La Escuela de Nueva York sentó las bases del diseño gráfico moderno en las revistas estadounidenses de posguerra. Diseñadores europeos emigrados e ideas vanguardistas fusionaron con un enfoque funcional y expresivo para contar historias visualmente. Se destacó el uso coordinado de tipografía, fotografía, color y espacios en blanco para mejorar la lectura y comunicación del contenido de manera coherente e innovadora a través de toda la publicación. Esto estableció una identidad visual propia para cada revista que reforz

1. Historia del Diseño Gráfico:
ESCUELA DE NUEVA YORK
Historia del Arte Contemporáneo - Septiembre 2017 - Docente Lic. Fiorella Záccara

2. Contexto Histórico:
Las vanguardias de diseño llegaron a Estados
Unidos, a través de la importación de revistas
europeas y como también por la inmigración de
diseñadores que huían de la guerra y la opresión.

4. Este período de posguerra, se considera la era
dorada de las revistas norteamericanas. Siendo que
coexistieron grandes talentos en materia editorial,
que elevaron el prestigio tanto visual como de
sueldos, y presupuestos. Los diseñadores de este
período se distinguieron principalmente por su
positivo compromiso con el diseño informativo en la
prensa popular. Se fusionaban las nociones
vanguardistas de las corrientes europeas, con un
gran sentido de expresividad y originalidad; en la
diagramación de los contenidos.

6. En tanto, pasaban las décadas, los diseñadores y
directores de arte expresaban una inventiva
adaptada funcionalmente a las necesidades
periodísticas de la sociedad norteamericana. Desde
una cruza inteligente entre expresividad creativa y
tecnicismos configurativos. Se implementaban
diversos niveles de información visual (tipografía,
textos, elementos artísticos expresivos) integrados en
la puesta en página. Lo que producía buenas
condiciones de lectura, más un notable refuerzo
semántico de los significados.

8. Reforzando la comprensión del contenido, se
enfatizaba en el las relaciones expresivas de los
elementos; evocando sensaciones en el lector. Es
notable el intento por lograr unidad entre imagen-
texto. Se concebía al paginado, como fotogramas
de una película. Programando la diagramación
secuencial de las páginas y la unidad estilística
global de toda la publicación. De este modo, el
producto editorial logrado era un todo coherente;
manteniendo su clima visual-conceptual desde la
tapa y a través de todas sus páginas.

9. La noción de sistema de identidad visual editorial.
Criterio de coherencia/correlato entre el perfil
editorial y los recursos visuales aplicados en la
publicación.

10. Esta nueva disciplina promulgaba la integración
de los elementos gráficos, conservando una
abstracta esencia constructivista fusionada con
un notable sentido expresivo. Estos diseñadores
expresionistas, estaban llenos de ideas
ingeniosas y tenían gran habilidad en el uso de
tipos, motivos, técnicas de imprenta, papeles de
fantasía. Investigaron nuevas alternativas
vivificantes, acerca de la funcionalidad intrínseca
de la tipografía. Los principios de esta corriente
fueron establecidos en 1947, por Eugene
Ettenmerg, en su obra "Tipografía para libros y
anuncios".

12. Recursos visuales:
1.Textura: Usada para evocar sensaciones táctiles, por medio de la imagen.
2. Yuxtaposición: Combinando diversas tipologías de ilustración.
3. Color: Vinculando áreas específicas a través de la paleta cromática. Haciendo uso de
la cualidad semántica del color.
4. Efectos visuales: Trucos gráficos, como ilusiones ópticas, juegos de luces y sombras,
direccionalidades sofisticadas, collages y cambios contrastados de encuadres y
escalas.
5. Montajes: Generando ilusión visual por proximidad o distancia, evocando un efecto
de perspectiva. Recortando y pegando elementos, sobre entornos de ficción,
dotándolos de un clima sorpresivo y atrayente.
6. Movimiento direccional: Aplicado para crear acción (concepto relativo a "contar
historias" sobre las páginas de manera vívida y dinámica), tensiones, o reposo.
Ofreciendo balance o quebrando el equilibrio. Las composiciones asimétricas proponen
movimiento y articulación del tránsito de lectura.

14. Los diseñadores mantenían preferencias
tipográficas, algunos aplicaban la familias News
Gothic, Akzidenz Grotesk, Helvética; otros
utilizaban Beton, Girder o Stymie.
También se combinaban cursivas de tipo inglés
con Baskerville o Garamond. La fundidora
Foundry ofrecía varios tipos sans serif, incluyendo
Bernard Gothic (Lucian Bernard) y Metro Black
(W.A.Dwiggins) en diversidad de tonos y cuerpos.

16. El diseñador Otto Storch, Director editorial de la
Revista Mc Call’s, 1958, aportó un asombroso
enfoque visual. La tipografía y la fotografía se
unificó de una manera compacta. Los encabe-
zados se volvían parte de la ilustración. Filosofía
de que tanto la idea, el texto, el arte y la
tipografía debían ser inseparables en el diseño
editorial. El vienés Henry Wolf, re diseñó la
revista Esquire. Con mayor énfasis en el espacio
en blanco y grandes fotografías, combinaciones
inesperadas, repetición, movimiento, símbolos
manipulados y foto-montajes. Formas
notablemente semantizadas para "contar
historias" dentro del campo visual de las páginas.

28. La escuela de Nueva York sentó bases acerca de
la importancia de la dirección editorial y el estilo
propio de las publicaciones. Su aporte al diseño
editorial se enmarca en el campo de la
correspondencia conceptual y expresiva de los
recursos tipográficos y fotográficos.

29. Se pone especial énfasis en la claridad expositiva
visual mediante el factor sorpresa y el funcional
manejo del blanco de página. La concepción de
la página preplaneada es de gran importancia en
la conservación del perfil editorial, siendo que le
confiere secuencialidad a la lectura, además de
ser un inigualable recurso expresivo. La
publicación comienza a gozar de identidad
propia, lo cual es esencial en términos de
contenido como en términos comerciales. Pues
se establece una óptima coherencia entre:
contenido/puesta editorial/grupo de
lectores/objetivos comerciales.

30. Veamos un video