2. MASACCIO..Trinidad 1427/28
ICONOGRAFÍA zona superior la Trinidad , segundo nivel María y Juan y tercer nivel dos
donantes representados a igual medida que las figuras religiosas ( importancia del hombre
pero también vanidad, autoestima,); zona inferior se simula un altar sobre dos pares de
columnillas y un esqueleto en un sarcófago ( ver diapositiva anteriror)
-Inserción o ubicación de la escena en un marco arquitectónico, recuerda lo que se está
haciendo: pilastras de orden corintio con entablamento, bóveda de cañón von casetones
sustentada por columnas de orden jónico. tondos con veneras y gran detallismo calidades
matéricas: ladrillo, mármol
Importancia del dibujo que delimita los colores lmediante los que crea el volumen. Los
colores se gradúan o matizan según la luz .Distribución armónica : ocres y rosados en la
bóveda , Cristo crucificado y rostro de Dios Padre; rojos ( San Juan y donante) y azules(
María y donante) distribuidos en diagonal
Efecto perspectiva ( el punto de fuga ) es el pie de la cruz. Con varios planos: Dios, Cristo ;
María y Juan; los Donantes. -En la composición se pueden observar esquemas
triangulares: ejemplo la base del triángulo se sitúa en los donantes y el ´vertice en la
cabeza de Dios padre; otro cabeza de Dios-brazos de Cristo; o triángulo invertido
brazos de Cristo pies o incluso base de la cruz. Se busca un sentido narrativo: -
Relación entre los personajes Nos introduce en la escena María que mira de frente y
señala a Juan que con su mirada nos lleva a la Trinidad. Dios sujeta a Cristo
Significado : Religioso la Trinidad, pero introduce algo novedoso como la muerte (
esqueleto). Recordad que mediante la resurrección de Cristo ( Dios padre llevará a los
cielos a su hijo) se promete a la humanidad la resurrección al final de todos los
tiempos ( segunda venida de Cristo). Simbolismo de la muerte y resurrección
6. TRIBUTO DE LA MONEDA
Frescos de la Capilla Brancacci hacia 1425 Santa María Carmine. Florencia.
TEMA : En principio bíblico. Ante la pregunta de si hay que pagar tributos al César responde “ dad al César
lo que es del César y a Dios lo que es de Dios” . A continuación manda a PEDRO que cumpla la obligación ,
recogiendo el óbolo de la boca de un pez ( el milagro) y luego entregándoselo al recaudador. La escena
presenta varios momentos:
1. En el centro Jesús con sus apóstoles y de espalda el recaudador que exige que pague el tributo , Jesús
ordena a Pedro que se acerque al río, la mano de Pedro nos dirige al milagro
2. El milagro : a la izquierda Pedro extrae la moneda de un pez;
3. A la derecha Pedro entrega la moneda al recaudador.
ANÁLISIS Composición cerrada . Se ubica en el centro, no el milagro de extraer el óbolo del pez, sino la
decisión de Jesús de cumplir con la obligación cívica de pagar el tributo.
Gran importancia del dibujo que aisla las figuras y a los personajes del paisaje
Figuras de gran volumen o corporeidad , monumentales , casi escultóricas que siguen la herencia de Giotto,
mediante gradaciones tonales o clarooscuro efecto de la luz. La misma luz incide especialmente en el rostro
de Jesús.
La acción se ubica dentro de un marco paisaje y arquitectura con predominio de colores fríos.
Profundidad perspectiva lineal, punto de fuga es Jesús, pero también contribuye colores fríos y personaje de
espalda.
Paisaje , monumental y casi escultórico que recuerda a Giotto.
RITMO Dota de vida a la escena mediante diferentes actitudes , el brazo de Jesús marca la acción hacia la
izquierda, mientras que la arquitectura centra la acción de Pedro y el recaudador
CONTEXTO Florencia. Comercio, burguesía, pensamiento antropocéntrico y humanismo.
FUNCIÓN . la vida y milagros de San Pedro
SIGNFIFICADO . Se deben pagar los impuestos a la iglesia o a los Médicis?
7. Tres escenas: Jesús envía a Pedro a extraer moneda, Pedro extrae la moneda (el milagro)
y Pedro entrega la moneda al recaudador. Figuras de gran volumen o corporeidad
mediante el empleo de la luz que produce clarooscuro gradaciones tonales y aísla a los
personajes del paisaje
La acción se ubica dentro de un marco paisaje y arquitectura con predominio de
colores fríos. Profundidad perspectiva lineal, punto de fuga es Jesús, pero también
contribuye colores fríos y personaje de espalda. Dota de vida a la escena mediante
diferentes actitudes El brazode Jesús marca la acción
12. ANDREA DEL CASTAGNO. ÚLTIMA CENA 1440
Refectorio del convento de Santa Apolonia Conviene contemplar la
escena de lejos para obtener el efecto de profundidad. La visión
es diferente según se mire desde el ángulo derecho o izquierdo
13.
14. PAOLO UCCELO . BATALLA DE SAN ROMANO hacia 1456. temple.
Tabla central de un tríptico National Gallery
17. FRA ANGÉLICO . LA ANUNCIACIÓN 1432. MUSEO DEL PRADO
Temple sobre tabla 154 x 194 cm Museo Nacional del Prado, Madrid
TEMA está contado por el Evangelio o de San Lucas, único de los evangelistas que habla de este hecho, . Describe
el momento en el que el arcángel Gabriel visita a la la Virgen para darle la noticia de que será madre del Mesías. La
escena se sitúa bajo una arquitectura abovedada, con arcos de medio punto que descansan sobre columnas de orden
compuesto.En la enjuta de los arcos hay un rostro de Dios Padre en grisalla, y la bóveda aparece pintada a modo de
cielo estrellado, un convencionalismo habitual desde el Gótico r Este espacio se abre al fondo hacia otra habitación, en
la que se ve un banco que consigue transmitir la sensación de profundidad.
En la parte izquierda del cuadro se nos representa otra escena, en la que Adán y Eva son expulsados del
Paraíso. El simbolismo alude al Pecado Original, que será redimido por el nacimiento y posterior muerte de
Cristo. En esta escena aparece el jardín del Paraíso representado con multitud de especies vegetales, cuya
minuciosidad en el detalle aún nos habla de la influencia gótica. Sobre el ángel que expulsa a la primera pareja
de humanos aparecen las manos de Dios, de las que emana un rayo de luz dorada que traza una diagonal hasta la
figura de la Virgen. En el final de este rayo aparece una paloma, que alude al Espíritu Santo y al momento de la
concepción.
La tabla principal tiene el añadido de una predela en la parte inferior, obra del mismo autor, que presenta
episodios de los Evangelios (Nacimiento Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en el Templo y el
Tránsito de la Virgen).
Los colores brillantes con pocas tonalidades casi planos hace que las figuras tengan poco volumen. La mejor
aportación la dulzura y delicada
La Anunciación del convento de San Marcos de Venecia muestra un mejor estudio de la perspectiva y unas figuras
de mayor volumen
18.
19. FRA ANGÉLICO . Anunciación Convento de San Marcos de Florencia 1440
30. PIERO DELLA FRANCESCA La flagelación de Cristo 1455 Técnica: Temple sobre tabla Galería nacional del
las Marcas URBINO
.Piero Della Francesca fue el primero en intentar aplicar de manera sistemática la perspectiva geométric
La iconografía presenta a Jesús atado a una columna clásica, rematada con la estatua del emperador, siendo
azotado por dos sayones. De espaldas, hay un asistente a la escena con un turbante turco. Sentado, y con
sombrero bizantino, Pilatos preside la escena. Esta presencia no está justificada por ningún relato del evangelio.
En la parte izquierda , tres personajes parece que hablan entre sí. La de la izquierda va vestida con un traje griego
ajenos a lo que está ocurriendo
La Flagelación de Cristo es una pequeña tabla dividida en dos zonas asimétricas aunque unidas por una relación
armónica que los griegos llamaron “razón áurea” o “razón divina”.
Trata el tema de un modo poco convencional. Sitúa la escena de la flagelación en el lado DERECHO , al fondo de
una galería abierta. Las baldosas del piso, así como la arquitectura en la que se desarrolla la escena muestra
un dominio de la perspectiva geométrica y del escorzo. En la IZQUIERDA DEL CUADRO , tres personas
hablando en un jardín En ambas escenas vemos como el renacimiento consigue una íntima concordancia entre
arquitectura y hombre,
- Sus figuras están rodeadas de una luz alta, diáfana, clara, de pleno día, sin contrastes excesivos
Busca que sus figuras no manifiesten sus sentimientos , así resultan algo inexpresivas.
Volumen consigue unas figuras redondas, corpulentas como Masaccio), a las que rodea de una suave
atmósfera luminosa, con colores delicados.
Con ello sus figuras parecen estáticas, como congeladas, un poco frías y monolíticas.
. Existen varias interpretaciones sobre el significado, el más probable
. Mientras ocurre la flagelación, se identifica a las tres figuras como los miembros del Sanedrín que condenó a Jesús
y que no entraron en el palacio de Pilatos según relata san Juan en su evangelio: “Después condujeron a Jesús
desde la casa de Caifás hasta el palacio del gobernador. Era muy temprano. Los judíos no entraron en el palacio
para no contraer impureza legal, y poder celebrar así la cena de Pascua”. (Juan 18,28
31. Piero della Francesca.
Bautismo de Cristo. 1445
National Gallery.
Trío de ángeles
Juan el
bautista
Cristo eje
de simetría
Detallismo en
las hojas
32. PIERO DELLA
FRANCESCA
Muerte de Adán
1452-1466
Forma parte de los
frescos de la Leyenda
de la Vera Cruz de
la iglesia de San
Francisco de Arezzo
33. PIERO DELLA FRANCESCA “ Madonna
de Urbino” 1472-1474 Pinacoteca Brera
, Milán. Efecto de profundidad
mediante la arquitectura, pero también
mediante la luz y sombra
ICONOGRAFÍA
En la zona de la izquierda san Juan
Bautista, san Bernardino y san Jerónimo
mientras que en la derecha se hallan un
evangelista -identificado con dudas como
san Juan- san Pedro Mártir y san
Francisco.
En primer plano, Federico de
Montefeltro, duque de Urbino
. La escena se desarrolla en un espacio
arquitectónico renacentista,
especialmente la bóveda de cañón con
casetones que se cierra con una cúpula
en forma de concha de la que pende un
huevo de avestruz que podría ser el
símbolo oriental de la creación o el
renacentista del espacio cerrado
35. “ Sueño de Constantino” 1466 . Frescos de
Santa María de Arezzo Uno de los primeros
cuadros nocturnos. El efecto luz crea
sensación de volumen en la tienda
37. MANTEGNA. Lamento por Cristo muerto 1464-1500Andrea MANTEGNA:
Lamento por Cristo muerto 1464-1500
SIGNFICATIVO: de este lienzo es el escorzo al que Mantegna ha sometido el
cuerpo yacente de Cristo.
Esta monumental anatomía y la piedra sobre la que descansa ocupan la
práctica totalidad de la composición. A la derecha del cuadro, arriba, aparece el
recipiente con las aceites para ungir al difunto. El resto de personajes han quedado
relegados a un lugar marginal dentro de la escena y aparecen incluso cortados
por el marco, por tanto composición abierta
. Personajes: la Virgen María, que aparece doliente y derramando lágrimas y san
Juan, al que vemos en primer término con las manos cruzadas. Al fondo, en
penumbra, se sugiere la presencia de un tercer personaje, casi invisible, que se tiende
a reconocer como María Magdalena.
La iluminación es muy lúgubre, como corresponde a una cámara mortuoria, y los
colores son muy fríos, aproximándose casi a la grisalla en el cuerpo de Cristo, cuyo
sudario aparece con suaves pliegues.
Tratamiento de las figuras : son representadas con un marcado carácter
escultórico, una de las principales características de toda la obra de Mantegna.
El punto de vista que se ofrece al espectador es hasta ahora inédito. Nuestros ojos
quedan a la altura de los pies de Cristo y ascienden en línea recta hacia su cabeza,
que se ladea ligeramente. Aquí el que observa se enfrenta directamente con las
heridas de los pies y manos, representadas con extrema crudeza. GRAN
EXPRESIVIDAD
38. Andrea Mantegna.
Dormición o Tránsito de la
Virgen 1460 M. del Prado
- perspectiva, conseguida
especialmente gracias a la
geometría del dibujo del
pavimento, al juego de
escala de tamaños de las
figuras y a la ventana del
fondo que actúa como
“punto de fuga”.
- Interés por la
individualización de las
fisonomías de los
personajes, así como la
maestría en la ejecución
del paisaje,.
44. BOTICELLI. LA PRIMAVERA .1478/1482. MUSEO DE LOS UFFIZI, FLORENCIA.
I. CLASIFICACIÓN El tema es mitológico : : Venus, e el centro, a la derecha está Céfiro que persigue a la ninfa de la tierra
Cloris, que al ser tocada se transforma en Flora ( diosa de la vegetación y de las flores) . Sobre Venus , Cupido que dirige sus
flechas hacia las Tres Gracias- Castidad, Belleza y Amor- ( servidoras de Venus ). Una de ellas Castitas o Castidad que es
precisamente hacia la que apunta Cupido, dirige su mirada hacia el dios Mercurio, mensajero de los dioses y también por ello
nexo de unión entre el cielo y la tierra.
La obra fue encargada por los Médicis se ubica dentro del mecenazgo ejercido por esta familia, más concretamente
por Lorenzo y Juliano de Médicis. En su corte protegen a humanistas como Picco della Mirandola o Marsilio Ficino
cuyo neoplatonismo influye en el autor
ANALISIS . Técnica es la pintura al temple sobre tabla En principio se trata de una composición cerrada ,
cierran la composición el brazo y la pierna de Mercurio y la espalda de Céfiro y simétrica ( Venus ocupa el
centro) .
El esquema de composición está regido por la simetría respecto al eje central del cuadro: cuatro figuras a cada
lado del mismo. Se observa ya una tendencia a la composición piramidal o triangular
El cuadro está concebido como una superficie, y el paisaje es más un telón de fondo, con plantas y
naranjos poco reales, que una realidad física GRAN IMPORTANCIA DE LA LÍNEA, la línea con tinta oscura
diluida , marca los contornos pero de forma suave, y se ondula creando así la sensación de movimiento,
creando ritmos diferentes y enmarca los rostros tan característicos de Botticelli, delicados y blanquecinos,
casi de porcelana o marfil , lirismo.
Los colores son suaves , sin grandes gradaciones, con gamas cálidas y frías destacando el juego de los
complementarios, como el rojo y el verde. Con las veladuras destaca las carnes, los detalles luminosos y las
calidades de las telas. No crea volumen, ni relieve, ni tampoco perspectiva, pero sí luz blanquecina y
homogénea y con ella realidad. Está pues alejado de la concepción pictórica de Massacio. La luz es
homogénea, no crea sombras , tampoco se observa perspectiva
La composición se estructura a base de triángulos, contribuyendo a dotar aún más al cuadro de sensación de
serenidad. y con respecto al color, predominan los tonos suaves,
45. CONTEXTO HISTORICO, FUNCION, SIGNIFICADO, ESTILO Y VALORACIÓN.
Boticelli estuvo muy vinculado con los Médicis, familia de origen burgués que se apoderan del gobierno
de la ciudad de Florencia. Esta familia, tendrá una importancia fundamental en el arte del Renacimiento,
como mecenas son protectores de humanistas y de artistas como Botticelli, Miguel Angel....
Estos mecenas de mentalidad individualista, contribuyen a embellecer su ciudad, unas nuevas formas de concebir
el arte: antropocéntrico, que busque la belleza Esta nueva estética y esta concepción y valoración del hombre
encuentra las críticas de la Iglesia. En Florencia predicadores ortodoxos, como Savonarola criticaron de pagana a la
corte de los Médici, . Sus predicaciones influyeron en el propio Sandro Botticelli que cambia radicalmente su estilo al
final de su vida
La función del cuadro sigue siendo muy discutida, parece que este cuadro fue encargado para el joven Lorenzo
Piefrancesco de Médicis por sus tutores( más concretamente por su tío Lorenzo de Médicis) para su villa, a modo
de exhortación moral, en relación con el carácter pedagógico de la filosofía neoplatónica. Venus- la Belleza- es
un ideal que mueve a sentimientos nobles.
Significado de carácter simbólico, de carácter neoplatónico en relación con el Amor: el Amor que surge en
la Tierra como Pasión ( la de Céfiro que persigue a la ninfa), regresa al Cielo como Contemplación ( la de
Castitas hacia Mercurio, que mira hacia lo alto meditabundo) . Inspirada en fuentes literarias, en realidad se
trata de una especie de emblema mitológico del amor platónico, , el amor debe convertirse para ser real en
amor contemplativo, espiritual, idealizado, y por tanto platónico.
El estilo y la pintura de los cuadros mitológicos de Botticelli representan una vía de idealización en
medio de la experimentación renacentista, . Esta corriente de gusto meramente estético, y por ello su
pintura es delicada, sutil, de líneas definidas y ritmos ondulantes y , de tonos cristalinos ( como porcelanas)
que convierten en algo lírico sus pinturas.
Valoración este estilo que representa Sandro Botticelli, suave, dulce y cuvílíneo, casi poético es criticado
posteriormente, y redescubierto y valorado a partir de los prerrafaelistas.
50. Temple sobre tela El tema es tradición mitológica clásica. Según Hesíodo, Cronos arrancó los genitales de su
padre Urano y los lanzó al mar en un lugar cercano a Chipre. De éstos y la espuma marina nació Afrodita (Venus)
La obra en realidad , representa el momento en el que la diosa del amor llega subida en una venera a la isla. El
dios del viento Céfiro ha ido soplando, haciendo que la concha avance . Junto a Céfiro viaja la ninfa Cloris,
Aguarda en la orilla la PRIMAVERA
1 Composición cerrada , triangular y simétrica . La diosa y la venera centran la composición aunque ligeramente
desplazada hacia la derecha , Venus aparece con ligero contraposto en las piernas, cuello largo, hombros caídos.. Se
piensa que el modelo de la diosa pudo ser Simonetta Vespucci Céfiro y Cloris dibujan una fuerte diagonal que
refuerza aún más la presencia de la diosa . A LA DERECHA se dispone a tapar a la diosa LA PRIMAVERA
2 Gran importancia del dibujo con tintas negras que rodea las figuras., de canon estilizados , con rostro y
extremidades ligeramente alargados y de modelado algo plano , de poco o escaso volumen
3 COLORES SUAVES con pequeñas pinceladas doradas ( ver pelo del viento) para dar el cuadro una sensación de
destellos luminosos. La piel de Venus esta idealizada y responde a un tratamiento de colores amarillentos y
rosados que acompañan al blanco y crean tonalidad nacarada, que contrasta con el tono más oscuro de Cefiro
4 Botticelli está idealizando la naturaleza ., las olas las squematiza en forma de V
5 No PERSPECTIVA.RITMO las formas ondulantes de ropajes del dios, cabellos de Venus marcan el sentido de
movimiento hacia Flora .
Expresión. Realismo idealizado. La imagen de Venus responde al tipo de «Venus púdica», muy frecuente en la
estatuaria clásica
SIGNIFICADO. Neoplatónico Venus alude a la fuerza del amor vital y esencial para el hombre y la naturaleza. El
cuadro está lleno de símbolos: rosa alude a la alegría del amor pero también la tristeza , tienen espinas; guirnalda de
mirto símbolo del amor eterno; la venera alude a la fertilidad , pero también trata se puede armonizar mitología con
religión (nacimiento de la belleza = Venus es igual que el hombre que llega a la belleza espiritual a través del bautismo)
54. HISTORIA DE NASTAGIO DEGLI ONESTI. MUSEO DEL PRADO
Sacada de un relato de Bocaccio, cuenta con cuatro escenas En esta un
caballero persigue a una doncella
55. HISTORIA DE NASTAGLIO DEGLI ONESTI
Nastaglio se horroriza al ver como el caballero
arranca el corazón de la doncella para luego
arrojarlo a los perros
60. BOTTICELLI, Santo Entierro o Lamento por la muerte de Cristo con
santos 1490 Alte Pinakothek, Munich Expresivida , dramatismo como
se ovserva en el rostro de la Virgen
61. SANDRO BOTTICELLI Santo Entierro 1495 Museo Poldi Pezzoli, Milan
El estilo de Botticelli cambia con las predicaciones de Savonarola , se hace más expresivo,
cuerpos doblados y angustiados
62. BOTICELLI. Las tentaciones de Cristo. 1498. fresco de la Capilla Sixtina. Desde la
predicación de Savonarola el estilo del pintor cambia hacia temas religiosos o místicos En
primer plano y en el centro el demonio disfrazado de franciscano invita a Cristo a convertir
las piedras en panes
63. SANDRO BOTICELLI,
Natividad mística 1500-1501
Temple sobre tabla , National
Gallery Iconografía influida por las
predicaciones de Savonarola
En el tejada fe, caridad y esperanza
64. PERUGINO . Fresco de la Entrega de las llaves a S. Pedro.
1480-1481 Capilla Sixtina ,Vaticano
66. PERUGINO . Detalle del fresco de la Entrega de las llaves
a S. Pedro. 1480-1481 Capilla Sixtina ,Vaticano
67. PERUGINO. Madonna con S. Juan Bautista y San
Sebastián 1493. Galería de los Uffizzi a la
derecha : detalle de la Virgen
68. Retrato de un joven 1495 G. Uffizi y Virgen con el niiño. G. Borghese , Milán , obras
admiradas por los prerrafaelistas, sobre todo el retrato de joven adolescente
76. GENTILE BELLINI. Madonna con niño
1460 Staatliche Museen, Berlin GENTILE BELLINI
Sultán Mohamed II h. 1480 National Gallery
77. Retrato del dogo Giovanni
Mocenigo 1478 Museo Carrer ,
Venecia
GENTILE BELLIN Retrato de Catalina Cornaro,
reina de Chipre 1500
Szépművészeti Múzeum, Budapest
78. GIOVANNI BELLINI . San Francisco en el desierto . 1480
Temple sobre tabla. Frick Collection, New York
80. G. BELLINI Retrato del dux LEONARDO
LOREDAN 1500-1501. TEMPLE sobre
tabla Nattional Gallery Londres
81. GIOVANNI BELLIN
Madonna con santos.
1505
Panel del retablo de San
Zacarías óleo sobre
tabla , transferido a
lienzo.
Iglesia de San Zacarias ,
Venecia
82. Madonna con
santos A nuestra
izquierda Santa
Catalina y S
Pedro , a nuetra
derecha Satna
Lucia y S.
Jerónimo
