La iglesia de la Santa Trinità dei Monti en Roma es un ejemplo del estilo manierista. Iniciada en 1568 y consagrada en 1584, fue financiada por Alejandro Farnesio y diseñada por Vignola. Tiene una planta de cruz griega con cúpula central y brazos iguales. Representa la transición del Renacimiento al Manierismo a través de su fachada curva y elementos clásicos como las columnas.

1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITÉCNICO
“SANTIAGO MARIÑO”
EXTENSIÓN BARINAS
Luis Miguel Carvajal
C.I. 18.735.395
TUTOR: Estela Aguilar
MATERIA: Historia de la Arquitectura II
ESCUELA: Arquitectura
BARQUISIMETO, DE NOVIEMBRE DE 2014

2. La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará
un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras.

3. El gran lienzo del retablo de la Capilla Capponi, diseñado
por Filippo Brunelleschi en la Iglesia de Santa Felicita es
considerada por muchos la obra maestra (1528) de entre
las que han sobrevivido hasta nuestros días, la decoración
de la bóveda de la capilla ahora perdida, sobreviven cuatro
tondos con los Evangelistas, trabajados conjuntamente por
Pontormo y por su discípulo e hijo adoptivo Agnolo
Bronzino. En el altar está situada la obra maestra de
Pontormo El descendimiento.
Las figuras, con sus formas bruscamente modeladas y
brillantes, los colores duros se unen en un espacio austero
y aplanado.
Los dolientes y apenados que están bajando a Cristo
aparecen como angustiados. Este óvalo triste y tumultuoso
de figuras le llevó tres años antes de que Pontormo lo
terminara.
Sus retratos, demuestran semejanzas en proporciones
del manierismo.
La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura
tremendamente escorzada que tiene su continuidad en los
jóvenes que portan el pesado cuerpo. En un segundo
plano se sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose en un
esquema piramidal que se cierra con la mujer de la línea
central. Las monumentales figuras se alargan de la misma
manera que hará posteriormente Parmigianino y El Greco.
Sus rostros llaman nuestra atención, desarrollando al
máximo la expresividad de los gestos, creando una escena
cargada de teatralidad. El empleo de una luz fría
transforma los colores que se convierten en irreales.

4. La Virgen del cuello largo es sin duda la más famosa obra
de Parmigianino. El artista ha trabajado en el último
período de su actividad. La obra fue encargada por Elena
Baiardi para su capilla en la iglesia de Santa Maria dei
Servi, en 1534, que se entregarán el próximo año. De
hecho, el pintor nunca ha entregado, y cuando murió en
1540, quedó sin terminar.
Las cifras son casi todos fuera de proporción con lo real, y
parecen seguir una lógica diferente de la percepción, ya
que el marco debe verse desde ángulos particulares. La
imagen tiene una composición muy singular y
aparentemente irracional.
Por un lado están llenas de figuras de ángeles y estrechas
en un espacio cerrado, mientras que en el otro lado del
espacio se abre al exterior para ver a un espacio abierto
en la distancia donde hay algunos ejes de columnas sin
capiteles, y en el fondo, muy pequeña, la figura de San
Jerónimo con un pergamino en la mano.
Sin entrar en el fondo de la significación iconográfica
controvertido, el trabajo, aunque no completa, tiene su
encanto innegable. Afecta principalmente a la disminución
general de la atmósfera de la escena, que está dominada
por la inmovilidad y el silencio. Cada detalle es estudiado
en detalle, sobre todo en los tonos dorados del cabello y
los pliegues de las prendas. Las caras son todas muy
suave y muy dulce, especialmente la del ángel
inmediatamente a la izquierda de la Virgen, con aspecto
vagamente perdida en el vacío.

5. Correggio nos muestra a la joven y bella princesa
desnuda, sobre un paño blanco que contrasta con los
tonos grises de la niebla, que toma forma humana
para abrazar y besar a Io.
La figura de la joven resalta por sus atractivas
proporciones, destacando gracias al potente foco de
luz con el que ha sido bañada por el maestro.
La sensación atmosférica que se crea y la gracia de la
composición son elementos característicos de la
pintura de Antonio Allegri.
Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y
tensos scorzos, la distorsión como forma de expresar
una dramática escisión en la conciencia y en el
mundo.
Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo
que acentúa las expresiones angustiadas.
La utilización de fondos negros, en los que se
representan las figuras como auténticos objetos-luz,
nos anuncian en Barroco.

7. Esta escultura en bronce la realizó el gran artista italiano Benvenuto Cellini entre los años 1545 y 1554, y
sin duda alguna, es una de sus obras cumbres, en las que manifiesta como el arte renacentista ha ido
evolucionando con el paso de los años y va camino de convertirse en un nuevo estilo: el Manierismo.
La obra muestra una brutal tensión y un desgarramiento pasional muy propio de ese estilo, lo cual se
manifiesta de una forma muy clara en la exagerada musculatura del personaje.
De alguna forma, es un buen ejemplo de cómo la armonía de
la escultura clasicista de las décadas anteriores, iniciada por
artistas de la talla de Lorenzo Ghiberti, está desapareciendo.
El artista para su representación huye de las formas de la
belleza clásica basada en el equilibrio, la serenidad y la
claridad de las formas.
Tanto como la musculatura se exagera el gesto de Perseo, al
igual que en el rostro de la cabeza decapitada de la medusa. Y
aún siendo rompedor, el arte de Cellini se basa en la tradición
escultórica de Florencia, y más concretamente en uno de sus
escultores más prestigiosos: Donatello.
De hecho, toma como modelo tanto el David como la Judith de
Donatello. Y es que esta última está situada en la misma plaza
donde se ubica el Perseo, en la piazza della Signoria de
Florencia. Y mientras Judith está ante la fachada del
Ayuntamiento de la ciudad, el Perseo de Cellini se coloca en la
Loggia dei Lanzi, a escasos metros.

8. La composición de líneas abiertas facilita gran
variedad de gestos, ademanes y posturas
imposibles que dotan al conjunto de un trágico
dramatismo. Así se expresan los diferentes
comportamientos psicológicos de los personajes,
representando los “afecti”, los estados anímicos:
brutalidad frente a belleza, vicio frente a virtud…
La obra encierra un gran contenido alegórico y
moral.
El artista muestra un gran virtuosismo técnico en
el tratamiento de la carne, al basarse en el
contraste entre la musculatura robusta del dios y
la dulzura de la joven.
De esta manera, es notable también la
representación de los detalles: Proserpina empuja
la cabeza de Plutón estirando su piel, los dedos
de este aprietan cruelmente la carne de
Proserpina inmovi-lizándola, se aprecian lágrimas
en el rostro de la joven.
En cuanto a la posición de la obra, Plutón está
representado en contraposto (con una pierna fija
y la otra adelantada para conseguir el efecto de
movimiento), lo cual es una reminiscencia del
Manierismo.
Los dos cuerpos retorciéndose crean una figura
serpentinata dando lugar así, a un movimiento
helicoidal.

9. Hércules y el centauro Neso, es una gran obra del
escultor Juan de Bolonia, que se encuentra en Florencia.
Giambologna es el nombre italianizado de Jean
Boulogne (Douai 1529 - Florencia 1608) fue un escultor
de origen flamenco que llegó a Roma hacia el 1550.
Se consideraba profundamente italiano por espíritu y
educación, fue capaz de aceptar la lección de Miguel
Ángel y encontrar la medida del manierismo.
Este grupo escultórico fue colocado en primer lugar, en
1599, en la esquina dei Carnesecchi en Florencia, luego
se trasladó al lado sur de la galería de los Uffizi, y más
tarde se colocó en la plaza que está cerca del Ponte
Vecchio, en la margen izquierda del Arno, desde 1812,
se encuentra su sede permanente en la Loggia dei Lanzi
en la Piazza della Signoria.
La escultura se caracteriza por una gran fuerza plástica
expresada por la fuerte torsión, casi elástica, del cuerpo
del centauro Neso, doblado por la fuerza de Hércules.

10. La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas
que favorecen la perspectiva.

11. El punto de partida de la arquitectura manierista es la Villa Farnesina de Roma, la cual debe su nombre al
segundo propietario el cardenal Alejandro Farnesio quien se adueñó de ella en 1577, cabe destacar que su
construcción la realizó Baldassare Peruzzi y fue iniciada en 1505 y completada en el año 1511, se aprecia el
inicio del Renacimiento, la nobleza y burguesía italiana muestra en sus residencias y villas su poderío social y
económico.
La villa es el perfecto ejemplo de las primeras obras renacentistas. Se compone de un bloque central del que
arrancan dos alas menores a ambos lados, formando así una especie de U. con dos alas que encierran una parte
mediana en que, en el puso inferior, se abre un pórtico construido por cinco arcos de medio punto.
El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, las estructuras verticales asumen
dimensiones excesivas y confieren al conjunto un inquietante equilibrio la presencia de cornisa intermedia,
extradós e intradós, Desde el punto de vista decorativo, asume particular importancia el fenómeno de lo grotesco,
un tema pictórico de tiempos del imperio romano, redescubierto a fines del siglo XV, durante algunas
eSxucadveaccoiroanceiósnarsqeuelleovlóógiacacsa.bo entre 1510 y 1519, destacando
los frescos que se extienden por fachadas y muros ilustran los
mitos clásicos y destacan los del vestíbulo principal, esta sala
se completa con las pinturas de astrología de la bóveda que
muestran la posición de las estrella en el momento del
nacimiento de su primer propietario Chigi. La estructura se
inserta en una planta de dimensiones irregulares. La fachada
curvilínea presenta un pórtico con columnas libremente
espaciadas. Insólitas son las cornisas que decoran las ventanas
de los pisos superiores pegadas a una pared adornada con
almohadillado plano. Inédita es, asimismo la conformación de
los pórticos del patio: están conformados por dos logias
sobrepuestas cerradas al techo con un tercer piso abierto por
ventanas rectangulares tan largas como la columnata inferior.
Las fachadas son de color anaranjado, sencillas y armoniosas.
En la fachada delantera se encuentra la logia de Cupido y
Psique que da acceso al palacete que fue decorado por el
mismísimo Rafael.

12. Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI
en el manierismo.
Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo romano
para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el
elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro entradas del edificio.
Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y
frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los elementos
religiosos usados para ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de cuatro pórticos laterales (uno por cada lado). Los pórticos
presentan orden jónico más entablamento y frontón.
En cuanto a las villas palladianas
esparcidas en los campos
inmediatos a la ciudad de
Vicenza, destaca la villa Capra
(1567-1569), también conocida
como "La Rotonda", en la que
"plantea cuatro pórticos de
templos romanos con elevador
estereobato y columnas dóricas
en medio de jardines que
acceden, por los cuatro puntos
cardinales, a un cubo en cuyo
centro se ha instalado un cuasi
panteón romano: Naturaleza y
Cultura no han encontrado mejor
síntesis bajo tan limpio lenguaje
clásico”

13. Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se
encuadra en el siglo XVI en el manierismo.
Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del
templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales,
uno de esos elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan
acceso a las cuatro entradas del edificio.
Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus
entablamentos y frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad
contemporánea a los elementos religiosos usados para ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta cuadrada con cúpula
central. Dispone de cuatro pórticos
laterales (uno por cada lado). Los
pórticos presentan orden jónico más
entablamento y frontón.
Otra obra del arquitecto es el Palacio
Bevilacqua, caracterizado por un
paramento rústico en el primer piso y por
grandes aperturas al arco en el registro
superior, que se alternan con ventanas
de dimensiones menores contenidas en
el espacio del intercolumnio.

14. Esta iglesia es iniciada en 1568 y consagrada en 1584. Fue financiada por Alejandro Farnesio, sobrino de Paulo
III, siendo encargada al mejor arquitecto italiano a la muerte de Miguel Ángel, Vignola. La planta es de cruz
griega, con tres naves que se corresponden con las tres puertas de entrada. El estilo arquitectónico es
renacentista y la ornamentación barroca. La Planta es una combinación de 1. Planta longitudinal (gótica) y 2.
Planta central (Renacimiento).
La fachada se articula mediante pilastras y el ritmo exterior reproduce el ritmo interior, reflejando la distribución
de las naves. La parte central se encuentra destacada mediante el uso de medias columnas y un doble frontón
doble, en el que un frontón curvo engloba a otro recto (los frontones englobados serán característicos del
Barroco posterior), marcando el eje axial.
Existe un cierto dinamismo en la fachada, pero esta sigue
siendo bastante plana, únicamente con un ligero movimiento en
el frontón y el ritmo generado a través de las pilastras. En la
fachada podemos ver algunas de las características más
destacadas del Barroco. La cúpula actual no es la original,
proyectada con gran solemnidad por Paolo Valeriano, porque se
derrumbó en el terremoto de 1688. Los materiales que se
utilizan son principalmente: ladrillos con mezcla revestidos en
travertino (mármol) en muros; ladrillo, piedra y mortero revestido
con estuco en bóvedas; piedra y mortero en la cúpula; madera y
tejas en la cubierta; baldosas de mármol en los pisos.
La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando
el eje axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta
obra será el prototipo usado durante el primer tercio del siglo
XVII, en el uso de las pilastras y nichos.