LOS ESTILOS PICTORICOS

2. Datos del pintor y arquitectoNombre completo: Giotto di Bondone.
Nacionalidad: Italia.
Año de nacimiento: 1267, Florencia, Italia.
Año de muerte: 1337, Florencia, Italia.
Estilo: Pintura del Trecento, Referente del posterior Renacimiento.
Giotto di Bondone, según narra Vasari en sus “vite” fue encontrado por
Cimabue al verlo pintar en una roca las ovejas del rebaño de su padre. Al ver
el talento natural del joven, Cimabue lo acoge como aprendiz, lo que más
tarde ayudara a Giotto a superar al maestro y trascender a toda una cultura
con su técnica pictórica.

3. Giotto se preocupa por la tridimensionalidad del
espacio, del volumen de los personajes y de los
gestos de cara y manos. Su gusto por los colores
brillantes y luminosos le hace llegar a mezclar hasta
en una misma obra los azules, rojos, verdes,
blancos, colores tierra y negros. El carácter
narrativo de sus obras hace que las escenas estén
llenas de detalle.
"Maestà di Ognissanti", El Giotto.
Tan famoso se hizo Giotto que le
encomendaron numerosos trabajos en los
centros del arte de entonces: Asís, Siena,
Bolonia, Roma, Nápoles etc. La influencia
de Giotto se dejara ver a lo largo de todo el
Trecento.
"Crocifisso di Santa Maria Novella", El Giotto.

4. Tras sus primeros 3 años de formación, Giotto se
muda a Asís junto a Cimabue, con el que pinta
algunos frescos de la Basílica Superior. Entre estos se
sabe que pintó escenas de la vida de san Francisco
(28 pinturas) en los que describe los principales
motivos de su vida: Desde su juventud, La expulsión
de los demonios de la ciudad de Arezzo, el sermón a
las aves o la Estigmatización, hasta su muerte y los
principales milagros tras esta. Giotto despliega un
estilo muy diferente al de su maestro, así lo muestra
en escenas del como la siguiente:
"Aprobación de la orden Franciscana por el
papa Inocencio III", El Giotto.
A inicios del siglo XIV el Papa se traslada a
Aviñón, haciendo que Roma pierda su
papel protagonista en todo lo que respecta
ala sociedad, y por supuesto al arte. Asís
pasa a ser un nuevo epicentro artístico,
sobre todo pictórico. Siena y Florencia
también pasan a ser centros de relevancia
y la sedes de las dos escuelas pictóricas
más importantes de la Edad Media.
"Lamentación sobre Cristo muerto", El Giotto.

5. En pintura, el proceso de transformación y ruptura
de la tradición bizantina comienza ya a finales del
Duecento, a manos de Pietro Cavallini. Pero es ya
a principios del Trecento que la ruptura se hace
definitiva. Las innovaciones se harán inminentes a
manos de Duccio en Siena y Cimabue en Florencia,
pero sobre todo el discípulo de este último: Giotto.
Él es el verdadero introductor de la nueva técnica
pictórica, crea un nuevo tratamiento del espacio, y
logra una consideración social nueva del arte y los
artistas.
"Huida a Egipto", El Giotto.
Entre las escenas del mismo ciclo de San Francisco, destaca la correspondiente a
la expulsión de demonios de Arezzo, claro exponente del tratamiento heroico que
recibe el santo. Otro ejemplo de la misma exaltación heroica puede ser la de
“Éxtasis” o la “Estigmatización”.
Capilla de los Scrovegni
Pocos años después, Giotto se encuentra en Padua donde pinta los frescos del
interior de la capilla de Scrovegni o de “la Arena”. La capilla se construye por orden
del banquero Enrico Scrovegni, para expiar sus pecados. El nombre de la Arena
viene dado por su proximidad al antiteatro Romano “Arena de Padua”.

6. Los frescos que recorren la única nave de
la capilla son 40 escenas de la vida de
Cristo y la vida de la Virgen Maria, que
concluyen el programa iconográfico en una
escena del Juicio Final en la pared
occidental. El conjunto se completa en la
bóveda de la nave por un cielo estrellado
con medallones.
El ciclo de la vida de la Virgen cubre las partes altas de los muros, donde destaca
el beso de san Joaquín y santa Ana junto a la puerta de Jerusalén, el nacimiento de
la virgen y los desposorios de San José y la Virgen. En la escena de los
desposorios encontramos las características esenciales de la pintura de Giotto, que
ya encontramos en Asís. La tridimensionalidad, que se muestra con una mayor
madurez en el tratamiento de los volúmenes y colores y también Giotto profundiza
en la caracterización psicológica de los personajes mediante la individualización de
sus posturas y gestos.

7. Los mosaicos y pinturas iconográficas bizantinas, anteriores a la crisis iconoclasta
son escasos, la mayoría de imágenes sacras ha sido destruidas, también gran
número de ejemplares profanos, aun así, lo que se conserva deja conocer las
pautas y características seguidas por la pintura y el mosaico de esos siglos.
Las obras bizantinas son representaciones realistas y de un cromatismo muy rico.
En conjunto usan un lenguaje estilístico propio de la antigüedad romana y la Grecia
clásica. De algún modo la propuesta estética, es una versión rudimentaria y oriental
del Renacimiento que llegaría a occidente 8 siglos más tarde.
Obras Bizantinas Destacadas
- Mosaicos en San Vital de Rávena
En Italia es donde más se conservan muestras del mosaico eclesiástico de los
siglos VI y VII. Uno de los ejemplares más importantes es la decoración de la
iglesia San Vital de Ravena, donde destacan el mosaico absidal y las
representaciones pictóricas de Justiniano y Teodora.

8. La escena central está presidida por Cristo
Pantocrátor, vestido de purpura (color
representativo del sufrimiento que padeció en la
cruz), en su mano izquierda lleva el rollo de la
Torá, que simboliza el cumplimiento de la
tradición judía en Cristo. En su mano derecha
lleva una corona que pasa a San Vital, quien
lleva su nombre escrito en la parte superior al
igual que Eclessio, el obispo que mando a
edificar esta iglesia y que a su vez lleva en su
mano una maqueta de la misma. A sus lados se
sitúan dos arcángeles que los animan. Bajo
cristo se pueden ver cuatro ríos que representan
el paraíso. Las escenas presentan cierto
naturalismo, son esquemáticas y de símbolos
simplificados (hieráticas).
"Pantocrator"

9. Sobre el fondo dorado y verde se sobrepone el
mosaico de Justiniano, acompañado por su sequito a
la derecha y religiosos a la izquierda. Este porta una
gran fuente de oro en las manos, que simulando a la
epifanía de los reyes magos, ofrece al Cristo
Pantocrátor del ábside central. La guardia imperial
lleva un escudo decorado con símbolos religiosos
"XP"(crismones) y en la mano izquierda los clérigos
van encabezados por Maximiliano llevando una cruz.
"Justiniano"
Los personajes están plasmados de forma
plana, lo que acentúa mucho más el interés
simbólico de la obra: la unión entre el poder
eclesiástico y civil que se unen en el
emperador.
El panel opuesto es el mosaico de Teodora,
emperatriz y esposa de Justiniano. Ella, junto
a su sequito de varones y damas en un
ambiente palaciego, ofrece también a Cristo
un cáliz de oro. Las figuras otra vez son
planas y carecen de tridimensionalidad.
"Teodora"

10. - Mosaicos en la Basílica de San Apolinar en
Classe
Otro de los principales ejemplos del mosaico
bizantino del siglo VI es la basílica de San
Apolinar en Classe. El mosaico central (absidal)
se compone de un pantocrátor en medallón con
una cruz. En la parte superior se ve el fondo
dorado con imágenes de la transfiguración con
el profeta Elías y Moisés, y la mano de Dios que
señala a la cruz. San Apolinar se representa
orante, en un paisaje poblado de árboles y doce
corderos a los costados, haciendo alusión a los
doce apóstoles.
"Ábside de la Basílica de San Apolinar
en Classe"
- Mosaico Basílica de Santa Inés de Extramuros
Realizado en el siglo VII, destaca el mosaico como el ábside central de
la Basílica de Santa Inés de Extramuros, en Roma. Santa Inés se sitúa al
centro de la imagen sobre un fondo dorado con texturas abstractas. A sus
pies se ven dos llamas que simbolizan el martirio. Sobre su cabeza se
colocan dos franjas azules que representan el cielo estrellado y las nubes,
desde donde sale la mano de Dios sujetando la corona de su martirio.

11. A su lado está el papa Honorio I sujetando la
maqueta de la iglesia y a su lado izquierdo se
sitúa al Papa Símaco, quien se opuso a la
unificación de poderes políticos y religiosos
(Cesaropapismo), que imperaba desde
Constantino I.
"Mosaico en la Basílica de
Santa Inés de Extramuros"
- Pinturas en el Monasterio San Apolo de El Bawit
El último y único ejemplo que hace referencia a la
pintura mural bizantina de antes de la iconoclastia
es el ábside del monasterio de San Apolo de El
Bawit, en Egipto. El fresco muestra simplicidad
figurativa, y está decorado en dos fases
superpuestas: En la parte superior Cristo
Pantocrátor dentro de una elipse en forma de
almendra (mandorla), flanqueado por los
arcángeles Miguel y Gabriel. La fase inferior
representa a la Virgen entronizada con el niño en
su regazo, flanqueada por las figuras de los doce
apóstoles y dos santos locales. Los rostros
muestran un tipo de pintura lineal y con uso de
vivos colores en contraste. "Pinturas en el Monasterio
San Apolo de El Bawit"

12. El Estilo Bizantino
En Conclusión, aunque escasos los ejemplares de imágenes sacras que quedaron
tras la crisis iconoclasta, se han podido determinar algunas de las pautas preferidas
por los autores bizantinos del inicio. La sencillez plástica y la complejidad temática
son la base del estilo bizantino, que aspiraba a través de su majestuosidad, volver a
la magnificencia clásica y a la vez innovar esta misma.
Iniciador de la pintura flamenca, y considerado como pionero el nórdico del
primer Renacimiento.
Jan van Eyck junto al Maestro de Flemalle (Robert Campin) y Rogier van
Weyden, fueron los artistas más célebres de esta escuela, y los más virtuosos en
el empleo del óleo.
Nació hacia el año 1390 y trabajó en 1425 para Felipe el Bueno como pintor de
cámara y hombre de confianza. Este status le concedió el beneficio de su
respetable reputación dándole una gran libertad artística. En 1432 van Eyck se
instala en Brujas donde muere años más tarde.
Su obra se destaca especialmente por su minuciosidad, característica que lleva a
deducir su carácter observador y detallista. También se le admira por la carga
psicológica que conllevan sus obras, llenas de vitalidad.
Sus trabajos se componen fundamentalmente de retratos y escenas sacras,
generalmente marianas.

13. Antiguamente se le atribuía el mérito de
la introducción del óleo, aunque no se sabe muy
bien, ya que otros contemporáneos la usan
también, pero es Jan van Eyck quien la lleva la
técnica a sus cotas más altas.
Su primera tabla conocida es firmada junto su
hermano Hurbert van Eyck, quien la empieza y es
Jan quien la acaba tras su muerte. Esta obra
llamada Políptico del Cordero está compuesta de
12 tablas de las cuales 8 están pintadas también
por detrás para verlas cuando se cierra el políptico.
A esta obra se le considera la primera con plena
madurez pictórica del estilo flamenco.
"Políptico del Cordero",
(Hermanos Van Eyck).
En la tabla central aparece el tema de la Adoración al Cordero Místico. En esta
escena se representa a Cristo como un cordero triunfante y sacrificado, adorado
por sus fieles. Van Eyck destaca el sol, el cordero y la fuente de vida. La imagen
central se flanquea a izquierda y derecha por otras cuatro que representan los
caballeros, jueces, ermitaños y peregrinos de Cristo. En la parte superior está
representado Dios, con San Juan Bautista y la Virgen. En los extremos están
Adán y Eva y en medio hay sequitos de ángeles cantores celebrando el triunfo de
Cristo.

14. Uno de los retratos más famoso de Jan van Eyck
es El Hombre con Turbante Rojo, de 1433. Aunque
no se sabe muy bien quien es el hombre se ha
pensado que podría ser su suegro o un autorretrato.
La expresión apretada de los labios y la tez pálida
constituyen una muestra formidable de la maestría
del estilo flamenco. El turbante rojo tiene especial
importancia ya que contrasta a la vez con la piel
blanca y el fondo oscuro. Este cuadro lleva inscrito
el lema típico flamenco “Como puedo” que se
interpreta como una frase modesta (lo hago lo mejor
que puedo).
"El Hombre con Turbante Rojo", (1433).
Sin duda el Retrato más famoso es El
Matrimonio Arnolfini, 1434.
En este retrato encontramos al rico mercader
italiano Giovanni Arnolfini, con su esposa en
el interior de la alcoba. Se cree que este
representa la boda del mercader ya que en el
s. XV se podían contraer matrimonio sin
sacerdote, en la intimidad de una casa.
"El El Matrimonio Arnolfini", (1434).

15. Los elementos de la tabla son simbólicos,
como en toda pintura flamenca, donde no
hay nada que no tenga un sentido
definitivo.
Arnolfini coge a su mujer con la mano
izquierda y levanta la derecha como señal
de promesa mientras que la mujer sitúa su
mano izquierda sobre el vientre, como
señal de sumisión, a su vez su ropa es
verde, que resembla esperanza. Detrás se
encuentra un cirio encendido haciendo
alusión al sacramento y hay una estatua
tallada de santa margarita, la patrona del
parto. Los zuecos hacen referencia a lo
sacro y la fruta junto a la ventana es señal
de fertilidad. El perro simboliza la fidelidad
de los esposos.
También vemos el espejo detrás de los
novios donde se revela el pintor y otros dos
testigos. Van Eyck firma con la inscripción
“Van Eyck estaba aquí.”
Por último, entre las obras de temática
religiosa destaca la siguiente.
"El La Virgen del canciller Rolin".

16. Esta pintura es muy interesante ya que refleja la fuerte desacralización que la
pintura flamenca propuso ya que se ve una coexistencia entre los santos y los
vivos. Como vemos Rolin y la Virgen María, no tienen ninguna distinción de
tamaño, como se hacía hasta esa fecha por orden de importancia, y no hay nada
que les separe. Podemos observar la maestría de Jan van Eyck ya que pinta las
texturas de la ropa y las lejanías (en la ventana posterior) de una manera
formidable.
Pintura renacentista
Pocos épocas en la historia han abarcado un espectro tan amplio de cambios en
la sociedad como el Renacimiento. Fue una ola que empapó la raíz del
pensamiento humano, así, se dieron cambios en arte, ciencia, filosofía, religión y
sociedad. Comenzó en Italia a finales de la Edad Media (s. XV), se propago
rápidamente por toda Europa y permaneció durante 2 siglos.
La pintura renacentista es un estilo pictórico caracterizado por haberse
desarrollado en el periodo del Renacimiento y presentar una contraposición total
al oscuro periodo precedente, el gótico. Por primera vez los artistas comenzaron
a firmar sus obras y se hicieron famosos, maestros universales de la pintura
provienen de este periodo y sus obras son apreciadas hasta hoy.

17. Pintores más importantes:
Leonardo da Vinci
(1452-1519)
El Greco
(1541-1614)
Alberto Durero
(1471-1528)
Sandro Botticelli
(1445-1510)
Rafael Sanzio
(1483-1520)
Pieter Brueghel
(1525-1569)
Tiziano Vecelli
(?-1576)
Michelangelo
Buonarroti
(1475-1564)
Jan van Eyck
(1390-1441)
Giovanni Bellini
(1430-1516)

18. Cuadros renacentistas Los maestros del renacimiento nos dejaron obras
fabulosas, y que permanecen en la memoria colectiva, entre los cuadros más
importantes se encuentran:
El cuadro La Mona Lisa, es la pintura mejor
guardada del mundo, actualmente se encuentra
en El Louvre, Paris. Allí se encuentra en una caja
transparente hermética con presión y temperatura
controlada, recientemente se ha habilitado en el
museo una sala especial para su exposición.
Obra maestra de Leonardo da Vinci, tambien
conocida como La Gioconda.
"La Mona Lisa"
También conocida como Virgen de la rueca, fue
pintada en 1501, por Leonardo da Vinci.
Muestra a un Jesús de niño alejándose de los
brazos de su Madre y mirando la cruz, como
signo de su destino .
"La Virgen del huso"

19. Cuadro al óleo que se encuentra actualmente
en la Catedral de Toledo, pintado entre 1577y
1579. Se trata de una obra compleja
impregnada de simbolismo cristiano,
considerada una de las obras cúlmenes de El
Greco.
"El Expolio"
Esta obra junto a "La Santa Faz",
muestran una de las reliquias cristianas
más importantes el paño de la Verónica,
pintada en 1580, por El Greco.
"La Verónica"

20. Lienzo pintado en algún punto entre 1604 y
1614, por El Greco. Se trata de uno de los
primeros paisajes al óleo de la historia, ya que
previo al Renacimiento no existía el género
como tal. Aunque a simple vista no muestra un
gran detalle ni las figuras iluminadas en el
horizonte, a las que el ojo occidental actual está
acostumbrado, la obra se considera genial,
especialmente en el logro del cielo y los altos
contrastes utilizados para representarlo.
"Vista de Toledo"
Se trata de uno de los cuadros más
representativos del renacimiento
italiano, pintado entre 1484 y 1486,
por Sandro Botticelli. Se encuentra
actualmente en la Galería Uffizi,
Florencia.
"El nacimiento de Venus"

21. Obra de grandes dimensiones actualmente
en el Museo del Prado, pintada en 1504,
por Alberto Durero.
"Adán y Eva"
Obra al óleo de tema religioso.
Autor: Rafael Sanzio, pintada por encargo
del Papa Julio II en 1512.
"Madonna Sixtina"
Tela pintada en 1565 por Pieter Brueghel
el Viejo, pintor holandés de la escuela
flamenca, considerado como figura
destacada del renacimiento temprano
desarrollado en el norte de Europa "La Torre de Babel"

22. Tela al óleo pintada en 1538, por Tiziano,
considerado uno de los mayores
impulsores del arte renacentista.
"Venus de Urbino"
Trozo de fresco pintado Miguel
Ángel (1512) sobre yeso, en el
techo de la Capilla Sixtina en el
Vaticano. Lugar donde se
encuentran las obras de pintura y
escultura, más reconocidas del
Renacimiento.
"La creación de Adán"
Esta es la segunda de las 2 obras con la
misma temática que pintó Giovanni Bellini.
Realizada en 1480.
"La Transfiguración de Cristo"

23. Desaparición del estilo y comienzo del Barroco
La desaparición del estilo renacentista ocurrió gradualmente entre los siglos XV
y XVI. Lo que se había considerado como una revolución estética e ideológica,
poco a poco se transformaba en la norma, ya no había novedad, en este punto
se dio paso al arte Barroco (ver Diego Velázquez), el que se considera una
evolución directa de la estilística renacentista.
Se denomina pintura academicista o arte académico, al estilo de aquellas obras
que utilizan un particular método en su realización, y siguen un canon de
composición determinado, propio de una escuela de arte, que a su vez está
ligada a una época y lugar.
De manera tradicional el academicismo se identifica con la escuela
francesa Académie des beaux-arts (fundada en 1816), la cual promulgaba las
bondades del eclecticismo, entendido como una armonía entre lo neoclásico y
el romanticismo. En este ámbito el ponente más destacado del estilo
fue William-Adolphe Bouguereau.
Los cuadros pintados por estos grandes maestros no sólo adoptaron las normas
formales que la escuela, sino que además la propia temática de las obras se vio
también influida.
.

24. La parte neoclásica de la mezcla, emerge en forma de temática mitológica,
aunque no es requisito, su uso está muy extendido entre los pintores de la
escuela francesa. Se niegan a pintar escenas realistas, o paisajes reales,
ellos no ven motivo para gastar su tiempo pintando lo que consideran como
"fealdad", por el contrario, se abocan sólo a representar una belleza casi
sublime.
Cuadros academicistas famosos:
Este es uno de los cuadros más
famosos de W. A Bouguereau, pintado
en 1879, Francia. Título original: La
Naissance de Vénus.
"El Nacimiento de Venus"
Escena tomada de la divina comedia,
pintada en 1879 por W. A Bouguereau.
En francés: Dante et Virgile.
Considerado por los expertos como
uno de los cuadros más geniales de la
historia en cuanto a descripción que
hace del cuerpo humano y su
movimiento.
"Dante y Virgilio"

25. Título original: La Mort de Moïse. Lienzo de 110 x
154 cm. pintado al óleo en 1851 por el
francés Alexandre Cabanel, quien realizó la obra
mientras se encontraba en una estancia formativa
en Villa Medici, Roma.
Refiriéndose a este cuadro, el artista le comenta
a su hermano en una carta: "Me he autoimpuesto
una formidable y muy difícil tarea, ya que intento
representar la imagen del gran amo de los cielos
y la tierra, a Dios, y a su lado una de sus más
sublimes creaturas...".
"La muerte de Moises"
El título completo de esta obra es "Interior
desde Amaliegade. El capitán Carl Ludvig
Bendz de pie y el Dr. Jacob Christian
Bendz sentado.". Pintada en 1829 por el
pintor danés Wilhelm Bendz. Uno de los
estudiantes más destacados de la Real
Academia de Bellas Artes de Dinamarca.
"Interior desde Amaliegade"

26. Retrato ecuestre pintado 1801 por el
francés Jacques-Louis David. Título
original: Bonaparte franchissant le Grand-
Saint-Bernard. Estudiante en Villa Medici,
de la llamada Academia Francesa en
Roma
"Napoleón cruzando los alpes"
Título original: Printemps. Pintado en 1873,
este es uno de los más famosos lienzos
de Pierre-Auguste Cot, quien fue pupilo de
al menos 3 figuras destacadas del
academicismo: Bouguereau, Cabanel y
Cogniet.
"Primavera"

27. Naíf, la contraposición del academicismo
En el extremo contrario al academicismo está lo que se denomina Arte Naif,
nombre que se le da a una estilística que no responde al uso de ningún canon
formal, sino más bien tiene un carácter sui generis, se rige por el
aprendizaje autodidacta del artista. Del mismo modo otros estilos famosos como
el impresionismo, cubismo, expresionismo y abstracto, están mucho mas
cercanos a lo "Náíf" que a lo académico.
El prerrafaelismo es un movimiento artístico nacido en Inglaterra de 1848,
representado por un grupo de pintores que rechazaban
el academicismo imperante. Ellos consideraban que el arte que se venía
haciendo desde el siglo XVI, no era más que una copia de sí mismo, un ya
manido estilo renacentista carente de significado.
En su lugar, los prerrafaelitas proponen la creación pictórica basada en 4
pilares:
1. Basar la obra en una idea genuina.
2. Observar la naturaleza y adquirir el conocimiento necesario para expresar la
idea.
3. Empatizar con estilos pictóricos pasados, rescatando sólo lo auténtico, y
descartando los convencionalismos.
4. Buscar seriamente la excelencia técnica en la pintura.

28. Los pintores originales del movimiento eran: James Collinson, William Holman
Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti. A estos se sumaron algunos
seguidores, de los cuales uno de loa más destacados fue John William
Waterhouse.
Cuadro titulado La Dama de Shalott, pintado
en 1888 por John William Waterhouse,
artista inglés, nacido en Italia, miembro de la
Hermandad Prerrafaelita, y que desarrolló
trabajos principalmente inspirados en la
mitología romana.
"La Dama de Shalott"
La diosa de la mitología Griega
retratada por John William
Waterhouse. Muestra al personaje de
pie sobre el ague y vertiendo el líquido
verde desde su fuente.
La obra está expuesta actualmente
en La Galería de Arte de Australia del
Sur (Art Gallery of South Australia).
"Circe Invidiosa"

29. El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la
segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente experimentación
con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la luz se considera
como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura.
Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas
bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más
amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario
tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras.
Contexto histórico del arte impresionista
La aparición del impresionismo ocurre como consecuencia de un cambio
social importantísimo; durante finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo
XIX, suceden las transformaciones siguientes: revolución industrial, revolución
francesa, imperio de Napoleón, restauración de los movimientos sociales y las
reformas burguesas. La filosofía Racionalista del siglo de las luces, se
desvanece junto al Romanticismo, atrás queda la estilística donde el
sentimiento, la imaginación y las pasiones gobiernan las artes. Ahora las ideas
nacionalistas y socialistas tiñen el pensamiento colectivo.

30. Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el impresionismo),
se produce un crecimiento económico en Europa. La intensificación del
comercio y el progreso técnico lleva a la consolidación de la burguesía. Las
clases sociales se reorganizan y los dirigentes socialistas de toda Europa se
reúnen para hablar de aquellos cambios. La filosofía de entonces es positivista
y realista, donde se prueban las cosas y se exige la transformación del mundo.
El arte cambiaba en conjunto con la sociedad.
Origen del nombre
En 1874 se organiza la primera exhibición de un
grupo de jóvenes pintores, en la "Société Anonyme
Coopérative des Artistes, Peintres, Sculpteurs,
Graveurs", París. En esta exhibición el estilo artístico
impresionista se nombra por la famosa obra de arte
“Impresión” (1874), de Claude Monet.

31. Naturaleza del estilo
El estilo se clasifica como la primera ruptura del proceso que desembocaría
en el arte moderno. En los cuadros de los inicios del siglo XIX, no se
valoraban los paisajes ni los bodegones, por lo tanto el impresionismo, no
sólo abre los ojos del espectador a la técnica, sino que también a la
variedad de formas y la captura de paisajes cotidianos vistos desde las más
ingeniosas perspectivas. Los colores son puros, poco mezclados y se
conjugan en formas de un naturalismo extremo. Las pautas que consuman
esta tendencia son: el movimiento del paisaje, la naturalidad de las formas
y la pureza.
Pintores impresionistas
Lo que une a estos genios de la pintura es la intención de reproducir
escenas de la vida diaria de un modo creativo. En la mayoría de ocasiones
se pueden distinguir claramente por su estética, imágenes desenfocadas y
obras de apariencia inacabada.

32. Entre los artistas impresionistas más famosos se encuentran (orden
cronológico):
Camille Pissarro (1830-1903).
Édouard Manet (1832-1883).
Edgar Degas (1834-1917).
Alfred Sisley (1839-1899).
Paul Cézanne (1839-1906).
Claude Monet (1840-1926).
Jean-Frédéric Bazille (1841-1870).
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
Berthe Morisot (1841-1895).
Mary Cassatt (1844-1926).
Gustave Caillebotte (1848-1894).
Estos pintores han demostrado que se pueden crear arte mirando lo mismo
de distintas maneras, en lugar de buscar un paisaje u objeto diferente cada
vez. De esta manera respondían a la polémica social del momento: Se
puede crear un orden para todos por igual, pidiendo a cada grupo social su
colaboración, en lugar de que el poder pase de un grupo político a otro.
Puente en Villeneuve

33. El expresionismo en un movimiento artístico y cultural nacido en la Alemania
de principios del siglo XIX. En pintura, se considera un componente
del modernismo.
La corriente expresionista promulga la supremacía de la expresión por sobre
la descripción. Es decir, la calidad del arte es mayor en cuanta mayor
expresividad subjetiva del autor contenga. De esta manera la pericia de
pintores de periodos previos como el neoclásico, el academicismo e incluso el
impresionismo, es despreciada y se la tacha de "poco humana".
El fundador más famoso del movimiento es Ernst Ludwig Kirchner, autor de
uno de los cuadros más apreciados del Museo Thyssen-Bornemisza:
"Fränzi ante una silla tallada"
Pintado en 1910, su alto valor reside en
que es uno de las pinturas más primitivas
del expresionismo.

34. La características clásicas de las obras expresionistas son el uso de colores
fuertes, temática provocadora, estética Naíf, formas abstractas y la profundidad
de campo subjetiva.
Por otra parte también se les confiere el atributo de "expresionistas" a aquellos
pintores que, independientemente del período al que pertenezcan, practican un
arte muy característico, que permite clasificarlo como subjetivo, un buen
ejemplo de esto es El Greco, quien se caracterizaba por su estilo muy personal.
Pintores relacionados:
Wassily Kandinsky
Pablo Ruiz Picasso
Vincent Van Gogh
Paul Cézanne
Cuadros expresionistas
Uno de los ejemplos más destacados del
expresionismo es el dibujo a pastel sobre
papel en tabla, que realizó el
noruego Edvard Munch el año 1893, este
cuadro ha sido uno delos que mayor
precio de venta a alcanzado en la historia,
120 millones de dólares (2012).
Pintado en 1893, se considera una
obra con enorme carga emotiva, por
ello, y por la época cuando fue
pintada se considera precursora del
expresionismo alemán.

35. También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un
movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es
representado como continuación y contraposición al Impresionismo, toma
elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.
Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes
de la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por ello para entender el
postimpresionismo se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en
su conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y
contemporáneos.
El crítico Roger Fry habla por primera vez de este movimiento y llama
“postimpresionistas” a los cuadros que aparecen a finales del siglo
XIX hechos por pintores como Cezanne, Seurat, Gauguin, Van Gogh y otros.
Muchos de ellos empezaron por el estilo impresionista y lo abandonaron,
desarrollando el suyo propio.
Contexto Social
En el siglo XIX tiene lugar el colapso de los imperios Español, Francés, Chino,
Romano y Mogol de la India. La desenfrenada revolución industrial aparece y
permite la evolución y el rápido crecimiento de las ciudades.

36. En esta época aparecen las ciudades modernas que se conocen hoy en día,
se producen nuevos inventos, cambios que causaron una transformación en
la sociedad y potenciaron el crecimiento de la clase social burguesa, la cual
a su vez favoreció la masificación de formas artísticas tradicionalmente
ligadas a clases altas, como la ópera y el ballet. El arte pictórico por su parte
experimentó un fenómeno diferente, comenzaron aparecer artistas que de
una forma reivindicativa tomaban los cánones existentes y los
transformaban a su gusto, de una manera sumamente personalista.
Los pintores impresionistas son testigos y algunos partícipes de estos
cambios, después de unos pocos años la mayoría se asienta en el
postimpresionismo. Plasman los ideales de individualismo y objetivismo, que
propugnan las corrientes intelectuales del momento.
Características del Postimpresionismo
De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son
las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se
desarrollan en la época. Los colores puros evocan la radicalidad que se vive
en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se
observa como un conjunto.

37. El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo
cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la
importación de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de las
ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo del
cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo con
obras como
Obra al óleo titulada "Cangrejo de
espaldas", pintada en 1888 por Vincent
van Gogh.
El artista evitaba salir a la intemperie
cuando el clima era muy frío y lluvioso, uno
de esos días, Vincent concibió esta obra.
Movido por las ganas de imitar figuras que
había visto en litografías de arte japonés
(influencia artística que en occidente se
denominó "Japonismo"). Fue más allá, él
quería mostrar cómo se reflejaba la luz en
el caparazón, el resultado es una obra con
muchos detalles del animal.
Actualmente se encuentra en el Museo
Van Gogh, Ámsterdam.
"Cangrejo de espaldas"

38. En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las
formas clásicas, los colores y texturas se transforman a la par con el cambio
social de finales del 1800. Las barreras de la razón se destapan por
completo y dan lugar a una cultura inclusión e igualdad que hasta hoy
perdura.
Es un estilo artístico que surge a mediados del siglo XIX y que se caracteriza por
su tendencia a proyectar espacios iluminados jugando con la luz a través de la
pintura y pinceladas sueltas.
El estilo nació en los Estado Unidos de América y se llegó a desarrollar entre 1860
y 1870, posteriormente se propagó a Europa donde se solapó con el
impresionismo.
La primera colonia inglesa en Estados unidos fue la de Virginia fundada en 1607,
aunque ya otros habían colonizado partes del país. En 1776 se establece la
independencia de las colonias americanas, dando lugar a un "mundo nuevo", lleno
de oportunidades y declarado libre en el mundo antiguo. Este acontecimiento hace
que migren desde Europa una gran cantidad de personas que buscan una vida
mejor. Así entre finales del siglo XVIII y el XX, Norte América se llena de
extranjeros de diferentes orígenes europeos. En 1860 el lugar seguía estando
bastante despoblado, muy grande y lleno de naturaleza. La belleza del entorno y
la cantidad de técnicas artísticas provenientes del Viejo Mundo se acrisolaron
dando lugar al movimiento del luminismo.

39. Algunos ejemplos de pinturas luministas
americanas son:
"Newburyport Meadows"
de Martin Johnson Heade.
"Boston Harbour"
de Fitz Hugh Lane, (1864).
"Sierra Nevada"
de Albert Bierstadt.
Como se observa en estas imágenes, los
temas recurrentes son paisajes naturales,
retratan la belleza y la luz, que significa
pureza y el comienzo de algo nuevo.

40. Más tarde el estilo se desarrolla en otros países, destaca especialmente en
Bélgica, por su claridad y proyección; de forma tardía (después del
impresionismo), pero no menos pulcra, aparece en Holanda y España, donde el
gran representante es el valenciano Joaquín Sorolla, quien se especializó en
imágenes sociales, "la persona pasa a ser uno de los elementos principales,
donde la luz se refleja en la humanidad".
El impresionismo y el luminismo son dos estilos artísticos que se unen por su
mismo propósito : la búsqueda de lo nuevo y radical. Los dos están fundidos por
su utilización de pinceladas gruesas y definidas y la visión de la luz cambiante.
Por otra parte se diferencian en la composición: mientras el impresionismo es
abierto e innovador, el luminismo es descriptivo y muy realista.
"María en la Playa de Biarritz" de Joaquín Sorolla y Bastida,(1906).

41. Origen del Fauvismo
A finales del siglo XIX y principios del XX se produce una ruptura con la tradición
artística precedente, fruto de la búsqueda de la renovación del arte del mundo
contemporáneo. En las artes plásticas, esta ruptura se marca en torno a la
figuración. Movimientos pictóricos como el impresionismo y el expresionismo,
quieren hacer que el mundo vea la realidad de una forma nueva y creativa. El
Fauvismo es una de las tendencias que aparecen en el proceso de la renovación
de las artes, destaca por la intensificación del color, y la creación de nuevas
dimensiones, jugando con las combinaciones cromáticas.
Es en el Salón de Otoño de París, en el año 1905, donde Louis Vauxcelles
(crítico de arte) le da nombre a esta nueva tendencia de arte con uno de sus
comentarios sobre la escultura "Torso de un chico", Albert Marque, la cual estaba
colocada al centro de la sala: "...es Donatello entre las fieras" (...Mais c'est
Donatello parmi les fauves). La denominación de esta vanguardia surgió de
aquella declaración que tan vivamente describía lo que se sentía al ver aquella
explosión de color, que artistas como Henri Matisse, Andre Derain, Maurice
Vlaminck y Henri Manguin, pusieron de manifiesto y desarrollaron profusamente
en la pintura.

42. Cuadro pintado en 1906 por Henri Matisse.
Título original Le bonheur de vivre. Se
considera una de los íconos del Fauvismo,
la coloración irrealista y la temática
edénica, sirven al artista para
contraponerse a las críticas en las que sus
obras últimamente se estaban viendo
envueltas. No renuncia a su estilo, lo
afianza contra todas las tendencias más
conservadoras de la época.
Actualmente pertenece a la Fundación
Barnes, Filadelfia, Estados Unidos.
"La alegría de vivir"
Lienzo realizado en 1904 por André
Derain, quien es uno de los más
excéntricos pintores que se unieron a la
causa de Matisse.
También conocido como "Landscape near
Chatou".
Actualmente no está expuesto al público,
pertenece a una colección privada.
"Paisaje en Chatou"

43. Obra pintada al óleo sobre tela,
por Maurice Vlaminck en 1906.
Actualmente se encuentra en
el Museo MET, en New York.
"El río Sena en Chatou"
Características del estilo
Con el Fauvismo lo que se buscaba eran
medios de expresión completamente nuevos
y originales. Colores brillantes y puros en
lugares donde no nos esperábamos verlos.
Matisse intentando explicarlo dice: "Cuando
pongo verde, no es yerba; cuando pongo
azul no es el cielo." El dibujo es lo que da la
composición y el color da la sensación. Por lo
tanto, los fauvistas no buscaban reproducir
un paisaje o retrato literalmente, sino la
emoción que producen. Ese es el objetivo de
las vanguardias y el objetivo del Fauvismo:
Expresar el sentir. Expresar el sentir de una
persona es sin embargo muy complicado ya
que cada persona percibe emociones de
manera diferente. Por eso cada obra de arte
es única y a cada uno le habla en su
contexto.

44. Artistas Fauvistas
Los fauvistas encontraron la forma de hacer que el color trascendiera la
composición de una manera nunca antes vista. Encontraron la manera de
dividir al objeto en una composición y lo hicieron a través del color. El dibujo
fauvista es un dibujo agudo, sin detalles. En Mujer con Sombrero de Matisse,
podemos ver que el dibujo de la mujer no tiene nada de especial, es más bien
bastante simple. Es el contraste de colores lo que conforma la composición y lo
que en el fondo habla al espectador.
Cuadro datado en 1910, firmado por Henri
Matisse.
Título original: La Danse. Se trata de la
pintura más famosa del artista, ya en su
tiempo (y hasta hoy), se consideró que las
figuras demostraban un dinamismo
magistral.
Se encuentra en el Museo del Hermitage,
San Petersburgo.
"La danza"
intura de Henri Manguin, realizada en 1905.
Su título original en francés es "La Sieste (Le
repos, Jeanne, Le Rocking-Chair)".
Actualmente se encuentra en el Museo Villa
Flora, Suiza. "La siesta"

45. Movimiento artístico estadounidense que se desarrolla en la primera veintena
del siglo XX. Nace en respuesta al profundo cambio social y urbánístico que se
da en las grandes urbes. Influyó sobre el arte pictórico, literatura, periodismo y
música. La parte pictórica fue impulsada por un grupo de pintores (Escuela
Ashcan) afincados en New York, ciudad en la que encuentran su principal
fuente de inspiración.
"Habitación de Hotel«
- Edward Hopper
El estilo busca plasmar nuevas realidades de la
vida, el trabajo y el ocio de las personas ahora
convertidas en urbanitas, con frecuencia se
aprecian temas como: paisajes urbanos,
oficinas, hoteles, escenas rurales con
elementos modernos y avances tecnológicos.
Obras de Edward Hopper que ejemplifican
estas temáticas:
"Oficina por la noche"

46. "Lobby de hotel" "La autómata"
Visto de este modo, se
podría pensar que el
estilo no es más que
una forma pictórica
descriptiva, sin
embargo esta variante
de realismo va mucho
más allá, una de sus
características
fundamentales es la
temática está
impregnada de un
fuerte halo
de melancolía,
nostalgia y soledad, en
este sentido
representa una mirada
social crítica, como
preguntando ¿Valen la
pena los avances a
este precio?
"Dos en las gradas" - Edward Hopper

47. En cuanto a la técnica, el realismo
americano presenta una pincelada limpia,
respeta los cánones clásicos de
profundidad y volumen. Los colores son
realistas, usualmente en las obras se
mezclan una gama de tonos naturales
(terrosos y verdes), con los colores
sintéticos característicos de la vida
moderna: colores fuertes y/o metálicos.
"Gas"
Los pintores que cultivaron el estilo
parecen estar de acuerdo
espontáneamente en los elementos
comunes, de temática y sensación. A
su vez cada uno entregó su visión
personal de la ciudad. Algunos
artistas recuerdan las formas y
colores del expresionismo, otros se
acercan a los más finos ejemplares
de impresionismo francés.
"Dempsey and Firpo"
- George Bellows
"The white ballet“
- Everett Shinn

48. Los cuadros del
realismo americano
forman ya parte de la
cultura e historia del
arte estadounidense,
son una parte
fundamental para
comprender
movimientos artísticos
posteriores como
el Regionalismo,
el Pop art y el arte
contemporáneo.
"Allen Street" - George B. Luks
"McSorley's Bar" - John French Sloan
"Snow in New York" - Robert Henri
"East River Park"
- William Glackens

49. La pintura cubista es la expresión pictórica del movimiento artístico
denominado Cubismo, originado en París, el año 1908, de la mano de Pablo
Picasso. El segundo pintor en adoptar el estilo fue Georges Braque, quien
aunque es considerado uno de los fundadores del cubismo, realmente es un
adoptador temprano del estilo, al igual que Juan Gris.
"Las Señoritas de Avignon"
Es el cuadro más importante
del protocubismo, estilo primigenio.
Pintado por Pablo Picasso en 1907,
Francia. Título original: Les demoiselles
d’Avignon. Se encuentra actualmente en el
museo MoMA de New York.

50. El cubismo se mantuvo activo hasta el año 1918, fue un flash en la historia, un
movimiento realmente corto, sin embargo su importanmcia fue mucho más allá,
estilos contemporáneos de toda Europa como el Dada o el Futurismo (en Italia),
nacieron como movimientos miméticos del cubismo. Posteriormente también
estilos como el surrealismo y la mayoría de corrientes asociadas al modernismo,
estuvieron plénamente empapadas de su influencia.
Pablo Picasso y sus seguidores, buscaban una ruputura absoluta con todo
vestigio de la norma clásica en la composición. La profundidad, la descripción de
la naturaleza y la perspectiva se comenzaron a transformar.
El estilo se desarrolló en 2 fases bien diferenciadas, la primera llamada cubismo
analítico, pretendía representar cuerpos complejos en versiones simplificadas,
mediante masas fragmentadas en figuras geométricas. Aproximadamente desde
1912 se comenzó a manifestar la segunda fase del estilo: el cubismo sintético,
este ya ni siquiera utilizaba las figuras con volumen, sino que se entregó
totalmente a la composición bidimensional.
En los años 20 otras fuerzas artísticas, como el surrealismo, comenzaban a
cobrar importancia por lo que rápidamente desapareció.

51. El modernismo es un estilo artístico, también llamado Art Nouveau, que se
desarrolla principalmente entre finales del s. XIX y la primera mitad del s. XX.
Si bien la palabra "moderno" es sinónimo de "reciente", el modernismo se
refiere a un periodo temporal limitado, ya que no se utiliza la palabra como
adjetivo, sino como un sustantivo propio.
Artistas destacadosGustav Klimt
René Magritte
Pablo Picasso
Max Beckmann
Tamara de Lempicka
Artes plásticas, arquitectura y literatura son las disciplinas donde el
modernismo influyó de manera importante. En la pintura, la esencia del estilo
fue una ruptura notoria con cualquier canon artístico existente hasta ese
momento.
Para lograrlo se aprovecharon las nuevas técnicas que traía consigo la revolución
industrial, las cuales permitían por primer vez, el replicado del arte a gran escala:
técnicas de impresión y serigrafía. Estas tecnologías en sí mismas, configuraron
en no menor parte el tipo de figuras, colores, ilustraciones y mezclas que
caracterizarían al estilo.

52. Entre los académicos no hay un acuerdo unánime sobre qué se debe clasificar
como "modernista", no pocos autores incluyen hasta el impresionismo y el
cubismo como parte del movimiento.
Algunos ejemplos de cuadros y posters del modernismo, en su sentido más
estricto son
Se trata de un poster a modo de reclamo
publicitario, instalado en un local nocturno
de nombre "El gato negro", situado en
París, esta es una obra emblemática de la
estética modernista que pronto se
desarrollaría con fuerza en Francia.
"Tournée du Chat Noir"
Este es otro ejemplo de la
estética que se cultivó en
Francia, esta obra puede
considerarse como un
ejemplar "clásico" del estilo.
"Champeonis"
de Alphonse Mucha.

53. Obra pintada en 1930, aunque Mondrian
se caracteriza con movimientos como el
cubismo y el neoplasticismo, el periodo en
que realizó sus principales aportes
permiten clasificarlo como un pintor del
modernismo, al menos durante parte de su
carrera.
"Composición II en rojo, azul y amarillo"
de Piet Mondrian.
El surrealismo es un movimiento
artístico fundado en 1944 por el escritor
francés André Breton, quien elaboró
el Manifesto surrealista. En las propias
palabras del artista:
"Automatismo síquico en su estado
puro, por el cual uno se propone
expresarse verbalmente, mediante la
palabra escrita o de cualquier otra
manera, lo que realmente ocurre con el
pensamiento."
En un principio se centraba en la
literatura, sin embargo, rápidamente
la nueva tendencia se reflejó en
otras actividades como la filosofía, la
cultura, y el arte pictórico. Aunque el
manifiesto original no las
contemplaba se asentaron y
autodefinieron perfectamente en
línea con la definición original de
Breton.

54. Artistas surrealistas destacados
Salvador Dalí
René Magritte
Joan Miró
El surrealismo en la pintura
De este modo el surrealismo encajó bien en la pintura, ayudado por el
ambiente post 1era. Guerra Mundial, donde se querían romper los límites que
la razón venía imponiendo durante siglos. El hombre estaba cansado de
responder siempre los mismos cánones de creación, aquellos que siempre
habían gobernado los estilos anteriores: belleza, realismo, racionalismo,
lógica, iluminación, composición, equilibrio y color.
También ayudó al éxito del surrealismo, el hecho de que fue apoyado por
grandes figuras del panorama artístico de la época, pintores que estaban muy
cercanos al "pueblo", en lo político y lo cultural, ellos aprovecharon esta beta
que auguraba grandes réditos para los que se elevaran junto al nuevo
pensamiento.

55. En España el surrealismo presenta dos
figuras principales, Salvador Dalí y Joan
Miró. El Primero, dueño de una técnica
irreprochable, se ganó a base de talento,
el derecho a romper toda clase de reglas
pictóricas y a la vez ser considerado un
genio. Por la otra parte Miró, cultivó un
estilo prístino, infantil, y más onírico si
cabe. Ambos se consideran
profundamente influyentes y son claves
para entender el arte contemporáneo.
El hijo del hombre
Abstracto
Los amantes

56. Se ha utilizado el nombre "abstracción lírica" al menos 3 veces en la historia
para denominar movimientos y corrientes artísticas que se han dado en
diferentes épocas y lugares.
De forma tradicional en España y países de habla hispana se considera
"abstracción lírica" a un sub-estilo del modernismo, considerado raíz del estilo
abstracto en sí, el pionero de esta rama y gran modelo es el ruso Wassily
Kandinsky.
"Primera acuerela abstracta"
Obra realizada en 1910, por Wassily
Kandinsky considerada la primera
pintura de la Absrtracción lírica. Esta
estética, cargada de simbolismo,
movimiento y color será la semilla
desde donde el artista creará la
mayoría de obras durante su carrea.

57. Obra de Pierre Alechinsky, técnicas mixtas,
realizada en 1974.
En general, aunque los orígenes y
realidades históricas de estos artistas
difieren, tienen en común la estética de su
propuesta: clores fuertes y puros,
dinamismo, geometría en fusión con el
caos y emociones guturales.
"Le Bruit de la Chute"