El documento resume el movimiento artístico del Pop Art que surgió en la década de 1950 y se caracterizó por el uso de imágenes de la cultura popular. Explica los orígenes del Pop Art en el Reino Unido y Estados Unidos, destacando figuras como Andy Warhol. También describe la influencia de este movimiento en España, Italia y otros países, resaltando artistas representativos en cada región.

1. I N S T I T U T O T E C N O L O G I C O D E C H I
H U A H U A I I
‘’pop art’’
Análisis crítico de la arquitectura y el arte iii
DOCENTE: arq. FABIOLA ARANDA CHAVEZ
ALUMNO (A): BRENDA ARAGÓN OLIVAS
NO. CONTROL: 12550043
05/06/2013
POP ART

2. Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III
El Pop Art o arte pop, fue un importante movimiento artístico del siglo XX que
se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los
medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books,
objetos culturales ‘’mundanos’’ y del mundo del cine. El arte pop, como la
música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista
cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas
o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de
algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del
arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive
se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las
más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de
impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste
en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren
con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces
dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte
pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo
abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en
obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una
extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el
dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los
impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los
artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel
Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido
y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos con diferentes
motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard
edge (traducido como ‘’dibujo de contornos nítidos’’) y del arte representacional
como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal,
la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del
expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-
guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se
enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular
estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos
fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida,
mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de

3. Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III
Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas
por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los
artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro
de dicha cultura.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido
a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que
sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis
al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
En el Reino Unido: el Grupo Independiente
El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el
precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores,
escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista
de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las
discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la
aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia
ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en
1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura
utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado
durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en
‘objetos encontrados’ tales como anuncios, personajes de tiras cómicas,
portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura
estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un
collage de 1947 de Paolozzi titulado ‘’I was a Rich Man's Plaything’’, el cual
incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop″, que aparecía en una
nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, el
grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la
cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios
de comunicación masivos.
El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la
finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del
Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera
aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en
un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter
Smithson. Sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y
curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and
the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término
‘’popular mass culture’’ (cultura popular de las masas).

4. Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III
El arte pop estadounidense
Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, del arte pop en Estados
Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la
publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del
arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los
artistas de América tenía que buscar más profundo para los estilos dramáticos
que se distancia del arte de los materiales bien diseñados e inteligente
comerciales. Por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la
cultura popular americana desde una perspectiva un tanto alejada, sus puntos
de vista se inculca a menudo con romántico, connotaciones sentimentales y
humorísticas. Por el contrario, los artistas de América siendo bombardeados a
diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, el trabajo que se
producen en general más audaz y agresivo. Dos pintores importantes en el
establecimiento del vocabulario del arte pop de Estados Unidos fueron Jasper
Johns y Robert Rauschenberg. Mientras que las pinturas de Rauschenberg
tener relaciones a los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas,
su preocupación con las cuestiones sociales del momento. Su método consistía
en crear arte con materiales efímeros y el uso de acontecimientos de
actualidad en la vida de todos los días de América dio a su trabajo una calidad
única. El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está
clasificado como Neo-Dada, y es visualmente distinta de la clásica Arte pop
norteamericano que comenzó en la década de 1960. De igual importancia para
el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa
básica del arte pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección
de la tira cómica antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la
composición precisa que los documentos, mientras que las parodias de una
manera suave. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte
pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida
y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de
la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.
Andy Warhol
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran
formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera
progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento
popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del
consumo.

5. Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la
sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
Debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima
despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un
proceso mecánico de serigrafía
Con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad
contemporánea, muestra de lo cual son las series dedicadas a Marilyn Monroe,
Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse Tung, así como su célebre
tratamiento de las latas de sopa Campbell; todas ellas realizadas durante la
fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo
de público, como las ya mencionadas latas de sopa, o los botellines de Coca-
Cola, se convirtieron en uno de los rasgos más interesantes y constantes de
toda su producción.
Las obras de esta época se caracterizaron por su libérrima manipulación y la
polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces
monocromo y otras fuertemente contrastadas, pero en todo caso vivo y
brillante; así como por la temática, que siempre resultaba provocadora y a
menudo angustiosa. Marilyn, una de sus obras más conocidas
Mediante la reproducción masiva consiguió despejar a los fetiches mediáticos
que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos
estereotipados con mero sentido decorativo.
Después de una exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió
en mundialmente famoso por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia,
productor, escritor y miembro de los círculos sociales muy diversos que
incluyen la gente bohemia de la calle, destacados intelectuales, celebridades
de Hollywood y los ricos los clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas
exposiciones retrospectivas, libros y películas y documentales. Él acuñó la
expresión utilizada "15 minutos de fama." En su ciudad natal de Pittsburgh,
Pennsylvania, El Museo Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras
de arte. El precio más alto jamás pagado por una pintura de Warhol es de $
100 millones para un lienzo de 1963 titulado Ocho Elvis. La transacción privada
se informó en un artículo de 2009 en The Economist, que se describe Warhol
como el "barómetro del mercado del arte". $ 100 millones es un precio de
referencia que sólo Jackson Pollock, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Renoir
Pierre-agosto, Gustav Klimt y Willem de Kooning han logrado.

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En España
En España, el estudio del arte pop se asocia con la "nueva figuración", que
surgió de las raíces de la crisis del informalismo. Eduardo Arroyo se podría
decir que encaja dentro de la tendencia del arte pop, en razón de su interés por
el medio ambiente, su crítica de nuestra cultura, los medios de comunicación
que incorpora los iconos de los medios de comunicación de masas y la historia
de la pintura, y su desprecio por casi todos los establecidos artística estilos. Sin
embargo, el español que podría ser considerado como el más auténtico artista
pop fue Alfredo Alcaín, por el uso que hace de las imágenes populares y
espacios vacíos en sus composiciones. También en la categoría de arte pop
español es la "Crónica del Equipo" (El Equipo Crónica), que existió en Valencia
entre 1964 y 1981, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su
movimiento puede ser caracterizado como Pop por su uso de los cómics y las
imágenes de la publicidad y la simplificación de las imágenes y composiciones
fotográficas. El cineasta Pedro Almodóvar salió de Madrid "La Movida"
subcultura (1970) haciendo de bajo presupuesto súper 8 películas de arte pop y
fue llamado posteriormente el Andy Warhol de España por los medios de
comunicación en el momento. En el libro "Almodóvar en Almodóvar", es citado
diciendo que la película de 1950 "Funny Face " es una inspiración central de su
obra. Una marca pop en el cine de Almodóvar es que siempre produce un
anuncio falso que se insertará en una escena.
En Italia
En Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas, como
la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas como Mario Schifano,
Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y también algunas piezas de arte
de Piero Manzoni y Mimmo Rotella.
El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de
dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes
del movimiento.
Los posters de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo, a menudo
explicitamente e intencionalmente refiriendose a los grandes íconos de la
época.
Las composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch

7. Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III
contemporáneo, lo que terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un
estímulo para toda una generación de artistas.
La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro
paredes como fuera: automóviles, señales de tránsito, televisión, todo el "nuevo
mundo". Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo en sí
mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismo camino
ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la iconografía y
en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica. Incluso en este caso.
Hay una larga lista de artistas, desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde
Silvio Pasotti hasta Umberto Bignardi y Claudio Cintoli que tratan la realidad
como un juguete, como una vidriera de donde sacar material con desencanto y
frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un renovado
espíritu de diversión al estilo Aldo Palazzeschi.
En Japón
El arte pop en Japón es único e identificable como el japonés, debido a las
materias regulares y estilos. Muchos artistas pop japoneses se inspiran en gran
parte del anime, y en ocasiones ukiyo-e y el arte tradicional japonés. El artista
más conocido del pop en la actualidad en Japón es Takashi Murakami, cuyo
grupo de artistas, Kaikai Kiki, es mundialmente conocida por su propio
movimiento de arte producidas en serie, pero muy abstracto y único superflat,
un surrealista, movimiento post-moderno, cuya inspiración viene sobre todo de
anime y la cultura callejera japonesa, es sobre todo para los jóvenes en Japón,
y ha hecho un gran impacto cultural. Muchos artistas pop en Japón utilizan
surrealista u obsceno, imágenes impactantes en su arte, tomado del hentai
japonés. Este elemento de la técnica llama la atención de los espectadores
jóvenes y viejos, y es muy sugerente, pero no se toma como ofensiva en
Japón. Una metáfora común utilizada en el arte pop japonés es la inocencia y
la vulnerabilidad de los niños y jóvenes. Artistas como Nara y Aya Takano los
niños utilizan como materia en casi todos los de su arte. Mientras Nara crea
escenas de ira o de rebelión a través de los niños.
En los Países Bajos
Mientras que en los Países Bajos no había movimiento Pop Art formal, hubo un
grupo de artistas que pasó un tiempo en Nueva York durante los primeros años
de Pop Art y se inspiró en el arte pop internacional. Los principales

8. Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III
representantes del arte pop de los holandeses son Asselbergs Gustave, Woody
Van Aamen, Daan van de Oro, Bentley Rik, Jan Cremer, Wim T. Schippers y
Frenken Jacques. Tenían en común que se opusieron a la mentalidad de la
pequeña burguesía holandesa por la creación de obras humorísticas con un
tono grave. Los ejemplos incluyen Sexo en punto de Woody van Amén y
Crucifijo / Meta de Jacques Frenken.