de
ancho y uno de profundidad. En su totalidad
contiene unas 180 figuras cuyas dimensiones varían
entre los quince centímetros y más de un metro.
Distinguimos toques de romanticismo y simbolismo
en la temática de la obra y un enfoque más realista
si tenemos en cuenta los efectos de la luz.
El Pensador
Los burgueses de Calais
Las puertas del infierno

VIDA
Nació en Italia y trabajó en la ciudad de Parma.
Escultor de estatuas y sobrerrelieves de mármol en
estilo Romanesque de fines del período
arquitectónico Románico y principios del Gótico.
También arquitecto y decorador, Antelami y su padre
reinaron en la escultura hasta la aparición posterior
del célebre maestro Nicola Pisano, referente
principal de la escultura clásica italiana.
Benedetto Antelami agrega un nuevo dramatismo a
la escenas, desconocido para su tiempo cuando era
popular la formalidad y sencillez de la escultura
románica.
El arte gótico se desarrolló en Europa
occidental durante los últimos siglos de la Edad
Media, desde mediados del siglo XII hasta la
implantación del RenacimientoSe trata de un amplio
período artístico, que surge en el norte de Francia y
se expande por todo Occidente. Según los países y
las regiones se desarrolla en momentos cronológicos
diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo
diferenciaciones profundas
OBRAS
La Deposición: El bajorrelieve representa el momento
en que el cuerpo de Cristo es bajado de la cruz,
con varios elementos tomados de la iconografía
canónica de la Crucifixión y de la Resurrección,
mientras la influencia clásica se nota en la
personificación del Sol y de la Luna y las rosetas
que adornan el borde superior.
La dinámica de la escena es poco vivaz, con las figuras
firmes en poses expresivas.
La cátedra del obispo de Parma: Poderosas figuras
altamente plásticas y dotadas de una notable
expresividad. Ofrece el primer ejemplo de aquella
concepción estrictamente unitaria de arquitectura
y escultura típica de su obra; todas las partes
esculpidas, las escenas a los dos lados con
la Conversión de san Pablo y san Jorge que mata
al dragón, los dos telamonios, los dos mastines,
los dos leones apoyan el esquema casi cúbico de
la cátedra y se mantienen en los límites
arquitectónicos.

La catedral de Fidenza: Las representaciones más interesantes son las dos estatuas de los profetas, colocadas
dentro de nichos junto al portal central: el retomar el tipo de escultura sin fondo no tiene precedentes desde la
época tardo-antigua, ni tuvo continuación en otros autores hasta Donatello.
El modelo para estas representaciones fue la escultura francesa coeva, a la que el artista llegó para dar
monumentalidad y naturalidad a las dos estatuas.
La cátedra del obispo de Parma
La deposición
La catedral de Fidenza

OBRAS
Crucifijo del Santo Spirito: resolvió el cuerpo de Cristo
desnudo, como el de un adolescente, sin resaltar la
musculatura, así mismo el rostro parece el de un
adulto con una medida desproporcionada respecto al
cuerpo; la policromía está realizada con colores muy
tenues y unos leves hilos de sangre en armonía con la
simplicidad de la talla de la escultura.
David: El cuerpo de David es el de un hombre
musculoso. Aparece en tensión y preparado para el
combate. Su cuerpo se encuentra girado con un
ligero contrapposto. El rostro evidencia esta tensión
contenida, además, con una mueca de odio y las
aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es
contenido.
Madonna de Brujas: El rostro es ovalado de gran
belleza clásica, enmarcado por las ondulaciones del
velo, sobre el cabello. Se encuentra como si estuviera
en un momento de pensamiento profundo,
mostrándose con una gran serenidad, mientras el
Niño, de pie, está recostado entre las piernas de su
madre y junta su mano con la de ella, dando con la
energía de este gesto, la sensación dinámica que es él,
quien la está sosteniendo.
VIDA
Nació en Caprese el 6 de marzo de 1475.
Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le
llamaban el Divino. Triunfó en todas las artes en
las que trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo. La escultura, según había
declarado, era su predilecta y la primera a la
que se dedicó; a continuación, la pintura, casi
como una imposición por parte de Julio II y ya en
sus últimos años, realizó proyectos
arquitectónicos.
forma paulatina pero irreversible a partir del
siglo XV. Los pintores, introducen también en
sus obras la mitología, la alegoría y el retrato,
que se desarrollará a partir de ahora
enormemente. Destaca la búsqueda de
muchos artistas.

David
Madonna de Brujas
Crucifijo del Santo Spirito

VIDA
Nació en Filadelfia en 1890.
Su familia se traslada a Nueva York en 1897.
Realiza sus estudios en la Hihg School y La Escuela de
Bellas Artes del Francisco Social Center de NY.
Se casa con Adon Lacroix y se bautiza como Man Ray.
Conoce a Marcel Duchamp, que fué una figura
relevante en su vida.
Compra su primera cámara con la idea de hacer
reproducciones de sus cuadros.
Con Duchamp participa en experimentos fotográficos
y cinematográficos y en la publicación del número
único de New York Dadá..
Impulsado por Duchamp, Man Ray se trasladó a París
en 1921.
A su llegada a París conoce a Jean Cocteau que le
acoge en su amplio grupo de amigos.
Inventa los rayogramas.
Se unió al movimiento Dadá y luego a los Surrealistas.
Experimentó con todos los medios posibles: pintura,
escultura, fotografía y películas.
Man Ray fallece en Francia en 1976.
El Surrealismo es un movimiento artístico y literario
surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década
de los años 1920, en torno a la personalidad del
poeta André Breton.
Buscaba descubrir una verdad, con escrituras
automáticas, sin correcciones racionales, utilizando
imágenes para expresar sus emociones, pero que
nunca seguían un razonamiento lógico.
OBRA
Anatomie: En esta foto podemos percibir cierta
sensación de goce debido a la postura de la chica. Se
observa también la sensación de tragedia debido a la
tonalidad oscura de la foto. La foto la podemos
concebir como una reflexión cercana a la psicológico
del personaje.
Les larmes: Una de sus más bellas fotografías.
Recuerda el poder hipnótico de los ojos, de las
miradas, de la imagen. Al verl as lágrimas y al apreciar
la tonalidad, recibimos una gran sensacion de tristeza,
de algo trágico.

Soledad: Otra foto de tonalidades
negras en la que por el titulo y la
imagen apreciamos mucha tristeza.
Utiliza, como en numerosas de sus
fotos, retratos de desnudos de
mujeres
Soledad
Anatomie
Les larmes

VIDA
Fue una fotógrafa estadounidense. Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar en las ciudades de Nueva
York, París y Berlín. En París se volvió asistente de Man Ray y Eugéne Atget. En 1925 instaló su propio estudio e
hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas.
Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En los años 1930, fotografió
los barrios de Nueva York para el Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su arquitectura cambiante
y siendo publicadas muchas de esas fotografías en Changing New York en 1939.
ESTILO
La fotografía de Benerice Abbott se centra, gracias a Eugène Atget en la fotografía documental, en la que se
centraba en numerosos retratos de hombres y mujeres, fotografías de ciudades, espacios, lugares, deteniendo
por un instante y para siempre el tiempo, explorando en ellas los fenómenos físicos.
OBRA
Nueva York, años 30: El hecho de que esta foto esté en blanco y negro se debe a la concepción de la fotógrafa
de esta ciudad, reflejando la esencia de ésta, la esencia que encontraba en todos los barrios, calles y zonas de
la ciudad.
Murray Hill Hotel; From Park Avenue and 40th Street: Realiza esta foto, porque al ver como la moda de los
rascacielos estaba cambiando las ciudades, rápidamente decidió quedarse para fotografiar los contrastes entre
lo nuevo y lo viejo.
Columbus Circle: En una imagen de la variante, Abbott ha adoptado un formato horizontal y se superponen en el
signo Schenley sobre el paisaje urbano de todo, totalmente oscurecer el panorama.

Columbus Circle
Murray Hill Hotel; From
Park Avenue and 40th
Street
Nueva York, años 30

VIDA
Fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas. Conocido por sus
fotografías en blanco y negro de paisajes y como autor de numerosos libros sobre fotografía. Fundó la
asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen
Cunningham y otros.
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro de la misma mide el gris medio de
18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición dependiendo de cuántos
pasos de gris quiera fijar como punto de medición.
ESTILO
Adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país, en los que trataba de reflejar un enorme
contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.
OBRAS
Monolith, The Face of Half Dome: Podemos ver la fotografía como una forma inquietante, con sombras profundas
y un blanco distante pico agudo contra un cielo oscuro .Es un lugar maravilloso con una plataforma de
granito, ligeramente sobresaliente, y tenía casi 4000 metros de altura.
Rose and Driftwood: Este primer plano de una rosa de madera, de color negro. a la deriva es un ejemplo perfecto
del deseo de captar los secretos de la luz y la sombra de los objetos cotidianos.
Clearing Winter Storm: Retrata el paisaje de un monte en invierno, en el que apreciamos grandes árboles,
monstruosas montañas y nubes y refleja un gran contraste de luces y sombras.

Rose and
Driftwood
Monolith, The Face
of Half Dome
Clearing Winter Storm

VIDA
Nacido en Sudáfrica en 1960, a los
23 años empezó a trabajar como
fotógrafo deportivo en periódico
local. Un año después empezó a
documentar las brutalidades del
apartheid. Pronto, se hizo un hueco
en la historia del fotoperiodismo por
su cobertura, con gran riesgo de sus
vidas, de la violencia de los
disturbios urbanos en el país, algo
que hasta ese momento tan sólo
algunos fotógrafos negros habían
osado reflejar. La brutalidad de las
imágenes de pesadilla que vivieron y
de las revueltas es difícil de describir,
y sus fotografías fueron más
difundidas en el extranjero que en la
propia Sudáfrica, donde eran objeto
de censura y en varias ocasiones
fueron detenidos.
En mayo de 1994 recogía en Nueva
York el Pulitzer de fotografía de ese
año, y llegaba a un acuerdo con
Sygma, una de las agencias de
fotografía más importantes del
mundo. Dos meses después,
aparcaba su furgoneta cerca del río
donde jugaba de niño, enchufaba
una manguera al tubo de escape y se
suicidaba a los 33 años.
OBRAS
En la imagen puede verse la figura esquelética de una pequeña
niña, totalmente desnutrida, recostándose sobre la tierra, agotada
por el hambre, y a punto de morir, mientras que en un segundo
plano, la figura negra expectante de un buitre se encuentra
acechando y esperando el momento preciso de la muerte de la niña.
Cuatro meses después, abrumado por la culpa y conducido por una
fuerte dependencia a las drogas, Kevin Carter se quitó la vida.

El fotógrafo seguramente realiza esta fotografía para hacernos ver el nivel de vida del tercer mundo. Centraliza la
persona para resaltarla en la foto, y así podamos ver su rostro de apatía y desgana, síntomas de las personas
que habitan en este tercer mundo, con falta de muchas cosas fundamentales para la supervivencia
En esta foto podemos deducir que África es un país en el que hay constantes guerras y la gente siempre esta
escondida para evitar que las vean y puedan sufrir daños.

Nacido en Philadelphia en 1.950, Steve McCurry está considerado uno de los mejores fotógrafos del mundo.
McCurry se graduó con los más altos honores de la Facultad de Artes y Arquitectura en la Universidad del Estado
de Pennsylvania con un “cum laude” en Cinematografía e Historia. Después de trabajar en un periódico durante
dos años, lo dejó y se marchó hacia la India. La experiencia que allí adquirió enseñó a Steve la recompensa a la
paciencia de esperar a que un medio ambiente sea perfecto para formar una magnífica composición. En 1.984
fue ganador del premio al mejor fotógrafo por la Asociación de Fotógrafos de Prensa. Colaborador habitual de
National Geographic y de numerosas publicaciones fotográficas, el reconocimiento le llegó de la mano de la que
fue su mejor fotografía. Fue en 1984 cuando realizó la toma: el rostro de una muchacha afgana en el
campamento de refugiados de Nasir Bagh en Peshawar (Pakistán). Los ojos de la chica dieron la vuelta al mundo
en la que fue la portada más sonada de National Geographic.
Steve McCurry empezó a trabajar en Afganistán justo después de la invasión Rusa en 1979.
Y alcanzó un punto decisivo en su carrera en el año 1980 cuando, encubierto en vestimenta nativa, cruzó la
frontera con el Pakistán en el Afganistán controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética. Cuando
salió de Afganistán tenía los rollos de película cosidos a la ropa. McCurry presentó con horribles imágenes al
resto del mundo la zona devastada por la guerra, por primera vez. Sus imágenes de Afganistán se publicaron en
todo el mundo y demostraron el conflicto que allí había. Su valor para entrar y capturar fotografías de un país en
ese tiempo tumultuoso fue recompensado con la Medalla de oro de Robert Capa al Mejor Reportaje Fotográfico
del extranjero, un premio dedicado a fotógrafos que exponen un coraje.

La niña afgana fue fotografiada por Steve McCurry a
finales de 1984 en un campo de refugiados de
Pakistan. Los ojos de la chica y el sentimiento que
llevaban dentro dieron la vuelta al mundo. “Cuando
me encontré con la niña, reconocí la magia de su
mirada, repleta de miedo”. Años después McCurry
consciente de lo que había significado esa foto para él
volvió para ver que había sido de Sharbat,
encontrándose con una mujer con el rostro marcado
por el tiempo y las penurias.
Con la composición elegida el artista lleva nuestra
atención a lo más importante que quiere enseñar y
transmitir - la camiseta sucia, la mirada llena del dolor
indescriptible y la pistola desproporcionadamente
grande en la mano tan diminuta. La imagen produce
sentimientos tan fuertes, es tan chocante que es
imposible que alguien se queda indiferente.
Sus característicos colores vivos y la mirada cargada
del sufrimiento, pero a la vez llena de fuerza
invencible. No hay mentira en estos ojos, solo alma
pura y dolida. Detrás del trabajo de McCurry siempre
hay una historia. La técnica de la toma es impecable,
no hay nada que nos distraye del rostro, de los ojos de
esta niña que parece que nos dice algo con su mirada
directa y triste.

VIDA
Nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901. fue un productor, director, guionista y animador estadounidense.
Fue el fundador, junto con su hermano Roy O. Disney, de The Walt Disney Company y el principal artífice de un
estilo inconfundible de películas de dibujos animados. Muere en Los Ángeles el 15 de diciembre de 1966.
ESTILO
Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era
filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y
Hurd en la década de 1910.
OBRAS
Blancanieves y los siete enanitos: La película trata de una bella princesa llamada Blanca Nieves que tiene de
madrastra a la Reina que quiere matarla al saber que la supera en belleza. Después de huir de ella se va a la
cabaña de los siete enanos para esconderse de su furia.
Cuando la Reina se da cuenta de que se esconde decide disfrazarse de bruja e ir a matar a Blancanieves con
una manzana envenenada. Los enanitos deciden vengarse y van a por la bruja hasta que se cae por un
barranco. Los enanos la metieron en un ataúd de cristal, ya que no tuvieron corazón para enterrarla, entonces un
día apareció el Príncipe y la despertó con un beso de amor.
Pinocho: Un anciano llamado Geppetto crea una marioneta de madera llamada Pinocho. El inventor desea que
Pinocho sea un niño de verdad. El Hada Azul hace realidad el deseo de Geppetto y da vida a la marioneta, pero
conservando su cuerpo de madera. El hada asigna a Pepito Grillo como conciencia de Pinocho, para que lo aleje
de los problemas y lo aconseje en situaciones difíciles. Pepito Grillo no es escuchado por Pinocho, quien pasa
por varios problemas para volver con su padre Geppetto, al reencontrarse se convierte en un niño de verdad.

Peter pan: Wendy, Juan y Miguel son
tres hermanos que se divierten por
las noches antes de dormir con las
historias que Wendy cuenta sobre
Peter Pan, un niño que nunca crece y
el Capitán Garfio, su peor enemigo.
Una noche el Sr. Darling se enfada
con ellos y decide que Wendy debe
tener su propia habitación, pues ya
es mayorcita para cuentos infantiles.
Sin embargo, Peter Pan no era un
personaje inventado, sino un niño
real que cada noche, acompañado
de su inseparable hada Campanita,
iba a la ventana de los Darling a
escuchar las historias de Wendy.
Blancanieves y los siete enanitosPinocho
Peter pan

VIDA
Pintor francés. Estudió en la Academia suiza la obra de los principales representantes de las escuelas flamenca,
veneciana y holandesa de los siglos XVI y XVII. Sin embargo, no alcanzó plenamente su madurez artística
hasta que descubrió las obras de Rembrandt en un viaje que realizó a los Países Bajos en el año 1847.
Hombre revolucionario y provocador, abrazó la filosofía anarquista de Proudhon, participó en 1871 en la
Comuna de París y fue encarcelado durante seis meses, hasta que se refugió en Suiza, hacia 1873.
Escandalizó al público con su nueva visión realista en cuadros sobre hechos cotidianos
El realismo procura retratar esmeradamente las condiciones de vida y dificultades por las que pasan las clases
populares en la esperanza de cambiar la sociedad. Para este movimiento, el artista debe representar su
tiempo, sin que tenga que posicionarse por un partido definido: debe retratar los puntos que considera
adecuados, denunciando la sociedad.
OBRAS
Las cribadoras de trigo : produce una sensación artificiosa. La mujer que está sentada tiene los dedos
artificialmente extendidos, mientras que la que criba el trigo está en una postura rígida y forzada. Los tres
personajes están aislados, sin relacionarse entre sí.
Adopta Courbet un estilo influido por las estampas japonesas: el espacio claro, la monocromía en gris y ocre, el
fondo vacío, las figuras que aparecen como recortadas con vestidos de colores fuertes.

El taller del pintor: Dominan la composición los colores ocres y el marrón.
La luz entra por la derecha a través de una ventana pero El cuadro sigue siendo bastante oscuro. El cuadro del
centro, Courbet, su modelo y el niño, son los elementos que están mejor iluminados y destacan en el lienzo.
Pinta con la materia, a la espátula, de manera iracunda
Él mismo prefería parecer torpe o negligente, verse acusado por sus errores de perspectiva y de anatomía, la
tiesura y aspereza de sus figuras, antes que confiarse a fórmulas.
Entierro en Ornans: Es una composición abierta. Viene determinada por las figuras representadas de pie a
tamaño natural que están dispuestas horizontalmente, a modo de friso. El friso que forman los personajes,
mostrando una isocefalia, sigue la misma ondulación rítmica que la montaña del Jura, que sirve de fondo y. Los
personajes están puestos sin ningún tipo de jerarquía, pero las mujeres se mantienen separadas de los hombres
a la derecha. La horizontalidad de los dos precipicios del fondo y de las nubes se contrapone con la verticalidad
de los personajes.
El taller del pintor
Entierro de Ornans
Las cribadoras de trigo

VIDA
Escultor francés. Durante una estancia en Roma en su juventud estudió a fondo el arte de la Antigüedad, hecho
que marcó decisivamente su producción posterior, la más cercana al clasicismo del período barroco francés. Al
regresar a Francia en 1652, trabajó principalmente para Luis XIV. Por encargo del soberano realizó numerosas
obras para los jardines de Versalles bajo la dirección de Le Brun. Resultan más interesantes estas obras
mitológicas que las de carácter áulico y celebrativo. Se le deben también numerosos retratos en forma de busto.
El barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho
tiempo tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que
posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX. La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores,
más que por los practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que
plasmaban dicho estilo. Subrayaba el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la
racionalidad más clara y sobria de la Ilustración.
OBRAS
Rapto de Proserpina: El grupo escultórico -situado en el parque de Versalles- está labrado en un solo bloque de
mármol y muestra cómo Girardon también hacía obras con una fuerte movilidad de aspecto barroco, pero que
atemperaba con una composición perfectamente ordenada y de tipo clasicista.
Apolo con las ninfas: Obra clasicista perfectamente adaptada a los ideales estéticos propugnados y defendidos
por Le Brun, como queda patente en el tratamiento individualizado de cada figura, así como en la relación
espacial entre todas ellas. Se encuentra situada en el Parque de Versalles.

Sepulcro del cardenal Richelieu: La
equilibrada composición -situada en
la capilla de la Sorbona-, a pesar del
contrapposto, está contrarrestada
por una teatralidad y magnificencia
que procede del gusto de Charles Le
Brun, que fue quien la diseñó, y al
que Girardon se adaptaba
perfectamente.
Sepulcro del cardenal Richelieu
Rapto de Proserpina
Apolo con las ninfas

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