Seminario de apreciación pictórica

SEMINARIO DE
APRECIACIÓN
PICTÓRICA
LIC. PEDRO PAUNERO G

PINTURAS RUPESTRES
El hombre de Cro Magnon, el hombre anterior a las
civilizaciones, pintó las cuevas de Europa, mientras que en
Australia los aborígenes harían lo mismo poco tiempo
después, aproximadamente hace unos 15, 000 años.
Las pinturas rupestres cumplían, por lo que sabemos, funciones
rituales para propiciar la caza. Al parecer, las cuevas donde
están representadas eran, para la mentalidad prehistórica,
úteros fértiles y a la vez puertas a la comunión con la
esencia animal. Mediante la ingesta de drogas alucinógenas
y al calor de las fogatas el chaman se vestiría con pieles de
animales y danzarían en un baile que imitaría la caza de las
especies pintadas.

REPRESENTACIONES ANTROPOMORFAS
Y ZOOMORFAS

PINTURA EGIPCIA
Desde hace 5,000 años, las típicas pinturas
egipcias de representaciones de faraones,
cacerías reales, batallas o la vida cotidiana,
tienen un estilo propio en las cuales las
figuras se representaban de perfil y el
cuerpo de vista frontal y los personajes de
la realeza aparecían de mayor tamaño que
los esclavos o el resto de la población.

PINTURA MINOICA
En Creta del 3,000 al 1,100 a.C. los cretenses
representaron extraordinarias escenas coloridas,
naturalistas, pacifistas que cuando se
descubrieron en el S. XIX por el arqueólogo Sir
Arthur Evans, en tiempos del Art Nouveau, se
consideraron falsificaciones que recordaban
precisamente a ese estilo de moda en tiempos
del célebre arqueólogo.
EL SALTO INICIÁTICO DEL TORO
PINTURA FUNERARIA

PINTURA GRIEGA Y ROMANA
Fueron varios los periódos por los cuales atravesó el arte de los
griegos, pero todos se destacan por la belleza de los trazos,
el naturalismo y la búsqueda de la estilización de las figuras
en aras de fórmulas matemáticas como la proporción áurea
que los filósofos descubrieron repetidamente en la
naturaleza.
La pintura romana denota una gran influencia de la griega.
FRESCO INICIÁTICO DE LA VILLA DE LOS MISTERIOS
FRESCO DEL FLAUTISTA DE STABIAS
POMPEYA, CULTURA ROMANA.

PINTURA BIZANTINA
Desarrollada en el Imperio romano de Oriente. La capital de este estado fue
Constantinopla, la antigua ciudad griega de Bizancio, que el emperador
romano Constantino refundó el año 330 con su nombre. El Imperio
bizantino se desarrolló durante casi 1.000 años, desde la caída del Imperio
romano de Occidente el año 476 hasta la toma de Constantinopla por los
turcos en 1453. El arte bizantino, nunca perdió por completo su herencia
helenística, que de hecho se mantuvo como una fuente importante de
inspiración y renovación, aunque en este proceso hubo que adoptar el
carácter de la fe ortodoxa.
Las imágenes religiosas sólo se aceptaban si la figura humana no se
representaba como una presencia física tangible. Los artistas bizantinos
resolvieron este problema por medio de la abstracción, es decir, por medio
de diseños planos que conservaran el interés visual de la composición
mientras evitaban cualquier modelo concreto y con ello cualquier
apariencia corporal.

ANDRÉI RUBLEV
La TRINIDAD DEL ANTIGUO TESTAMENTO
(c. 1410),
realizada por el artista ruso Andréi Rublev,
constituye un ejemplo de la pintura bizantina de
iconos del siglo XV. Representa a los tres
ángeles que se aparecen a Abraham cerca de
los robles de Mambré (Gén. 18, 2-15). Su estilo
de fuerte linealidad, espacio plano y colores
intensos tipifica el estilo de la pintura de iconos.

EL GÓTICO
Desde fin del siglo XII hasta el comienzo del renacimiento
italiano, se introdujo un gran repertorio de medios técnicos, y
la pintura dejó de ser exclusiva de los monasterios. El
término gótico fue empleado por primera vez por los
tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para
referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban
inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado
con el arte clásico.
El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo
anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las
líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas
corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines
simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.

GIOTTO
(c. 1266-1337)
El más importante pintor del siglo XIV. Su concepción de la figura humana,
que representó con líneas amplias y redondeadas —en lugar de la
representación plana y bidimensional de los estilos gótico y bizantino—
indica una preocupación por el naturalismo que significó un punto de
inflexión en la evolución de la pintura occidental. Toda su obra es de
temática religiosa. Hizo sobre todo retablos y frescos para diversas
iglesias. Muy pocos de ellos se mantienen en buenas condiciones y la
mayor parte han desaparecido por completo o han tenido que restaurarse
casi en su totalidad.
Los escenarios son fondos poco profundos, como cajas arquitectónicas, un
poco más abiertos que los fondos totalmente planos de las pinturas
bizantina y gótica pero sin llegar todavía al pleno desarrollo de la
perspectiva que se lleva a cabo en la pintura renacentista posterior.

ESTIGMATIZACIÓN DE
S. FRANCISCO

PREDICACIÓN A LOS
PÁJAROS
Este fresco, y el siguiente,
se encontraban en la
Basílica de S.
Francisco en Asís,
Italia. Fueron
destruídos por
completo durante un
sismo a fines del
S. XX.

LA EXPULSIÓN DE
LOS DIABLOS DE
AREZZO

PIETRO Y AMBROGIO
LORENZETTI
Pietro Lorenzetti (c. 1280-1348)
y su hermano Ambrogio (1290-1348) fueron las
figuras más importantes de la escuela de Siena
de pintura del siglo XIV. El siguiente fresco, de
principios del siglo XIV, pertenece a la iglesia de
San Francisco en Asís (Italia); muestra a
Jesucristo entrando en la ciudad de Jerusalén.

FRA ANGÉLICO
(c. 1400-1455)
Supo combinar la vida de fraile dominico con
la de pintor consumado. Fue llamado
Angelico y también Beato por su temática
religiosa, la serenidad de sus obras y
porque era un hombre de extraordinaria
devoción.Combinó la elegancia decorativa
del gótico con el estilo más realista de otros
maestros del renacimiento

EL BOSCO
(1450-1516)
Uno de los pintores holandeses más personales, conocido por su obra
enigmática que representa complejos temas religiosos con gran fantasía e
iconografía demoníaca..
Los estudiosos difieren respecto a la interpretación de su pintura, pero la
crítica es más bien unánime a la hora de manifestar que sus obras
muestran la preocupación por la inclinación del hombre hacia el pecado, en
desafío a Dios, así como la condena eterna a las almas perdidas en el
Infierno, como consecuencia fatal de la locura humana.
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS Y EXTRACCIÓN DE LA PIEDRA DE LA
LOCURA
EL INFIERNO (DETALLE)

EL INFIERNO
Detalle de un monstruo
con cabeza de ave.

ARS NOVA: GÓTICO TARDÍO
Anuncia el renacimiento en el norte de
Europa.
Este periodo del arte flamenco se caracteriza
por el naturalismo de vívidos colores al
óleo, la meticulosidad de los detalles, la
precisión de las texturas y la búsqueda de
nuevos sistemas de representación del
espacio tridimensional.

JAN VAN EYCK
(1390-1441)
La asombrosa habilidad técnica de Van Eyck y la
precisión en los detalles, reproducidos
cuidadosamente, fueron muy admiradas por sus
contemporáneos. Sus compatriotas todavía le
seguían considerando el rey de los pintores en el
siglo XVI.
LA VÍRGEN Y EL NIÑO CON EL CANCILLER ROLIN
LOS ESPOSOS ARNOLFINI
MADONNA EN LA IGLESIA

EL RENACIMIENTO
El término Renacimiento describe la revolución
cultural de los siglos XV y XVI originada en Italia
por el despertar del interés hacia la cultura clásica y
por una fuerte confianza en el individualismo.
Se seguía rindiendo culto a los logros de la
antigüedad, pero al mismo tiempo se producía una
reactivación intelectual y cultural.

SANDRO BOTTICELLI
Su nombre significa “barrilito”, debido al
apodo que tenía uno de sus hermanos
mayores.

LA PRIMAVERA
Se trata de un cuadro encargado por Lorenzo de Pierfrancesco, sobrino de Lorenzo el Magnífico de Médicis,
para su boda con una jóven de nombre Semirámide. Destinado a colocarse sobre el lecho nupcial y
verse desde abajo, por eso, una de las figuras tiene el pie levantado y puede verse la planta con sus
detalles.
Desde el punto de vista botánico, el cuadro representa 170 especies de flores y árboles con sus frutos que
existen y están representados detalladamente, pero no todos corresponden a la primavera sino que son
una mezcla de plantas de todas las estaciones. Pueden verse naranjas mediterráneas, jacintos, mirtos
que brotan de la boca de Cloris, ninfa de la madera, y que tiene significados sexuales y entre las ropas
de Flora se encuentra escondido un clavel: la flor secreta que el novio debe encontrar en su prometida.
Representa la Virtud Cristiana exaltada a través de elementos paganos.
El cuadro es iniciático para los recién casados. Se debe leer de derecha a izquierda: el viento del sur,
Céfiro, viola a Cloris, ninfa de la madera y se transforma en Flora, ninfa de las flores, es decir, ella, a
través del sexo, florece y sonríe.
Es lo que le espera a la novia. En el Renacimiento era común este tema nupcial.
Al centro, como nexo entre lo pagano y lo cristiano aparece Venus, diosa del amor, de clara referencia
nupcial con su hijo Cupido: un nexo con la vírgen y Jesús niño.
Las 3 Gracias son el grupo semidesnudo que aparece en el arte en mil años, sus ropas etéreas
representan su carácter semidivino y erótico a la vez.

El cuadro fue muy alabado por los pre rafaelistas, que encontraron en
este los elementos clásicos y paganos anteriores a los temas de
Rafael.
Estos pintores supieron encontrar la melancolía que caracteriza a la
composición, las flores como caídas, la sensación de que algo va a
surgir de la floresta, de miedo sexual, de tensión.
El escritor inglés Oscar Wilde, que inició una gira por el Oeste
norteamericano, aludió a la obra en sus conferencias como una
pintura llena de elementos homosexuales: Flora sería, entonces,
una especie de hombre travestido que se atreve a mirar de frente,
algo insólito en los cuadros de la época, la mujer no mira de frente
al espectador.
Mercurio, la figura de la izquierda, según esta teoría (retrato de
Lorenzo el Magnífico, idealizado), le da la espalda a las mujeres,
como rechazándolas y buscando una fruta en las alturas, un fruto
prohibido: no una mujer, sino un compañero de su mismo sexo...

PIETER BRUEGHEL, EL VIEJO
(c. 1525-1569)
Famoso por sus paisajes, su obra es producto de una visión panorámica del mundo, y
abarca desde la pintura religiosa alegórica hasta las escenas de la vida campesina.
Brueghel pintó con todo lujo de detalle escenas de la vida cotidiana de los campesinos
holandeses y episodios de la Biblia, trasplantados a los paisajes y ciudades del
norte de Europa de su época.
Sus obras se han interpretado de diferentes maneras, como referente de las ideas de
diversos pensadores religiosos, de los conflictos entre catolicismo y protestantismo,
de la dominación de los Países Bajos por parte de los españoles y como
equivalentes visuales de alegorías dramáticas representadas en público por
sociedades retóricas flamencas.
BANQUETE DE BODA
EL TRIUNFO DE LA MUERTE

LEONARDO DE VINCI
(1452-1519)
Uno de los grandes maestros del renacimiento, famoso como
pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Su profundo
amor por el conocimiento y la investigación fue la clave tanto
de su comportamiento artístico como científico. Sus
innovaciones en el campo de la pintura determinaron la
evolución del arte italiano durante más de un siglo después
de su muerte; sus investigaciones científicas —sobre todo en
las áreas de anatomía, óptica e hidráulica— anticiparon
muchos de los avances de la ciencia moderna.
LA VÍRGEN DE LAS ROCAS.

Esquema compositivo
triangular que encierra
a la Virgen, el Niño, san
Juan y el ángel.

Leonardo, en este dibujo (Las
Proporciones del Hombre),
representa el conflicto entre el
espacio físico y el
representativo.
Basado en las teorías del
arquitecto romano Marco
Vitrubio sobre la aplicación de la
sección áurea al ser humano: la
proporción entre la distancia
desde la cabeza hasta el
ombligo y desde éste hasta los
pies, debe ser la misma que la
proporción entre la distancia
desde el ombligo hasta los pies
y desde la cabeza hasta los
pies.

Movimiento
de grupos
de
apóstoles

MIGUEL ÁNGEL
(1475-1564)
Uno de los mayores creadores de toda la historia del arte
y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada
del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto,
escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia
tanto en sus contemporáneos como en todo el arte
occidental posterior a su época.
EL JUICIO FINAL

Cristo aparece flanqueado por las
almas salvadas, que ascienden por
su derecha, y las condenadas que
descienden por su izquierda.
Surge desde su trono y con un ademán
sostiene todo el conjunto.
Sus finas facciones permanecen
serenas. Es la clásica cabeza del
Apolo de Belvedere.
Aún la Vírgen María, no puede sino
resignarse ante su hijo
todopoderoso.
Miguel Ángel representó a todas las
figuras desnudas, desnudez que fue
tapada una década después con los
paños de pureza, realizados por
Daniele da Volterra (conocido como
Il Braghettone precisamente por
este motivo) en un momento en el
que el clima cultural se había vuelto
mucho más conservador.

RAFAEL
(1483-1520)
Estudió la obra de reconocidos pintores contemporáneos suyos, como
Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fra Bartolommeo, de quienes
aprendió sus métodos de representación de luces y sombras, sus
estudios anatómicos y actitudes dramáticas. Cambió su forma de
pintar, basada en las composiciones geométricas y el interés por la
perspectiva, hacia unas maneras más naturales y suaves. Tuvo la
influencia de Leonardo en la expresión de serenidad y en los
esquemas compositivos triangulares y equilibrados, como es el
caso de La bella jardinera (1507-1508, Museo del Louvre, París) y
La Virgen del jilguero (1505, Galería de los Uffizi, Florencia).
LA VÍRGEN DEL JILGUERO

DESPOSORIOS DE LA
VIRGEN:
Punto de fuga sobre la
parte central superior.
Perspectiva.

ESCUELA DE ATENAS
(1510-1511)
Es uno de los frescos que Rafael pintó para
decorar las estancias del Vaticano y que marca
la madurez artística alcanzada durante sus
años en Roma (1508-1520).
En él aparecen Platón y Aristóteles (centro) así
como otros filósofos y eruditos griegos. Está
considerado como una obra maestra de la
perspectiva y de la expresión de los ideales
artísticos del renacimiento.

TIZIANO
(c. 1477-1576)
Tiziano, cuyo nombre completo era Tiziano Vecellio.
Figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI y configurador
de su tradición colorística y pictórica.
AMOR DIVINO Y AMOR PROFANO (c. 1515)
es una obra alegórica de Tiziano en la que la mujer vestida
representa al amor materialista y a la vanidad terrenal, mientras
que la desnuda, a un amor más puro y elevado.

ALBERTO DURERO
(1471-1528),
El artista más famoso del renacimiento
alemán conocido en todo el mundo por sus
pinturas, dibujos, grabados y escritos
teóricos sobre arte, que ejercieron una
profunda influencia en los artistas del siglo
XVI de su propio país y de los Países
Bajos.

CABEZA DE UN
APÓSTOL
En este dibujo a tinta de
1508 se aprecia la
delicadeza de trazo y la
magistral expresión de
la forma humana,
características de la
obra de Durero.

ESTUDIO DE CRISTO Y
AUTORRETRATO

EL ÁNGEL DE LA
MELANCOLÍA
En un estilo que parece anticipar el
barroco por la profusión de formas y
el predominio de zonas sombrías,
Durero ubica su apesadumbrado
personaje arrinconado contra una
construcción y con un paisaje abierto
al fondo. Sumida en una actitud
depresiva, la rodean una multitud de
elementos, figuras, formas,
instrumentos, todos los cuales están
cargados de significados.

ELEMENTO Y SIGNIFICADO
 El cometa y el arco iris
La Astronomía
Aquí se ven como emanaciones misteriosas y de mal agüero
 El murciélago:
Sale al anochecer, habita en lugares solitarios, oscuros y ruinosos.
 El perro:
Puede ser víctima de tristeza y locura.
 El apoyar la cabeza en una mano:
Pensamiento caviloso, fatiga o pesar.
 El rostro oscuro:
Típico del rostro del melancólico, que en Durero es un rostro en sombras.
 La guirnalda:
Paliativo contra los peligros del humor melancholicus.
 La bolsa (que lleva la mujer):
Símbolo vulgar de la riqueza, que Durero transforma en símbolo de la "riqueza de artista"
 El llavero (que cuelga a su costado):
Denota poder: asociado con Saturno, el más viejo y elevado de los dioses.
 El niño o angelito:
La pericia práctica que actúa pero no puede pensar.
 La docta Melancolía:
La penetración teórica que piensa pero no puede actuar.

Aún cuando Saturno había sido reivindicado, la
superstición sobre su maléfica influencia seguía
prevaleciendo y se recomendaba el uso de
talismanes para contrarrestar la influencia negativa
del planeta. Eso explicaría, la presencia del
cuadrado mágico en el grabado de Durero,
identificado con la mensula jovis dividida en
dieciséis casillas y que, grabada en una lámina de
estaño podía "convertir el mal en bien" y "disipar
toda angustia y temor".
Se podría concluir que la Melancolía de Durero, la
"Melancolía de Artista", lleva claramente el
elemento "I" porque se encuentra en la esfera de
la imaginación, la esfera de las cantidades
espaciales. Tipifica la forma primera, la menos
exaltada del ingenio humano. Personifica a los que
no pueden llevar su pensamiento más allá de los
límites del espacio. Siente impotencia por lo que
no puede alcanzar, y renuncia a lo que está a su
alcance porque le resulta insuficiente.
La Melencolia I es un reflejo de la personalidad de
Durero. Él se consideraba a sí mismo un
melancólico. Había experimentado las
"inspiraciones desde lo alto", y también había
conocido la sensación de "impotencia". El hombre
cuyo "autorretrato espiritual", había plasmado una
de sus obras maestras (inspiración y modelo para
infinitas obras posteriores) llegó a manifestar:
"Mas qué sea la belleza absoluta, no lo sé. Nadie lo
sabe sino Dios".

MANIERISMO
Hacia 1520, surgió en Italia un estilo
sofisticado y artificioso, muy intelectual,
conocido como manierismo. Se confería
más importancia a la complejidad y a la
distorsión que a la armonía de las líneas, al
color o a la composición; en el manierismo,
hasta las pinturas religiosas resultaban
inquietantes para el espectador.

EL GRECO
(1541-1614)
El más conocido de los manieristas tardíos es El
Greco (“El Griego”, debido a su origen), que,
aunque formado en Italia, se estableció en
España y fue el primer gran genio de la pintura
española.
Su manera, intensamente emocional, de
abordar los temas confería un fuerte sentido
apocalíptico a sus obras, hasta a los
paisajes.

LA ASUNCIÓN DE LA
VÍRGEN
El primer encargo que El
Greco pintó en España, su
patria adoptiva. La
composición está dividida
en dos mitades
horizontales: en la superior
vemos la asunción al
paraíso de la Virgen María,
mientras que en la inferior
se encuentra un grupo de
gente que observa la
escena asombrada. Aquí
las figuras no presentan el
alargamiento característico
de sus obras posteriores.

BARRÓCO
El arte barroco del siglo XVII se caracteriza
por su aspecto dinámico, en contraste con
el estilo clásico, relativamente estático, del
renacimiento. Esta tendencia se distingue
por las líneas compositivas diagonales, que
proporcionan el sentido del movimiento, y
por el empleo de un marcado claroscuro.

DIEGO DE SILVA VELÁZQUEZ
(1599-1660)
Español, máximo representante de la pintura
barroca en su país.
Pintor de Felipe IV, consumado maestro del tono y
del color. Abordaba sus temas con objetividad,
desapasionadamente, pero de forma realista al
retratar a los miembros de la familia real, cuyo
entorno queda reflejado en su obra maestra Las
Meninas (1656, Museo del Prado), donde, como
símbolo de veracidad, incluso se autorretrató ante
el caballete.

Las Meninas
(1656)
es un cuadro complejo. Está
considerado como la obra
maestra de Velázquez. La
figura del centro es la
infanta Margarita Teresa,
hija del rey Felipe IV,
flanqueada por dos meninas
o damas de honor.
A la izquierda del cuadro está el
propio Velázquez frente a
un enorme lienzo, en el que
quizá esté pintando al rey y
a la reina, que aparecen
reflejados en el espejo del
fondo y que ocupaban, por
lo tanto, el lugar donde
ahora se encuentra el
espectador del cuadro. La
figura que baja la escalera
en el extremo opuesto de la
habitación sirve para
acentuar el plano horizontal.

REMBRANDT
Fueron muchísimos los pintores que
surgieron en los Países Bajos durante el
siglo XVII, pero Rembrandt los superó a
todos.
El Autorretrato de 1659 (Legado Iveagh,
Kenwood House, Londres), muestran su
incomparable técnica del claroscuro y su
profundidad psicológica.

RONDA DE NOCHE
LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR
NICOLÁS
RES ABIERTA EN CANAL

LOS GENTILESCHI
ORAZIO GENTILESCHI (c. 1562-1639)
ARTEMISIA GENTILESCHI (c.1593 -1651)
Pintores italianos del barroco, padre e hija.

ARTEMISIA GENTILESCHI
(c.1593 -c.1651)
Artemisia estudió con su padre y con el compañero de éste, Agostino Tassi.
En 1612 Orazio acusó a Tassi de haber abusado de su hija y de romper el
compromiso matrimonial. En el famoso juicio por violación que se llevó a
cabo más tarde, Artemisia fue torturada durante los interrogatorios.
Finalmente, Tassi fue absuelto de todos los cargos. Sin embargo,
Artemisia continuó su carrera, pintando en Roma, Florencia y Nápoles con
gran éxito. Desde 1638 hasta 1640 vivió en Inglaterra con su padre,
ayudándole en sus proyectos, realizando encargos propios y consiguiendo
gran fama como retratista.
Uno de los temas favoritos de Artemisia Gentileschi es el de la historia bíblica
de Judit, la viuda virtuosa que seduce y asesina al malvado Holofernes con
su propia espada.
Hace poco, en una película sobre su vida (Artemisia), se le llamó “Primera
Pintora de la Historia”

NATURALISMO
Surge en oposición al manierismo.
Caravaggio usó figuras en diagonal,
naturales, claroscuros por lo cual a su
naturalismo se denominó “tenebrismo” o
“pinturas negras”

CARAVAGGIO
(1573-1610)
En sus cuadros, tanto profanos como religiosos, no utilizó otro
modelo más que la cruda realidad sin someter a los
personajes a proceso alguno de idealización. Esta forma de
tratar las composiciones religiosas atrajo la atención de la
Contrarreforma por su carácter devocional que facilitaba la
identificación de los fieles con los modelos de santidad,
aunque, en algún caso, la excesiva vulgaridad de aquellos le
valió algún problema con la Iglesia. Fue asimismo muy
importante su utilización del claroscuro para imprimir
dramatismo a sus obras.

CONVERSIÓN
DE SAN
PABLO:
¿Cuál es el Punto
Focal?
El punto focal es
el caballo en
lugar de la
figura del santo.

DAVID Y
GOLIAT
La acción del
cuadro la
realizan los
miembros de
la figura

ISAAC
El punto focal,
el rostro,
seguido de
la acción de
movimiento
de las
manos

JUDITH
Línea de los
ojos,
acción
de las
manos

TENEBRISMO
Surgido por la influencia de Caravaggio: el
uso de la luz y la sombra, los temas
religiosos dramáticos, la monumentalidad
de las figuras y los rostros apasionados.

JOSÉ DE RIBERA
(1591-1652)
Llegó a Nápoles (1616), ciudad en la que va a desarrollar toda su
carrera pictórica hasta su muerte en 1652 como el pintor favorito
de los virreyes de España residentes en dicha ciudad, así como de
diferentes congregaciones religiosas. En Nápoles fue conocido con
el sobrenombre de 'el Españoleto', por su corta estatura.
Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más
acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o
claroscuro del pintor italiano Caravaggio; en la mayoría de sus
dramáticas composiciones religiosas sus figuras destacan siempre
gracias al recurso compositivo tenebrista, en el que un foco de luz
dirigido en diagonal desde el exterior del cuadro crea las líneas
maestras de la composición, dejando generalmente el fondo del
cuadro sumido en una gran oscuridad y haciendo aparecer a los
personajes muy contrastados con respecto a la luz.

MARTIRIO DE SAN
SEBASTIÁN
José de Ribera
por lo general evitaba
representar la
sangre y prefería
mostrar la escena
anterior o posterior
al suplicio. Este
lienzo del Martirio
de san Sebastián
(1651) se encuentra
en el Museo di
Capodimonte de
Nápoles (Italia).
LLUUZZ

FRANCISCO DE ZURBARÁN
(1598-1664)
Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace
de los contrastes de luces y sombras, se caracteriza
básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor
en la concepción, la exquisitez y la ternura en los detalles,
las formas amplias y la plenitud en los volúmenes, la
monumentalidad en las figuras y el apasionamiento en los
rostros.
Las obras de Caravaggio, José de Ribera y Diego Velázquez
ejercieron una clara influencia en Zurbarán. Al final de su
carrera artística también le influyó el estilo más tierno y
vaporoso de Murillo.

LUCHA DE HÉRCULES CON LA HIDRA DE
LERNA
APARICIÓN DE S. PEDRO A S. PEDRO
NOLASCO
SANTA APOLONIA

ESCUELA FLAMENCA
Pintores que surgieron en los Países Bajos durante
el siglo XVII, artistas holandeses del periodo
fueron Frans Hals que, como Rembrandt, pintó
retratos de grupo, y Jan van Goyen y Jacob van
Ruysdael, que pintaron magníficos paisajes.
Hubo numerosos ‘pequeños maestros
holandeses’ que destacaron con sus escenas de
género, representaciones de la vida cotidiana que
deleitaban a la nueva clase media, cuyos
miembros se estaban convirtiendo en
consumidores de arte.

FRANS HALS
(c. 1580-1666)
Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta
gran admiración por la brillantez en la representación de la
luz y la libertad en el manejo de los pinceles.
En todos sus retratos logró reflejar un ambiente de absoluta
espontaneidad; sus personajes producen la impresión de
haber sido sorprendidos en una pose y con una expresión
fugaces, pero características.
Como dato curioso, cuando pintaba a sus “alegres bebedores”,
hombres bebiendo en el bar, se ponía a llorar.

RETRATO DE
CABALLERO
SONRIENDO

JACOB VAN RUISDAEL
(c. 1628-1682)
Pintor holandés, considerado como uno de los más grandes maestros de la
pintura paisajista holandesa.
Ruisdael a menudo pintó los campos llanos y sencillos característicos del
paisaje Holanda, dando un carácter apacible y melancólico a las vistas de
aldeas lejanas, molinos de agua, oscuras extensiones de agua que
sobresalen entre los árboles y cielos nublados. Las representaciones de
las masas oscuras del follaje hacen que el verde oscuro sea el color
predominante de muchos de sus lienzos. Las figuras de sus cuadros
fueron pintadas por otros artistas. Entre sus obras más importantes
destacan las escenas de montañas con cascadas encrespadas, y los
paisajes melancólicos y románticos,
EL MOLINO DE VIENTO DE WIJK BIG DUURSTEDE
(c. 1670, Rijksmuseum) es un cuadro más tranquilo.

VERMEER DE DELFT
(1632-1675)
Destacó por sus retratos de escenas de interiores llenas de
serenidad, compuestas con una claridad matemática e imbuidas de
una luz fría y plateada.
Sólo se conservan 35 lienzos de Vermeer. Este pequeño número
parece ser fruto del metódico y deliberado estilo de trabajo de este
autor, su corta vida y la desaparición de muchas de sus obras
durante un periodo de oscuridad tras su muerte en Delft, el 15 de
diciembre de 1675.
Vermeer fue olvidado tras su muerte y no se le redescubrió hasta el
siglo XIX. A partir de entonces su reputación ha crecido de modo
constante. Hoy se le considera uno de los más grandes pintores
holandeses.

LA LECHERA
Elementos simbólicos, la
leche es la pureza de
la mujer jóven.
Vermeer se valió de una
cámara oscura para
captar los efectos de
la luz, que luego
plasmaría con gran
maestría en su obra.

LA MUCHACHA CON
LA PERLA EN LA
OREJA
(1665-1666)

LECCIÓN DE
MÚSICA
Trayectoria de la
luz

ROCOCÓ
El arte rococó, que floreció en Francia y en Alemania a
principios del siglo XVIII, era en muchos aspectos una
continuación del barroco, sobre todo en lo concerniente al
uso de la luz y de la sombra, y al movimiento compositivo.
Sin embargo, es un estilo más ligero y festivo, muy adecuado
para la decoración de las residencias parisinas.
Estilo pictórico y decorativo del siglo XVIII que se caracterizó
por una ornamentación elaborada, delicada y recargada. El
periodo del rococó se corresponde aproximadamente con el
reinado de Luis XV, rey de Francia (1715-1774).
El término rococó proviene del francés rocaille, que significa
‘rocalla’.

JEAN-ANTOINE WATTEAU
(1684-1721)
Jean-Antoine Watteau, sus cuadros de colores delicados sobre escenas
aristocráticas se desarrollan en medio de un entorno idílico que rompe con
el heroísmo del estilo de Luis XIV. precursor del impresionismo del siglo
XIX.
EMBARQUE PARA LA ISLA DE CITEREA
(1717)
de Jean-Antoine Watteau es uno de los mejores ejemplos de la pintura rococó
francesa. La escena, inspirada en las fiestas de la aristocracia de la época,
muestra a un grupo de personas a punto de embarcar para la mítica isla
griega de Citerea, un paraíso inalcanzable. El estilo etéreo y delicado
denota la influencia de Rubens y de la escuela veneciana.

TIEPOLO
(1696-1770)
Considerado como el principal maestro de la
escuela veneciana y el mejor muralista del estilo
rococó.
LA APOTEOSIS DEL ALMIRANTE VITTOR PISANI
es uno de los frescos que Giovanni Battista
Tiepolo pintó en la villa Pisani, en Italia, entre
1761 y 1762. Representa a Vittor Pisani
ascendiendo al paraíso rodeado de ángeles.

EL NEOCLASICISMO
En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura experimentó una revolución,
cuando el sobrio neoclasicismo vino a sustituir al exuberante estilo rococó.
Este resurgimiento clásico en las artes se debió a diferentes
acontecimientos. En primer lugar, a mediados del siglo XVIII, se iniciaron
muchas excavaciones arqueológicas en Italia y en Grecia, y se publicaron
libros con dibujos de antiguas construcciones que los arquitectos ingleses
y franceses copiaron con avidez. En segundo lugar, en 1755, el historiador
del arte alemán Johann Joachim Winckelmann publicó su ensayo
Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Werke in der Malerei
und Bildhauerkunst (Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en
la pintura y la escultura), ensalzando la escultura griega. Esta obra, que
ejerció gran influencia sobre los artistas, impresionó sobre todo a cuatro
pintores extranjeros residentes en Roma: el escocés Gavin Hamilton, el
alemán Anton Raphael Mengs, la suiza Angelika Kauffmann y el
estadounidense Benjamin West, que se inspiraron en ella para crear
cuadros basados en la literatura clásica.

NICOLAS POUSSIN
(1594-1665)
Pintor francés; fue el fundador y máximo representante de la
pintura clasicista francesa del siglo XVII. La lógica, el orden y
la claridad fueron virtudes esenciales en su trabajo y ha
influido de manera decisiva en el devenir del arte francés
hasta nuestros días. La creencia de Poussin de que el arte
debe atraer a la mente más que al ojo —debe presentar las
situaciones humanas más nobles y serias de manera
ordenada, desprovista de detalles triviales o referencias
sensibles— se convirtió en el dogma del estilo academicista
francés del siglo XVII. La influencia de Poussin alcanzó a
artistas como Jacques-Louis David, Jean August Dominique
Ingres y Paul Cézanne.

EL ENTIERRO DE FOCIÓN Y LOS
PASTORES DE ARCADIA
Nicolas Poussin recurrió a la ordenación
matemática del espacio y a la austeridad
cromática para lograr paisajes idealizados
y armónicos. El tema de El entierro de
Foción (1648, Louvre, París) es de
inspiración clásica: la saga del héroe griego
Foción, condenado a muerte en el 317 a.C.
por acusaciones falsas de traición.

ANGELIKA KAUFFMANN
(1741-1807)
Pintora suiza cuyo estilo delicado y sentimental se hizo muy
popular a finales del siglo XVIII. Aunque fue esencialmente
una pintora rococó, en su estilo se perciben algunos motivos
neoclasicistas, producto de sus viajes a Italia entre 1762 y
1763. Realizó más de 500 obras de temática mitológica o
histórica.
En Londres fue uno de los miembros fundadores de la Royal
Academy of Arts y realizó numerosos trabajos de decoración
de techos, paredes y muebles para el arquitecto y decorador
de interiores británico Robert Adam.

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE
INGRES
(1780-1867)
Las principales características del arte de Ingres, pureza del dibujo, sensibilidad para la
expresión del carácter y precisión en la línea de estilo neoclásico, demostraron ser
perfectas para el arte del retrato.
Se consagró su situación como pintor y portavoz académico oficial contra los románticos.
Ingres continuó pintando hasta una edad avanzada y a los 82 años hizo su famosa obra El
baño turco (1863, Louvre), culminación de sus espléndidos desnudos femeninos.
Como dato curioso: él, que tocaba el violín, se consideraba mejor violinista que pintor de desnudos.
Pero era malo como músico y ha pasado a la historia como el mejor retratista de desnudos. Por
eso surgió el dicho: “Ese es tu violín de Ingres” para señalar cuando alguien es malo para
determinada disciplina en la cual se cree bueno.
ODALISCA
(1814)
de Ingres es una obra neoclásica en la que se aprecia la influencia de la
antigüedad clásica y los rasgos característicos de su pintura: sensualidad,
contornos suaves y líneas sinuosas.

EL ROMANTICISMO
Sucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el
movimiento romántico introdujo el gusto por lo
medieval y lo misterioso, así como el amor por lo
pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se dio
rienda suelta a la imaginación individual y a la
expresión de la emoción y del estado de ánimo,
desbancando al enfoque intelectual razonado de
los neoclasicistas. En general, los pintores
románticos preferían las técnicas coloristas y
pictoricistas al estilo neoclásico, lineal y frío.

THÉODORE GÉRICAULT
(1791-1824)
Sus obras muestran una acción violenta, un diseño atrevido y un dramatismo cromático
de gran poder emotivo. Tales características se intensifican en su lienzo La balsa de
la Medusa (1818-1819, Museo del Louvre), de grandes dimensiones y expresión
sobrecogedora. En 1816 el barco Medusa, del gobierno francés, naufragó a causa
de una tempestad, y muy pocos de sus tripulantes lograron salvarse después de
muchos días a la deriva en una balsa improvisada. Géricault pintó el momento
culminante del episodio: cuando los náufragos avistaron el barco de salvamento. La
combinación inquietante de figuras idealizadas y la agonía que plasma con
extremado realismo, así como su gigantesco tamaño y la minuciosidad de los
detalles desataron una tormentosa controversia entre los artistas de tradición
neoclásica y los que tenían una opinión diferente sobre los temas que debía tocar la
pintura. Géricault rompió en este cuadro con todas las reglas del neoclasicismo,
excepto las de la composición.
LA BARCA DE LA MEDUSA 1818-1819

Los cuerpos de
los personajes
describen una
línea
ascendente que
nos produce la
ilusión de
movimiento

EUGÉNE DELACROIX
(1798-1863)
Su influencia se extendió hasta los impresionistas.
Su obra más romántica y tal vez la más influyente es La libertad guiando al
pueblo, también conocida como La barricada (1830, Louvre), una
glorificación semialegórica de la idea de libertad. Este cuadro, que le valió
la Legión de Honor, confirmó la clara división entre la pintura romántica,
que resaltaba la importancia del color y el espíritu, y el concurrente
neoclasicismo (de cuyo desarrollo Jean Auguste Dominique Ingres fue una
de las figuras prominentes), que hacía más hincapié en la importancia del
dibujo y en el distanciamiento respecto al tema. El gobierno francés
compró esta obra pero se expuso hasta 1848, por considerarla demasiado
incitadora.
LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO

MILLET
(1814-1875)
Jean Francois Millet, francés, precursor del realismo
pictórico, movimiento que, aunque no existió
formalmente, sí presentaba una obra característica y
diferente en algunos autores.
Aunque Millet no pretendió plasmar una protesta social a
través de su obra, los temas en los que centró su
trabajó provocaron de forma inevitable tal interpretación.
LAS ESPIGADORAS (1857)

JOHN CONSTABLE
(1776-1837)
Pintor inglés, maestro del paisaje de estilo romántico. Sus obras, extraídas
directamente de la naturaleza, influyeron en los pintores franceses de la
Escuela de Barbizon y en el movimiento impresionista.
Sus paisajes han recibido diferentes consideraciones: algunos críticos ven una
verdadera y sensible traducción del escenario familiar; otros perciben un
tono moralizante inspirado por los Discursos de Joshua Reynolds, que
eleva la vida natural y el escenario rural al tono pastoral de Claude; sin
embargo algunos ponen de relieve en las obras altamente estructuradas
de Constable el reflejo de tiempo idílico perdido, durante un periodo en que
la Revolución Industrial estaba cambiando irremisiblemente el aspecto del
campo.
LA CATEDRAL DE SALISBURY
Donde la aguja de la catedral marca una fuerte verticalidad mientras las
figuras y el estanque del primer plano acentúan la horizontalidad.

TURNER
(1775-1851)
William Turner, paisajista inglés reconocido sobre todo por su dinámico
tratamiento de los efectos de la luz natural en los temas de paisaje y
marinas. Su obra es determinante para el desarrollo del impresionismo.
LA RAMA DORADA (THE GOLDEN BOUGH, PORTADA DEL LIBRO DE
FRAZER QUE TOMA SU TÍTULO DE LA PINTURA DE TURNER)
VARIACIONES DE OTROS AUTORES SOBRE LA RAMA DORADA DE
TURNER:
DIDO´S FLEET AT CARTAGO
LA RAMA DORADA
LOS EDIFICIOS DE CARTAGO
EL LAGO DE NEMI DE ROBERT WALLIS

GOYA
(1746-1828)
Don Francisco de Goya y Lucientes, español, personaje
atípico en la pintura pues mientras se daban los
movimientos del rococó y romanticismo, del clacisismo
y sus derivados, él no perteneció exactamente a una
escuela en particular.
Con justa razón se considera el último de los clásicos y el
primero de los modernos.

LA MAJA DESNUDA
1800-1803
Pintada al mismo tiempo que la versión de la
Maja Vestida, fue la pintura no oficial que el
público no podía ver, ya que representa a
su amante, la Duquesa de Alba, quien
estaba casada.

EL 3 DE MAYO DE 1808
O
LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO
En el célebre lienzo de El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la
montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid) Francisco de Goya
representa, con dramático realismo y extraordinaria fuerza expresiva, a los
españoles fusilados por los soldados de Napoleón durante la guerra de la
Independencia.
Deben destacarse varios puntos importantes:
-El punto focal es un hombre, de rostro horrorizado, que parece absorber una extraña
luminosidad sobrenatural, con los brazos en X, como condenado a la crucifixión.
-A la izquierda de la figura principal aparece un sacerdote católico, también condenado
al fusilamiento.
-El muerto yace sobre un charco de sangre de color realista.
-Los miembros del pelotón de fusilamiento son, a diferencia de los otros personajes,
una masa sin rostro, casi robóticos.
-Al fondo, los fantasmales edificios de la montaña.
Goya anuncia así, el horror y la frialdad de cualquier guerra presente y venidera.

AQUELARRE, EL MACHO
CABRÍO
c. 1820
En esta reunión festiva y secreta de los
adoradores de Satán, el diablo aparece
disfrazado de macho cabrío. Las brujas y
brujos le informan de los males causados
desde la última reunión, en un ambiente
tétrico y escalofriante.

SATURNO DEVORANDO A SUS
HIJOS
c.1821-1823
Pintada en el muro de su Quinta, es una obra de la
serie de “pinturas negras” por la temática.
Representa a Saturno (Cronos), el Padre Tiempo
greco latino, quien, para no ser destronado,
devoraba a sus hijos en cuanto nacían.

NATURALISMO Y
COSTUMBRISMO MEXICANO
La lucha por la emancipación se extendió a la mayoría de los
países de América Latina a lo largo de la segunda mitad del
siglo XVIII y las primeras décadas del XIX.
En México, en 1846 se contrató a Pelegrín Clavé para dirigir la
reapertura de la Academia de San Carlos, organismo desde
el que fomentó la temática histórica y el paisajismo con una
visión europeísta. La reacción en contra del academicismo
corrió a cargo de Juan Cordero, con una interesante
producción que introdujo los rasgos mexicanos en la pintura
clásica. Los seguidores más destacados del paisajismo
fueron Luis Coto y José María de Velasco, a quien se
considera el pintor más importante del siglo XIX.

JOSÉ MARÍA DE VELASCO
(1840-1912)
Sus paisajes retratan los ambientes naturales de su país, en particular
del valle de México, que pintó desde puntos muy diversos.
Naturalista convencido, se alejó de las corrientes impresionistas de
la época. Su naturalismo no responde a la observación directa de
la naturaleza, sino que sus cuadros tienen una plástica e
imaginación muy personales que le dieron reconocida fama. Viajó
por el interior de su país y expuso en Filadelfia, París y Chicago.
UN PEQUEÑO VOLCÁN
(1887)
Se conserva en la Narodni Galerie de Praga.

LOS IMPRESIONISTAS
Apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento
impresionista se considera el punto de partida del arte
contemporáneo. Por extensión, el término también se aplicó a un
determinado estilo musical de principios del siglo XX.
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas
clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas
por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los
modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón
parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al
aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue
conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y
para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural
sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron:
Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro,
Auguste Renoir y Alfred Sisley.

ÉDOUARD MANET
(1832-1883)
Pintor francés, cuyo trabajo inspiró el estilo impresionista, pero que rehusó identificar su
trabajo con este movimiento. El largo alcance de su influencia en la pintura francesa
y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida
cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de
pincelada vívida.
DESAYUNO EN LA HIERBA
1863
Representaba una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres
completamente vestidos atrajo inmediatamente la atención general, pero fue
atacado con dureza por los críticos.
Es una pintura intencional, que promueve al pudor. Manet dijo que no era una figura
alegórica ni una diosa la mujer desnuda, ni que era de mal gusto, sino que su tema
era la luz: esta idea es la que dió origen al impresionismo.

CLAUDE MONET
(1840-1926)
En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus
propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó
burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una
primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión: sol naciente (1872,
Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante
libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la
espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la
naturaleza.
IMPRESIÓN: SOL NACIENTE
1872
Como dato curioso, ésta es una obra robada, de la cual se desconoce su paradero.
CAMPO DE AMAPOLAS
GRENOUILLERE
MADAME MONET

PIERRE AUGUST RENOIR
(1841-1919)
Famoso por sus pinturas resplandecientes e íntimas, en
particular las que representan desnudos femeninos.
Considerado como uno de los más grandes artistas
independientes de su época, es famoso por la armonía de
sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus
muy variados temas pictóricos. A diferencia de otros
impresionistas, le interesó más la representación de la figura
humana individual o en retratos de grupo que los paisajes;
además, tampoco subordinó la composición y plasticidad de
la forma a los intentos de interpretación de los efectos
lumínicos.

EL BAILE DEL MOULIN DE LA GALETTE
O
EL DESAYUNO DE LOS CANOTEROS
1881
Se trata de un cuadro muy hermoso y en apariencia muy plácido. Pero
es muy engañoso. La escena representa un convivio de varias
personas de la vida real retratadas con realismo, amigos de
Renoir, escritores, pintores y chicas pobres que bailaban en el
Moulin de la Galette, el antecedente de los Table Dance actuales.
Se trata de prostitutas y personajes a los cuales Renoir sacó de su
contexto y trasladó a un ambiente de paz y concordia, lejos del
ruido, la prostitución y la explotación, muy al contrario de un
Toulousse Lautrec, por ejemplo.

PERSONAJES:
La joven con el perrito, sentada frente a Caillebotte, es la
futura Mme. Renoir. Detrás de ella, el barón Barbier
contempla a la bella Alphonsine Fournaise, recargada
en la balaustrada.
Lothe, Ephrussi, Lestringuez y la modelo Angéle
completan este grupo.

Mme.
Renoir
Barón
Barbier
Caillebotte
Alphonsine
Angele

LAS GRANDES
BAÑISTAS
(Frag.)
1887

MARIE CASSATT
(1844-1926)
Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia, donde se adscribió al grupo de
los impresionistas.
Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas, que la invitó a exponer con
sus amigos impresionistas.
A partir de 1882 el estilo de Cassatt dio un giro. Al igual que en Degas, las xilografías
japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, empezó a destacar los trazos y
a experimentar con composiciones asimétricas, como en Paseo en barca (1893,
National Gallery, Washington) y con gestos y posturas más naturales e informales.
La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su
tema característico. No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros de
su propia familia.
NIÑA SOBRE SOFÁ AZUL
LA LÁMPARA
PASEO EN BARCA

EDGAR DEGAS
(1834-1917)
A Degas se le suele asociar con los impresionistas y, de hecho, expuso con ellos en siete de las ocho
exposiciones que realizaron. Sin embargo, su formación clásica en el dibujo y su rechazo por la pintura
directa al aire libre dio lugar a un estilo que representó una alternativa relacionada con el impresionismo.
A diferencia de los impresionistas, prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que
tanto fascinó a aquéllos. A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra
representa teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran
observador del ser humano —sobre todo de las mujeres, en las que se centra gran parte de su obra— y
tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una
objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos
como las que podían registrarse en las fotografías.
Su estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y
composiciones asimétricas.
ENSAYO EN EL ESCENARIO
LA BAILARINA ESTRELLA SOBRE EL ESCENARIO
LOS JÓVENES ESPARTANOS EJERCITÁNDOSE
DIBUJOS: BAILARINA ARREGLÁNDOSE LA ZAPATILLA; ESTUDIO SOBRE FONDO AZUL

POST IMPRESIONISTAS
Se dió una ramificación del impresionismo desarrollada por Georges Seurat y conocida
como divisionismo o puntillismo. Seurat y sus seguidores transformaron la pincelada
suelta, típica del impresionismo, en puntitos de pigmento puro, yuxtaponiendo sobre
el lienzo zonas diminutas de colores complementarios. Las teorías de Seurat
procedían de sus lecturas de los textos estéticos y científicos del siglo XIX sobre el
color. Esta técnica se aprecia perfectamente en una de sus obras más
espectaculares, Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de
Arte de Chicago).
Las obras tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX, Vincent van
Gogh, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del
impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos postimpresionistas claramente
definidos. Tanto Van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la
división del color. Sin embargo, en el estilo desarrollado por Van Gogh era típico el
empleo del color puro, aplicado muy denso en pinceladas vacilantes que dotaban a
la obra de intensa expresión emocional. Muchos de sus lienzos, en especial los de
cipreses azotados por el viento y los de campos de trigo bajo cielos tormentosos,
expresan su propio estado de ánimo, tal como lo reflejan las fuerzas de la
naturaleza. El estilo de Van Gogh ejerció gran influencia sobre los pintores del norte
de Europa que, a principios del siglo XX, desarrollaron el expresionismo.

PUNTILLISMO
Método pictórico que consiste en la aplicación de pequeños puntos o
pinceladas yuxtapuestas de color puro. Al contemplar los cuadros
desde cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden en un
solo campo de color y reproducen con brillantez los efectos
lumínicos.
La técnica, basada en las teorías del color del impresionismo, fue
desarrollada científicamente por el pintor francés Georges Seurat,
fundador del neoimpresionismo a finales del siglo XIX. El cuadro de
Seurat Un domingo de verano en la Grande Jatte (expuesto en la
Exposición de los impresionistas de París en 1886) es uno de los
ejemplos más destacados de puntillismo. Después de conocer a
Seurat en 1884, el pintor neoimpresionista francés Paul Signac se
convirtió en un apasionado defensor de esta técnica.

GEORGE SEURAT
(1859-1891)
Pintor francés, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo:
Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó
la técnica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos
pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. El revolucionario sistema de Seurat encontró
muchos seguidores e imitadores. Muchas de sus teorías referidas a la pintura derivan del estudio de los
tratados contemporáneos de óptica. Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de
trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica.
Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de Chicago),
representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de
dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de las figuras.
En “modelos” pinta a una serie de modelos que se visten ante su propia pintura “Un Domingo de Verano en
la Grande Jatte”
UN DOMINGO DE VERANO EN LA GRANDE JATTE
MODELOS
UN BAÑO EN ASNIÉRES
PORT EN BESSIN PUNT

MODELOS
Un Domingo
de Verano
en la
Grande
Jatte

TOULOUSSE LAUTREC
(1864-1901)
Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense
de finales del siglo XIX.
Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el
Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre
los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y la
cantante francesa Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los
recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó
con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad.
Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para
refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de
1901 falleció.
El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con
sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores
planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos
artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles.
JANE AVRIL ENTRANDO EN EL MOULIN ROUGE
LA GOULUE ENTRANDO EN EL MOULIN ROUGE
Ambas de 1892

PAUL GAUGUIN
(1848-1903)
Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática
contribuyeron a dar forma al arte moderno.
En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se
hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886.
Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista,
al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los
grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos
meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó
matarle, abandonó la ciudad.
En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una
sociedad "gobernada por el oro", y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita
a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después
en las islas Marquesas.
Su obra maestra es la inmensa alegoría, considerada su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué
somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente
antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le
mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas
Marquesas). Su obra postimpresionista fue punto de partida del fauvismo y el expresionismo.
¿DE DÓNDE VENIMOS, QUÉ SOMOS, DÓNDE VAMOS? 1897
¿CUÁNDO TE CASAS?
EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS OBSERVA 1892

VINCENT VAN GOGH
(1853-1890)
Pintor postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el
movimiento expresionista.
Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la
miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.
Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró
contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arlés. Menos de
dos meses después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh,
fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se
cortó parte de la oreja. Estuvo internado durante un tiempo en un hospital de Arlés y un año en el manicomio de Saint-
Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió.
Más tarde pasó tres meses en Auvers bajo la atención de un médico cordial y comprensivo, cuyo retrato pintó (El doctor
Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, París). Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal
(1890, Museo Vincent van Gogh), se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y murió dos días más tarde.
AUTORRETRATO
CAMPO DE TRIGO Y CIPRESES 1889
CAFÉ NOCTURNO
LOS GIRASOLES
NOCHE ESTRELLADA EN EL RÍO
NOCHE ESTRELLADA

FAUVISMO
Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente)
que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los fauvistas
rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor
de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y
Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa
fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado,
desprovisto de dramatismo lumínico.
El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica
con motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque los
miembros del grupo ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. Sus
integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges
Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri
Matisse, su principal exponente.
El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe
de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

GEORGES BRAQUE
(1882-1963)
Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de
las figuras más importantes.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los
fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre.
Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste
por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque
a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista.
Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un
enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en
complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo
analítico.
En GUITARRA Y COPA (1921, óleo s/lienzo, 43 × 73 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges
Pompidou, París) se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas
planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.

EXPRESIONISMO
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos
y las emociones del autor, más que la representación de la
realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en
los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como
reacción frente a los modelos que habían prevalecido en
Europa desde el renacimiento, particularmente en las
anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista
expresionista trató de representar la experiencia emocional
en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad
externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que
despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se
exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la
comunicación artística.

EDVARD MUNCH
(1863-1944)
Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus
obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo.
Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más
personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y
la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las
autoridades que decidieron cerrar la muestra.
De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el
angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en
su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y
melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo
de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas
alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.
EL GRITO
(1893)
es la más dramática de las obras de Edvard Munch y una de las más famosas del expresionismo. En ella el
artista expresa la angustia espiritual y el tormento emocional experimentados en determinadas etapas
de su vida.
El cielo atormentado amenaza, como ante un futuro incierto y la extraña criatura que aúlla, más que grita,
aterroriza ante su carga emotiva.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Consiste en la afirmación espontánea del
individuo a través de la acción de pintar.
Es un arte no figurativo y no se ajusta a los
límites de la representación convencional.

PAUL KLEE
(1879-1940)
Siguiendo un estilo artístico específico, creo
una serie de obras famosas por parecer
imágenes de ensueño fantástico, ingenio e
imaginación.
SIMBAD EL MARINO

CUBISMO
Pretendía alejarse de la reprsentración naturalista
de los objetos y plasmarlos desde distintos
ángulos. Fueron George Braque en su etapa
posterior al Fauvismo y Picasso sus principales
representantes.
Seguían la sentencia de Paul Cézanne: “Todas las
formas de la naturaleza parten de la esfera, el
cono y el cilindro”
Fue el movimiento mas influyente del Siglo XX.

PAUL CÉZANNE
(1839-1906)
Pintor francés, considerado el padre del arte moderno. Intentó conseguir una síntesis ideal de la
representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto.
Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más profunda en
el arte del siglo XX (Henri Matisse admiraba su utilización del color y Pablo Picasso, desarrolló la
estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista). Sin embargo, mientras
vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los
críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Estaba distanciado incluso
de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de
su arte.
Mientras los impresionistas se dedicaban a plasmar los efectos transitorios, como los cambios de la luz,
Cézanne se preocupaba por los aspectos eternos de la naturaleza, extrayendo sus principios
estructurales, como en sus numerosos lienzos del monte Sainte-Victoire. Estos estudios, pintados
durante los últimos años de su vida, son el resultado del empeño de Cézanne por conseguir plasmar el
color y el volumen de una montaña vista desde lejos. El interés de Cézanne por las formas geométricas
tuvo gran influencia en el desarrollo del cubismo.
MELOCOTONES Y PERAS 1888
De perspectiva plana, sería prescursora del cubismo del S. XX

PABLO PICASSO
(1881-1973)
Considerado el “creador y destructor” del arte moderno. Verdadero genio de la
pintura, escultura y el arte gráfico.
Es el artista más importante del Siglo XX.
GUERNICA 1937
El 26 de abril de 1937 la Legión Cóndor alemana bombardeó la población
vasca de Guernica, siendo el primer bombardeo sobre una población civil
en la historia.
Los colores que eligió Picasso realzan el cracter dramático de la obra: la
violencia de la masacre y el caballo atravesado por una lanza del centro de
la composición, simboliza las víctimas inocentes.

CUBISMO SINTÉTICO
Forma de cubismo que experimentó con el
“papier collé” o “collage” que se valía de
formas geométricas de papel pegadas al
lienzo.
Su exponente fue el español Juan Gris.

JUAN GRIS
(1887-1927)
Experimentó con el collage para formar figuras
geométricas. Escenógrafo, ilustrador ed libros,
amigo y admirador de Picasso.
EL DESAYUNO

FUTURISMO
Movimiento que exaltaba la vida moderna
vaiéndose de sus temas preferidos: las
máquinas y el movimiento en las obras.
Tuvo una corta existencia, aproximadamente
de 1909 a 1914, pero influyó en el
Movimiento Dadá o “Dadaísmo” precursor,
a la vez, del Surrealismo.

GINO SEVERINI
(1883-1966)
Uno de los fundadores del Futurismo, el
italiano Severini es uno de los firmantes del
Manifiesto Futurista.
Sus pinturas muestran la técnica de
fragmentar el cubismo para mostrar el
movimiento a través de formas quebradas.

DADAÍSMO
Para expresar rechazo ante los valores
establecidos en el arte, un grupo de artistas e
intelectuales escoge el término “dadá”, sin
significado alguno.
Su fundador fue Tristán Tzara en 1916.
Marcel Duchamp es el más conocido y expresó su
desaprobación por el “arte agradable y atractivo”,
por esto pintó a la Mona Lisa y le puso bigotes.

MARCEL DUCHAMP
(1887-1968)
Pasó del fauvismo a la experimentación en
“Desnudo bajando una Escalera” de 1912,
en la que expresó el movimiento a través
de una serie de figuras cubistas
superpuestas.
DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA
1912, Síntesis de cubismo y fauvismo,

PRERAFAELISTAS
Grupo de artistas ingleses del S. XIX que se
revelaron contra la burguesía y se
inspiraron en la “escuela nazarena” de
1810, quienes pretendían restaurar la
pureza medieval en el arte cristiano a
través de los pintores anteriores a Rafael.

DANTE GABRIEL ROSSETTI
(1828-1882)
Figura principal de los pre rafaelistas, que renovaron la pintura inglesa
tomando elementos de la pintura medieval así como de su
literatura, como tal también fue poeta.
Enamorado eternamente de su esposa: Elizabeth Siddal de 28 años.
Ella se suicidó con láudano por padecer enfermedades dolorosas.
Rossetti la pintó una y otra vez hasta que murió poco después.
GHIRLANDATA Y MONNA VANA
THE BOWER MEADOW Y PROSERPINA
ROMAN DE LA ROSE (Basado en el poema del mismo nombre, en la
pintura, las rosas simbolizan el amor cortesano)

UN POEMA DE DANTE GABRIEL ROSSETTI
EL RETRATO
(Fragmento)
He aquí su retrato: así era ella,
da asombro verla, como si mi imágen quedase
en el espejo, habiendo yo salido de la estancia.
Contemplo su figura, hasta que me parece
verla alentar y casi mis ojos aseguran que se abren
sus labios todavía, y van a susurrar sus palabras, tan dulces:
mas sobre ella yace la tierra.
Al pintarla, su rostro, como en un templo, puse
entre místicos árboles, donde la luz apenas se desliza: en un sitio retirado, donde encontrar creyeras, el murmullo de voces
apagadas,
y una viva llama errante, y figuras cuyo nombre ellas mismas ignoran, y rocío
de otros tiempos y el eco de tus propias pisadas, y las cosas
que llegan y se van calladamente.
Allí, junto a su rostro, se queda mi recuerdo
entre tanto, y espera el declinar del día,
hasta que entonces mire con unos ojos nuevos,
con los ojos que das, Palestina del alma, más tiernos que el mirar de otros tiempos;
y , en tanto, esperanzas y anhelos, ya con ella perdidos,
muy cerca de su imagen están,
como las tumbas de peregrinos muertos
junto al Santo Sepulcro.

J.W.WATERHOUSE
UNA SIRENA
BÓREAS
HYLAS Y LAS NINFAS

DEl PRERRAFAELISMO AL ART
NOUVEAU
De fines del S. XIX y primera década del Siglo XX,
el “arte nuevo” usaba líneas curvas y sinuosas,
similares a marcas de latigazos.
Sus antecedentes son los prerafaelistas y el pintor y
poeta visionario inglés William Blake (1757-1827)
quien usó sus dibujos para su obra “Matrimonio
del Cielo con el Infierno”

WILLIAM BLAKE
(1757-1827)
Su poesía, acompañada de imágenes místicas, se encuentra entre als más originales de lengua
inglesa.
Defendía en su arte las visiones interiores, por lo cual se considera que no perteneció a mimguna
escuela o movimiento en especial, sin embargo rompe con cualquier método, la forma en que
realizó sus grabados es un enigma, pero parecen haber sido creados sobre algún material
insensible al ácido y luego aplicaciones de color sobre tela o papel.
“Sin contrarios no hay progreso” expresó, acerca de su obra “Matrimonio del Cielo con el Infierno”
EL BLASFEMO
EL DRAGÓN
EL ANCIANO DE LOS DÍAS

GUSTAV KLIMT
(1862-1918)
Obsesionado por las mujeres; las necesitaba tanto como al
oxígeno. Su amante fue Valerie Neauzil, él la llamaba
Wally. Tenía 16 años. Por un tiempo ella lo fué todo para
él, luego se aburrió de ella y la abandonó. Se dice que
sólo vivió 5 años más y murió de pena, po él.
La secesión vienesa se denominó el movimiento del Art
Nouveau al cual perteneció, cuyo interés radicaba en
expresar las angustias e intereses del hombre de su
época.

ALPHONSE MUCHA
(1860-1939)
El checo Mucha, pintor y cartelista, introduce los
arabescos, las líneas sinuosas, flores de tallos
finos y retorcidos, mujeres de largas y sueltas
cabelleras y profusión de sedosos pliegues. Son
famosos los carteles que hizo para la actriz
inglesa Sarah Bernhardt.
PAPEL DE FUMAR JOB

MAX ERNST:
HACIA EL SURREALISMO
(1891-1976)
Figura entre dos corrientes, Max Ernst constituye un nexo entre el
Dadaísmo y el Surrealismo. Usó diversas técnicas, estilos y
materiales.
Buscó expresar en dos o tres dimensiones el mundo extradimensional
de los sueños y la imaginación. Incorporaba el absurdo en sus
obras atribuyendo a las máquinas cualidades humanas.
L´ELÉPHANT CÉLEBES 1921

RENÉ MAGRITTE
(1898-1967)
Expositor del “Realismo Mágico” muy cercano al Surrealismo, basado
en la yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco
corrientes.
La manzana, la pared, el personaje anónimo con bombín son temas
recurrentes, como sueños en su obra.
CHATEAU DES PYRENEES
CHEF D´OEUVRE OU LES MYSTERES
GOLCONDE 2
LES AMANTS
THE SON OF MAN
THE RECONTRE

PINTURA METAFÍSICA:
GIORGIO DE CHIRICO
(1888-1978)
Funda el Movimiento de la Pintura Metafísica y
sus obras incorporan elementos urbanos como
calles y plazas solitarias en una atmósfera
extrañamante amenazadora, onírica, que luego
incorporarían surrealistas como Dalí.
ENDLESS VOYAGE
LE GRANDE TORRE 1913

SURREALISMO
Fundado por André Bretón, este movimiento
artístico y literario, incluso cinematográfico con
Luis Buñuel, nació del manifiesto Surrealista
publicado en París en 1924.
El inconsciente en la actividad creadora, surgido del
dadaísmo, pero más ordenado y serio, fue su
premisa.
Dalí, el mejor surrealista, fue expulsado del grupo
por Bretón al considerarlo un artista en busca de
dólares.

JOAN MIRÓ
(1893-1983)
Catalán, como Dalí, sus obras recogen elementos extraños
extraídos de los sueños, de la memoria y el subconsciente,
trasladando la poesía surrealista a imágenes ameboides,
puntillistas, coloridas en la línea fauvista para crear una obra
original.
A su surrealismo se le denomina “abstracción biomórfica”
EL NACIMIENTO DEL MUNDO 1925,
focaliza sobre dos puntos de color la atención del espectador.

SALVADOR DALÍ
(1904-1989)
El catalán Salvador Jacinto Felipe Dalí y Domenech, personifica el surrealismo
en la pintura, el cine, junto a Luis Buñuel, en la escultura, la joyería, el
diseño de ropa, la creación de perfumes y en sus libros.
Siempre excéntrico, siempre atrevido y escandalizador, decía “que se hable
de Dalí, aunque se hable bien”
Inspirado en las teorías de Freud (“método paranoico-crítico”) representó
imágenes insospechadas extraídas del subconsciente y los sueños.
Inventó la doble exposición en sus cuadros, donde una figura mayor incorpora
otras menores que la forman a la vez.
Dibujante meticuloso, amigo de poetas como Federico García Lorca y Paul
Elouard a quien le arrebató a la esposa, Gala, once años mayor que él y
quien sería su musa, murió dos veces, la primera cuando Gala murió y la
segunda cuando nació como el tercero de los grandes del Siglo XX cuando
nos dejó en 1989.

LA ÚLTIMA CENA
EL CRISTO DE PORT LLIGAT Y CORPUS
HIPERCUBUS
LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA
CATACLISMO MUSICAL
JIRAFAS Y TELEFONOS QUEMÁNDOSE
BALLERINE ET TETE DE MORT

MUSEO DALÍ:
“Un Objeto Surrealista
Gigantesco”

DOROTHEA TANNING: PEQUEÑA
SERENATA NOCTURNA
IVES TANGUY: INDEFINITY DIVISIBILITY
1942:
Las formas orgánicas-ameboideas de este
pintor son patentes en esta obra.

ESCHER
Maurice Cornelius Escher o M. C. Escher
(1898-1972)
dibujante holandés, su obra se basa en sus “visiones internas”
Sobre su obra dijo: “...he terminado en el campo de las matemáticas”, ha intrigado,
ciertamente, a matemáticos y psicólogos y los jóvenes de las décadas de los 1960 y
1970 que experimentaban con drogas como el LSD, se acercaron a sus grabados a
través de sus alucinaciones. Su obra roza el surrealismo, pero es original en cuanto
al lenguaje matemático de un mundo obsesionado por la simetría.
DÍA Y NOCHE
ENCUENTRO
CABEZAS
HABITACIÓN REFLEJADA
PATITOS
REFLEJOS
GALERÍA
EL SEGUNDO DÍA DE LA CREACIÓN

POP ART
Popular Art es el nombre del movimiento que le da importancia a
expresiones típicas del Siglo XX y la cultura de consumo
estadunidense, tales como los cómics y la comida chatarra, la coca
cola, la sopa campbells, la actriz Marilyn Monroe. Sus grandes
representantes, Lichtenstein (1923-1997) y Andy Warhol (c.1928-
1987), no carecen de humor al tratar sus obras.
La frase “todos merecen sus 5 minutos de fama” fue acuñada por
Andy Warhol, pintor, diseñador, director de cine, amigo de
cantantes y músicos pop y de rock, que demostraba así la
velocidad y el vacío del Siglo XX.
WHAAM! 1963 de Lichtenstein

OP ART
Surgida a partir de 1950, se basa en la óptica para producir
efectos de vibración o relieve.
Del inglés “Optical Art”, hace referencia en tono irónico al “Pop
Art”
Víctor Vasarely (1908-1997), interesado por el arte cinético (del
cual forma parte el futurismo) e interesado en el movimiento
es su gran representante.
VONAL-STRI 1975
La mirada se precipita hacia el cuadro negro del centro
mientras a la izquierda, la sensación de curvatura incrementa
el movimiento.

MINIMALISMO
Después de las rupturas con el expresionismo, las
tendencias abstractas que condujeron al op art se
decantan hacia el ahorro de las formas.
El desarrollador del minimalismo, FRANK STELLA
(1936), se inclinó después hacia un
expresionismo abstracto. De esta manera los
artistas siguen en la búsqueda incesante de
tendencias que les ayuden a entender los días
veloces que vivimos.
ROZDOL II

ARTE NAÏF
Término que se aplica a la corriente artística desarrollada por
personas sin formación artística de escuela, sus obras son
ingenuas, cercanas a lo infantil y cursi.
HENRY ROUSSEAU (1844-1910) llamado “El Aduanero” es su
representante más notable.
Se puede decir que la obra del colombiano FERNANDo
BOTERO (1936) se inscribe dentro de este movimiento.
EL ENCANTADOR DE SERPIENTES (1907) de Rousseau.
FERNANDO BOTERO posando

GRABADO JAPONÉS
Cuando en Europa se descubrió la técnica y la obra de los dibujantes
y grabadistas japoneses causó una profunda impresión en distintas
corrientes, desde los impresionistas y post impresionistas, pasando
por los cartelistas como Toulousse Lautrec y Alphonse Mucha,
hasta los movimientos modernos. Marie Cassat denota gran
influencia de ste tipo de grabado al pintar interiores intimistas con
personajes que recuerdan, a la vez, personajes de obras
japonesas.
Una obra se destaca, LA GRAN OLA, de Hokusai, en cuya
representación se pueden observar distintos planos superpuestos
y una perspectiva profunda que anuncia la tercera dimensión
explorada hoy en día en el arte sintético, creado por computadoras.
Monet expresó sobre esta influencia occidental en Europa (tendencia
que denominaron “japonisme”): “Son los perfectos impresionistas”

HOKUSAI
(1760-1849)
A mediados del siglo XIX sus grabados, como los de otros artistas japoneses, empezaron a
importarse a París, Francia, donde se coleccionaban con gran entusiasmo, en especial por
parte de impresionistas de la talla de Claude Monet, Edgar Degas y Henri de Toulouse-Lautrec,
cuya obra denota una profunda influencia de dichos grabados.
El músico impresionista Debussy, se inspiró en el grabado LA GRAN OLA para componer su
sinfonía “La Mer”
En realidad Hokusai se inspiró en la perspectiva y los temas costumbristas de pinturas y dibujos
holandeses para terminar creando una obra verdaderamente japonesa.
Grabador pobre. Hokusai vendía sus obras a un publicista que a la vez las imprimía por 20 Mons, lo
que hoy costarían dos vasos de sopa Maruchan. Estas colecciones de grabados eróticos (que
hoy tienen continuación en el dibujo o cómic (manga) pornográfico japones llamado “hentai”,
que significa “perversión”) reciben el nombre de “Libros de Cabecera” o “Libros de Alcoba” y se
vendían para japoneses y turistas europeos.
Gran autor de grabados sobre temas eróticos y pornográficos del llamado “Mundo Flotante” el
mundo de los que viven el momento, como el “Carpe Diem” del filósofo latino Horacio, en sus
obras sobre temas naturalistas y bucólicos, trata de escapar de estas tendencias, atendiendo a
la filosofía budista que profesaba; era, sin embargo, a pesar de su valor actual, un artesano
más para sus contemporáneos.
Budista, adorador del Monte Fuji, no es extraño que su obra esté obsesionada por este volcán,
simbolizando en La Gran Ola, el flujo de la vida.
Hokusai pintó la ola a los 75 años. A los 90, decía, apenas empezaré a ser un buen pintor y a los
110, seré el mejor.

LA GRAN OLA
La obra de Hokusai comprende algunos de los mejores grabados paisajísticos japoneses. Entre los
miles de grabados que realizó durante su prolífica carrera se encuentra la famosa serie Treinta
y seis vistas del monte Fuji (c. 1826-1833). En La ola vemos el monte Fuji al fondo y en primer
plano unas embarcaciones a punto de ser destrozadas por la enorme ola.
Para los occidentales, representa amenaza, una ola como conjunto de garras que se inclina, en el
momento congelado en el tiempo más dramático, antes de caer, sobre dos barcas de remeros
indefensos. Para los japoneses, sin embargo, representa el esfuerzo en conjunto de esos
pescadores, la unión de sus voluntades, su perseverancia.
No representa un Tsunami, sino una “Ola Piramidal” que hasta fines del S. XX pudo cmprobarse en
condiciones de laboratorio que existe, lo que indica que Hokusai era un atento observador de la
naturaleza.
El nombre en japonés de la obra (grabado en la parte izquierda) es “Kanagawa Uki Nami Ura” : Olas
de Mar fuera de Kanagawa.
En cada bote van 8 personas, a diferencia de los 4 que normalmente viajarían en estos, al parecer
se trata de pescadores de atún “bonito”, lo que explicaría que fueran más de los debidos en
busca de una pesca comercialmente bien pagada.
La obra debe leerse de izquierda a derecha, como en Japón, lo que indica que los pescadores van a
casa (hacia la izquierda) y a encontrarse con el drama de la ola amenazante.
Desde el punto de vista de la Teoría del Caos y el Efecto Mariposa, sería el antecedente de las
Figuras Fractales creadas por computadora: La Gran Ola lleva en sí a otras olas más
pequeñas. Rrecientemente, en Internet, un artista anunció que la ola debajo de la grande,
representa una visión del Monte Fuji visto desde un lugar en específico, Por qué pintó Hokusai
al volcán dos veces es un enigma.

Primer
plano
Segundo
plano
Tercer
plano

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