La Galería de los Uffizi en Florencia alberga una de las colecciones de arte más importantes del mundo. El palacio que la contiene fue construido originalmente en 1560 para albergar oficinas gubernamentales. A lo largo de los siglos, la familia Médici fue ampliando la colección con obras maestras del arte italiano desde el siglo XIII hasta el XVIII, haciendo de los Uffizi el primer museo público del mundo.

1. GALERÍA DE LOS UFFIZI. FLORENCIA (1)

2. GALERÍA DE LOS UFFIZI FLORENCIA Transición manual

3. Galería de los Uffizi. Florencia.

4. El Museo de los Uffizi o la Galería de los Uffizi , situada en el Piazzale degli Uffizi , es uno de los museos de pintura y escultura más célebres del mundo. Grandes obras de los principales pintores de la historia del arte se exhiben en sus salas. La construcción del palacio de los Uffizi fue comenzada en 1560 por Giorgio Vasari siguiendo órdenes de Cosme I de Médicis. Su finalidad inicial era albergar las oficinas de las magistraturas florentinas, una vez que se quedó pequeño el Palazzio Vecchio. De esta función deriva su nombre de « Galería de los Oficios ». Las obras terminaron en 1581. Cosimo I de Médicis ya consideró el proyecto de destinar a museo el tercer piso del soberbio edificio, pero el mismo fue llevado a cabo por su hijo Francesco I. Éste encargó al prestigioso arquitecto, ingeniero y pintor Bernardo Buontalenti la construcción de la galería interior de las “ Tribune ” para albergar algunas obras de arte procedentes de la colección de los Medici, así como su valiosa colección de condecoraciones antiguas. Buontalenti construiría también un gran patio escénico en el que, en 1586-87, se organizaron festines fabulosos, así como representaciones teatrales dirigidas por el propio Buontalenti, quien diseñaría también el vestuario de los actores . GALERÍA DE LOS UFFIZI

5. Más de un siglo después, Cosimo III, Gran Duque de Toscana entre 1670 y 1723, amplió la Galería para alojar la colección artística de sus ancestros y las obras de arte que había heredado de su tío, el Cardenal Leopoldo. En 1737, el último miembro de la familia Medici, Anna Maria Ludovica, impartió instrucciones para que todas las obras de arte coleccionadas por la dinastía de los Medici quedaran albergadas en la Galería de los Uffizi, a disposición de los amantes del arte del mundo entero durante su estancia en Florencia. En 1782, se clasifica por primera vez la colección de los Medici en la Sala de Pintura Antigua. En 1919, se reordena la misma para ofrecer a los visitantes una disposición más orgánica. La Galería de los Uffizi conserva las mejores obras de arte del período renacentista existentes en el mundo. La familia Medici, que gobernó la ciudad durante siglos, fue incrementando y mejorando su colección con obras de artistas famosos que venían a Florencia. El museo alberga también obras de arte del período gótico. El principal museo florentino, y uno de los 10 más importantes del mundo, es una soberbia colección de escultura y pintura de los siglos XIII al XVIII de autores italianos y europeos. Se considera también el museo más antiguo del mundo ya que era visitable desde 1591.

6. Característica forma en U del Palacio Uffizi, visto desde la Piazza della Signora

7. ESCUELA DE FLORENCIA SIGLOS XIII Y XIV. GÓTICO.

8. Crucifijo con Escenas de la Pasión. Maestro del San Francesco Bardi.

9. Crucifijo con escenas de la Pasión. Maestro del San Francesco Bardi. Escuela de Florencia.

10. Escenas de la vida de santa Cecilia. Maestro de Santa Cecilia. 1304.

11. La Virgen y el Niño en majestad, con San Bernardo, San Juan Bautista y cuatro ángeles; San Francisco recibiendo los estigmas; dos santos; la Crucifixión. Jacopo del Casentino.

12. “ La Madonna de Santa Trinitá”. La Virgen entronizada, con ángeles y cuatro profetas. Cimabue (Cenni di Pepo). 1260. Detalle

13. La Virgen y el Niño con San Nicolás, San Juan Evangelista, San Pedro y San Benito. Giotto di Bondone.

14. “ Madonna Ognissanti.” Virgen entronizada. Giotto di Bondone. 1310. Detalle

15. La Coronación de la Virgen con los Profetas y los Santos. Jacopo di Cione.

16. ESCUELA DE SIENA SIGLOS XIII Y XIV. GÓTICO.

17. La Presentación en el Templo. Ambrogio Lorenzetti. 1342.

18. La Anunciación. Simone Martini y Lippo Memmi. 1333.

19. Madonna Rucellai. También conocida como "Virgen entronizada con el niño y seis ángeles". Duccio di Buoninsegna. 1285

20. Virgen entronizada rodeada de ángeles. Pietro Lorenzetti. 1340.

21. La Virgen con el Niño. Niccolo di Ser Sozzo.

22. GÓTICO INTERNACIONAL SIGLOS XIV Y XV

23. La Coronación de la Virgen. Piero di Giovanni. 1413-1414.

24. La Adoración de los Magos. Piero di Giovanni. 1421-1422 .

25. La Adoración de los Magos. Gentile di Niccolo. 1423.

26. Cuatro Santos del Políptico Quaratesi. Gentile di Nicolo. 1425.

27. GÓTICO FLAMENCO. SIGLO XV.

28. Tríptico Portinari. Hugo van der Goes. Uno de lo trípticos más famosos del flamenco. En la tabla izquierda, San Antonio y Santo Tomás. Más abajo, Portinari y sus dos hijos en actitud orante. En la tabla derecha, al fondo, los Reyes Magos llegando al portal. Al lado, Santa Margarita y María Magdalena con sus símbolos respectivos, el dragón y un frasco de ungüento. Abajo, también en actitud orante, la mujer de Portinari y sus dos hijas. En la tabla central se representa la adoración del Niño por los pastores. 1473-1475.

29. Tríptico Portinari.Panel derecho. Tríptico Portinari.Panel izquierdo. DETALLES

30. Lamento por Cristo muerto. Rogier de la Pasture van der Weyden. 1450.

31. La Virgen con el Niño y dos ángeles. Hans Memling. 1480.

32. Retrato de Benedetto Tommaso Portinari. Hans Memling. 1487.

33. Retrato de un hombre joven. Hans Memling. 1490.

34. Retrato de un hombre joven con paisaje al fondo. Hans Memling.

35. GÓTICO - RENACIMIENTO SIGLOS XIV Y XV

36. Coronación de María. Fra Angélico.1434-1435.

37. La Coronación de la Virgen. Fra Filippo Lippi. 1441-47.

38. La Virgen en majestad con cuatro santos. Fra Filippo Lippi. 1442.1450.

39. La Virgen con el niño. Jacopo Bellini. 1450.

40. La Virgen de la Humildad. Masolino da Panicale. 1415. Virgen con el niño. Fra Angélico. 1450.

41. Dante Alighieri. Andrea del Castagno. 1450. Giovanni Boccaccio. Andrea del Castagno.. 1450.

42. Francesco Petrarca. Andrea del Castagno. 1450. La Sibila Cumea. Andrea del Castagno . 1450.

43. La Virgen con el Niño y escenas de la vida de Santa Ana. Fra Filippo Lippi. 1452.

44. La Adoración del Niño con San José, San Jerónimo, María Magdalena y San Hilario. Fra Filippo Lippi. 1453.

45. La Batalla de San Romano. Paolo Uccello. 1456.

46. La Circuncisión. Andrea Mantegna. 1460. Ascensión. Andrea Mantegna. 1460.

47. La Virgen y el Niño, entre dos ángeles. Fra Filippo Lippi. 1464.

48. Retrato de los duques de Urbino. Piero della Francesca. 1465-1466.

49. Virgen de la galería (Madonna della loggia). Sandro Botticelli . Su nombre verdadero era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. 1467.

50. Virgen con niño y Santos. Botticelli. 1467. 1470.

51. Virgen con Niño en Gloria. Sandro Botticelli. 1469-70.

52. El Regreso de Judith a Betulia. Sandro Botticelli. 1470-72. Descubrimiento del cuerpo de Holofernes. Sandro Botticelli. 1470-72.

53. La Adoración de los Magos. Sandro Botticelli. 1470-75.

54. La bella Simonetta. Sandro Botticelli. 1475. Retrato de un hombre con medalla de Cosme el Viejo. Botticelli. 1475.

55. La Primavera. Sandro Botticelli. Hacia 1476.

56. LA PRIMAVERA La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho. La interpretación clásica y más generalizada es la de Adolph Gaspary y Aby Warburg en 1888. Describe las figuras del siguiente modo, partiendo de la izquierda: Mercurio. El dios queda identificado por el calzado con alas y por el caduceo usado para separar serpientes y hacer la paz (Botticelli ha representado las serpientes como dragones alados); con su yelmo y su espada, parece claramente el guardián del jardín de Venus. Viste ligeramente con un manto rojo cubierto de llamas, que cae de forma muy asimétrica, lo cual se consideraba un rasgo típico de la Antigüedad y ya era una indicación de que se estaba representando una escena mítica. Las tres Gracias . Servidoras de Venus, dedicadas a una graciosa danza, están representadas como tres jóvenes casi desnudas y luciendo peinados elaborados y diversos. El cabello suelto sólo podían llevarlo las jóvenes solteras. Se las ha llamado Gracias porque de esa forma, danzando en corro, se las representó en el arte grecorromano. Las Gracias parecen ser retratos de personas existentes en la época y conocidas del pintor: por ejemplo, la Gracia de la derecha es Caterina Sforza. La del medio debe ser Semiramide Appiani, mujer de Lorenzo il Popolano, el cual a su vez estaría representado como Mercurio, hacia el que mira Semiramide. La de la izquierda sería Simonetta Vespucci, prototipo de belleza botticelliana. La hipótesis más acreditada referente a estas tres jóvenes es que la de la izquierda, de cabellos rebeldes, representa la Voluptuosidad ( Voluptas ), la central, de mirada melancólica y de actitud introvertida, la Castidad ( Castitas ), y la de la derecha, con un collar que sostiene un elegante y precioso colgante y un velo sutil que le cubre los cabellos, la Belleza ( Pulchritudo ).

57. Cupido . Vuela sobre la cabeza de la figura central. Se dedica a lanzar dardos hacia una de las Gracias. Flora. Es la única del grupo que mira directamente al observador y parece que intenta esparcir sus flores por el exterior de la escena. Destaca también por su sonrisa, pues es infrecuente en la pintura renacentista, en particular en Botticelli, cuyas mujeres (y así se ve en sus numerosas Vírgenes con Niño ) están siempre serias, abstraídas. La ninfa Cloris . De su boca salen las flores primaverales que Flora recoge en su vestido transparente. Céfiro. Dios del viento benigno representado con colores fríos mientras busca el amor de la ninfa. Sopla la dulce brisa que hace posible la primavera. Venus . Se encuentra en el centro del cuadro y sirve de eje a la composición, volviendo ligeramente la espalda al resto de figuras. En torno a su cabeza se aclara la arboleda, formando una especie de aureola. Está representada como una Madona , con el cabello cubierto por cofia y velo, como una mujer casada. Viste una camisa larga y, por encima, vestido y manto, que cae de forma asimétrica, como el de Mercurio. El vientre prominente era considerado gracioso, y un signo de elegancia era colocar la mano sobre una tela, para evidenciar su belleza. Es el centro no sólo físico sino también moral de la obra, en sus dos aspectos de Venus Urania y Venus Genitrix, fuerza creadora y ordenadora de la Naturaleza, que hace nacer y crecer a todos los seres vivos.

58. La Primavera. Sandro Botticelli. Hacia 1476.

59. Alegoría de la abundancia. Botticelli. 1480. Ángel. Botticelli. 1485.

60. La Anunciación. Pintura mural desprendida. Sandro Botticelli ( Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi). 1481.

61. Virgen del Magnificat también conocida como Virgen con el Niño y cinco ángeles. Sandro Boticelli. 1481.

62. Palas y el centauro. Sandro Botticelli. 1482

63. El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli. 1484.

64. EL NACIMIENTO DE VENUS Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores. A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres. El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica : una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico; Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico.

65. La postura, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin embargo, al prototipo de belleza botticelliana semejante a la que aparece en La calumnia de Apeles; se cree que en esta Venus pudo representar a Simonetta Vespucci. El rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy joven, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión melancólica es impropia de la Antigüedad asociándose más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana. La piel de Venus es de color marfil, un blanco con una ligera tonalidad amarillenta y con ocasionales matices rosa. Esta tonalidad no recuerda a la piel, no sugiere carne tibia y flexible, sino la superficie y la firmeza de una estatua. Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento . Una de las Ninfas espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul. El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos.

66. El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli. 1484.

67. La Adoración del Niño. Sandro Botticelli. 1485.

68. La Virgen de la Granada. Sandro Botticelli. 1485-87.

69. Pala de San Bernabé. Representa a la Virgen en el trono con el Niño y los santos Catalina de Alejandría, Agustín, Bernabé, Juan Bautista, Ignacio y Miguel Arcángel. Sandro Botticelli. 1487.

70. Cristo en el sepulcro. Sandro Botticelli. 1487.

71. La Anunciación de Cestello (convento florentino). Sandro Botticelli. 1489.

72. Calumnia de Apeles. Botticelli.1495.

73. San Agustín en su estudio. Sandro Botticelli. 1490-95. Virgen del jardín de rosas. Botticelli. 1469-1470

74. Virgen con el Niño y San Juan Bautista. Sandro Botticelli. 1490-1495.

75. La coronación de la Virgen. Sandro Botticelli. 1490.

76. La Virgen y el Niño con los ángeles y los santos. Matteo di Giovanni.

77. Adoración de los Reyes Magos. Andrea Mantegna. 1460.

78. La Virgen de las cuevas. Andrea Mantegna. 1488-1490.

79. Retrato de Charles de Médicis. Andrea Mantegna. 1459.

80. San Luis de Tolouse. Bartolommeo da Murano Vivarini. 1465. La resurrección de Lázaro. Nicolás Froment. 1461.

81. F I N IMÁGENES: Todas proceden de internet. Mi reconocimiento a sus autores. MÚSICA: O vos homnes. Tomás L. de Vitoria. REALIZACIÓN: Emilio Fernández [email_address] GALERÍA DE LOS UFFIZI. FLORENCIA (1) http://eferna.blogspot.com/