1. Pintura gótica
Maestro del Jardín del Paraíso escena: «María en el jardín con santos»

2. Naturalismo
La pintura gótica se aproxima a la
imitación de la naturaleza, a veces
se incluye la representación de
paisajes.
Los temas son religiosos y empiezan
los profanos, aunque con carácter
alegórico.
Se representan los personajes
religiosos en un plano más humano
que divino, dejándoles demostrar
emociones y sentimientos (placer,
dolor, ternura, enojo), rompiendo el
hieratismo románico.
Hay más detalles narrativos, color,
luminosidad,...

3. Técnicas
La pintura mural o frescos se usa,
especialmente en Italia (pintura
realizada sobre una superficie cubierta
con una delgada capa de yeso, en la cual
se va aplicando cal apagada y cuando la
última capa está todavía húmeda, se
pinta sobre ella)
Pintura sobre tabla . Al temple que
usaba como aglutinante el huevo o la
cola obtenida de los huesos de
animales. Es novedad de la última fase
del gótico el cambiar ese aglutinante
por aceite, dando así lugar al óleo

4. Retablos sobre tabla Ático
Calles en
vertical
Banco o
predela
Según el número de piezas:
Cuerpos en horizontal
tríptico, díptico, políptico…

5. Vidrieras
Los muros se liberan de su función
y progresivamente se van
sustituyendo por ventanales con
vitrales de color
Las miniaturas consistían en pequeñas
composiciones de figuras enmarcadas en las letras
iniciales o en diversos compartimentos. Se llamaban
miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido
de hierro, mezclado con colorantes naturales.

6. Suelen tener un fondo plano,
normalmente en dorado.
Hacia el siglo XV interesa el
estudio de la perspectiva

7. Escuelas
Italia
La pintura subsistió en los muros, en los retablos y en las tablas pintadas que forman los
frontales o los laterales de los altares.
Se distinguen dos escuelas durante los siglos XIII y XIV: la de Florencia y la de Siena.
Pintura italiana del Trecento
Giotto di Bondone, pintura mural(Cristo Simone Martini, La Anunciación.
resucitado y Mª Magdalena, (hacia Témpera sobre tabla. (1333).
1304), Capilla de la Arena, Padua. Galleria degli Uffizi . Florencia

8. Siena
Las obras de esta escuela se caracterizan por:
• Estilización y amaneramiento de las figuras.
• Uso de los fondos dorados y de una gama de colores que proporcionan una notable
expresividad a las composiciones.
• Siena fue siempre una ciudad en contacto con las fuentes bizantinas del arte italiano,
como con el estilo cortesano del otro lado de los Alpes, por eso su arte fusiona la influencia
francesa con la bizantina.
Siena tuvo su máximo esplendor entre finales del s. XIII y la primera mitad del s. XIV
cuando constituyó una potencia política y económica que rivalizaba con Florencia.
Ambrogio Lorenzetti, La
arquitectura detalle del
fresco Alegoría del buen y
mal gobierno. Sala de los
Nueve del "Palazzo Pubblico"
(ayuntamiento) de
Siena.(1337-1339).

9. Duccio di Buoninsegna. Maestá de la catedral de Siena
Aparece el tema bizantino de la Madonna entronizada rodeada de ángeles y santos
dispuestos, en este caso, en series paralelas, horizontales y simétricas. El estudio
individual de los rostros de cada personaje y el gusto refinado expresado en la
vestimenta ribeteada por una línea dorada, constituyen los elementos destacables de

10. Duccio di Buoninsegna.
Pasión de Cristo
Organiza el espacio pictórico,
mediante la disposición de los
elementos y detalles en su
relación con el ambiente
Paisaje de fondo
Perspectiva
Arquitectura pintada

11. Simone Martini
Lo más resaltante de su obra es el dominio del color, su gusto por la línea sinuosa, el uso
del color dorado, que recuerda a lo bizantino, el naturalismo y la expresividad de sus
figuras.
Los colores ocres de Martini se han asociado siempre con Siena (ciudad donde nació y
trabajó), porque recuerda la tonalidad de la tierra toscana; de allí que estos colores
reciban el nombre de Siena natural y Siena tostado.
Pintura mural. Ayuntamiento. Siena. Retrato ecuestre del capitán Giudoriccio da Fogliano en la
conquista de Montemassi. Lo más destacable es la minuciosidad en la descripción del
campamento militar con las barracas de paja y el castillo. El capitán y su caballo visten los
colores distintivos de su heráldica. Pero el protagonista real del fresco es el paisaje del fondo,
una extensión realizada únicamente con los colores "siena natural" y "siena tostado" que se
complementan armonizándose con el azul del cielo.

12. Historias de San Martín
(1317) en la Iglesia Inferior
de San Francisco en Asís
Asimilación del espacio
pictórico al representan
escenas con detalladas
anécdotas, llenas de color en
sus figuras perfectamente
delineadas, igual que los
elementos del fondo.
Estos diez episodios de la
vida del santo se realizan
como si fueran historias de
caballería, por lo que tienen
un estilo muy cortesano.
En el Sueño de san Martín, En la Renuncia a las armas, las figuras
los elementos refinadas del santo y del emperador se
arquitectónicos y el ajuar de contraponen a los rudos soldados que desde
la habitación con la colcha de detrás del cerro se preparan para el combate.
cuadros tejido típico de Detalle en el personaje del pagador del sueldo
Siena. de la tropa, a la espalda del emperador.

13. María se retira asustada, va vestida
de azul, color que representa al
cielo. El ángel no sostiene el lirio,
símbolo de la pureza, porque esta
flor era el emblema de Florencia,
rival de Siena y en su lugar porta
una rama de olivo. No obstante el
lirio aparece en un florero al centro
de la obra. En los medallones
superiores están los profetas. Las
palabras que según el evangelio de
San Lucas recitó el arcángel Gabriel
aparecen escritas en latín "Ave
María, llena de gracia, el Señor esta
contigo”
Anunciación entre los santos Ansano y Margarita (patronos de Siena) es una pintura al temple
sobre tabla (1333), realizada para la Catedral de Siena (actualmente en la Galería de los Uffizi de
Florencia). Destacan las formas delicadas, el aire lírico, la belleza de los vestidos y de los
cuerpos delgados y de formas sinuosas, en especial la S de la Virgen.
En el fondo dorado entre el ángel y la Virgen se marca espacio por medio de la representación
de la paloma, el Espíritu Santo que anuncia la concepción divina; el pavimento está tratado con
gran realismo. Representa las tres dimensiones en el banco y en el libro sostenido en sus manos,
en el cual penetra la luz por sus páginas entreabiertas.

14. Aparece el
lenguaje
artístico de
Simone Martini,
en la suavidad
de las figuras
que rodean a la
Virgen. Elegancia
del manto
ribeteado de la
Virgen o del
baldaquino de
seda.
Maestà del Ayuntamiento de Siena pintura al fresco. Abandona la rigidez de la composición en
líneas horizontales, los personajes en dos semicírculos rodean el trono de la Virgen,
acercándose o alejándose, dando movimiento a la obra y un efecto de gran naturalidad. El
baldaquino de seda y cintas se mueve con el viento. La Virgen ha abandonado el hieratismo
bizantino mostrando una actitud pensativa y dulce.

15. Cripta de la Catedral de Siena
Sus paredes están cubiertas de frescos realizados
en el siglo XIII y son los ejemplos más antiguos de
pintura mural de la escuela de Siena que se
conservan

16. Florencia
Giotto
Su arte fue innovador y es considerado precursor del Renacimiento, al realizar una pintura
más realista y humanista, de gran naturalismo.
Da volumen a sus figuras, las individualiza e inicia el espacio tridimensional, mediante la
perspectiva.
Fue capaz de representar el espíritu, la emoción y los sentimientos del ser humano (gente
bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están
tomando gravísimas decisiones espirituales…) mediante la gesticulación de sus personajes.
Vida de San Joaquín. Capilla de la Arena Resurrección de Lázaro.
Capilla de la Arena

17. «La donación de la capa» «El homenaje de un hombre
sencillo»
Historias franciscanas en la Iglesia Superior de San Francisco de Asís.
Representación directa de las cosas, retratos.
Parece que trabajan discípulos del taller

18. Frescos de la Capilla de la Arena o de
los Scrovegni de Padua
Presenta los grandes temas del
pensamiento medieval: Juicio Final y el
fin del mundo, las virtudes y los vicios.
La Redención (vida de María, de Cristo)
y el Cristo en majestad.
El programa iconográfico didáctico del
arte medieval se mantiene, pero sus
formas ya no son esquemáticas, sino
que están modeladas por las
gradaciones tonales, creando
volúmenes en los vestidos y paisajes.
Destacan por el naturalismo de las
figuras de hombres y animales, y de los
rostros de los personajes.
Entrada en Jerusalén
Boda de la Virgen
María

19. Resurrección
La desesperación

20. Su concepción de la figura
humana, que representó con
líneas amplias y redondeadas
indica una preocupación por el
naturalismo.
Se centra en lo humano y en
lo real.
Una interpretación
innovadora de los elementos
del fondo, de las figuras, del
paisaje y de las arquitecturas.
Toma como modelo la
realidad, dibujándolos en
perspectiva, para crear un
espacio en tres dimensiones
Beso de Judas

21. Lamento sobre Cristo muerto
La figura de Cristo muerto se
encuentra desnuda tendida en
el suelo. Un grupo de
personajes acongojados y en
diferentes actitudes
(agachados, de espaldas,
inclinados) cuida el cadáver;
dos parejas de pie, a la
derecha y a la izquierda,
cierran el grupo y se hallan
sumidos en el lamento.
En el cielo los ángeles
participan del duelo con igual
congoja y definen curvas
ascendentes.
El fondo de la escena lo
Gran dramatismo expresado por los gestos de
componen una línea rocosa
desolación ante el cadáver. Los volúmenes se forman
que atraviesa de forma oblicua
mediante sombreados. Logra la profundidad con las dos
la escena, un árbol deshojado
figuras colocadas de espaldas, las miradas de los
y el cielo oscurecido por un
personajes hacia la escena principal y la roca sigue la
azul intenso.
misma dirección que la línea de las miradas

22. Flandes
Durante el s. XV se darán unas circunstancias favorables que colaborarán en la creación de
una importante escuela de pintura en esta zona de Europa. Las ciudades más destacadas
de este territorio eran Gante, Brujas e Ypres, todas formaban nudos de enlace entre las
redes comerciales que unían el norte europeo con el resto del Occidente. En ellas se
desarrolló una burguesía comerciante que se convertirá en la nueva clientela del arte.
Brujas.
Bélgica

23. Utilización del óleo. Los pigmentos se mezclan con aceite, lo que hace las tintas sean fluidas y
se puedan obtener las luces, sombreados , los matices y detalles de los objetos...
Jan van Eyck.
Detalle Políptico
del Cordero Místico

24. Perspectiva
Utilizan el sistema de "con punto de distancia". La perspectiva se aproxima más a la
visión natural, el aire se palpa como un elemento más que está presente en el cuadro. Se
apuesta así por el uso de la gradación de color hacia grises azulados para los objetos
lejanos, como haría Leonardo da Vinci en su "perspectiva aérea".
Jan van Eyck
Virgen del Canciller
Rolin

25. Realismo al representar todos los detalles de los objetos, a los personajes
Jan van Eyck. Virgen del canónigo Van der Paele

26. Temas
Predominio de la pintura sobre tabla
Religioso: recreación de pasajes bíblicos, vida de santos, vírgenes. Suelen realizarse
trípticos, polípticos. Con las tablas pintadas por los dos lados. En el exterior se
representan las figuras en grisalla.
Roger van der Weyden
Políptico del Juicio Final
Roger van der Weyden
Tríptico del calvario

27. El Bosco o Brueghel el Viejo, pintan cuadros ejemplarizantes donde se describen los
pecados y sus consecuencias o concepciones más bien filosóficas del mundo basadas en
creencias o dichos populares. Para ello se ayudan de una desbordante fantasía de
elementos y composición, y de un lenguaje simbólico.
Pecado
original
Infierno
Vicios
Virtudes
El Bosco. Tríptico del Carro de Heno

28. El Bosco. Tríptico del Jardín de las Delicias
Con gran simbolismo se representa el pecado, el paraíso, el universo, la lujuria…

29. Pieter Brueghel el Viejo. Triunfo de la muerte
Reflexión sobre la muerte, la crueldad. No hay escapatoria posible.

30. El paisaje
En un cuadro flamenco encontraremos una escena que siempre remite al paisaje, bien
sea a través de una ventana, bien porque se desarrolle efectivamente al aire libre. Los
personajes comparten protagonismo con el paisaje.
Hans Memling. Escenas de la vida de María

31. Retrato
Retratos con penetración psicológica del modelo. El retrato típico flamenco es el que capta al
personaje de menos de medio cuerpo, ligeramente girado sobre sí mismo, sobre fondo neutro
de color oscuro, e incluyendo el rostro y las manos con algún símbolo.
El hecho de que el personaje aparezca levemente girado permite involucrarle en el espacio, el
cual no se representa mediante mobiliario o fondo arquitectónico. Tan sólo la presencia de la
figura insinúa la existencia del volumen y el espacio que ocupa.
Retrato de Felipe el Bueno Margarita Van Eyck El hombre del
(van der Weyden) turbante rojo. Van
Eyck

32. Roger van der Weyden
Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por
sus notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En su
estilo destacan las líneas sinuosas en cuerpos y drapeados. Sus personajes presentan un
marcado realismo.
Piedad. Museo del Prado Carlos el Temerario

33. Es la tabla central
de un tríptico.
Tiene forma
rectangular, con
un saliente en el
centro de la
parte superior,
en el que se
encuentra la cruz
y un joven
encaramado en la
escalera, que ha
ayudado a bajar
el cadáver.
El tema es
religioso: Cristo
bajado de la
cruz
El fondo de oro,
típico del
gótico; así, las
figuras parecen El fondo de oro tiene un sentido Descendimiento. Museo del Prado.
esculturas simbólico: simboliza la eternidad y es Pintura al temple sobre madera
policromadas propio de lo divino

34. Abajo, hay unas
pequeñas plantas,
un hueso alargado
y una calavera
junto a la mano de
María desmayada.
Podría aludir a la
vida después de la
muerte.
El fondo neutro
centra toda la
atención en las
figuras, que se
alojan en un
espacio reducido.
María Magdalena y Juan en los extremos englobando el grupo
José de Arimatea y en una especie de paréntesis, y la Virgen María y su hijo
Nicodemo (barba Jesucristo en el centro, siguiendo la misma diagonal.
blanca) sostienen
el cuerpo muerto Las figuras expresan su dolor. El mayor dramatismo está en las
de Cristo con figuras de María Magdalena, que se dobla de dolor, y la Virgen
expresión de María representada sufriendo un desfallecimiento y doblándose.
consternación

35. Muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias al avance del óleo, se
muestra en las calidades de los objetos.
Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos
caracterizan a los personajes más patéticos: las mujeres y el joven subido a la
escalera; los demás personajes visten colores cálidos.

36. Jan van Eyck
Se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la
precisión de las texturas y la representación del espacio tridimensional. Logra dar impresión
de tridimensionalidad mediante las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre
otras y todas sobre una tabla de madera pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una
reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad.
Virgen en la iglesia

37. Retrato del matrimonio Arnolfini
Representa al rico La obra es un fiel
mercader Giovanni reflejo de las
Arnolfini y a su esposa características
Jeanne Cenami, que se estilísticas de la
establecieron y escuela flamenca
prosperaron en la y, sobre todo, es
ciudad de Brujas un compendio
del estilo de su
La pareja aparece autor. En su
de pie, en su composición
alcoba; el esposo sobresalen:
bendice a su mujer, La minuciosidad,
que le ofrece su sólo posible
mano derecha, gracias al empleo
mientras apoya la del óleo y de
izquierda en su plumillas
vientre. La pose de especiales.
los personajes
resulta teatral y El naturalismo.
ceremoniosa,
prácticamente La preocupación
hierática por la luz y la
perspectiva

38. Minuciosidad
Los detalles se plasman con
una escrupulosidad
microscópica, en el espejo del
fondo:
• en el marco están
representadas diez escenas de
la Pasión de Cristo
•se refleja toda la habitación
vista desde atrás, incluyendo
todo el mobiliario, el
matrimonio, otras dos personas
y el ventanal con una vista de
Brujas

39. Deleite en la reproducción de objetos; los flamencos se enorgullecen de sus posesiones, y
las representan en sus obras: la lámpara, los muebles finamente labrados, la ropa… y a su
vez tienen un sentido simbólico.
El naturalismo; van Eyck se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor
exactitud posible.
Los zuecos esparcidos por el
suelo (ellos van descalzos)
representan el vínculo con el
hogar y también son señal
de que se estaba celebrando
una ceremonia religiosa.
La posición también es
significativa: los de
Giovanna están cerca de
la cama simbolizando
que era la encargada del
hogar; los de su marido,
más próximos al mundo
exterior, simbolizan que
La cama tiene relación con la
En aquel tiempo se es él el encargado de
continuidad del linaje y del
creía que pisar el suelo trabajar para llevar la
apellido. Representa el lugar
descalzo aseguraba la prosperidad económica
donde se nace y se muere.
fertilidad. a la casa

40. La lámpara sólo tiene una vela, que simboliza
la llama del amor (era costumbre flamenca
encender una vela el primer día de la boda).
Pero también recuerda la candela que luce
siempre en el sagrario de la iglesia ,
permanente presencia de Cristo.
El perro pone una nota de gracia y
desenfado en un cuadro que es todo
solemnidad. El detallismo del pelo es
toda una proeza técnica.
En los retratos, los perros suelen
simbolizar, como aquí, la fidelidad y el
amor terrenal.

41. Preocupación por
la luz y la
perspectiva: la
Actitud hierática luz que penetra
de los retratados e por la ventana es
incluso del perro. suave y envuelve
las formas
El movimiento es delicadamente, la
nulo. claridad se
disuelve, poco a
Las formas tienen poco, en una
una solidez atmósfera
escultórica. tangible; el marco
arquitectónico y
La escena es el recurso del
rígida, teatral y espejo del fondo
poco espontánea. dan una
sensación de
profundidad muy
verosímil.

42. Simbolismo
El experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky, interpreta el cuadro como una alegoría del
matrimonio y de la maternidad
él es severo, bendice o, quizá, jura, en cualquier caso, ostenta el poder moral de la
casa y sostiene con autoridad la mano de su esposa, que agacha la cabeza en
actitud sumisa y posa su mano izquierda en su abultado vientre, señal inequívoca
de su embarazo (que no es real), que sería su culminación como mujer

43. El sacerdote y el testigo
aparecen reflejados en el
espejo, junto a la pareja.
El propio pintor, actúa como
testigo, y que, con su firma, no
sólo reclama la autoría del
cuadro, sino que testifica la
celebración del matrimonio
El espejo es uno de los mejores ejemplos de la minuciosidad microscópica conseguida (mide 5’5
centímetros y cada una de las escenas de la pasión que le rodean mide 1’5 centímetros). En
torno al espejo se muestran 10 de las estaciones del Vía Crucis. Su presencia sugiere que la
interpretación del cuadro debe ser cristiana y espiritual en igual medida que legal y recuerda el
sacrificio que tienen que soportar los esposos.
Estos espejos convexos (brujas) se usaban para espantar la mala suerte. Se colocaban junto a
ventanas y puertas, para buscar efectos lumínicos en las estancias.

44. Adán
ángeles
ángeles
músicos
cantores
Eva
la Deesis
Los Jueces Ermitaños
Justos
Peregrinos
Caballeros
de Cristo
Adoración del Cordero
Políptico de la Adoración del Cordero místico o Políptico de Gante o también el Altar de Gante
es un conjunto de tablas pintadas al óleo por los hemanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar
mayor de la Catedral de San Bavón en Gante (Bélgica).

45. Mártires
Mártires
Judíos y Iglesia
paganos Católica
Representa al Hijo de Dios y su Eucarística. La sangre de Jesús es recogida en la copa, l(Santo
Grial). En el cielo surge la paloma(Espíritu Santo), que ilumina la escena. El Cordero está
rodeado por catorce ángeles, algunos de ellos con los símbolos de la Pasión (la cruz, la columna,
la corona de espinas, la lanza, la esponja). Delante, la fuente de la vida de la que nace un arroyo,
cubierto de joyas.

46. En la escena contemplamos una campiña
con la ciudad de Gante al fondo.
Triunfo del naturalismo y del detallismo
en las telas y joyas, el paisaje, las iglesias y
las colinas, montañas. Enorme riqueza de
vegetación, en ocasiones con especies no
europeas. Alberga un despliegue de
figuras, sombreros, ropajes y detalles
prodigiosamente concretos.
Se representa la tercera dimensión: el
tamaño de los personajes, los edificios y
los objetos, está en función de la
distancia, intentando mantener entre ellos
una proporción que coincida con la
realidad
El paisaje representa el Paraíso.

47. Predijeron el
nacimiento de
Sibilas
Cristo
Profetas
El ángel lleva un lirio
Anunciación
(virginidad) y le dice
Una ventana con arcos
"Dios te salve, María,
geminados (la vista de
llena eres de gracia",
Gante desde el estudio
María responde "He
de los Van Eyck). Un
aquí la esclava del
nicho con una
Señor"; la inscripción
palangana, un jarro
está en latín, en letras
metálico y un paño,
doradas.
todo ello alusivo a la
El techo parece
virginidad de María.
demasiado bajo en
comparación con las
Aparecen retratados
dimensiones de los
los donantes y entre
personajes.
ellos sus santos
protectores, san Juan
Bautista y san Juan
Evangelista, en
grisalla.

48. Detalles

52. España
Diferentes períodos
Estilo gótico lineal
Se inicia en el s. XIII y predomina hasta mediados del siglo XIV.
Marcado dibujo de líneas que se rellenan con color.
Los personajes adquieren movimiento, pero están tratados de una manera un poco ingenua
Miniatura de las Cantigas a Santa María de Alfonso X el Sabio

53. Estilo internacional
En la primera mitad del siglo XV. Recibe este nombre pues tiene unas características
comunes en toda Europa: valoración de la expresión, las figuras se estilizan, predomina
la línea curva, especialmente en los ropajes, que presentan numerosos plegados,
movimientos sinuosos y atención a los detalles y a lo anecdótico.
La Crucifixión rodeada del
bautismo de Cristo y de la
conversión de San Pablo.
Colores delicados: dorado,
rosa, el gris…
Los ropajes describen
numerosas curvas.
Presta atención a detalles
naturalistas como rocas,
plantas, agua…
Obra de Gerardo di Jacopo
Starnina, pintor florentino
que se le considera
introductor del estilo
internacional. Trabajó en
Valencia donde realizó este
retablo de Fray Bonifacio
Ferrer

54. Pintura hispanoflamenca
La pintura flamenca llega gracias al comercio (importación de obras, algunos pintores van a
Flandes a estudiar)
Tiene todas las características desarrolladas por los flamencos, pero con rasgos propios.
Virgen de los Consejeros. Lluís Dalmau.
1445
Fue el encargado de introducir el estilo que
aprendió directamente de Van Eyck.
Estancia con arquitectura gótica, con
ventanas abiertas al exterior. En el centro la
virgen rodeada de los donantes arrodillados
a sus pies. Detrás un coro de ángeles que
recuerdan a los de la Adoración del Cordero
Místico de Van Eyck.
Retratos de los donantes, ricos ropajes, con
multitud de pliegues.
No tiene el mismo nivel de detallismo que
las obras flamencas

55. Bartolomé Bermejo
Santo Domingo de Silos. 1474
Representa a Santo Domingo de
Silos, fundador del monasterio
homónimo, sentado en su silla
de abad. Era la tabla central del
retablo de la iglesia de Santo
Domingo.
La figura del santo ocupa casi en su totalidad la
escena, mirando fijamente al espectador. Destaca su
rostro que está tratado con gran realismo.
La capa, la mitra y el báculo nos informan de su
poder, pues es el abad.
Las representaciones de las siete virtudes rodean al
santo (fe, esperanza, caridad, justicia, fortaleza,
prudencia y templanza)
En sus ropajes predomina el dorado, en ellos se
representan escenas con gran detallismo. También es
minuciosa la decoración del trono y la orfebrería que
aparece en la mitra del abab.

56. Reixach La tabla central Santa Ana
sobre un fondo dorado. La
perspectiva está marcada por
los azulejos del suelo. Las
escenas de las tablas menores
se representan en interiores
de detalladas arquitecturas.
Los ropajes de ricos tejidos
producen pliegues quebrados
y angulosos.
Las tablas son las originales
pintadas por Reick, pero la
estructura del retablo se
recompuso en 1924.
Valencia fue uno de los
centros en los que la pintura
hispanoflamenca recibió un
fuerte impulso, ya que
Retablo de Santa Ana
durante el siglo XV vivió un
período de esplendor cultural
y económico