1. UD. 5 PINTURA GÓTICA.
GIOTTO Y LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS

2. 2. PINTURA GÓTICA
Donación de la
capa - Giotto

3. Comentario
(Identificación) La imagen presenta la obra conocida como la “Donación de la capa” del Giotto.
Cronológicamente se sitúa a finales del siglo XIII (Giotto terminó de pintar la Basílica de San Francisco de
Asís en 1299) aunque se puede enmarcar en el Trecento italiano. Se trata de una pintura al fresco sobre las
paredes de la Basílica de San Francisco en Asís.
(Análisis) La escena relata el encuentro entre un caballero y San Francisco, al que le donó su capa, siendo
éste uno de los primeros acontecimientos en los que el santo se muestra predispuesto para su vida de
pobreza posterior. Giotto sitúa la narración en un paisaje, siendo el centro compositivo la cabeza del santo, ya
con aureola, que divide los dos mundos entre los que tendrá que elegir. A la izquierda, sobre el macizo
rocoso, se sitúan las arquitecturas típicas de una ciudad; en el otro extremo, el edificio de un monasterio. Las
líneas de las dos montañas convergen en la cabeza del santo, cuando éste le ofrece su capa a un noble
empobrecido.
La zona central del paisaje se presenta vacía, con lo que la acción de San Francisco cobra más
fuerza. La rotundidad de los personajes se muestra clara en contraposición al paisaje, pero éste se presenta
como un marco bien construido y creíble donde tiene lugar la acción. Su relación con los protagonistas viene
dada por las tonalidades de color, con las que Giotto representa las vestimentas de los personajes; ambos
elementos están compuestos a base de manchas de colores de la misma gama separadas por la línea que
contornea las figuras y el paisaje. Esta separación es un instrumento que hace más obvia la relación de los
personajes con el paisaje: el contexto del paisaje hace creíble la escena de la donación.
(Comentario) El conjunto de los frescos de la Basílica de San Francisco de Asís recoge en un total de 28
escenas la vida de San Francisco pintada por el Giotto. Este autor pertenece a la Escuela de Florencia,
ejemplo de la transición de la pintura gótica italiana del Trecento hacia los temas humanistas del
Quattrocento.
El maestro de Giotto, Cimabue, y él mismo, inician un proceso de ruptura con el estilo bizantino
imperante en la pintura de la Escual de Siena, caracterizada por el uso del dorado en los fondos, y la
ausencia de profundidad, La Escuela de Florencia evoluciona hacia una pintura donde los fondos son un
paisaje en tonos azules, con interés por los efectos de luz sobre los personajes de la escena; se busca el
estudio anatómico de los personajes a través de la recreación de gestos y estados de ánimo; también
mediante la luz se consigue dar profundidad a la escena. Aún así quedan otros elementos más arcaicos
como los ojos almendrados o los dorados (pan de oro) para las aureolas

4. San Francisco predicando a los pájaros es una de las
obras más interesantes de todas las representaciones
llevadas a cabo por Giotto, con episodios de la vida del
santo de Asís. La obra estaba basada en la "Legenda
maior" de San Buenaventura, recogiendo el pasaje del
capítulo X: "Estando el beato Francisco en Bevagna
predicó a muchos pájaros los cuales, exultantes,
alargaban el cuello, batían las alas, abrían los picos, le
tocaban la túnica; y todo esto lo veían sus compañeros
que le esperaban en el camino". Giotto ambienta el
episodio en plena naturaleza, un paisaje de rasgos muy
sumarios que sirve de marco excepcional y convincente
para la representación del sermón de San Francisco.
La figuración de algunos árboles y la línea del suelo
son los únicos elementos para la significación del
argumento. Sus colores apagados potencian la fuerza
volumétrica de las figuras, a la vez que se relaciona
ambos con una gama cromática de similares tonos. Los
pájaros se arremolinan ante las palabras dirigidas por
el santo, unos en el suelo, otros en el tronco del árbol
de la derecha, algunos volando libremente alrededor de
los dos franciscanos.
La importancia de la escena, lo que es evidente por su
localización a las puertas de la basílica, está
determinada por ser un auténtico símbolo del camino
por el que optó San Francisco en su vida y, por ende,
una metáfora del espíritu de pobreza y amor a los
componentes de la Naturaleza que representa su
orden. La escena es altamente emotiva y clarificadora
para el fiel que llega al templo de Asís para adorar al
santo. Sin duda, una de las escenas más simples pero
más aleccionadoras y expresivas de todo el ciclo que
representó Giotto en Asís.

5. 3. PINTURA FLAMENCA
Matrimonio Arnolfini – Jan Van Eyck

6. La imagen propuesta es la obra “El Matrimonio Arnolfini” de Jan van Eyck. Realizada en 1434 está
dentro del estilo gótico flamenco, y utiliza la técnica del oleo sobre tabla. Actualmente se encuentra en el
National Gallery de Londres.
La escena representa a una pareja en el interior de una habitación. El espejo que cuelga al fondo de la
pared marca el eje de simetría de la composición, en concordancia con la lámpara del techo y el perro. En
este eje confluyen diferentes puntos de fuga, marcadas por las líneas de la tarima del suelo. Para subrayar
esta tridimensionalidad en el espacio, el espejo refleja lo que está fuera del campo pictórico.
La meditada construcción del espacio hace que el movimiento escénico sea casi nulo, mostrando una
imagen rígida, teatral y poco espontánea. A ello también contribuye el predominio de la línea sobre el color,
perfilando los contornos de figuras y objetos, haciendo que estos adquieran una solidez casi escultórica. Esta
teatralidad le permite al autor plasmar el más mínimo detalle gracias a la técnica del óleo y de pinceles muy
finos (plumillas)
La luz penetra por la ventana del lado izquierdo, ilumina a la esposa y deja en penumbra la parte
izquierda del lienzo, por tanto es una luz realista. En los colores, la composición cromática está marcada por
grandes manchas: el verde del vestido de la esposa; el rojo de los muebles; y el marrón de la túnica del
mercader.
En cuanto a su composición estética, la pintura presenta un doble retrato de cuerpo entero de un
matrimonio que se sabe es de Giovanni Arnolfini, comerciante, y su esposa Giovanna Cenami. El significado
oculto del cuadro parece ser un certificado matrimonial en el que el esposo ofrece su mano como voto
nupcial, mientras que la vela encendida y que los dos aparezcan descalzos parecen remarcar el carácter
sagrado de la ceremonia. Otros símbolos, como el perro, hablan de la fidelidad del matrimonio; o el vientre
abultado de la esposa que es símbolo de la fertilidad de la mujer. Las frutas sobre la mesa que hay debajo de
la ventana representan la fruta del árbol del Bien y del Mal, el árbol prohibido, la fruta del pecado original que
será redimido con su matrimonio.
Son evidentes las conexiones del autor con las características principales de la escuela flamenca:
gusto por el detalle, uso del óleo, gran realismo en sus composiciones, volúmenes bien marcados, riqueza
cromática, etc. Para concluir el comentario me gustaría resaltar el cambio que supuso la pintura flamenca del
XV con respecto a la pintura gótica del XIII y XIV donde destacaba el uso de los dorados. La influencia de
Van Eyck y de los pintores flamencos en general, se dejó notar en la pintura del siglo XVI en pintores como
Lluis Dalmau.

7. Sta. Margarita: Patrona
de los partos
Lámpara: Llama divina
Firma del autor
Espejo:
- Pureza
-Autorretrato
-Perspectiva
Tondos del espejo: Pasión
de Cristo: Divinidad del
matrimonio
Acto de bendición
Vientre abultado:
Universalidad de la mujer
como madre
Fruta: Inocencia
Perro: Fidelidad
Sandalias: Descalzo por ser un
lugar sagrado

8. POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO

9. El
asesinato
de Abel
La ofrenda
Deesis: la
de Caín y
Virgen –
Abel
Cristo/Dios
– San Juan
Cantores y Evangelista
Adán
Cantores y
Eva (con el
vientre
abultado,
símbolo de
la
maternidad)
Caballeros de Cristo Adoración del cordero Ermitaños y peregrinos

10. El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico, precisamente a
causa de este panel que es el de mayor tamaño de toda la obra y el de mayor importancia
iconográfica.
El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del
pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz.
Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles,
algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras
otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una
fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la
fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al
Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que
veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre.
La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de
adoración: a la izquierda están los doce profetas y a la derecha, los catorce apóstoles
(incluyen a Matías, Pablo y Bernabé, y no está Judas). Tras ellos, a la izquierda tenemos
a los Patriarcas, entre los cuales resulta interesante destacar a uno proveniente del
mundo pagano: el hombre con barba que viste una túnica blanca sería el poeta Virgilio,
muy popular en la cultura medieval. A la derecha, los papas y obispos.
Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires,
hombres y mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio. Entre las
mujeres se reconoce a Santa Ursula, Santa Bárbara, Santa Inés y Santa Dorotea.

11. DESCENDIMIENTO (1435) – VAN
DER WEYDEN

12. Plañideras
Nicodemo
Cristo
José de
Arimatea
María
San Juan
Magdalena
Virgen María

13. IHESUS MARIA
Escote de María
Magdalena que recuerda
que es una pecadora.
Cómo símbolo de la conversión
de Magdalena a la fe de Cristo, el
pintor coloca un cinturón sobre su
vientre abultado con la inscripción de
“Jesús María”.
A través de un eje se une a la
misma altura el vientre de
Magdalena, el sexo de Cristo y la
cabeza de la Virgen. El significado
más evidente de este eje es el
siguiente:
- El vientre abultado (signo de
maternidad) el sexo de Cristo (que
con su muerte quita el pecado de los
hombres) y la cabeza de la Virgen
(sobre el tocado blanco, símbolo de
pureza) hablan de la Virgen María
como madre de los cristianos.

14. Rogier Van der Weyden, quien lo planeó como pintura que traduce los esquemas de los
retablos escultóricos alemanes y flamencos de esa época. Éstos plantean habitualmente
una caja espacial estrecha, en la cual se colocan a manera de friso los personajes
esculpidos, frontales y ajustados al escaso fondo que se les concede.
Este planteamiento es el mismo que observamos en el Descendimiento de Van der
Weyden: todas las figuras se distribuyen en un primer plano, yuxtapuestas pero procurando
que ninguna oculte a las demás. La evocación del estilo escultórico consigue volumen y
modelado en los cuerpos.
Las figuras, diez en total, son Cristo muerto, María, San Juan y los santos varones y
mujeres, incluida la Magdalena. Todos ellos llevan hermosos ropajes, cuyas texturas
permiten diferenciar terciopelos, sedas, damasquinados, etc. Es también una característica
propia del arte flamenco ésta de resaltar la calidad de las materias que aparecen. Es un
indicativo del poder del que encarga la pintura. Además, todo el fondo está recubierto por
riquísimas láminas de pan de oro, y abundan los azules y los verdes, pigmentos que
proceden de moler piedras semi-preciosas. El fondo dorado, además de una ostentación de
riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra cosa que no sea la escena,
desarrollada por este marco en un espacio mágico e irreal, sin referencias humanas.
La obra fue encargada para la capilla de los Ballesteros de Lovaina, lo cual se refleja en
el marco: en los extremos superiores aparecen unas pequeñas ballestas que identifican a
los donantes. Parece que en origen era la tabla central de un tríptico, completado por una
Resurrección y unas imágenes de santos, pero se desconoce su paradero. Felipe II, gran
admirador del arte flamenco, trató infructuosamente de comprarla; por ello, encargó a
Michel Coxcie, pintor y copista real, que le hiciera una copia para colgar en El Escorial.
Años más tarde, la tía del emperador, María de Hungría, consiguió adquirirlo para
la colección real española, a la que llega en 1574, de modo que una segunda copia fue
realizada para que permaneciera en la capilla de los Ballesteros. La primera de Coxcie es la
que actualmente pende de los muros de El Escorial. La tabla original del Descendimiento se
encuentra en el Museo del Prado desde 1939.

15. EL BOSCO – JARDÍN DE LAS
DELICIAS (1500)

16. Dios
“El mismo lo dijo y
todo fue hecho”
“El mismo lo ordenó
y todo fue creado”
Tríptico cerrado en
grisalla, representando el
tercer día de la creación

17. La Fuente de los Cuatro
Ríos del Paraíso. A su
lado el Árbol de la
Ciencia del Bien y del
Mal, con la serpiente
enrollada en el tronco
Dios, con los rasgos de Cristo, Adán
y Eva. Junto a ellos un drago como
Árbol de la Vida (Anécdota: junto a
Eva aparece un conejo (lo tengo que
explicar!!!!)
El color oscuro de la laguna de la que salen los
animales, la deformidad de alguno
(asemejándose a los bestiarios medievales), y
que algunos aparezcan luchando entre ellos…
preludia los futuros pecados de la humanidad

18. La parte superior del cuadro
recrea el paraíso de la primera
tabla, pero la fuente aparece
resquebrajada símbolo de la
fragilidad del hombre ante el
pecado
En la parte central aparece una
laguna llena de mujeres
desnudas (símbolo del pecado)
alrededor de la que giran grupos
de hombres montados en
caballos, animales… tratan de
simbolizar los pecados capitales.
Escenas de concubinato,
onanismo, relaciones contra
natura… todo en alusión al tema
central de la tabla: la lujuria. La
lujuria relacionada con el fruto
rojo, símbolo del pecado original
del hombre.
Única pareja que aparece
vestida, que se suele identificar
con Adán y Eva tras la expulsión
del paraíso.

19. Tabla que representa el Infierno,
denominado “Infierno musical” por la
cantidad de instrumentos musicales que
aparecen. También aparecen
representados los pecados capitales.
El “hombre-árbol” asociado con el demonio.
Alude al pecado capital de la gula: glotones
sentados al banquete que esperan a que los
demonios (que suben por la escalera) le
sirvan sapos para comer.
Otro pecado representado es el de la
envidia, que se combatía con el agua
helada
Monstruo que como hombres y los defeca,
aludiendo a los avaros
Vicios censurados en la época, como el
juego.

20. El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado
muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la vida;
por el contrario, abierto enseña la Creación completa en la puerta izquierda, el Infierno en la
derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman
la vida terrenal.
Leído de principio al fin, narra la historia de la caída del género humano, sin posibilidad de
redención, puesto que no existen las figuras divinas de Cristo o María, ni tampoco la elección de los
benditos para vivir en la Gracia de Dios tras el Juicio Final. El mundo, los mundos que presenta el
Bosco no tienen nada que ver con la realidad, ni con la comprensión humana. Es uno de los
primeros genios de la historia del arte que introduce en sus imágenes el componente onírico que
supera la realidad consciente. La fantasía, el humor, la crítica ácida, saturan esta imagen cruda del
ser humano, que se precipita en el infierno con cada uno de sus actos.
El Bosco puebla sus paisajes con monstruos, plantas antropomorfas, objetos imposibles. El ser
humano, desnudo ante sus actos, es poco más que un gusano diminuto pululando entre ambientes
misteriosos. Las encarnaciones de la sensualidad son deslumbrantes por su variedad: la música, el
amor, el juego, la bebida, incluso el aprendizaje y el conocimiento. En el infierno, el sueño-pesadilla
se disloca: orejas de las que emergen cuchillos, demonios con bocas dentadas en el vientre,
escaleras que no llevan a ningún sitio y, entre todo ello, los cuerpos de los pecadores que están
siendo despedazados por los demonios y sus máquinas infernales.
La técnica minuciosa de El Bosco está directamente relacionada con la pintura de su época y
los avances con el óleo. Pero su forma de componer y situar las figuras en el espacio, así como su
interpretación de un tema clásico de la pintura religiosa, no tienen nada en común con los otros
pintores de su entorno.
El tríptico se mantuvo en El Escorial hasta su traslado en 1939 al Museo del Prado.