La música clásica surgió a partir de tradiciones musicales europeas como la música griega y romana, y la música de la iglesia. Se desarrolló principalmente entre los siglos XV y XIX, a través del descubrimiento de la polifonía y la armonía. Las obras de música clásica buscan comunicar emociones profundas a través de la complejidad musical y el desarrollo de motivos. Aunque influenciada por la música popular, la música clásica se interpreta formalmente en conciertos y requiere

1. Música clásica
El término música clásica aparece por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836 y
señala las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior.1 Es el nombre habitual
de la música culta, académica, docta y otros. En la historia de la música y la musicología, es la
música del clasicismo o período clásico (1750­1820)2 ; pero en sentido popular y de mucha
aceptación en medio escrito, así lo recoge la RAE, es la música de tradición culta; sus primeras
luces en Europa se sitúan aproximadamente en 1450. Existe una expresión que abarca casi
todos los períodos para definir su época de mayor esplendor: período de la práctica común.
Hacia 1950 la composición culta (cierta complejidad en notación e instrumentación) comienza a
situarse mayormente fuera de la tradición anterior, mediante la composición radicalmente atonal
y disonante y otras tendencias opuestas.
Orígenes
La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la música de la
Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma (sobre todo por sus contribuciones teóricas) y la
música de la Iglesia católica (principalmente el canto gregoriano). Los hitos que definieron su
rumbo, sin embargo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así como el
posterior desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida como el Ars nova y la
evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical. Con la era de los
descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a
otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios.
Encontramos expresiones de la música clásica en Brasil (p.ej. Heitor Villa­Lobos), Estados
Unidos (p.ej. Charles Ives), Hispanoamérica (p.ej. Alberto Ginastera, José Ángel Montero), Asia
(p.ej. Tōru Takemitsu, Tan Dun), África y Oceanía, pero que están conectadas a la música
clásica de tradición europea.
Formalización y contenido
La música culta está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas
adjuntas a otras formas de entretenimiento (la música de cine es ejecutada a veces en salas de
concierto). Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera
que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de
ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y
el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público. Lecturas privadas de
música de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas más informales.
Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de
la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión
emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la

2. emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo «sublime»
en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización
del poema de Friedrich Schiller "Oda a la Alegría" en la Novena sinfonía de Beethoven, que
suele interpretarse en actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa
ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la
tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores,
como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es
arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es
lo supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron que sus hijos y familiares fuesen instruidos en
la música culta desde muy temprana edad. Un experiencia musical temprana daba las bases
para un estudio serio posterior. Para aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier
instrumento es prácticamente imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un
instrumento similar, no eran aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la
enseñanza musical por razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de la
auto­disciplina; las lecciones parecen mostrar también un incremento en el desempeño
académico. Algunos consideran que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte
de una buena cultura general.
Interpretación
Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de una relación muy profunda entre su
contenido afectivo (emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas de las obras clásicas
más elogiadas hacen uso del desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea o
motivo musical es repetido en distintos contextos, o alterados de tal manera que la mente del
oyente, conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de la
forma sonata y la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. (Ver también
Historia de la forma sonata). Generalmente, las obras de música clásica muestran una gran
complejidad musical gracias al uso que hace el compositor del desarrollo, modulación (cambios
de tonalidad), variación antes que la exacta repetición, frases musicales que no siempre tienen
la misma longitud, contrapunto, polifonía y una armonía sofisticada. Además, muchas obras
clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son construidas a partir de jerarquías de
unidades más pequeñas: las frases, los periodos, las secciones y los movimientos. El análisis
schenkeriano es una rama de la música que intenta distinguir estos niveles estructurales.
Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas, ha llevado a la
expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo que realizará en detalle las
intenciones originales del compositor. Por lo tanto, las desviaciones de las instrucciones del
compositor a veces son condenadas como fallas completas éticas. Durante el siglo XIX, los
detalles que los compositores colocaban en sus partituras fueron incrementándose. Así vemos
un opuesto rechazo­admiración por los ejecutantes que ofrecen nuevas «interpretaciones» de la
obra de un compositor, y no es desconocido que un compositor le pida al intérprete una mejor
realización de sus intenciones originales que la que él mismo pudo lograr. De este modo, los
ejecutantes de música clásica alcanzan a menudo reputaciones muy altas por su musicalidad,

3. aunque ellos mismos no compongan. Otra consecuencia de la primacía de la partitura escrita
del compositor es que la improvisación juega una menor presencia, en marcado contraste con
otras tradiciones como el jazz, en donde la improvisación es básica. La improvisación en la
música clásica era mucho más frecuente en el Barroco que en el siglo XIX y siglo XX, y
recientemente la interpretación de aquella música por músicos clásicos modernos ha sido
enriquecida por el resurgimiento de antiguas prácticas improvisatorias. Durante el periodo
clásico, Mozart y Beethoven improvisaban a veces las cadencias de sus conciertos para piano
(y animaban a otros a hacer lo mismo), pero también tendían a dar cadenzas escritas para que
otros solistas pudiesen usarlas.
Influencias de la música popular
La música culta siempre ha sido influida por, o ha tomado material, de la música popular. Los
ejemplos incluyen música ocasional, como el uso por Brahms de canciones estudiantiles para
la bebida en su Obertura para un Festival Académico, géneros ejemplificados por la Ópera de
los tres centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz en la música de compositores de inicios y
mediados del siglo XX, como Maurice Ravel. Ciertos compositores clásicos posmodernos y
postminimalistas reconocen su deuda con la música popular. También hay muchos ejemplos
de influencia en el otro sentido, incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el
uso que se hizo del Canon de Pachelbel desde los años 1970, el fenómeno del musical
crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran éxito en el terreno de la música
popular (un notable ejemplo es las series de grabaciones "Hooked on Classics" hechas por la
Orquestal Filarmónica Real a inicios de los años 1980). De hecho, puede argumentarse que el
género completo de la música de cine puede ser considerada parte de esta influencia, dado que
brinda la música orquestal a vastos públicos de cinemeros que de otra manera no escucharían
semejante música (no obstante, la mayoría la escuchan inconscientemente). Compositores de
música clásica han hecho uso de la música folclórica (música creado por músicos
autodidactas, la mayoría de una pura tradición oral). Algunos lo han hecho con una ideología
nacionalista explícita, otros simplemente la han explotado como parte de su material temático.
Véase: Música clásica y la música folclórica. Algunas fragmentos de música clásica son
frecuentemente usados comercialmente (es decir, en la publicidad o como parte de las bandas
sonoras de películas de entretenimiento). En la publicidad televisiva, algunos pasajes
orquestales poderosos o rítmicos se han convertido en clichés, pudiendo mencionar el inicio "O
Fortuna" de Carmina Burana de Carl Orff por la fuerte presencia de la percusión y el coro
brindando un pasaje de carácter épico. Se puede mencionar también el "Dies Irae" del Réquiem
de Verdi y selecciones Rodeo de AaronCopland. Similarmente, en las películas a menudo se
recurre a pasajes clichés de música clásica para representar el refinamiento o la opulencia:
probablemente la obras más escuchada en esta categoría es Eine Kleine Nachtmusik de
Mozart.