El documento resume los orígenes y desarrollo temprano del cine, desde las primeras observaciones sobre la persistencia de la visión en el siglo XIX, el desarrollo de dispositivos para ver imágenes animadas como el zoótropo, el avance de la fotografía que permitió capturar el movimiento, y los primeros experimentos con cámaras de imágenes en movimiento. Destaca la invención del cinematógrafo por los hermanos Lumière en 1895 como el primer aparato que puede considerarse verdaderamente cine, y el desarrol

2. Los orígenes del cine
El cine se desarrolló con uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine ,las observaciones de Peter Mark
Roget que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de “Persistencia”de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento,
en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante.
Tanto en Estados Unidos como en Europa, se animaban imágenes dibujadas a mano como forma de diversión, empleando dispositivos que se
hicieron populares en los salones de la clase media.
El zoótropo que ha llegado hasta nuestros días consta de una serie de dibujos impresos en sentido horizontal en bandas de papel colocadas en el
interior de un tambor giratorio montado sobre un eje; en la mitad del cilindro, una serie de ranuras verticales, por las cuales se mira, permiten que,
al girar el aparato, se perciban las imágenes en movimiento. Un ingenio algo más elaborado era el praxinoscopio, del inventor francés Charles Émile
Reynaud, que consistía en un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del
tambor. Según giraba el tambor, los dibujos parecían cobrar vida.
En aquellos mismos años, William Henry Fox Talbot en el Reino Unido y Louis Daguerre en Francia trabajaban la fotografía, ya que sin este invento
previo no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida
que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento.
Un paso relevante hacia el desarrollo de la primera cámara de imágenes en movimiento fue el que dio el fisiólogo francés Étienne Jules Marey, cuyo
cronofotógrafo portátil (una especie de fusil fotográfico) movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que
completaba su revolución en un segundo. Sin embargo, su tira de película consistía en un papel mojado en aceite que se doblaba y se desgarraba
con facilidad. Hacia 1889, los inventores estadounidenses Hannibal Goodwin y George Eastman desarrollaron más tiras de emulsión fotográfica de
alta velocidad montadas en un celuloide resistente.
Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la fotografía más que en el de la cinematografía. Esto cambió
cuando Thomas Alva Edison construyó el Black Maria, un laboratorio que se convirtió en el lugar donde realizaba sus experimentos sobre imágenes
en movimiento y el primer estudio de cine del mundo. Edison está considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el
kinetoscopio. Su ayudante, William K. L. Dickson fue quien hizo en realidad casi todo el trabajo, diseñando el sistema de engranajes, todavía
empleado en las cámaras actuales, que permite que la película corra dentro de la cámara, e incluso fue él quien por vez primera logró en 1889 una
rudimentaria imagen con sonido. El kinetoscopio, patentado por Edison en 1891, tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el
espectador individual tenía que ver a través de una pantalla de aumento.

3. Los experimentos sobre la proyección de imágenes en movimiento visibles para más de un espectador se estaban desarrollando
simultáneamente en Estados Unidos y en Europa; en Francia, a pesar de no contar con la gran infraestructura industrial de Edison, los
hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el
primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, el 28 de diciembre de 1895. Los hermanos Lumière produjeron
además una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en
movimiento: obreros saliendo de una fábrica...Para entonces el equipamiento elemental ya había sido estandarizado siguiendo
el modelo del cinematógrafo de los hermanos Lumière, y las películas se comenzaron a comercializar a escala internacional.
En 1896 el ilusionista francés Georges Méliès demostró que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino que también podía
recrearla o falsearla. Hizo una serie de películas que exploraban el potencial narrativo del nuevo medio rodó L’Affaire Dreyfus (El caso
Dreyfus, 1899) y filmó Cendrillas (Cenicienta, 1900) en 20 escenas. Pero sobre todo a Méliès se le recuerda por sus ingeniosas
fantasías como Viaje a la luna (1902) y Alucinaciones del barón de Münchhausen. Méliès descubrió que deteniendo la cámara en
mitad de una toma y recolocando entonces los elementos de la escena antes de continuar podía, por ejemplo, hacer desaparecer
objetos. Del mismo modo, lograba superposiciones, exposiciones dobles y disoluciones. Sus cortometrajes fueron un éxito inmediato
de público y pronto se difundieron por todo el mundo.
Trabajando en el estudio de Edison, Porter produjo la primera película estadounidense interesante, Asalto y robo de un tren, en
1903. Esta película influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el montaje de escenas
filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa.
Fue en 1905 cuando los pequeños teatros empezaron exclusivamente a mostrar películas. Hacia 1908 un estimado de diez millones
de norteamericanos pagaban sus nickels (5 centavos) o dimes (diez centavos) para ver estas películas.
En 1909 la industria fílmica de los estados Unidos instituyó el primero de muchos comités de auto-censura. Uno de los nombres mas
recordados de aquella época era D. W. Griffith, quien hizo aproximadamente 400 cortos entre 1908 y 1913. Sin duda el trabajo más
representativo de este visionero fue “The Birth of a Nation” una historia épica sobre la guerra civil cuya duración tres horas destronó
el corto de 10 minutos.
Durante 1908 y 1918, el largo remplazó a la serie de películas cortas; la Primera Guerra Mundial restringió la industria
cinematográfica Europea, promoviendo mayor innovación técnica, crecimiento y estabilidad comercial en Estados Unidos, acercando
la historia hacia América Latina; Esta industria sentó precedencia a fundarse los primeros estudios cinematográficos en Hollywood,
California, siendo estos Fox, Paramount, y Universal.

4. EL CINE MUDO (1903-1928)
Encontramos películas interesantes como "El gran asalto al tren” de 1903 dirigida por Edwin S. Porter de la compañía Edison, quien usó
una edición y trabajo de cámara mucho más libre que lo usual para contar su historia. Fue durante este periodos que las grandes comedias
mudas norteamericanas aparecieron. Mack Sennett se convirtió en el representante mas engalanado de Keystone Company.
Charlie Chaplin era el actor de cine mudo (1916) más popular, hasta entonces su rostro se ha convertido en un ícono del cine.
Entre los nombres de quienes acompañaban a Chaplin en este capítulo cabe destacar a Mary Pickford, Fatty Arbuckle y John Bunny, los
vaqueros William Hart y Bronco Billy Anderson, Rudolph Valentino y John Gilbert, y las fascinantes damas Theda Bara y Clara Bow.
Entre 1918 y 1928, se inició un periodo de estabilización, el cual resultaba apto y necesario ante aquella expansión en la industria vivida
los años anteriores.
Fue en aquel entonces cuando empezaron a utilizarse bodegas como estudios de grabación, el crecimiento de las compañías productoras
las llevó a convertirse en imperios del entretenimiento, pues la mayoría de ellas poseía también las salas en que las películas eran
exhibidas, generando con ello una actividad monopólica.Existe registro en la historia que fueron dos, las compañías productoras fundadas
durante esa década, (Warner Brothers, 1923; Metro-Goldwyn 1924).
Algunas de las obras cinematográficassurgidas en los años veinte fueron:
“El chico The Kid ”(1920) y La quimera del Oro The Gold Rush (1925), Chaplin.
¨El nene de la Abuela¨ Grandma's Boy (1922), Harold Lloyd.
“ Sherlock Jr.” Buster Keaton.
“The Big Parade” 1925, fue la primera película de guerra.
“The Covered Wagon”, 1923.
“The Iron Horse” 1924
“The Ten Commandments” 1923, fue la primera épica cristiana.
“King of Kings”, 1927.

5. Mary Pickford,
Charlie Chaplin
Charlie Chaplin Charlie Chaplin

6. El cine sonoro
Este revolucionario desarrolló en el cine se vivió a finales de 1927, tras el éxito de “El cantante de Jazz- The Jazz Singer” de Warner
Brothers. Esta posee el registro de ser la primera película sonora; seguida por “Luces de New York- Lights of New York”, en 1928. El
sonido se lograba gracias a que el sistema original Vitaphone sincronizaba la imagen con un disco fonográfico separado, en vez de
usar el método más seguro de grabar una pista de sonido en la película misma (basado en el principio del OSCILOSCOPIO). En su
concepción primaria la compañía Warners, usó el Vitaphone para hacer cortos musicales, pistas musicales para películas mudas.
Las películas mas recordadas de entonces, son: “El desfile del amor” (1929); “Aleluya”(1929); “Una mujer para dos” (1933); “María
Estuardo” (1936); “Sucedió una noche” (1934). Mas tarde, durante una época fantástica y recurrente a la imaginación por sobre
todas las cosas surgieron: “Drácula” (1931), “El doctor Frankenstein” (1931) y “La momia” (1932), “King Kong” (1933), “El mago de
Oz” (1939). Todas ellas se convirtieron en clásicos de aquella época y causaron sensación entre el público, han sido retomas mas
recientemente para volverlas a grabar aprovechando los recursos tecnológicos que actualmente posee esta industria y lanzaron a la
fama grandes personajes de la actuación, entre ellos Claudette Colbert, Clark Gable, Judy Garland.
Los directores comenzaban a aprender a crear efectos con el sonido que partía de objetos no visibles en la pantalla, dándose cuenta
de que si el espectador oía un tictac era innecesario mostrar el reloj, los relámpagos en una tormenta o la salida del sol, con el
canto de un gallo; la diversidad de efectos complementó las soberbias actuaciones. Este despliegue de películas fantásticas se vió
compensado por obras realistas, europeas en su mayoría, como “El ángel azul” (1930), “La gran ilusión” (1937), “Ciudadano Kane”
(1941) y “El cuarto mandamiento” (1942).

7. El cine de los años 30
• En Europa el panorama es amplio, disperso, heterodoxo y muy rico a nivel artístico. El nacimiento del cine sonoro y la rápida
capacidad de adaptación que el cine norteamericano había demostrado requirieron la reacción de Europa para ponerse a su altura. A
principios de los años treinta la cinematografía alemana era la única industria capaz de competir con el cine norteamericano. En
1933, con el advenimiento de los nazis al poder, la poderosa industria cinematográfica alemana queda desmantelada: muchos de sus
profesionales, de origen judío, se ven obligados a salir del país y emigran al resto de Europa y, sobre todo, a Estados Unidos. A partir
de 1933 en Alemania quedan sólo algunos cineastas adeptos al nuevo régimen, como Leni Riefenstahl.
• Con la cinematografía alemana en crisis, el cine francés se convierte en el más importante en Europa. Aunque había perdido su inicial
posición a la cabeza del cine universal tras la desaparición de Pathé-Gaumont, Francia seguía teniendo la industria cinematográfica
más sobresaliente del Viejo Continente. Allí encontramos a directores vanguardistas y a otros que cultivan un cine más convencional;
perviven y se consolidad clásicos procedentes del período mudo (Jean Renoir, René Clair, Jean Vigo…) y surgen nuevos nombres. Al
público francés le gustaba mucho su propio cine, lo cual ayudó bastante al desarrollo y a la consolidación de la industria
cinematográfica francesa como la única en Europa capaz de oponerse un poco al predominio norteamericano.
• La cinematografía británica siempre ha sido mantenido estrechas colaboraciones con Hollywood, con un intercambio constante de
técnicos, directores, guionistas y actores. En los años treinta, las figuras más importantes son Alfred Hitchcock y Alexander Korda. No
obstante, la poderosa llamada de la industria Hollywoodiense acabaría por atraer a Hitchcock, quien previamente realizó películas en
su etapa británica como Treinta y nueve escalones (1935). A demás, los treinta confirmaron que los británicos eran ya entonces unos
maestros del documental y del cine informativo, con el saber hacer de directores como Robert Flaherty.
• En cuanto a Italia, en un contexto político marcado por el régimen fascista de Mussolini, su cinematografía se ve marcada con un
cariz propagandístico, lo que impide que florezca como en países vecinos. No ocurre lo mismo en la Unión Soviética que, a pesar de
las imposiciones ideológicas del régimen, los cineastas logran desarrollar su trabajo con mejores frutos. No obstante, la presión
política ejercida sobre los creadores obliga en ocasiones, por ejemplo a ensalzar la figura de Stalin.
• En otros rincones del mundo la historia del cine también sigue su curso, aunque sin mucha repercusión en Europa o Estados Unidos.
El cine japonés es prácticamente desconocido en Occidente en aquellos años, aunque la década de los treinta ya cuenta con autores
importantes. No será hasta décadas después cuando el cine japonés u oriental comience a expandirse por el resto de culturas y a
influenciar las maneras occidentales de hacer cine.

8. El cine de los años 40
• Existen tres períodos. El primero comprende los años 1940 y 1941, antes de que Estados Unidos entrara en la guerra. El
segundo abarca hasta el final de la guerra en 1945. El tercero es la posguerra y la recuperación de los cines nacionales
europeos. Los 40, por tanto, son la segunda década del cine sonoro. Pero también suponen el nacimiento del cine moderno:
por un lado, el cine que medita sobre su identidad y la identidad de los personajes, y la relación entre actor y personaje, un
cine que da a la palabra hablada una importancia desconocida en la década anterior: Orson Welles hace en 1941 Ciudadano
Kane; el hombre que «reinventa» el cine es un hombre de la radio. Y, por otro lado, el cine con actores naturales, el cine
considerado como instrumento de conocimiento y de comunicación (el neorrealismo y Rossellini: Roma, ciudad abierta fue
rodada en 1945).
• La II Guerra Mundial:
La primera voz que desde América se alzó contra los nazis fue la de Charles Chaplin en El gran dictador (1940). Curiosamente,
Chaplin era el único cineasta que todavía no había aceptado el cine «hablado» y ésta fue su primera película hablada, en la que
hace un discurso de siete minutos. Se hace cine antinazi: Lubitsch rueda To Be or Not To Be. Y directores europeos se
incorporan al cine americano: Jean Renoir, Alfred Hitchcock, Max Ophuls, Douglas Sirk, Fritz Lang, Robert Siodmack, Otto
Preminger y Billy Wilder, entre otros.
• Nuevos directores:
John Huston inaugura la serie negra con El halcón maltés (1941). Y después de la guerra surge una nueva generación de
cineastas: Nicholas Ray, Elia Kazan, Jacques Tourneur,Joseph Mankiewicz, Anthony Mann, Samuel Fuller, Bud Boetticher o
Donald Siegel. La comedia americana está representada en estos años por personalidades como McCarey y Preston Sturges. En
1948, Vincent Minnelli rueda El pirata con Gene Kelly, y este último codirige con el joven Stanley Donen en 1949 Un día en
Nueva York.
• Western:
John Ford, que en el año 40 y 41 había conseguido su segundo y tercer Oscar por Las uvas de la ira y Qué verde era mi valle,
vuelve al western con Pasión de los fuertes y Fort Apache. Howard Hawks dirige en 1948 Río Rojo. Y King Vidor, junto con
O'Selznick, inaugura el super-western: Duelo al sol. En esta década, el cine pierde a tres cineastas importantes: Lubitsch muere
el 30 de noviembre del 47, Eisenstein el 11 de febrero de 1948 y Griffith el 23 de julio de 1948. (Antonio Drove).

9. EL cine de los años 50
La década de los cincuenta, imagino que, para muchos de mi generación, marcada por una posguerra ya asumida por
nuestros mayores, y unos silencios, terrores y misterios que jamás nos explicaron, fue una gran década para el cine de
Hollywood. El cine que nosotros veíamos, el que nos dejaba soñar con historias tan imposibles de protagonizar, tan alejadas
de nuestra realidad, que nos apoderamos de ellas hasta el punto de pensar, ahora, que conformaron nuestro modo de ser y,
desde luego, nuestra capacidad de sobrevivir.
• Los hábitos de aquellos años y el retraso y aislamiento de nuestro país tenían como contrapartida que, en los 50, pilláramos
muchas películas de los últimos 40, que duraban años en explotación, por lo que, cuando un filme nos apasionaba,
terminábamos sabiéndonoslo de memoria. Quizás por eso el arrebato que nos producía una actriz o un actor solía ser
fomentado gozosa y dolosamente, y aquellos héroes, fueran protagonistas o no de películas pecaminosas, arrebataban no
sólo nuestra admiración, sino un sentimiento de íntima posesión que no creo que se parezca en absoluto a lo que cualquier
chaval o chavala pueda sentir ahora por Kevin Costner o Demi Moore. Debo confesar que una cosa son las películas que a mí
me impactaron en aquellos años y otra, muy distinta, las que han pasado a la Historia. Veamos.
• En 1950 el Oscar a la mejor película lo ganó Eva al desnudo, de Mankiewicz, quien también obtuvo el del mejor director, y el
del mejor guión, El crepúsculo de los dioses, de Wilder. Sin embargo, a mí la que más me gustó fue Pánico en las calles,
de Kazan, posiblemente por Richard Widmark, y la que recuerdo haber visto más veces, además de coleccionar sus cromos
fue Las minas del Rey Salomón, que me pareció un peliculón. Con los años, descubrí El tercer hombre, de C. Reed, y, por
supuesto, El crepúsculo de los dioses y William Holden.
• El 51 fue glorioso, aunque yo no lo supiera. Mi película preferida, El gran Caruso, de Thorpe -protagonizada por Mario Lanza
y Ann Blith, con la que, en el mejor de los casos, pretendía parecerme porque mi padre me decía que era una espantosa
raspa de sardina-, y Un americano en París, de Minnelli, con Gene Kelly y Leslie Caron, desarrollaron mucho más mi sentido
de la fabulación y, desde luego, el musical, que las míticas Un lugar en el sol, de G. Stevens, con Montgomery Clift y Elisabeth
Taylor; Un tranvía llamado deseo, deKazan, con Marlon Brando y Vivien Leigh, o La reina de Africa, de Huston, con Bogart y
Hepburn. Está claro que con los años he sentado la cabeza. Insisto en la diferencia de tiempo con la que aquí podíamos ver
las películas americanas en relación a su año de producción.Sin remisión, en el 52, o cuando los descubriera, caí
rendidamente en los brazos de Gary Cooper y Solo ante el peligro, de Zinnemann, y me impresionó bastante Marlon Brando
en Viva Zapata, de Kazan. Más tarde, descubrí Cautivos del mal, de Minnelli, con Kirk Douglas, y mucho después, El hombre
tranquilo, de Ford, John Wayne y Mauren O'Hara. Y es que, ya de pequeña, había decidido que Wayne no era mi tipo, cosa
que no me justifica en absoluto.De la cosecha del 54 seguramente la película que más veces vi fue Siete novias para siete
hermanos, de Stanley Donnen. También un «western» que no está precisamente en los anales, Lanza rota, de E. Dmytryk,
Spencer Tracy y Richard Widmark.

10. El cine de los años 60 y 70
• El cine de los años cuarenta y cincuenta, grande en sí mismo, no puede competir con el de los grandes artistas de los
sesenta y setenta. Ya se estaba plantando la semilla, en los títulos nombrados y algunos otros, para dar el siguiente paso. Y
tuvo lugar. En 1961 llega la fundamental ‘El año pasado en Marienbad’ (‘L’annèe dernière à Marienbad’, Alain Resnais), que
tantas cosas destruyó y creó, ‘La noche’ (‘La notte’, Michelangelo Antonioni) y ‘Como en un espejo’ (‘Såsom i en spegel’,
Ingmar Bergman), y el cine deja de ser un espectáculo y se convierte en una reflexión culta, profundísima, de los
sentimientos y emociones humanas. Pero antes llega ‘La aventura’ (‘L’avventura’, Antonioni, 1960), y antes
aún ‘Sombras’(‘Shadows’, John Cassavetes, 1959). Porque en los sesenta empiezan algunos de los más grandes, y
transforman la faz de la cinematografía: el franco-polaco Roman Polanski en 1962, el mismo año que comienza a dirigir el
gran director ruso Andrei Tarkovski. Pero otros veteranos como Luis Buñuel y Akira Kurosawa llegan a la plenitud de su
trayectoria con las obras más personales (y probablemente las más completas) que han hecho hasta entonces,
como ‘Viridiana’ (1961), ‘El ángel exterminador’ (1962), ‘Simón del desierto’ (1965), ‘Los canallas duermen en paz’ (‘Warui
yatsu hodo yoku nemuru’, 1960),‘Yojimbo’ (‘Yôjinbô’, 1961), ‘Sanjuro’ (‘Tsubaki Sanjûrô’, 1962). Para rematar, los mejores
frutos de la Nouvelle Vage francesa (con François Truffaut y Eric Rohmer a la cabeza) y del Free Cinema británico llegan en
los sesenta, muchos directores televisivos comienzan a pasarse al cine y a dotarlo de una inmediatez impensable hasta
entonces, recuperando sobre todo un estilo documental que el cine norteamericano había perdido hacía varias décadas.
• Ninguna época es uniforme y los años 70s no son la excepción. Si uno mira en la distancia el cine que se veía en aquellos
años, pueden encontrarse con muchas tendencias: igual que ahora, igual que siempre. Sin embargo, es indudable que esos
años fueron marcadamente políticos y el cine que vimos y que nos gustaba, las películas que fueron para nosotros “las
grandes películas”, estaban impregnadas de política. Empiezan a aparecer los géneros de suspense, fantásticos y de terror
que superan con creces a las películas que antes se hacían de este tipo de género en las películas antiguas que veíamos en
mi otro BLOG: NANDO SUITE MOVIES,la Hammer daba sus últimos coletazos con Las Cicatrices de Drácula (1970), Drácula
73(1972), o Los Ritos Satánicos de Drácula (1973). En 1971, Roger Corman abandona la dirección y funda la New World
Pictures, donde se formarán los futuros grandes creadores del género. Ese año, Steven Spielberg dirige Diablo sobre Ruedas,
y Vincent Priceinterpreta El Abominable Dr. Phibes. Los retorcidos y espectaculares asesinatos serían motivo de una secuela
el año siguiente, demostrando que los psycho killer de los 60 siguen gustando al público. En 1972, Gordon Lewis se despide
de las cámaras con the Gore, Gore Girls, una parodia del género que él mismo creó. El año siguiente será el del El Exorcista,
a partir de la cual los efectos y el maquillaje serán indispensables en el género.

11. • Si el 73 es el año de El Exorcista, 1974 es el de la Matanza de Texas. Tobe Hooper hace temblar y vomitar a la audiencia. Aún
hoy en día, el film causa escalofríos, gracias a un terror que alcanzaba cotas nunca vistas.Cara de Cuero y su familia, parodia
de la familia de la América profunda, se convierten en icono indiscutible del cine de terror.
Ese mismo año, Lloyd Kauffman y Michael Herz fundaban la Troma Films, Larry Cohen dirige Estoy Vivo, y Brian de
Palma mezcla el musical y el terror en El Fantasma del Paraiso.
• En 1974, el primer film internacional de David Cronenberg, Vinieron de Dentro de, deja ver ya las obsesiones de su director,
además de representar la vuelta al terror de la actriz Barbara Steel.
El año siguiente, los vampiros glam son los protagonistas de The Rocky Horror Picture Show, la fantástica adaptación del
musical teatral, que protagonizaron Tim Curry y Susan Sarandon.
• En 1976, Brian de Palma dirige Carrie, basada en la novela de Stephen King. El éxito propicia innumerables adaptaciones de
la obra del escritor.
• De ese mismo año, podemos destacar La Profecía o Picnic en Hanging Rock, terror llegado desde Australia de la mano
de Peter Weir, autor también de La ultima ola(1978). También del 76 es Snuff, una falsa snuff movie, dirigida
por Michael y Roberta Findlay, que provocará el escándalo.
• 1977 fué el año del punk, de las primeras elecciones democráticas españolas, el primer vuelo delConcorde, la muerte
de Elvis y, anteponiéndose a todo, de La Guerra de las Galaxias deGeorge Lucas. La película es todo un fenómeno social y
cinematográfico, y personajes comoDarth Vader pasan a convertirse en parte de la cultura popular.
No obstante, no es lo único interesante del cine fantástico de ese año. Además de Suspiria, otra muestra del giallo italiano,
dirigida por Dario Argento, ese año se estrena Las Colinas Tienen Ojos, otro clásico de Wes Craven, que convierte en actor
fetiche a Michael Berryman. En parte, es precursora de films como Viernes 13 (1980), que sirve de punto de partida para
numerosas secuelas e imitaciones. El film de Sean Cunnigham convierte a los adolescentes descerebrados en presas fáciles
de un psycho killer.
• Pero si imitaciones tuvo Viernes 13, más aún cosechó La Noche de Halloween, de John Carpenter (1978), todo un hito del
cine independiente y del género fantástico. Al igual queCromosoma 3 (1979), el primer gran éxito de David
Cronenberg o Mad Max (1979), del australiano George Miller.
• Otro clásico de ese año fué la maravillosa Alien, el Octavo Pasajero, que sienta las bases del cine de ciencia ficción posterior.
También en 1979, la revista Interviú cataloga de auténtico el film Holocausto Caníbal de Ruggero Deodato. Ni que decir tiene
que el film no era más que otro film del género mondo, totalmente ficticio, pero el artículo llevó al cine a muchísimos
morbosos.

12. EL cine de los 80
• En el cine de los 80, como en todas las épocas del cine, existen elementos muy representativos. Esta década se destacó por
una serie de películas que causaron furor en el mundo entero y que fueron en su tiempo un parte aguas para el cine que
tenemos en la actualidad. El cine de los 80 se caracterizó por hacer muchas secuelas de películas, sobre todo las de terror
que tuvieron más de cinco películas. En estos tiempos era común que fueran películas de historias originales, no se hacían
remakes como en otras décadas. Muchas estrellas de Hollywood que en la actualidad están en los 40 años de edad, saltaron
a la fama gracias al cine de los 80.Películas de los 80’s más famosas por año:
• 1980: El resplandor , Fama, Viernes 13, Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca, La Laguna Azul, Gente Como Uno, El final
de la cuenta atrás, Taboo, El Exterminador, Alligator, Bronco Billy, Urban Cowboy, El retorno del Rey.
• 1981: Indiana Jones y Los Cazadores del Arca Perdida, Escape de Nueva York, Mad Max 2, Un Hombre Lobo Americano en
Londres, Furia de Titanes, Halloween II, Viernes 13 Parte 2, Aullidos, Heavy Metal, Sangriento San Valentín, Midnight
Offerings, El Cavernícola.
• 1982: E.T.: El extraterrestre, Poltergeist, Conan el bárbaro, Viernes 13 Parte 3 , Halloween III, Grease 2, Rambo, Pink Floyd The
Wall, Gandhi, Tootsie, Amityville II: The Possession, Rocky III, Clase de 1984, Star Trek II: la ira de Khan.
• 1983: Scarface, Flashdance, Star Wars Episodio VI: El Regreso del Jedi, WarGames, Porky's 2: al día siguiente, Psicosis II, 10 to
Midnight, Impacto Fulminante, La ley de la calle, Rebeldes, Christine, El sentido de la vida, Tiburón 3, Octopussy.
• 1984: The Terminator, Karate Kid, Pesadilla en Elm Street, Viernes 13 Parte 4, último capítulo, Indiana Jones y el templo maldito,
Beverly Hills Cop, Los cazafantasmas, Conan el destructor, Gremlins, El Exterminador 2, Breakdance, Breakdance 2.
• 1985: Memorias de África, Back to the Future, Viernes 13 Parte 5, un nuevo comienzo, Mad Max Beyond Thunderdome,
Pesadilla 2, La Revencha de Freddy, Rambo 2, Rocky IV, Comando, El beso de la mujer araña, Poltergeist II: El otro lado, La
jaula de las locas 3, Fiebre de amor, El Club de los 5, Faces of Death III.
• 1986: La Mosca, Platoon, Top Gun, Aliens, Karate Kid 2, Nueve semanas y media, Cobra, Viernes 13 Parte 6, Jason vive, The
Texas Chainsaw Massacre 2, Highlander, Psicosis III, El color del dinero, Cuenta conmigo, Slaughter High.
• 1987: Robocop, Fullt, Atracción fatal, Los Intocables, Depredador, Wall Street, Dirty Dancing, Lethal Weapon, Spaceballs, The
Lost Boys, El imperio del Sol, Halcón.
• 1989: Batman, Regreso al futuro 2, Karate Kid III, Indiana Jones y la última cruzada, El Castigador, Nacido el 4 de julio, Lethal
Weapon 2, El Padrastro 2, Viernes 13, Parte 8: Jason toma Manhattan, Halloween 5: la venganza de Michael Myers, La
Mosca 2, Tango & Cash, Los Cazafantasmas 2.

13. EL cine de los 90 y 2000
• A principios de los años 90 el cine musical no estaba en sus mejores momentos. Probablemente la razón sea que la gente estaba
saturada de ver tantos bailes y canciones, eso unido a la poca recaudación que cosecharon las últimas películas obligaron a las
productoras a reducir considerablemente la cantidad de productos. Esta década cuenta con escasos títulos en comparación con
los anteriores periodos:
• Cry baby (1990) está dirigida por John Waters. Una sátira de películas de instituto y a su vez una burla de Grease. Cuenta con los
típicos ingredientes del estrafalario americano: travestis, sexo, críticas y muchas risas. Protagonizada por un jovencísimo Johnny
Depp. Ideal para ver después de comer. Dos años después llegaría la soporífera Evita (1992) biopic de Eva Perón en la que
trabajan Madonna y Antonio Banderas.
• Sin duda una de las mejores o la mejor de este periodo es Todos dicen i love you (1996) La única incursión que hizo Woody
Allen en el cine musical, no es una de las mejores películas de su extensa filmografía pero sí resulta interesante. Una
comedia romántica que transcurre entre Venecia, Nueva York y Paris. Sin duda un homenaje al periodo clásico que tanto debió
gustar al genio. El cine de animación contribuyó considerablemente y estrenó tres de sus películas más conocidas: La Bella y la
Bestia (1991), Aladdin (1992) y La sirenita (1989).
• Estas tres películas son las más destacadas de los 90. Con ellas cerramos esta etapa y entramos al siglo XXI de la mano de Lars Von
Trier y su dramáticaBailar en la oscuridad (2000) una co-producción de nada menos que diez países europeos. De nuevo un
homenaje al cine clásico. La cinta es conducida por una trabajadora que pierde la vista paulatinamente. Dos años más tarde se
estrena Chicago(2002) una estupenda película plagada de buenos números y una estupenda música.Catherine Zeta-Jones y Renee
Zellweger son maestras de ceremonia. Un año antes encontramos la también soberbia Moulin rouge (2001) una fantástica historia
de amor ambientada en el París de finales del siglo XIX.
• El fantasma de la ópera (2004) la obra de Lloyd Webber ha sido adaptada numerosas veces. La nueva versión está lejos de ser una
de las mejores y poco hay que decir sobre ella. Dos musicales que consiguieron estar a la altura de las obras teatrales son Sweeny
Todd (2007) del surrealista Tim Burton con Johnny Depp de nuevo a la cabeza interpretando al sádico barbero de la calle Flint
y Mamma Mia (2008) tuvo un gran éxito de taquilla, sirvió para que la gente volviera a ver la obra en teatro. Los
productores (2005) es otra estupenda adaptación que ya fue llevada a la pantalla haya por el año 60 de la mano de Mel Brooks.

14. Hollywood
Hollywood es un distrito de la ciudad de Los Ángeles. Su nombre se asocia con la sede de la la industria del cine
estadounidense. El poblado fue fundado en 1857. Aunque el nombre procede de las palabras inglesas holly y wood fue la
esposa de un promotor inmobiliario quien dio nombre, en los años 1880, a su rancho situado en la zona después de haber
conocido a un matrimonio de otro lugar cuya casa se llamaba Hollywood.En 1903 Hollywood se convirtió oficialmente en
municipio y siete años más tarde sus concejales votaron a favor de la integración de la provincia a la población de Los
Ángeles, principalmente, para disponer de agua suficiente a través de la red de suministro de la ciudad.Además de ser un
barrio de Los Ángeles, el término Hollywood define, genéricamente, también a la industria del cine y de la televisión
arraigada en el sur de California.A principios de los años 1900, las compañías productoras de cine de Nueva York y Nueva
Jersey comenzaron a trasladarse a California debido al monopolio establecido por Edison en EUA y además por sus
numerosos días de sol durante el año y a que los días eran también más largos. Aunque ya existía la luz eléctrica, los
estudios de cine dependían de la iluminación natural para poder rodar.
El primer estudio en la zona de Hollywood se fundó en 1911. Durante ese mismo año otros quince estudios se establecieron
allí, principalmente, por el buen clima que facilitaba los rodajes en exteriores. Esto se debía a que muchos estudios
empezaron a dejar de pagar la abusiva tasa Edison (que poseía la patente como teórico inventor del cine), lo que podía
meterles en serios problemas legales. Desde entonces, el distrito de Hollywood fue evolucionando hasta convertirse en la
meca del cine mundial.
Las grandes empresas del cine de Hollywood de la época dorada:
• Universal Pictures
• Fox Film Corporation (después conocida como la 20th Century Fox)
• United Artists
• Warner Bros
• Metro-Goldwyn-Mayer
• Columbia Pictures

15. EL cine del siglo XXI
• Aunque fue en la última década del siglo XX cuando el cine inició su proceso imparable hacia lo digital es en el siglo XXI
cuando se perfila, que en los próximos 20 años el cine sea totalmente digital.
• Tron (1982), fue la primera película con efectos digitales, después siguieron las grandes superproducciones que hicieron uso
extensivo de la tecnología digital, como Star Wars o Matrix, y Pixar, que la utilizó totalmente en alguna de sus producciones.
Hoy se trabaja e investiga sobre dicha tecnología, en el intento de que en unos años todas las salas de exhibición dispongan
de proyectores digitales (los proyectores digitales capaces de una resolución de 2048 píxeles horizontales comenzaron a
desarrollarse en 2005 y su avance es cada vez más acelerado), y se pueda filmar en digital con las mismas calidades en todos
los aspectos que en el cine analógico.
• Directores como George Lucas, James Cameron, Robert Rodríguez, David Fincher, David Lynch o Lars von Trier, utilizan ya los
sistemas de alta definición mientras otros directores, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Tim Burton,
Ridley Scott u Oliver Stone, siguen prefiriendo el soporte analógico, pues el debate se encuentra aún entre las dos
modalidades: cine digital o celuloide. Para unos, los detractores, el cine digital supone otra clase de experiencia visual
totalmente distinta al cine grabado químicamente y proyectado mecánicamente. Muchos directores, aún contarios o
reticentes al cine digital, ruedan sus últimas películas con cámaras digitales, puesto que no pueden asumir los costes del
analógico, y más tarde las pasan al celuloide. He hablado con algunos montadores, expertos en la moviola, que afirman que
el celuloide da una calidad y una vida a lo filmado que el cine digital está lejos de lograr. Lo cierto es que el avance del cine
digital parece ya una evolución imparable y en el futuro se asistirá a la digitalización casi total de cine y televisión.
• Las cámaras digitales permiten una posproducción mucho más flexible y menos costosa que el cine analógico, se puede ver
en el momento los resultados sin necesidad de esperar el revelado, poseen cada día una mayor resolución y existe un mayor
control sobre la colorimetría. Cierto es que los sistemas de filmación y revelado analógicos permiten resultados creativos
diferentes, tanto durante la filmación como en el proceso químico de revelado, y los buenos cineastas le sacan un gran
partido, en contra de la única respuesta que el cine digital tiene a la luz, por lo que hace más compleja la iluminación.

16. El cine en 3D:
• El cine se reinventa constantemente para llenar las salas de espectadores, se proponen y comercializan nuevas tecnologías,
y, lo que en ocasiones no tiene el guión se suple con efectos especiales. El cine en tres dimensiones, que ya surgió en varios
momentos de la historia, revive en con nuevos estímulos visuales para competir con el pirateo de películas y la pereza de
muchos espectadores de acudir a las salas cinematográficas. Lo positivo es, que se siguen investigando y aplicando nuevas
técnicas digitales y, en buenas manos cinematográficas, pueden producirse magníficos productos. El objetivo de productores
y cineastas es ofrecer una experiencia espectacular, que hipnotice al espectador y que sea una sensación que difícilmente
puede vivirse en el sofá de casa o en la pantalla del ordenador. A pesar de que la reconversión de las salas para el nuevo
sistema digital en 3D es de precio muy elevado, el cine 3D abre un nuevo camino. Algunas de las películas ya exhibidas, has
superado hasta el momento, como Avatar, todos los record de taquilla. Disney, por ejemplo, está preparando nuevas
versiones de sus clásicos en 3D.
Películas significativas son:
1. Monstruos contra alienígenas, Monsters vs. Aliens, 2009, de Rob Letterman y Conrad Vernon, de la factoría Dreamworks
2. UP, de Pete Docter, 2009, producida por Disney y Pixar
3. Avatar, de James Cameron, 2009.
4. Cuento de navidad, A Christmas carol, de Robert Zemeckis, 2009, producida por Disney
5. Alicia en el País de las Maravillas, Alice in Wonderland, 2010, de Tim Burton.
• Para que las relaciones interculturales empiecen a tener distinto perfil, es necesario luchar contra prejuicios y estereotipos, y
el cine es un medio eficaz que contribuye a ello, pues una película va más allá de su propia historia y del lenguaje
cinematográfico y técnicas con la que está realizada (Castiello, 2001)
• Una interesante película, Cruzando el polvo (Crossing The Dust, 2006), del director kurdo Shawkat Amin Korki, narra una
historia en el contexto de la invasión norteamericana de Irak en 2003, cuando un niño árabe, llamado Saddam, de cinco
años se pierde en el fragor de la guerra. Dos soldados kurdos que lucharon contra las tropas de Saddam Hussein le
encuentran entre el caos de la contienda. Uno de ellos, alegre y optimista, quiere devolverlo a su familia, el otro, prefiere
dejarlo a su suerte. Es un acercamiento a los conflictos internos que generan los combates y una aproximación al
acercamiento cultural desde la sencillez de las historias personales.
• En tierra de nadie (Ničija Zemlja, 2001), del director bosnio Danis Tanovid se muestra, en una dura crítica contra el salvajismo
de la guerra y de los conflictos interculturales, cómo dos soldados de dos bandos diferentes, uno bosnio y el otro serbio, en
pleno conflicto de las Balcanes, se encuentran atrapados en una trinchera entre sus respectivas líneas, en tierra de nadie,
durante la guerra de Bosnia de 1993. Mientras intentan salir de su situación, un sargento de los cascos azules de las
Naciones Unidas les ayuda en contra de las órdenes de sus superiores, provocando un show mediático de carácter
internacional.
• Un solo director, Clint Eastwood, en 2006 ha realizado dos películas, Cartas desde Iwo Jima (Letters From Iwo Jima)
y Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers), exponentes de un cine bélico de reflexión, que busca en cada uno de
los films una mirada diferente, cada película narra la misma historia desde el bando contrario, los sufrimientos y
sentimientos de los contendientes en una misma batalla, la de Iwo Jima, en la II Guerra Mundial, en la que ambos bandos
están imbuidos con la creencia de que es necesario defender su propia civilización, amenazada por otra.