Leonardo da Vinci consideraba que la pintura era una ciencia superior a las artes mecánicas y a las artes liberales tradicionales. Según Leonardo, la pintura se basaba en factores científicos como la experiencia, la perspectiva matemática y el estudio de la naturaleza. Además, la pintura implicaba la creación de obras materiales, lo que le daba "un carácter más noble" que otras ciencias. Por último, Leonardo veía la pintura como superior a otras artes como la poesía y la escultura, debido

1. INTRODUCCIÓN
En el Renacimiento se plantea una discusión fundamental sobre las ciencias. Tradicionalmente
se diferenciaba “Artes Liberales”, que no se fundamentan en la práctica, sino en lo intelectual,
y artes Mecánicas, que se fundamentan en la Práctica. Sin embargo, Leonardo crea una nueva
categoría, dentro de la que situaría la pintura:
“Llamamos mecánica al conocimiento engendrado por la experiencia, y conocimiento
científico al que empieza y acaba en el espíritu y finalmente ciencia semimecánica a
la que nace de la ciencia y finaliza en la operación manual”
-Porque para Leonardo la pintura es claramente una Ciencia por varios factores
• Por estar también basada en la experiencia “la madre común de las ciencias y las
artes”
• Por tener su fundamento en la perspectiva matemática “No puede alcanzar la
perfección sin la operación matemática”
• Por basarse en el estudio de la naturaleza. Incluso considera a la pintura nieta de la
naturaleza “todas las cosas visibles han sido paridas por naturaleza y de ellas
nació la pintura, con que habremos de llamarla nieta de la naturaleza”
• Por juzgarse según los criterios del saber: la certeza de las premisas y métodos.
• Por que su veracidad depende del ojo que es “el órgano sensorial que más
difícilmente se engaña”, pero además verifica sus juicios con la medida,
apoyándose en los principios de la geometría..
• Por que se produce primero “ en la mente del fabulador”
• Por que trata aspectos comunes con la filosofía: “”La pintura es filosofía porque
trata del movimiento de los cuerpos”
• Por que la astrología se puede considerar “hija
de la pintura”
-Pero además, considera que la pintura va más allá que la
ciencia al implicar la producción final de una Obra
material, lo que le implica “un carácter mucho más
noble que el hecho de pensar o que la ciencia”.
-En este sentido sitúa a la pintura por encima de las
matemáticas “para el estudiante de matemáticas
aprender es sólo una cuestión de aplicación pura y
simple”, o de la Geometría y la aritmética: “estas dos
ciencias se aplican solamente al conocimiento de la
cantidad... pero no se preocupan de la cualidad”.
-El carácter práctico de Leonardo le hace considerar que
considera que las ciencias superiores son las mecánicas, y
la pintura lo es:
Este en principio existe en la mente del
investigador. Y no puede alcanzar la perfección
sin la obra de la mano”
Msdelos de compás, comunes al pintor y al
matemático.

2. -Esta segunda función de la pintura implica que el artista debe ser además un creador
imaginativo”. En esta producción final, el artista llega a poder compararse con Dios y su
capacidad creadora:
“Este poder divino que el saber del
pintor contiene transforma su espíritu
en otro analógico al divino, pues
libremente puede crear seres,
animales , plantas....”
-Esta función creadora le permite incluso
sobrepasar a la naturaleza “en la invención
de formas innumerables y continuamente
renovadas de animales, hierbas, plantas y
paisajes”. Incluso plantea la posibilidad de
inventar monstruos, paisajes desconocidos...
Pero aún en este caso el artista no debe dar
rienda suelta a su imaginación de una forma
total., sino que debe partir de formas que
existen en la naturaleza, algo en lo que
también se anticipa por ejemplo a los estudios
que las grandes factorías de dibujos animados,
tipo la Disney, realizan cada vez que van a
lanzar un personaje nuevo.
“Quiere el artista pintar un monstruo
puramente fantástico?. Entonces debe
Compás de proyección y figura
construirlo a partir de miembros
geométrica. Elementos comunes al pintor y
observados en los diferentes animales,
al matemático. Códice Foster I, f. 4r
a falta de los cuales su obra carecería
de convicción”
-Porque para Leonardo, la función creativa de la obra nunca puede estar separada de la ciencia.
Nunca puede ser un simple proceso mecánico:
“Los que se dedican a la práctica sin ciencia son como marinos que se hacen a la mar
sin brújula ni timón “.
-Y si compara la pintura con la ciencia, también lo hace con la Poesía. Realmente se trata de
un tema típico de la cultura neoplatónica de Florencia. Y al igual que resalta el valor de la
pintura entre las ciencias, también hace lo propio con la Poesía, ya que para él
“La pintura es más excelente porque produce imágenes de obras de la naturaleza con más
veracidad que el poeta.
-Y por último, también realiza esta comparación con la escultura, que considera “no puede
emplear el color o la perspectiva aérea o representar cuerpos luminosos o transparentes
como las nubes.”..

3. LA PINTURA Y LOS SENTIDOS
Dentro de su discurso base de señalar la supremacía de la Pintura entre las
ciencias, Leonardo se basará en señalar todos los elementos puramente científicos en que esta
se basa. Y en este camino empezará por señalar la importancia del conocimiento de los
sentidos, y en especial del ojo, como base científica en la que se debe sustentar la pintura..
Veamos cada sentido, en su función relacionada con el arte o la estética
• El ojo: Es la ventana del alma, es el medio principal por el que la inteligencia puede
apreciar las obras de la naturaleza. Si los historiadores, matemáticos o poetas no hubieran
visto los objetos, sus reportajes escritos sobre ellos serian imperfectos.
• El oído: escuchando las cosas que el ojo ha visto adquiere más dignidad.
• El Olfato. Menos importante para el arte, aunque fundamental por ejemplo en la cocina,
considera que se ve forzado por necesidad de recurrir al sentido común.
• El Tacto: Pasa por los tendones perforados, que se extienden por la piel con infinitas
ramificaciones...y llevan el impulso y la sensación a los miembros.
• El gusto: Aunque en este momento no le menciona sabemos que para Leonardo es un
sentido importante, que nos permite adquirir el placer de la comida, a la que dedicó su
tiempo (durante una temporada dirigió un restaurante) y también parte de sus escritos, a los
que nos referimos en otro lugar.
Rayos de luz a través de una rendija angular. , realizado hacia 1490-91 dentro del
conjunto de estudios sobre los mecanismos de visión. Manuscrito C. f. 10v

4. LAS POSIBILIDADES DEL OJO
Para Leonardo el ojo era el sentido más importante ( “ Es el órgano principal” ) por varias
razones:
• Es el sentido que menos se engaña en su ejercicio porque ve por líneas rectas que
componen una pirámide, cuya base descansa en el objeto y cuyo vértice apunta al ojo.
En cambio el oído se engaña más porque los sonidos no llegan por líneas rectas.
• Es el más importante de los sentidos porque con la visión, como él dice “(...) al alma
consuela en su humana cárcel (...)” , es decir, considera el ojo como ventana del
alma.” “La ventana del cuerpo humano a través del cual descubre y disfruta de la
belleza del mundo”
• Por que es imprescindible, según Leonardo, para contemplar la belleza tanto natural
como artificial. “En él se refleja la belleza del mundo”. Gracias al ojo “ el
entendimiento puede tener la más completa y magnífica visión de las infinitas obras
de la naturaleza”
• Es la guía del pensamiento: “Guía la reflexión humana para la consideración de las
cosas divinas”
• Aborda a todo el Universo y permite ejercitar todas las ciencias:
“Es el príncipe de las matemáticas, y las ciencias que en él se fundan son
absolutamente ciertas. Ha medido las distancias y la magnitud de las estrellas. Ha
descubierto los elementos y su ubicación.. Ha dado a luz a la arquitectura, la
perspectiva y el divino arte de la pintura”
LA PINTURA COMO ARTE MÁS IMPORTANTE BASADO EN EL
OJO
Leonardo se mostró en contra de considerar a la pintura como un arte manual. Como
hemos visto, él quería que fuese considerada una ciencia y los pintores como artistas y no
artesanos. Por eso realizó sus famosos parangones o comparaciones entre la pintura y otras
artes, destacando que entre todas, la fundamental es la pintura entre otras razones por estar ésta
basada en el ojo
LOS ATRIBUTOS DEL OJO QUE ENGLOBAN A LA PINTURA
Según Leonardo el ojo es capaz de captar 10 cualidades de los objetos que son
• Tinieblas • Posición
• Luz • Lejanía
• Cuerpo • Proximidad
• Color • Movimiento
• Forma • Reposo

5. La Luz sirve para descubrir las otras nueve y la oscuridad para ocultarlas La pintura
abarca el total de las 10 funciones del ojo.
-PECULIARIDADES DEL OJO Y LA VISIÓN HUMANA
•Para que un objeto para ser visto adecuadamente tiene que haber un espacio entre este y el
ojo más o menos del tamaño de la cara.
•Si los dos ojos establecen sobre el objeto la pirámide visual, ese objeto será visto y
comprendido por tales ojos sin confusión.
•Objetos vistos por un mismo ojo podrán parecer grandes o pequeños.
•El ojo percibe las cosas al revés de cómo son en realidad.
•Cuando un objeto en movimiento está próximo a otro en reposo, puede que parezca ante
nuestros ojos que el objeto estable, se apropia del movimiento del inestable.
1. Intuye el funcionamiento científico del ojo, semejante al de una cámara
oscura. Así describe como funcionaría una cámara de este tipo y plantea “ Lo
mismo sucede dentro de la pupila”
-A, b, C,D y E serían objetos iluminados por el sol.
-OR sería el frente de la cámara oscura, donde está el orificio NM
-Supongamos que ST sea el papel que capta los rayos de las imágenes de estos objetos y los
vuelve del revés. Porque al ser los rayos rectos, A en el lado derecho se convierte en K en el
lado izquierdo y E del izquierdo se convierte en F en el derecho. “ Lo mismo sucede dentro
de la pupila”

6. • Todas las imágenes, entran en el ojo siendo vistas al revés, pero cuando penetran en el
cristalino vuelven a ser cambiadas y recuperan la posición que tienen en el exterior.
2. También intenta una visión científica de los planos de visión
“La necesidad ha dispuesto que todas las imágenes de objetos enfrente del ojo se
corten en dos planos. Una de estas intersecciones tiene lugar en la pulipa; la otra en
el cristalino. De no ser así el ojo no podría ver un número tan grande
de objetos”
3. El ojo retiene las imágenes por algún tiempo. Esto se demuestra porque, el ojo
al haber estado expuesto a la luz, ésta se conserva.
RELACIÓN ENTRE EL OJO Y LA LUZ
Leonardo recoge una serie de ideas que resultan en general de aceptación en nuestros días:
• Cuanto más luz se refleja en la pupila, más pequeña es esta. Los objetos se ven de menor
tamaño al mediodía, por el menor tamaño de la pupila en ese momento.
• Cuanto menos luz se refleje en la pupila, más grande será esta.
4. Cuando el ojo salga de las tinieblas y mire de súbito un cuerpo celeste, este le
parecerá de mayor tamaño, porque en las tinieblas, la pupila está más dilatada
y cuánto más dilatada este, las cosas de mayor tamaño. El tamaño de este
cuerpo irá disminuyendo según vaya pasando el tiempo.
• Cuanto más dilatada este la pupila, más claramente pueden ser vistos los objetos.
• Al aire libre y en una atmósfera luminosa, el ojo ve las cosas difuminadas.
• En un lugar oscuro todos los colores parecen de idéntica oscuridad.
• En un lugar luminoso los colores en nada varían de su esencia.
• La pintura está hecha como si fuese observada por un solo ojo.
5. Un cuerpo parecerá mayor y más luminoso visto por los dos ojos que por uno.
6. Un cuerpo luminoso de forma alargada resultará más circular cuanto más
alejado este.
• Vistos de cerca, los cuerpos en relieve se asemejan a una perfecta pintura.
7. Si el ojo está al aire libre, en una atmósfera luminosa y ve un paraje sombrío,
éste le parecerá más oscuro de lo que es.

7. 8. Cuando el ojo esté en un sitio cuya atmósfera es luminosa y penetre de súbito
en algún lugar sombrío, la oscuridad se suaviza.
Ejemplo de Leonardo:
Si miras con tus dos ojos, a y b, el punto c, este punto c te parecerá estar en
d, f; pero si lo miras con un solo ojo, g y h, te parecerá estar en m. La
pintura jamás contendrá en si misma estos dos aspectos.

8. COMPARACIONES DE LA PINTURA CON OTRAS ARTES
Siguiendo el ejemplo del Codex Urbina, casi todas las ediciones del Tratado de la
Pintura comienzan con este capítulo. Es lo que Melzi denominó “El Parangón”. En general,
el hilo conductor de todas las comparaciones es la supremacía del ojo sobre los demás sentidos.
COMPARACION DE LA PINTURA CON LA POESIA
Los principales argumentos comparativos de Leonardo sobre estas dos disciplinas son:
− La pintura dispone sus asuntos en signos imaginarios, estos exceden en el ojo, el cual recibe
sus imágenes como realidad.. La poesía ignora las cosas que no alcanzan la conciencia a
través del órgano visivo, como la pintura.
• La pintura conmueve con mayor destreza a los sentidos que la poesía. El pintor moverá a
risa pero no a llanto.
• La poesía es para los ciegos y la pintura para los sordos, mayor es la pintura porque da
placer a un sentido más noble.
• La poesía puede crear un sentimiento en las personas con descripciones imaginativas, la
pintura puede hacerlo en mayor proporción poniendo esas mismas cosas delante de la vista.
• En la pintura solo falta el alma de las cosas fingidas, en cada cuerpo aparece íntegramente
representada.
• La poesía describe y expresa la perspectiva de formas, el pintor representa de tal forma que
aparezcan con luces y sombras.
• Difícil seria para la poesía describir todos los movimientos, todo lo cual la pintura,
concluida con brevedad y verdad te pone ante los ojos todo lo que quiere decir.
• La poesía es la ciencia que actúa con acierto en los ciegos y la pintura cumple el mismo
cometido con los sordos. Pero la pintura sirve al mejor de los sentidos.
• La pintura es superior a la poseía aunque por no saber los pintores hacer valer su razón, al
no hablar, se quedo por un tiempo sin abogados, en cambio la poesía aboca en las palabras.
• La pintura representa con mayor verdad las obras que el poeta, son mucho más dignas las
obras de la naturaleza que las palabras. El pintor accede antes a las obras de la naturaleza.
• La poesía consigue describir con sus palabras, formas, hechos y lugares, el pintor es capaz
de hacer las exactas imágenes de esas mismas formas.
• Mientras la pintura comprende todas las formas de la naturaleza, la poesía solo tiene sus
nombres, que no son universales como las formas.
• Si la poesía comprende la filosofía moral la pintura comprende la filosofía natural. La
poesía lo que la mente piensa y la pintura lo que la mente piensa tal como se refleja en los
sentimientos.
• La pintura es poesía que se ve y no se oye y la poesía es pintura que se oye y no se ve.
• La poesía evoca una perfecta belleza enunciando sucesivamente cada una de sus partes de
las que la pintura se compone la dicha armonía.
• La pintura se presenta sin demora y tanto placer concede al más noble sentido, sin embargo
el poeta ofrece las mismas cosas al sentido común por vía del oído.
• La poesía satisface menos porque hay menos gente que sabe leer al porcentaje de los que
ven.
• La pintura presenta en un instante la esencia del objeto en la facultad visual. La poesía narra
el asunto por medio de un sentido menos digno que la vista, transmite a la sensibilidad la

9. representación de las cosas nombradas con mayor confusión y demora que el ojo (verdadero
mediador entre la sensibilidad y el objeto).
• La pintura imitada suple al original lo que no podrá hacer el poeta en sus obras, cual sus
palabras describen las partes de tal belleza.
• La divinidad de la ciencia de la pintura considera las obras limitadas por su superficie, por
las líneas que son términos de los cuerpos; ella ha inventado los caracteres de que se sirven
las distintas lenguas.
EL POETA Y EL PINTOR
• El poeta lo que quiere describir lo expresa sucesivamente en cambio, el pintor lo hace de
una sola vez.
• El poeta imagina la poesía en la cual finge las mismas cosas que el pintor realiza en sus
trabajos.
• El verdadero oficio del poeta consiste en fingir las palabras correspondientes al sentido del
oído, en todo lo demás el pintor sobrepasa al poeta.
• Mayor desproporción existe entre la variedad de la poesía y aquella otra de la pintura. El
pintor hará infinidad de cosas que las palabras ni siquiera podrán nombrar.
• Todo lo que en el universo es presencia o ficción será primero en la mente del pintor y
después en sus manos. Aquellas cosas hacen de la pintura una proporción armónica.
• Decía: “en fingir dichos aventaja la poesía a la pintura, pero en fingir hechos aventaja la
pintura a la poesía” Los hechos son asunto del ojo y los dichos del oído.
• El ojo es la principal vía para que el sentido común pueda considerar las obras de la
naturaleza, el oído es la segunda contar las cosas que el ojo ya vio.
• El poeta narra una historia con la pintura de su pluma y el pintor la hará con su pincel más
deleitoso.
• Decía: “la palabra que designa al hombre varia según las naciones pero la forma no
varia sino con la muerte.
• Los poetas dicen que la poesía es más eterna, a esto los pintores contestan que mas lo son
las obras de un calderero, la pintura puede hacerse muchos más duraderos pintando sobre
cobre con colores vítreos.
• Todas las bellezas fingidas por el poeta siendo sus partes dichas sucesivamente carece de la
memoria de armonía.
• El poeta no puede describir la belleza con la misma premura con que una belleza pintada es
concebida.
• El poeta dice que supera al pintor porque hace discurrir a los hombres acerca de ficciones
que fingen cosas que no existen, en cambio el pintor dice que su pintura hace su propio
oficio y el poeta no, porque si quiere hablar o persuadir es el oficio del orador.
• El poeta dice que su ciencia es invención y medida, es la simple sustancia de la poesía,
invención de asuntos y medida de los versos. El pintor le contradice diciendo que la ciencia
de la pintura tiene las mismas obligaciones de invención y medida.
• El poeta describe una cosa con tan hermosos versos, el pintor replica a esto que el también
es poeta, si el poeta puede inducir a los hombres a amar el pintor tiene poder para esto y
mas.
• Cuando el poeta describe la fealdad o la belleza miembro a miembro y en tiempos distintos
el pintor lo hace ver completo y en un instante.
• El poeta no puede construir la imagen real de los miembros, de que un todo se compone.
• La obra del poeta podría ser comparada a un hermoso rostro que no fuera mostrado por
partes sino en la divina proporción de los miembros.
• El verdadero oficio del poeta no es otro que reunir cosas robadas de otras ciencias.

10. COMPARACION DE LA PINTURA CON LA MÚSICA
• La belleza resulta un armónico concierto que alcanza al ojo en un instante la cual la música
al oído.
• La música ha de ser llamada hermana de la pintura porque ella depende del oído que es el
segundo sentido después del ojo.
• Si la pintura es mecánica porque se utilizan las manos en la música se utiliza la boca.
• La pintura que al satisfacer el sentido de la vista es más noble que la música que solo
satisface al del oído.
• Cosa más noble es la que mas permanece en el tiempo, en este caso la pintura permanece
más que la música, esta nace y se desvanece.
• La pintura permanece y tiene la apariencia de ser una realidad viva, aunque se limite a una
sola dimensión, al contrario que la música.
• La cosa que mas excelencia tiene es la de mayor universalidad y variedad, la pintura
contiene de todas las formas, existan o no en la naturaleza.
• En la pintura se hacen simulacros de los dioses, proporciona retratos a los amantes, muestra
las bellezas del tiempo y la naturaleza.
• La música constituye en tiempo armónico las suaves melodías para varias voces; pero el
poeta esta privado de la armónica discreción de las voces.
• Si se dice que las ciencias de la mente no son mecánicas, la pintura es de la mente, así como
la geometría y la música considera las proporciones de las cantidades continuas y la
aritmética de las discontinuas; la pintura considera la luz, las sombras, etc.
• El músico afirma que su arte es igual a la del pintor por ser un conjunto compuesto de
muchas partes, son cadenas armoniosas que están en continuo nacer y desaparecer. El pintor
contesta que el cuerpo humano no causa placer a través de ritmos armoniosos, ni se
compone de cadenas que nacen y mueren, sino que su obra dura muchos años.
• Dice el músico que su ciencia debe ser equiparada a la del pintor porque compone un cuerpo
de muchos miembros a esto el pintor replica que el cuerpo compuesto por humanos
miembros no pone
su placer en
tiempos armónicos.
Líneas de música escritas por
Leonardo Se encopntraban al
lado de un dibujo de matracas
circulares, ( un tipo de
instrumento musical) por lo
que se ha deducido que
debieron ser concebidas para
ellas; para ser repetidas una
vez detrás de otra mientras las
matracas se mantuvieran en
movimiento.

11. COMPARACION DE LA PINTURA CON LA ESCULTURA
• La escultura es muy digna pero es ejecutada con menor excelencia e ingenio puesto que en
dos asuntos principales la perspectiva, las sombras y las luces la escultura es ayudada por la
naturaleza.
• La escultura no es ciencia, sino arte muy mecánica, porque por ella su artífice suda y se
fatiga, y solo le basta conocer las simples medidas de los miembros, la naturaleza del
movimiento y el reposo.
• La pintura en una superficie plana a fuerza de ciencia, muestra grandísimas campiñas con
lejanos horizontes.
• La diferencia entre la pintura y la escultura es que el escultor concluye sus obras con mayor
fatiga de cuerpo y el pintor con mayor fatiga de mente.
• El escultor realiza su obra aplicando la fuerza de sus brazos y de su martillo, al pintor le
sucede lo contrario. Solo pulsa el levísimo pincel empapado en colores.
• El escultor pretende llevar a buen término sus obras, de trazar gran número de líneas cada
figura redonda.
• Estos contornos deberán ser establecidos según la conveniencia del alto y bajo relieve, lo
que solo podrá hacer el escultor sin error si a un lado se retira para ver la obra de perfil.
• El escultor, que ha de quitar piedra del bloque allí donde quiera ejecutar el relieve de esos
mismos músculos.
• Por mas que algunos digan que esto fatiga la mente del escultor, no a de ser sino fatiga
corporal.
• El escultor dice que si se quita demasiado mármol, no puede como el pintor, añadir más la
respuesta a esto es que si fuese perfecta habría quitado, según su conocimiento de las
medidas.
• El pintor lleva a término sus obras con la concurrencia de diez distintos discursos: la luz, las
tinieblas, el color, el cuerpo, la figura, la posición, la lejanía, la proximidad, el movimiento
y el reposo.
• El escultor no se cuida de la luz o de las sombras puesto que la naturaleza las engendra por
si misma en sus estatuas, de color nada; ni por la lejanía ni la proximidad.
1. Se considera que la escultura es mas eterna, no tiene los estragos del calor, el frió, la
humedad, el fuego..... A esto la respuesta de Leonardo es que noo por ello es mayor la
dignidad del escultor, puesto que una tal resistencia nace de la materia, no del artífice.
La pintura podría alcanzar tal dignidad si pintando con colores vítreos sobre metales o
barros cocidos pintásemos.
• La pintura emula a la escultura en eternidad, pero en belleza la sobrepasa
incomparablemente, porque en ella se combinan las dos perspectivas.
• El escultor hace una figura en bulto redondo y no prevé infinitos puntos de vista, sino dos
tan solo: el anterior y el posterior. En cambio el bajo relieve requiere mayor especulación
que la escultura de bulto redondo y casi se equipara a la pintura en grandeza especulativa.
• El pintor aprende mucho antes la escultura que no el escultor la pintura, el bajo relieve no
requiere tanta fatiga corporal como el bulto redondo, aunque si mayor investigación, pues ha
de considerar la proporción de las distancias existentes entre el primer plano de los cuerpos
y el segundo ...
• Las obras del escultor no valdrán nada si en ellas la luz no esta dispuesta como en el lugar
en el que fueron llevadas a cabo.

12. • La luz en cambio no le importa tanto al pintor, el
cual, tras haber dispuesto las distintas partes de su
obra, ha de atender a dos grandísimas leyes de la
naturaleza, las dos perspectivas, y aun tercero y
grandísimo discurso, el claroscuro de luces y de
sombras. Todo ello ignora el escultor.
• La escultura exige una determinada luz, la pintura
la lleva consigo, tiene luz y sombras propias.
• La luz y las sombras son cuestión importante para
la escultura, y en este punto la naturaleza da al
escultor socorro del relieve. El pintor sitúa la luz y
la sombra allí donde razonablemente serian
situadas por la naturaleza.
• El escultor no puede distinguirse por la natural
variedad de los colores; a la pintura ninguno le
falta.
• Las perspectivas de los escultores no
parecen verdaderas; las de los pintores
pueden alcanzar cien millas de
profundidad.
• Los escultores no se sirven de la perspectiva
aérea; no pueden representar los cuerpos
transparentes, ni los cuerpos luminosos, ni los
rayos reflejos, ni los cuerpos bruñidos, así
Estudio para el monumento espejos y semejantes superficies pulimentadas
Trivulzio. :1511:Royal Library, . ..
Windsor Castle •La escultura tiene a su favor ser mas resistente al
paso del tiempo, aunque la pintura sobre cobre, recubierta de
esmalte blanco y pintada con colores de esmalte puesto al horno y cocido, será igual de
resistente o más.
• El escultor si comete un error es más difícil remediarlo. Es más difícil remediar el ingenio
del maestro que ha perpetrado tales errores, que remediar la obra que ha frustrado.
• Si el escultor trabaja con barro o cera podrá quitar o poner a su placer y luego, ya la obra
concluida, colar el bronce con holgura.
• La pintura sobre cobre, que se puede corregir, es semejante a la escultura en bronce, la cual
también se puede corregir cuando es en cera; y si esta escultura de bronce es duradera,
eternísima es la pintura en cobre y esmalte.
• La pintura es más bella, fantástica y copiosa, y la escultura más duradera la escultura
muestra con poca fatiga lo que en la pintura parece cosa de milagro.
• La pintura es hermoseada por infinitas especulaciones de las que la escultura no se sirve.
• A través de vidrios papeles o velos transparentes, contemplan las obras de la naturaleza y las
dibujan sobre esas superficies translucidas; las perfilan luego añadiendo según las leyes de
proporciones, y las rellenan de claroscuro, señalando la posición, intensidad y forma de las
sombras y luces. Se sirven de estos procedimientos para ahorrarse fatiga.

13. • La pintura requiere mayor
discurso y artificio y es arte de
mayor maravilla que la escultura,
porque la mente del artista esta
obligada a transmutarse en la
mente de la naturaleza para servir
de interprete entre esta y el arte y
comentar con ella las causas de las
manifestaciones de sus leyes.
• El arte de la pintura comprende y
encierra en si todas las cosas
visibles, lo que no podrá hacer la
escultura en su miseria.
• La pintura finge las cosas
transparentes, y el escultor te
muestra la forma de los objetos
naturales sin su artificio; el pintor
te sugiere las distancias variando
el color del aire interpuesto entre
los objetos y el ojo.
• El escultor dice que el bajorrelieve
es una especie de pintura; en lo
que al dibujo se refiere, pues
ciertamente participa de la
perspectiva; en lo que se refiere a
las sombras y las luces, yerra tanto
si es considerado pintura o
escultura.
• A la escultura le falta la belleza de
los colores y su perspectiva; le
falta perspectiva y confusión de
limites de las cosas que están lejos
del ojo. (Ejemplo: no podrá conseguir que se Estudio para el monumento Trivulzio
aprecien los límites que hay entre las cosas. 27,5 x 20 cm..-508-11
:Royal Library, Windsor Castle
• La pintura requiere mas discurso mental y
mayor artificio que la escultura. Un cuerpo
rotundo rodeado de aire y vestido de una superficie oscura y clara, cual los restantes cuerpos
naturales. Todo su artificio es dirigido por dos maestros, la naturaleza y el hombre.
• Si la obra del escultor no socorriera con sombras más o menos oscuras y con luces más o
menos claras, resultaría toda de un uniforme color. La naturaleza viene en auxilio de la
perspectiva, contribuyendo con sus escorzos a que la superficie musculosa de los cuerpos
varíe según los distintos puntos de vista.
• El escultor responde a esto: " si tales músculos no hiciera, la naturaleza no me los
escorzaría", el pintor dice que sin la ayuda del claroscuro el escultor no podría modelar los
músculos, puesto que no podría verlos, pero el escultor no esta de acuerdo en esto diciendo
que es el que engendra el claroscuro al esculpir el material pero el pintor dice que es la
naturaleza quien provoca las sombras.
• El escultor dice que hará un bajorrelieve para mostrar, por medio de la perspectiva, lo que no
existe en acto, pero la perspectiva forma parte de la pintura y que en tal caso el escultor se
tornaría al pintor ...
• Si el escultor quita mas mármol del que debe no puede rectificar su error, a lo que responden
diciendo los pintores que si quita demasiado no es maestro, puesto que llamase maestro a

14. aquel que tiene un seguro conocimiento de su arte.
• El escultor dice que trabajando el mármol se descubren roturas que son del propio bloque. Si
esto fuera así seria como si aun pintor se le rompe o se le daña la tabla en que pinta.
• El escultor no podrá hacer una escultura sin hacer infinitas, por culpa de los infinitos perfiles
que las cantidades tienen. Pero, los infinitos perfiles de la tal figura se reducen a dos medias
figuras: una posterior y una anterior. Si están bien proporcionadas compondrán reunidas una
figura rotunda, y si todas sus partes tienen un justo relieve corresponderán por si mismas.
• El claroscuro y la sombra son engendradas por el pintor con grandísima especulación,
auxiliándose de las mismas cantidades, cualidades y proporciones con que la naturaleza
auxilia a la escultura.
• El pintor ha de hacer suya esa ciencia a fuerza del ingenio.
Estudios para la
fundición del
Monumento
ecuestre de
Francesco Sforza..
Realizado hacia
1490-92- Col.
Windsor12349r

15. • El escultor dirá
que sus obras son
mas duraderas
que las del pintor,
pero esta ha de
ser virtud de la
materia, que no
del escultor que
la esculpe, y si el
pintor pinta con
esmalte sobre
barro cocido, tal
obra será mas
duradera que la
escultura.
• Si la escultura
recibe la luz de
abajo arriba
parecerá cosa
deforme y
extraña; no así la
pintura, que
contiene en si
misma todas sus
partes.
• La pintura parece sobresalir del muro o de cualesquiera superficies y engañe así a las mentes
más sutiles.
• Si el material labrado no estuviese revestido de luces y sombras, causadas estas por la
interposición de protuberancias de músculos y huesos, el escultor no seria capaz de percibir
el progreso continuo de su trabajo.
refuerzos que sujetan el
molde para el caballo. Los
consejos de Leonardo eran:
Si desea hacer moldes
sencillos rápidamente,
hágalos en una caja de
arena de río humedecida
con vinagre.
Una vez hecho el molde
sobre el caballo, deberá
hacer el grosor del metal
con arcilla.
Estas piezas pertenecen al
molde de la cabeza y el
cuello del caballo, junto con
su armazón y sus hierros
(…)

16. DIFERENCIAS
FUNDAMENTALES
Como una especie de resumen de todo lo
anterior, Leonardo plantea 3 diferencias
fundamentales entre ambas ciencias:
• Las obras del escultor aparecen tal
como son, el pintor ha de estudiar la
ciencia de las sombras, compañeras de
la luz, mas no el escultor, pues la
naturaleza auxilia a sus obras, sin luz
son todas de un mismo color, pero una
vez iluminadas son de variados colores:
el claro y el oscuro.
• La segunda gran ciencia que el pintor
requiere entraña una sutil investigación,
las sombras y las luces según sus
cabales cualidades. En las obras del
escultor es la naturaleza quien por si
misma se encarga de situarlas.
• La perspectiva, la investigación e
invención sutilísimas de los estudios
matemáticos, las cual hace que por
medio de líneas parezca remoto lo que
esta próximo y grande lo que es
pequeño. La escultura es auxiliada en este punto por la naturaleza, que actúa al margen de
la invención del propio escultor.
En este sentido, Leonardo expresa una especie de deberes del pintor que serían:
• Ser capaz de explicar la causas existentes bajo las apariencias de sus leyes y la manera como
el parecido de los objetos que rodean al ojo se encuentra la verdadera imagen.
• Notar la diferencia:
• Entre varios objetos de igual tamaño que aparecerán al ojo con mayores
• Entre colores iguales que parecerán unos mas oscuros y otros mas claros.
• Entre objetos que colocados todos a la misma altura parezcan algunos mas altos.
• Entre objetos semejantes siendo colocador a diversas distancias.
Por último, plantea la cuestión de cual necesita mas destreza y dificultad. En este
sentido plantea cuatro argumentos fundamentales
1. Una estatua depende de ciertas luces, principalmente de las que la iluminan desde
arriba, mientras que un cuadro lleva consigo su propia luz.
2. El escultor no puede marcar las diferencias entre los diversos colores de los objetos. El
pintor no deja de hacerlo en cada detalle.
3. Las líneas de perspectiva de los escultores no parecen reales. Las del pintor pueden dar
la apariencia.
4. La perspectiva aérea esta fuera del campo de trabajo de los escultores; no pueden
representar cuerpos transparentes, luminosos, reflejos o cuerpos relucientes.

17. DISCURSIONES ENTRE EL PINTOR Y EL ESCULTOR
• El arte del escultor es de mayor fatiga corporal que el pintor, ya que, es un arte más
mecánico y que menor fatiga mental requiere. El escultor solo quita, el pintor siempre
pone.
• El escultor busca las líneas que dan forma a la materia esculpida; el pintor estas mismas
líneas y otras para las sombras, la luz, el color y el escorzo, cosas en las que la naturaleza
auxilia al escultor, engendrando por si mismo la sombra, la luz y la perspectiva.
• Cuando el escultor conoce las tareas del pintor, el mismo es pintor, y cuando no las conoce,
es un simple escultor. El pintor, ha de conocer la escultura, esto es, la naturalidad del
relieve, el cual engendra el claroscuro y el escorzo.
COMPARACION ENTRE MUSICA, PINTURA Y POESIA
Una vez abordadas los parangones como binomios, Leonardo se plantea también la
comparación entre las tres disciplinas, estableciendo como principales argumentos los
siguientes:
• La representación de la figura humana por parte del poeta y del pintor existe la misma
diferencia que entre conjuntos desunidos y unidos.
• El poeta al describir la belleza o la fealdad de cualquier figura lo puede mostrar
sucesivamente, pero el pintor lo hace de una sola vez. La forma del poeta puede compararse
a la del músico.
• Las representaciones son incapaces de reproducir la
belleza de proporciones armónicas a base de una
división armónica del tiempo.
• El músico al poner sus suaves melodías en espacios
rítmicos de tiempos, las compone en varias voces, el
poeta en cambio se ve privado de esa diferencia
armónica de voces.
• El pintor en sus composiciones armónicas no puede
decir cosas a distinto tiempo y están dispuestas a
reaccionar a la vez. Por estas razones el poeta esta en
una categoría inferior al pintor y mucho inferior a la
del músico en la de las invisibles.
• El poeta sabe expresar y describir la perspectiva de
formas, el pintor las representa de tal forma que
aparezcan mas vivas con luces y sombras.
• El poeta no puede conseguir con su pluma lo que el
pintor con su pincel. El poeta comunica sus
conocimientos por medio del oído, el pintor por
medio de la vista.
• El poeta queda muy rezagado del pintor en todo lo
Sus comparaciones entre disciplinas
que concierne a la figuración de las cosas y del
quizás nos expliquen el hecho de mezclar
músico en todo lo que concierne a la figuración de
datos de todo tipo en sus páginas. En
cosas invisibles. Pero el poeta recurre a la ayuda de
esta del Manuscrito del Vuelo de los
otras ciencias.
Pájaros, podemos encontrar incluso una
especie de autorretrato del autor.

18. LA PRACTICA DE LA PINTURA
Leonardo se planteó también la labor de a aconsejar y a dar una serie de pautas a los
aprendices de pintura para llegar a ser grandes pintores, pero con una norma común: la
Universalidad. Veamos algunas de estas ideas.
LAS CUESTIONES TÉCNICAS
Leonardo comienza por señalar lo que él considera deberían ser una especie de primeros
pasos:
• -Se ha de aprender en, primer lugar, la perspectiva.
• -Después de dominar la perspectiva las medidas de los cuerpos.
• -Con un buen maestro comenzar a trabajar la composición y después acudir a confirmar
lo aprendido a la naturaleza. “Son mejores obras aquellas que mayor semejanza
guarda con lo que imita que las que modifican las obras de la naturaleza
pretendiendo que sea la naturaleza la que se equivoca por no ser como ellos la
perciben.”
• -Observar detenidamente las obras de distintos maestros.
• -Comenzar a poner en práctica el arte de cada uno, copiando primero los dibujos de
buenos maestros y después realizando dibujos propios. En este caso recomienda:
-No dibujar de memoria, sino al natural, con una percepción directa de lo
que se vaya a dibujar.
-Después, del dibujo ya hecho se debe sacar el relieve.
COMO Y CUANDO TRABAJAR:
Leonardo recomienda para trabajar las habitaciones o salas pequeñas que concentran la
mente, ya que considera que las grandes distraen. Además opina que es falsa la afirmación de
que los pintores no deben trabajar los días festivos. Por otro lado, considera que en las ciudades
no se puede contemplar los lugares hermosos de la tierra por eso es conveniente haber visto
alguna vez las maravillas del campo como selvas, ríos, mares. .
En cuanto a las distintas épocas del año, Leonardo considera que para copiar la
naturaleza es mejor aprovechar el verano. Luego en invierno se pueden estudiar las cosas
preparadas durante el verano. También se debe aprovechar el verano para tomar notas al
tiempo que se pasea de objetos de la naturaleza, y conductas de los hombre cuando ríen
lloran... Recomienda tomar notas en un cuaderno que se lleve a tinta, cambiando a menudo de
cuaderno para que los dibujos no se borren. Piensa que las actividades son tan infinitamente
variadas en la memoria es incapaz de retenerlas.
REGLAS DE LA PINTURA
Para Leonardo, las reglas tienen como finalidad el adquirir un criterio apropiado y libre
y es la base de un conocimiento claro. Así pues las reglas son capaces de descubrir lo
proporcionado, los colores ... Veamos algunas:
• Saber matemáticas.
• El pintor tiene que acostumbrar su mano a copiar dibujos copiando dibujos de buenos
maestros.
• Hay que empezar por los detalles de las cosas y no pasar al segundo aspecto hasta que se
halla terminado el primero ...

19. • Después se tiene que acostumbrar a hacer el relieve. Hay que distinguir entre las luces
oscuras y las claras y saber a la vez donde se juntan entre si.
• Hay que apreciar la dirección que toman los perfiles, apreciar sin dificultad las líneas
curvas y su dirección.
• Para dibujar un cuerpo hay que conocer la anatomía: tener conocimiento de la situación de
los tendones, nervios y músculos, para poder representar correctamente los accidentes
musculares del cuerpo según la postura que este adopte.
• Luego se compone el cuadro; recomienda hacer una especie de composición previa “ “Más
tarde se pondrán allí calles, plazas y campiñas, sucintamente anotadas y sugeridas por
medio de líneas; así para un rostro se trazará un O y para un brazo una línea recta o
plegada, y cosas semejantes para las piernas y el tronco”
• Es importante ir despacio “ Hay que adquirir antes diligencia que presteza”.
• -Con todo, lo mejor será la observación directa del natural, incluso antes que copiar a
Maestros: “ si puedes acudir a la fuente, no eches mano de la vasija
• Si cuando esta resolviendo un problema se presenta otro, debes considerar el mas grave y
resolverlo y cuando este resuelto todo ir a por el menos complejo.
Una vez que el pintor ha sido enseñado a hacer estas cosas sin problemas es cuando poco
a poco se adquirirá rapidez en la realización. Además, sobre la cuestión de si trabajar solo o
en compañía, Leonardo recomienda: :
 -Trabajar solo para la labor mental: “Ha de ser solitario cuando esté empeñado en
especulaciones y consideraciones”
 -Acompañado para el dibujo “Se ha de preferir dibujar en compañía”. Por 3 motivos.
-Si no se es demasiado bueno se sentirá vergüenza, lo que estimula el estudio
-El deseo de recibir alabanzas, hará al pintor mejorar
-Se podrá aprender del dibujo de los demás.
Así pues, y a modo de resumen, podemos decir que Leonardo considera aceptable
basarse en obras de grandes pintores al principio, pero a la vez ser insiste en la necesidad de
ser original un pintor creará cuadros de escaso mérito si toma como modelos cuadros
ajenos.. Por que si todos los pintores hicieran eso la pintura iría a peor. En este sentido,
Leonardo menciona a “Los romanos por ejemplo tomaron como ejemplo a sus antecesores
empobreciendo su pintura a la vez. Esto llegó a su fin cuando apareció Giotto”
TRUCOS Y OTRAS RECOMENDACIONES PRÁCTICAS
Además señala una serie de pasos o necesidades imprescindibles como por ejemplo:
1. Por la noche se ha de memorizar todo lo estudiado y trabajado durante el día.
2. En invierno debe aprovechar para repasar lo que se hizo en verano. Por ejemplo conviene
ensayar con los desnudos que se hicieron en verano, practicando con ellos y
memorizándolos.
3. Para realizar el desnudos en verano, el pintor, debe elegir un hombre que no tenga
inconveniente en mostrarse y de buen comportamiento.
4. Un pintor tiene que ser universal, trabajar todos los temas de la pintura. Para ello, ha de ser
capaz de representar, por su arte, todas las formas de la naturaleza.
“Porque harta indignidad hay en hacer una cosa bien y otra mal”
5. En las historias los personajes deben ser diferentes en complexión, edad, tinte, actitud,
corpulencia y flaqueza. Y han de variar las ropas y colores en función de lo que requiera la
composición. “peca gravemente el pintor que hace rostros semejantes”
6. La condición de la luz: Leonardo considera conveniente:

20.  Una luz grande y alta, y no excesivamente intensa, hará resaltar buenos detalles
de los cuerpos.
 Para dibujar al natural la luz ha de venir del Norte, por que no varíe.
 Si la luz recibes desde mediodía, mantén la ventana cubierta con un paño.
 La altura de la luz ha de estar dispuesta de forma que todo el cuerpo proyecte en
el suelo una sombra tan alta como su longitud.
 En general defiende la luz media: la excesiva luz resulta cruda, la excesiva
oscuridad no deja ver. La mediocre es buena” Además recomienda no usar
ventanas pequeñas que provoquen diferencias entre luces y sombras.
7. El afán de superación: Leonardo considera imprescindible tener afán de superación:
“Triste discípulo es quien no aventaja a su Maestro”
8. Al pintar se ha de sostener en la mano un hilo de plomo, porque así se pueden ver las
posiciones relativas de los cuerpos. Además recomienda establecer una línea principal en el
cuadro.
“Cuando dibujes procura establecer una línea principal, que habrás de observar
luego a lo largo del cuerpo que dibujas; todo cuerpo depende de la dirección de la
línea principal”
• Además establece otros trucos para componer en perspectiva, por ejemplo:
 Truco para dibujar un lugar con corrección: Con un vidrio del tamaño de medio folio
colócalo con firmeza ante tus ojos, entre el ojo y lo que vas a dibujar. Te sitúas a una
distancia de 2/3 de braza del vidrio y fija la cabeza con un instrumento. Cierra el ojo, y con
un pincel o lápiz graso traza sobre el vidrio lo que allí aparece; cálcalo sobre un papel y
transpórtalo a otro mejor para pintarlo, cuidando la perspectiva aérea
 Truco para aprender la correcta disposición de las figuras: Para la correcta poses de las
figuras puedes fabricarte un bastidor o telar cuadriculado con hilos y colócalo entre tus
ojos y el desnudo que dibujes. Trazarás esos cuadrados que ves con ligereza sobre el papel.
Se coloca una bolita de cera en un lugar cualquiera para que sirva de punto de referencia.
La puedes colocar donde se
juntan las clavículas o en las
vértebras del cuello si está de
espaldas. Esos hilos te
indicarán como se disponen las
partes del cuerpo en cada
movimiento. Pero has de
mantener siempre
perpendicular la red. Los
cuadrados que traces serán
proporcionalmente menores
dependiendo de la reducción
que quieras hacer de la figura..
Después, recuerda que has de
servirte de la regla de
proporción entre los miembros
como te la mostró la red, y
tendrá tres brazos y media de
altura y tres de anchura, y
estará a siete brazas de ti y a
Prospectógrafo de Leonardo- Realizado hacia 1480 una del desnudo.
C:A. f. 5r

21. Grabado de Durero, 1525: “dibujo en perspectiva de una mujer”. Coincide con la
recomendación y el prospectógrafo de Leonardo
Leonardo llama a esta lámina “cuerpo nacido de la perspectiva de Leonardo da Vinci,
discípulo de la experiencia”- Fue realizada hacia 1490 y se encuentra en el Códice atlántico-
f. 520r

22. • Sobre los Escorzos, en general los desaconseja en figuras aisladas y los recomienda
en composiciones: “Hazlos de toda suerte y a tu conveniencia, cuanto más en batallas
donde necesariamente han de aparecer innumerables torsiones y flexiones”
Dibujos y diseño general con escorzos realizados por Leonardo para la Batalla de Anghiari
• Sobre Perfiles de los Dibujos: Los desaconseja: ( defiende el sfumato) “No
deslindes tus figuras de su campo, por medio de trazos muy
acusados”
• También aporta trucos para hacer que las figuras parezcan mayor
es de lo que son . Por ejemplo como pintar una figura en una pared
de doce brazas, que parezca alcanzar veinticuatro brazas de altura.:
Traza en la pared mr la mitad inferior de la figura que quieres
representar; a continuación sitúa la otra mitad de la figura en la
bóveda mn. Para esto hay que dibujar primero sobre el pavimento de
una sala el muro y la bóveda donde ha de ir la figura; traza tras ese
muro, la figura de perfil, y del tamaño que te apetezca, y tira todas
las líneas hacia el punto f. según se corten las líneas sobre la pared
mn, finge las figuras sobre el muro que la pared simula y así se
obtienen todas sus alturas y resaltes. La anchura o grosor que
encuentres en el muro mr debes trazar con su forma justa, porque
cuando retroceda el muro, la figura menguará por sí misma
.

23. • Método para estimular la imaginación.:-Observando manchas de un muro sucio o
construido con piedras de distinto tipo. Con esto podremos observar paisajes, batallas,
figuras agitadas y rostros de extraño aspecto.
• La selección de caras hermosas: Para Leonardo es importante dar un aire agradable a
las figuras. Hay que seleccionar caras que a vista de otros parezcan bonitas Con
frecuencia los
modelos del
maestro se parecen
a si mismo, por lo
que un pintor poco
agraciado va a
elegir caras mas
bellas que él ,pero
esto no quiere decir
que sea la
apropiada.. Puede
que el resto de las
gentes no las
consideren
suficientemente
hermosas.
Dos de sus muchos dibujos de rostros bellos de mujer
• ¿Cómo elegir una buena luz para los rostros? Leonardo mantiene que si se tiene un
patio que se pueda cubrir con una lona de lino, la luz será buena. Cuando se desee
retratar a alguien, ha de hacerse con mal tiempo o al caer la tarde, procurando que el
retratado permanezca con la espalda apoyada en uno de los muros de dicho patio. Los
muros, del patio, han de ser negros y con un alero pequeño que se proyecte sobre esos
muros. El recinto ha de ser de 10 brazas de anchura, 20 de longitud y 10 de altura. Y
debe estar cubierto por un velamen para cuando el sol ser fuerte.
• ¿Cómo juzgar una obra?.- Considera que los errores se reconocen más fácilmente de
obras ajenas que en las propias. Para que no nos ocurra esto, Leonardo, nos da una serie
de consejos:
 -Ser un gran maestro en perspectiva.
 -Tener un gran conocimiento de las proporciones del hombre y otros animales.
 -Ser un buen arquitecto, en cuanto a la forma de los edificios.
También nos aporta algún consejo para reconocer los errores de nuestra obra:
 -Tener un espejo, porque al contemplar en él la obra, la cual, vista al revés,
parecerá de mano de otro maestro.
 “Los fallos de los cuadros se observan mejor en obras ajenas. por eso al pintar
deberíamos tener cerca un espejo plano para ver el cuadro a la inversa y así
parecerá que es un cuadro ajeno. de esta manera será mas fácil darnos cuenta de
los propios fallos”
 -Otra posibilidad es hacer que el original se refleje en el espejo y compararlo
con la obra.
 -También conviene levantarse y tomar un descanso, de cuando en cuando para
relajarse, y al volver estas en mejores condiciones de juzgarlo. Incluso Es
bueno contemplar el cuadro desde cierta distancia para percibir la falta de

24. armonía, proporción en los bordes y los colores de los objetos. Además insiste
en la importancia de tener en cuenta la opinión de los demás sentido cuando se
está pintando algo, sean pintores o no lo que la observan, porque, de todas
formas, conocerán la forma de la figura y podrá indicar si tiene algún defecto.
No obstante recomienda sopesar si el censor tiene razones para la censura. No
obstante, plantea que hay que tener en cuenta que en las pequeñas cosas los
errores son menos perceptibles que en las grandes.
• ¿Cómo ayudarnos de la memoria? Cuando un pintor quiera saber si una cosa que
trabajó, la recuerda perfectamente, Leonardo, nos aconseja que procedamos de la
siguiente manera: “Cuando hayas dibujado un cuadro repetidas veces y te parezca
que ya está bien memorizado, intenta dibujarlo sin modelo. Para eso haz un calco del
modelo sobre un cristal pulido y plano y poner sobre él el que dibujaste sin modelo.
Entonces podrás ver dónde no coincide el calco con tu dibujo. Estos errores se te
quedarán memorizados en la memoria y otra vez te andarás con más cuidado con
ellos.”. El calco, también se puede hacer con un fino pergamino de cabrito, muy
aceitado y puesto después a secar.
Tres vistas de la
misma cabeza,
realizado hacia
1500 – Turín –
Biblioteca
Reale
Repertorios de narices- Ilustración para un texto del Tratado de la Pintura
( copiado del extraviado Libro A – 1508-1510- Códice Vaticano Urbinate –
1270 – f. 108v

25. MATERIALES DEL PINTOR
Como hombre educado en un taller, dedica mucho tiempo a buscar y perfeccionar
nuevos pigmentos y barnices. Por eso escribió diversas recetas que encontramos recogidas en
el en Códice Atlántico, sobre todo en lo que se refiere a fórmulas de barniz y mezclas de
colores.
• COMO HACER PUNTAS PARA COLOREAR EN SECO: Fijando el color molido en
piedra caliente con un poco de cera disuelta en agua destilada mezclada con albayalde.
• GRAFITO: Disuelto en vino y en vinagre o aguardiente, y luego mezclado con cola
dulce
• DIBUJAR EN NEGRO CON SALIVA: Con polvo de agallas de encina y de vitriolo, y
extiéndelo sobre un papel como si se tratara de barniz.
• EL COLOR VERDE: Mezclando el verde con betún para las sombras más oscuras;
para las mas claras, verde y ocre, y verde y amarillo si fueran más luminosas.
• EL COLOR AZUL: Como el aguardiente absorbe todos los colores, recomienda echar
azulina y así se obtendrá el azul.
• EL COLOR ROJO: Recomienda tomar rubíes de rocas nuevas o granates y mézclalos
al punto.
• EL COLOR AMARILLO: Propone disolver rejalgar u oropimente, en agua fuerte.
• EL COLOR BLANCO: Aconseja poner el blanco en una cazuela, dejándolo dos días al
sol y al sereno.
• ÓLEO: Para hacer óleo propone utilizar semillas de mostaza, mezclando las semillas
desmenuzadas con aceite de linaza y poniéndolo todo bajo la prensa.
- Para Despojar al óleo de su olor: recomienda tomar diez bocales de óleo fuerte, y
echarlos en una tinaja , señalando en ésta la altura que alcance entonces se deberá
;añadir un bocal de vinagre y hacerlo hervir.
- Restituir colores al óleo ya secos: tenerlos una noche a remojo en pasta de jabón y
mezclarlos a ésta.
• SOMBRAS NEGRO Y OCRE: Recomienda tomar la sombra y mezclarla con la
carnación descrita, añadiendo una pizca de amarillo y una pizca de verde y algunas
veces laca.
• APLICACIÓN DE LOS COLORES A LAS TELAS: Considera conveniente darle a la
tela una sutil mano de cola y déjala secar antes de dibujar encima.
• PROPORCIONES DEL COLOR: Considera que una onza de negro con una onza de
blanco nos da un determinado grado de oscuridad.

26. • TABLAS: Nos describe los diferentes pasos:
1. Prepararlas para pintar: la madera ha de ser de ciprés, Se debe embadurnar de
almáciga y trementina blanca destilada dos veces, y disponer después en un
bastidor, de forma que pueda dilatarse y contraerse en conformidad.
2. Como ponerlas derechas: Considera que la plancha sacada del árbol que mira
al septentrión, es la que menos alabea y mejor conserva su natural forma plana.
3. Tablas que nunca se pliegan por si solas: Insiste en que para que la tabla
cortada se conserve derecha, es conveniente serrarla a lo largo , volviendo
ambas mitades en sentido contrario.
• BARNIZ: Aconseja tomar ciprés y destilarlo, vertiendo entonces el extracto en una
redoma grande, con tanta agua que parezca ámbar.
• COMO BATIR VINO BLANCO Y HACERLO ROJO: Recomienda pulverizar agallas
y déjalas ocho días en vino blanco, Además habría que disolver vitriolo en agua y déjala
reposar y aclarar. Después habría que filtrarlo bien, y cuando se haya vertido con esa
agua el vino blanco, se obtendrá rojo.
• FUEGO: Incluso señala a modo de receta lo que nunca habría que hacer pues se puede
provocar un incendio. En este sentido, señala una serie de pasos en este caso a no
seguir:
o Perfumar la sala con una espesa humareda de incienso o de una sustancia odorífera.
o Luego soplar.
o Arrojar el barniz en polvo entre tales vapores
o Entrar en dicha sala con una antorcha encendida.
o Todo se inflamara en un instante.