arte pop

1. Curso de Historia del Arte
3º Año
Sexto Semestre
Clase 8
Arte Pop
Neo Dadaísmo

2. ARTE POP (1950)
Del inglés Pop-Art, "Arte Popular", fue un movimiento artístico surgido a finales de
los años cincuenta en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el
empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas
aplicados a las artes visuales.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue
utilizado por primera vez por el crítico inglés Lawrence Alloway en 1958, quien en un
ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) utilizó
el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la
tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser
únicos para ser pensados como productos en serie.

3. Características del Arte Pop
• Estética que se traduce en el realce banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía o la parodia.
• Uso de un límpido lenguaje plástico que eleva los objetos de la vida cotidiana y moderna a obras de arte.
• Transgresión del hecho artístico.
• Uso de imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en la bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o
combinándolas con otras.
• Marcado gusto por superar en escala como medio de transmisión artística.
• Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético de mala factura, y llegó a significar más la identificación del consumidor
con un nuevo estatus social que una respuesta estética genuina.
• Lo kitsch era considerado estéticamente empobrecido y moralmente dudoso, comercializado frecuentemente con la finalidad
principal de aportar un estatus social.
• Lo kitsch es una imitación estilística de formas de un pasado histórico prestigioso o de formas y productos característicos de la alta
cultura moderna, ya socialmente aceptados y estéticamente consumidos.

4. Reino Unido. Grupo Independiente (1952)
Eduardo Paolozzi (1924-2005) Escocia
Yo era un hombre rico jugando (1947)

5. Richard Hamilton (1922-2011)
¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy tan atractivos, tan modernos?
1956
Collage

6. Robert Rauschemberg (1925-2008)
Pintor estadounidense. Desarrolló su formación en lugares muy diversos: Kansas City, París,
Carolina del Norte y Nueva York. Tras un primer período pictórico que podría enmarcarse en
algunas de las formas del expresionismo abstracto, en la década de 1950 empezó a realizar
sus combine-paintings, piezas de difícil adscripción en las que combinó el lienzo con el
ensamblaje de objetos dispares, en muchos casos de desecho: animales disecados, sillas,
botellas, ruedas de coches, ventiladores, receptores de radios, etc. Desde 1963 ha recurrido
también a la serigrafía, en la que se ha servido a menudo de fotografías y recortes de
periódico. Fue uno de los fundadores de la EAT (Experimentos en Arte y Tecnología) y en
1964 recibió el Gran Premio de la Bienal de Venecia. Enmarcado en tendencias tan dispares
como el expresionismo abstracto o el pop art, él mismo se ha autocalificado a menudo como
«neodadaísta».

7. Cama
1955
técnica mixta 188 x 78,7 cm.
Galería de Arte de Leo Castelli. New York. USA.

8. 40 gomas de borrar gastadas
Dibujo de Kooning borrado (1957)

9. Monograma (1955-1959) Combine. Museo de Arte Moderno. Estocolmo. Suecia.

10. Retrato de Iris Clert (1961) Telegrama enviado a Iris Clert

11. Estado (1963)

12. Retroactivo I
1964
óleo y tinta serigráfica sobre tela 213x152

13. Jasper Johns (1930)
Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha representado un papel importante en
el desarrollo del arte de mediados del siglo XX en su país. En 1954 comenzó a pintar obras de
un modo radicalmente diferente al expresionismo abstracto que dominaba la escena artística
estadounidense en aquel momento. Sus obras se centraban en temas tan conocidos como
dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Pintaba con objetividad y
precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en
un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto
se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores; solía integrar
objetos tridimensionales a sus pinturas. Hacia finales de la década de 1950 sus obras
comenzaron a mostrar una composición más libre y suelta. En algunas añadía objetos reales
sobre el lienzo, como reglas y compases. Comienzo falso (1959, Colección Scull, Nueva York),
en la que utiliza una plantilla para pintar intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de
color sobre los objetos pintados, es una obra llena de humor y juegos de significados,
precedente del Pop Art.

14. Bandera (1954-55) técnica mixta 107x154 cm.

15. Objetivo
1955
técnica mixta sobre tela 60x60

16. Diana con 4 caras
1955.
Encáustica sobre papel de diario sobre tela.
85.3 x 66 x 7.6 cm.
The Museum of Modern Art. Nueva York. Donación de Mr. y Mrs. Robert C. Scull.

17. Bandera blanca (1955)

18. Tres banderas (1958)

19. Dos mapas
1966
litografía, manera negra

20. Roy Lichtenstein (1923-1997)
Uno de los importantes representantes de este movimiento que
utilizó de preferencia imágenes extraídas del mundo de los comics,
sacándolos de su contexto y presentándolos en un formato más
grande.
“Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su
subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos
de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e
impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”.

21. BLAM (1962)
óleo sobre tela 173x203 cm.
Yale University Art Gallery

22. En el auto (1963)
172 cm × 203.5 cm.
Scottish National Gallery of Modern Art

23. Whaam!!!!! (1963) óleo y acrílico sobre lienzo 170x400. Tate Gallery Londres

24. Templo de Apolo (1964)

25. Cerámica vidriada (1965)

26. Chica llorando fue adaptada de un panel de la tira cómica Secretos de los corazones , no. 88 (junio de 1963), DC Comics .
Chica llorando (1964) esmalte de porcelana sobre acero (116,8 cm x 116,8 cm).
Dulces sueños chico (1965)

27. Tom Wesselmann (1931-2004) Estados Unidos
Fue uno de los últimos maestros del Pop-Art americano que alcanzó fama y éxito con sus pinturas de gran impacto, sobre todo en la audacia de sus desnudos.

28. Collage de la bañera nº 3 (1963)
Museo Ludwig, Colonia, Alemania

29. Naturaleza muerta (1963) técnicas mixtas 122x167 cm. Museo Arte Moderno Nueva York

30. Gran desnudo americano nº 99 (1968)

31. Desnudo N° 1 (1970) óleo sobre tela 63.5 x 114.5 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

32. Andrew Warhola (1928-1987)
Conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó
un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador
profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y
literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como
gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también
entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y
pintorescos personajes urbanos.
Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el
grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música.
«En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos»

33. Sopas Campbell (1962) polímero sintético 32 telas

34. Sopas Campbell (1962)

35. 5 botellas de Coca Cola (1962)

36. 210 botellas de Coca Cola (1962)

37. Díptico Marilyn (1962) acrílico sobre tela

38. Doble Elvis (1963)
Serigrafía sobre polímero sintético 210x134 cm.
MOMA Nueva York

39. Silla eléctrica (1963) Serigrafía

40. Caja Campbell (1964) Polímero sintético y tinta sobre madera

42. Liz (1964)
Nueve Jackies (1964)

43. Bomba atómica
1965
Serigrafía sobre tela
264 x 204.5 cm

44. Flores (1966) Acrílico y serigrafía sobre tela 207.6 x 356.9 cm

45. Andy Warhol fue el mánager de The Velvet Underground y fue la banda invitada en su estudio,
The Factory y de sus eventos en Exploding Plastic Inevitable. Las provocativas letras de algunas
canciones de la banda dieron una perspectiva nihilista a algunos de su música

46. The Factory (La Fábrica) fue un estudio de arte fundado por Andy Warhol situado en la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este en Midtown,
Manhattan, Nueva York. El estudio funcionó entre 1963 y 1968, fecha en la que Andy trasladó The Factory a la sexta planta del número 33 de Union Square
Oeste, cerca del famoso club y restaurante Max's Kansas City.

54. Brigid, Candy Darling, Andy Warhol y Ultra Violet

55. Andy Warhol, Billy Name, Tiger Morse, Tom
Baker, Ondine, Ingrid Superstar, Nico, Brigid
Berlin, Louis Waldon, Taylor Mead, Ultra
Violet, Paul Morrissey, Viva y Susan
Bottomley, (un hombre desconocido detrás
de Andy Warhol), 1968.

56. Mao Tse Tung
1972

57. Durante los 70 Warhol utilizaba frecuentemente su cámara Polaroid para fotografiar a los personajes que luego serían llevados a sus serigrafías

58. Mick Jagger
1975
serigrafía

59. Helen Harry Morales, Drag Queen 1974
polaroid

60. Hoz y martillo (1976) técnica mixta 304x406

61. Zapatos de polvo de diamante (al azar)
1980
acrílico, tinta serigráfica, y el diamante de polvo en el lino
(228,6 x 177,8 cm.)

62. Mickey Mouse (1981)
Serigrafía

63. Pistola (1981)
serigrafía
Cuchillos
1981-82
tinta serigráfica y acrílico sobre tela