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UD.3. LAS VANGUARDIASUD.3. LAS VANGUARDIAS
Minoría que extrema las tendencias
ideológicas, políticas, literarias, artísticas, etc.,
de un grupo o movimiento más numeroso, o
que anticipa otras que después irán ganando
adeptos.
VANGUARDIA
Impresionismo, Expresionismo, Fauvismo, Cubismo
Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo…
1905 – Nace el FAUVISMO con Matisse y Derian.
1905 - Kirchner y un grupo de jóvenes artistas crearon un grupo
denominado Die Brücke (El Puente) en la ciudad alemana de
Dresde, de donde surgirá el EXPRESIONISMO Alemán.
1907 – El CUBISMO, surge en París con la obra de Picasso y
Braque.
1910 - Fecha de la primera acuarela abstracta realizada por
Kandinsky que da comienzo, en Rusia, de la ABSTRACCIÓN.
1916 - Un grupo de artistas refugiados en Zurich (Suiza)
fundan el DADAÍSMO.
1917 – Se funda en Amsterdam, De Stijl (El Estilo) se
constituyó con Mondrian y Van Doesburg, el
NEOPLASTICISMO, una búsqueda de la abstracción
geométrica.
1917- De Chirico y Carra, inician en Italia la Pintura
METAFÍSICA.
1919 – Surge el CONSTRUCTIVISMO Ruso y en
Alemania se crea la Bauhaus (Casa de la Construcción) por
W. Gropius.
1924 - André Breton crea en París el SURREALISMO.
Contenidos:
•Edouard Manet.
•Características de la pintura impresionista y sus
principales representantes: Monet, Pisarro, Sisley,
Morisot y Mary Cassat.
•Escultura del periodo impresionista: Auguste Rodín.
•Escultura española de finales del XIX y comienzo del
XX: Mariano Benlliure.
•El posimpresionismo, principales representantes:
Paul Cezanne y Vincent Van Gogh.
• Las claves del Fauvismo: Matisse.
• Las claves del arte “Nabis”: Pierre Bonnard.
• El cartel publicitario: Toulousse-Lautrec, Jules
Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello.
• Las claves del cubismo: características,
periodización y principales representantes.
• Pablo Picasso.
EDOUARD MANET.
Édouard Manet
(1832-1883)
fue un pintor francés,
reconocido por la influencia
que ejerció sobre los
pintores impresionistas.
Manet fue artista contradictorio, controvertido y rebelde.
Se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y
tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito.
Se le considera uno de los padres del Impresionismo, pero
nunca expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los
Salones oficiales, aunque le rechazaran.
Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos
métodos de pintura, ni de crear otros nuevos».
Sus objetivos no eran compatibles con los de los
impresionistas, por mucho que se respetaran
mutuamente.
Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de
su influencia sobre el grupo de los impresionistas:
Almuerzo sobre la hierba y El bar del Folies-Bergère…
La notoriedad de Manet, se debió más a los temas de
sus cuadros, considerados escandalosos, que a la
novedad de su estilo.
Almuerzo sobre la hierba, (1863) Manet.
En Almuerzo sobre la hierba (1863) presenta un
grupo de figuras humanas, pero como si fuera una
naturaleza muerta (bodegón).
Destaca la desconexión entre personajes, el
desnudo y los elementos meramente
compositivos.
Este trabajo influenciará a los impresionistas en la
desatención del modelo y de la narración.
El cuadro está claramente inspirado en la Concierto
campestre de Tiziano.
Y aunque las escenas campestres están enraizadas
en el arte occidental, tanto en las ilustraciones
populares como en el arte académico, el cuadro de
Manet pertenece a un orden distinto,
desconcertante por la evidente inmediatez con que
se enfrenta al espectador.
Concierto campestre (1510) Tiziano.
Almuerzo sobre la hierba, (1863) Manet.
A pesar de la aparente unidad del grupo, cada
figura es una entidad separada, absorta en su
propia actitud o meditación, de manera que
ningún tipo de conexión narrativa puede explicar el
conjunto. Y esta sensación de ruptura hace que el
cuadro parezca desintegrarse en una especie de
collage de partes independientes que sólo por un
instante se agrupan gracias a su parecido,
prestado, con el orden renacentista.
El bar del Folies-Bergère (1882), evidenciará el
deseo de tratar los fenómenos lumínicos al
introducir un espejo al fondo que refleja toda la
profundidad de la sala y las grandes lámparas de
araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y
menos directa y, por tanto, más difícil de pintar,
recordándonos a las escenas festivas de Renoir.
La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con
el realismo en su representación detallada de una
escena contemporánea.
El bar del Folies-Bergère (1882) Manet.
Pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue
su última gran obra y pertenece a la tendencia
"democrática" del movimiento impresionista en
cuanto a temas y sitios escogidos, como
cafés, cabarets, incluso prostíbulos.
La camarera parece estar hablando con un cliente,
también reflejado en el mismo espejo. Delante de la
camarera se aprecia un juego de botellas, flor y un
cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de
mármol que da idea de la destreza de Manet para el
manejo del tema de las naturalezas muertas.
Olympia, (1863) Manet.
La música en las Tullerías, (1862) Manet.
El pífano (1866) Manet.
El Ferrocarril (1873) Manet.
El suicidio, (1881) Manet.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA
Y PRINCIPALES REPRESENTANTES:
MONET, PISARRO, SISLEY,
MORISOT Y MARY CASSAT.
A finales del siglo XIX la
fotografía cambiaría el modo
en que los pintores percibían
el mundo.
Los impresionistas conocían
bien las características del
círculo cromático, en la que se
representan las relaciones
entre los distintos colores.
Círculo cromático (1810)
Goethe.
El círculo cromático, es la representación ordenada y
circular de los colores de acuerdo con su matiz o tono a
partir de los colores primarios y obteniendo otros por su
mezcla
En primer lugar, están los colores primarios, que son los
colores que no resultan de la mezcla de otros colores, y
los que, mezclados entre sí en distintas proporciones
pueden dar como resultado cualquier otro color.
Los colores secundarios son aquellos que se consiguen
mezclando los colores primarios.
CÍRCULO CROMÁTICO con valores CMYK de 108 colores
Colores complementarios son aquellos que se sitúan en
lados opuestos del círculo cromático. Si se ponen uno al
lado del otro dos colores complementarios, parecen más
brillantes. Y si se mezclan crean un color neutro.
El color complementario de un color primario (rojo, azul
o amarillo) es el que se consigue mezclando los otros dos
(rojo + azul = violeta; rojo + amarillo = naranja; amarillo +
azul = verde).
El color complementario del rojo es el verde.
El complementario del amarillo es el violeta.
Y el complementario del azul el naranja.
Los impresionistas aprendieron del uso de los colores
estudiando las obras de Delacroix y su uso sorprendente
de los contrastes entre los complementarios, llegando a
abandonar de su paleta los colores terrosos.
Los impresionistas también aprendieron de Delacroix que
mezclando los colores con el blanco se obtenía mayor
luminosidad, y que las sombras se pueden conseguir
yuxtaponiendo colores entre sí, sin utilizar el negro.
Delacroix (1854)
Entre 1885 y 1890 Camille Pissarro, siempre abierto nuevas
experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad,
conoció a los jóvenes Signac y Seurat, que ensayaban una
nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo.
Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas
pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un
mosaico).
Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las
combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el
efecto buscado…
Perales en flor en Eragny (1886) Pisarro.
En el deseo de desvincularse de la tradición pictórica y
de investigar sobre la relación de los colores
destacaran:
Monet, Pisarro y Renoir.
También estudiaron versiones de un mismo estímulo
con apariencias distintas, la fotografía animó a los
impresionistas a investigar sobre fenómenos
perceptivos relacionados con el color, antes que a hacer
estudios descriptivos de la realidad.
Para los impresionistas la experiencia personal, y
cómo se sentían sobre ella, era más importante que
la propia realidad que además era cambiante según
las horas del día o de la noche.
Como ejemplo tenemos las series de Monet sobre la
catedral de Ruán, o las de Pissarro sobre el bulevar
de Montmartre.
Versiones de la catedral de Ruán, Monet.
El bulevar de Montmartre. Pissarro
En el tratamiento del color, los impresionistas
evitaban la mezcla de colores, aplicando colores
primarios o secundarios directamente sobre el lienzo,
yuxtaponiendo pinceladas. De esta manera se
conseguía una mayor luminosidad y brillantez en la
obra, ya que la mezcla de colores es de tipo óptico,
por tener lugar en la retina del espectador.
Baile en el Moulin de la Galette (1876) Renoir .
Por lo general, evitaban oscurecer los colores
mezclándolos con el negro. Cuando necesitaban
pintar sombras, recurrían a la mezcla o
yuxtaposición de colores complementarios. Evitaban
las sombras negras; incluso en ellas había color.
Para conseguir obras más luminosas, los
impresionistas evitaban las imprimaciones con
tonos oscuros (tradicionales) y las sustituían por
preparaciones del lienzo en color blanco.
Almiares (1890), Claude Monet.
El término “Impresionismo”, tiene un origen muy
concreto, que se remonta al año 1874. En abril de ese año
un grupo de artistas fundarán una «Sociedad anónima
cooperativa de artistas pintores, escultores,
grabadores…».
Artistas que tenían en común su desprecio por el arte
tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión
artística mucho más innovadoras.
Sus obras habían sido rechazadas en muestras oficiales y
los pintores más representativos de ese grupo eran
Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot.
Ensayo de ballet (1873), Degas.
El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo
Nadar abrió sus puertas al público la primera exposición de
este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras, una
vista del puerto de El Havre (Impresión: soleil levant), del que
tomaría su nombre.
La respuesta del público y de la crítica ante la muestra fue
implacable: una auténtica humillacion pública para los
artistas. Un crítico llamado Louis Leroy publicó un artículo que
se titulaba: «Exposición de los Impresionistas y que era
demoledor con los artistas y sus obras, y de ahí en adelante el
término “Impresionismo” se extendería para referirse a la
concepción del arte de este grupo de artistas, que pasaron a
ser los impresionistas…
Impresión: sol naciente (1873) Monet.
Otra característica del Impresionismo influenciada por la
fotografía y el grabado japonés, es captar en las obras la
temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren
representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de
amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de
una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y
cómo se siente frente a lo que percibe.
En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas
o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente»;
en consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque
tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir
un mensaje de tipo moral y tratan de captar los momentos
fugaces de motivos cotidianos pintando al aire libre.
El puente de Argenteuil (1874) Claude Monet
Los artistas impresionistas buscarán condiciones
pintorescas de iluminación como retos a su genio,
recurriendo a iluminaciones de interior por luz
artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la
iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y
la luz pasando entre hojas de árboles— o la
iluminación al aire libre con reflejos en el agua o
multitudes de gente como Claude Monet.
Ensayo sobre el escenario (1874), Degas
La Balançoire,
Auguste Renoir
La plasmación de la luz
sobre las figuras es
más importante que la
descripción de su
forma.
Nenúfares
(1899)
Monet
Monet pintando en su jardín (1873) Renoir.
La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es
intrínseco: la luz y el color y en ningún caso de la
descripción formal del volumen heredada del
clasicismo.
Las formas se diluyen, se mezclan o se separan
de forma imprecisa dependiendo de la luz a la
que están sometidas, dando lugar a esa
«impresión» que le da nombre al movimiento.
MONET
Oscar-Claude Monet
(1840-1926)
Pintor francés,
considerado uno de los
creadores del
impresionismo.
El término
impresionismo deriva del
título de su obra
Impresión, sol naciente
(1872)
Impresión, sol naciente, (1872). Claude Monet.
Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de
1860, son de estilo realista.
Monet logró exponer algunas en el Salón de París.
A partir del final de la década de 1860 comenzó a
pintar obras impresionistas. Esta desviación del
gusto de la época, que era marcado por las
academias de arte, empeoró su situación
económica a la vez que afianzó su decisión de
continuar en ese azaroso camino.
"Antibes visto desde los jardines de Salis", 1888. Monet.
En la década de 1870 formó parte de las exposiciones
impresionistas en las cuales también participaron
Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue
impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a
pesar de esto su situación financiera permaneció siendo
difícil hasta mediados de la década de 1890.
En esta época, Monet desarrolló el concepto de las
«series», en las que un motivo es pintado repetidas
veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo
comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en
Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó
como motivo para sus pinturas.
Casas del Parlamento de Londres, (1903). Claude Monet
Los Nenúfares, 1907. Monet
PISARRO
Camille Pissarro
(1830-1903)
fue otro de los
fundadores del
movimiento
impresionista
Pintó la vida rural
francesa, sobre todo
paisajes y escenas en
los que aparecían
campesinos
trabajando, pero
también escenas
urbanas a diferentes
horas.
La cosecha (1882). Pisarro.
Bulevar Montmartre, primavera, (1897) Pisarro.
Boulevard Montmartre de noche, (1897). Pissarro.
Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y
frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva
Atenas que pertenecían a ese movimiento.
Compartió esa posición con Gauguin, con quien
luego tuvo unas relaciones tensas..
En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul
Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.
SISLEY
Alfred Sisley
(1839-1899)
fue un pintor
impresionista
francobritánico.
Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su
producción: paisajes de gran espontaneidad de
los alrededores de París, de Marly, Louveciennes,
Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.
Paisajes soleados que contrastan con sus
célebres inundaciones de Marly, en las que no
pierde igualmente su connotación intimista y
poética.
Inundación en Port-Marly, (1876). Sisley.
Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus
compañeros impresionistas y vivió en la miseria a
partir del momento en que dejó de recibir la ayuda
económica de su acomodada familia. Esta situación
se produjo a causa del hundimiento del negocio
familiar en 1871.
Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de
poder contemplar como sus cuadros, que en
angustiosos momentos de penuria había vendido a
precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban
a ser apreciados por la crítica y el público y
alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado
artístico.
Puente en Villeneuve-la-Garenne, (1872) ). Sisley.
MORISOT
Berthe Morisot
(1841-1895)
pintora impresionista 
francesa, que decidió ser 
artista a pesar de su 
condición de dama 
burguesa, y que adoptó 
una postura muy radical 
que la vincularía al grupo 
de artistas impresionistas, 
la vanguardia del 
momento..
Adquirió la técnica impresionista de pintar al aire 
libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos 
para grandes obras que terminaba en el estudio.
Su primera participación en el Salón de París fue 
en 1864 con dos paisajes y continuó participando 
en  el  Salón  hasta 1874,  año  de  la  primera 
exposición impresionista, en la que participó con 
su obra La cuna.
La cuna, (1873). Morisot.
Morisot,  junto  a Pissarro,  fueron  los  dos 
únicos  pintores  que  tuvieron  cuadros  en 
todas  las  exposiciones  impresionistas 
originales. 
Y  al  igual  que Mary Cassatt, Eva 
Gonzalès o Marie  Bracquemond,  fue 
relegada a la categoría de artistas femeninas 
por  su  temática  de  la  vida  cotidiana 
(mujeres, niños y escenas domésticas).
Un día de verano (1879) Morisot
MARY CASSAT
Mary Cassatt
(1844 - 1926)
Pintora estadounidense, 
que pasó gran parte de 
su vida adulta 
en Francia, donde hizo 
amistad con Degas y se 
incorporó al movimiento
impresionista. 
Pintó,  principalmente,  imágenes  representando 
la  vida  social  y  privada  de  las  mujeres,  con 
especial  énfasis  en  los  lazos  entre  ellas  y  sus 
hijos.
Cassatt y Degas colaboraron  durante  mucho 
tiempo.
Sus  estudios  estaban  bastante  cercanos,  tenían 
mucho en común: gustos similares en cuestiones 
de arte y literatura, provenían de familias ricas, y 
habían hecho estudios de pintura en Italia…
El té (1880) Cassatt
Fiesta en un bote (1894) Cassatt
ESCULTURA DEL PERIODO
IMPRESIONISTA:
AUGUSTE RODÍN.
Neoclasicismo:
Antonio Cánova:
Las tres Gracias encarnan 
el desnudo femenino en 
toda su perfección, 
perviven los modelos 
clásicos en la fisonomía, 
anatomía y peinado
Durante el siglo XIX en  
ESCULTURA se pasará del 
CLASICISMO DE CANOVA 
al IMPRESIONISMO DE 
RODIN. 
Realismo-romanticismo
En Carpeaux por el 
contrario todo es 
movimiento, mayor 
naturalismo en la anatomía 
los gestos los cabellos, 
contraste de texturas…
El impresionismo de
Rodin.
El colosalismo y la 
rugosidad de las 
superficies, como en 
apelativo de obra 
“inacabada”, que le da una 
gran fuerza expresiva, 
potencia los efectos de luz 
trasladando el 
impresionismo a la 
escultura. 
AUGUSTE RODIN
François-Auguste-René Rodin (1840- 1917) es 
considerado  uno  de  los  "padres  de  la  escultura 
moderna”. Viajó a Italia , donde se sintió atraído por 
el tratamiento del movimiento y la acción muscular 
en  las  obras  de  los  escultores  del  renacimiento 
Donatello  y  Miguel  Ángel  (el  fuerte  impacto  de  la 
terribilitá  de  Miguel  Angel  se  aprecia  en  toda  su 
obra).
Para  Rodin,  la  belleza  en  el  arte  consistía  en  una 
representación  fidedigna  del  estado  interior,  y  para 
lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la 
anatomía.
LA EDAD DE
BRONCE (1877)
Rodin,
,
Manos de amantes, (1904) Rodin.
El beso
(h.1882)
Rodin,
Las puertas del infierno
(1917)
Rodin.
El pensador
(1882)
Rodin.
Burgueses de Calais (1889), Rodin.
Camille Claudel
 (1864 - 1943) 
fue una escultora francesa 
que llega a París en 1883 
con el fin de perfeccionar 
su técnica. Ese mismo año 
se encuentra por primera 
vez con Auguste Rodin.
Al año siguiente empieza a 
trabajar en su taller, posa 
para él y colabora en la 
realización de las figuras 
de La puerta del Infierno…
Además de ser una de 
las principales 
colaboradoras del 
escultor, fue también 
su compañera
durante algunos años, 
y se convirtió en su 
modelo y musa, 
inspirando obras 
como La Danaïde o 
Fugit Amor.  
La Danaide, (1890) Rodin.
Fugit Amor -Amor fugitivo- (1885)
La pareja frecuentaba los ambientes artísticos 
y  culturales  más  importantes  del  París  de  la 
época y pasaron juntos largos períodos fuera 
de  la  ciudad,  sin  embargo  a  Rodin  se  le 
relacionó  también  sentimentalmente  con 
Rose Beuret,  y  esta  situación  de  desengaño 
amoroso  sería  la  inspiración  de  una  de  las 
obras más importantes de Camille Claudel: La
edad madura.
La edad madura (1913) Camille Claudel.
ESCULTURA ESPAÑOLA DE FINALES
DEL XIX Y COMIENZO DEL XX:
MARIANO BENLLIURE.
En la escultura española del siglo XIX se distinguen 
tres etapas:
1º etapa:  El  siglo  XIX  se  inicia  con  el  movimiento
neoclásico procedente  del  siglo  anterior.  Se 
produce  la  decadencia  de  la  escultura  religiosa  y 
cobra  importancia  la  escultura  como  elemento 
decorativo de la arquitectura. Su gran mecenas será 
la  realeza  que  con  la  construcción  de  sus  nuevos 
palacios  o  la  reforma  de  los  existentes  hacen 
necesario que se establezca la plaza de escultor de 
cámara.
Las Academias serán las encargadas de la formación 
de  los  jóvenes  artistas  y  las  que  establecen 
concursos  y  becas  de  estudio  en  Madrid,  Roma  o 
París. Se impone la rigidez académica que exige la 
imitación  de  la  Antigüedad.  El  resultado  es  una 
estatuaria fría y poco expresiva.
Como  Antonio Solá con  el  Monumento a Daoiz y
Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid
Monumento a Daoiz y Velarde (1822 ) Antonio Solá. Madrid.
2ª etapa: Un corto periodo romántico de escultura 
monumental  para  embellecer  edificios  o  erigir 
monumentos  conmemorativos.  A  diferencia  de  lo 
que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de 
carácter  y  la  desorientación.  Es  una  época  de 
transición,  que  alterna  elementos  clasicistas  con 
otros  criterios  que  desembocarán  en  un  nuevo 
realismo.
La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II 
no le interesa demasiado el arte y se suprimen los 
pintores  de  cámara.  A  partir  de  1845  la  Academia 
deja  de  dirigir  la  enseñanza  artística  y  se  crea  la 
Escuela de Bellas Artes. Las Exposiciones Universales 
sustituirán los premios y pensiones de la Academia…
Leones del Congreso de los Diputados (1848)
Ponciano Ponzano y Gascón
3ª etapa: Realismo.  Lo  entendemos  como  la 
inspiración  directa  en  la  realidad  que  nos  rodea. 
Los escultores que en el último tercio del siglo XIX 
asimilaron  la  corriente  naturalista  son  más 
abundantes. 
Ricardo Bellver (1845-1924)es el autor del Ángel 
Caído, monumento que se encuentra en el Parque 
del Retiro de Madrid. Un desnudo que representa 
al diablo, de forma cuidadosa y expresiva sin caer 
en detallismos excesivos.
Plaza del Ángel Caído,
(1887) Ricardo Bellver.
Parque del Retiro, Madrid
MARIANO BENLLIURE
Mariano
Benlliure
(1862-1947)
Está 
considerado 
como el último 
gran maestro 
del realismo
decimonónico y 
el puente con el 
Modernismo.
Mariano Benlliure era  hijo  de  un  modesto  pintor 
valenciano que introdujo desde la infancia a sus  hijos en el 
arte. 
Tras  iniciarse  en  la  escultura  de  forma  autodidacta,  en 
1874 se trasladó con su familia a Madrid a estudiar.
En 1881, viajó a Roma para completar su formación y allí 
se perfeccionó en el dominio de las técnicas y materiales, 
en contacto con los talleres artísticos más importantes y 
con visitas a las canteras de Carrara; además de ilustrarse 
en  el  estudio  de  la  estatuaria  clásica,  renacentista  y 
barroca, y de la escultura de la Italia de su tiempo. 
Alternó sus estancias en Roma con viajes a París y 
obtuvo  primeras  medallas  en  las  Exposiciones
Internacionales de Berlín, Múnich, Viena y París…
Benlliure se convertiría en el más  famoso escultor 
de  su  época  y  nos  ha  dejado  una  enorme 
producción, en la que destaca su  virtuosismo, y el 
dominio  de  un  amplio  abanico  de  géneros  y 
técnicas. 
Tan  sólo  en  escultura monumental realizó  más  de 
cincuenta obras destinadas a las principales ciudades 
españolas e hispanas. 
Afrontaba todas sus obras con naturalidad, tenía una 
extraordinaria facilidad para modelar y cincelar, y un 
sentido  personal  de  la  combinación  de  los 
materiales,  generalmente  mármol  y  bronce, 
consiguiendo  un  exquisito  acabado  de  las 
superficies.
Monumento al general Martínez Campos - Madrid- (1907) Benlliure.
Monumento al Duque de
Rivas- Córdoba.-(1929),
Benlliure.
Mediante  el  juego  del  claroscuro  y  un  modelado
pictoricista imprimía  a  sus  obras  cualidades  casi 
táctiles, y fuertemente expresivas. 
Prestaba  igual  atención  al  detalle,  que  ejecutaba 
con  gran  soltura  y  un  virtuosismo  alejado  de  todo 
manierismo,  como  al  equilibrio  armónico  de  sus 
composiciones.
Del año 1900 data su primer monumento funerario, 
con el que obtuvo la Medalla de Honor de Escultura 
en la Exposición Universal de París.
La Reina Regente María Cristina quiso evitar que esta 
obra  de  arte  acabase  en  un  cementerio  de  un 
pequeño pueblo en el Pirineo y mostró interés para 
que fuera colocada en una plaza de Madrid, pero la 
voluntad  de  la  familia  del  tenor  Gayarre,  al  que 
estaba dedicado se impuso, y finalmente en 1901 fue 
colocado en el lugar para el que había sido creado…
Mausoleo de Gayarre - El Roncal (Navarra)- (1900), Benlliure.
En  la  ingente  producción  de  Benlliure,  destacaran 
sus  monumentos funerarios que  lo  consagraron 
como  el  escultor de moda de la alta sociedad
española. 
De  sus  21  monumentos  funerarios,  además  del  de 
Gayarre  en  Navarra,  destacarían  los  del  torero 
Joselito “El Gallo” en Sevilla, el del novelista Blasco
Ibáñez  en  Valencia,  los  sepulcros  del  Panteón  de 
Hombres  Ilustres  de  Madrid  (Sagasta, Canalejas, y
Eduardo Dato) o el de la Vizcondesa de Termens en 
Cabra (Córdoba)…
Mausoleo de Joselito (1924) Benlliure
Mausoleo de Joselito (1924) Benlliure
Mausoleo de Blasco Ibáñez (1935) Benlliure
Mausoleo de Sagasta (1904) Benlliure
Mausoleo de Dato (1928) Benlliure
En  1908 se encarga 
a Mariano Benlliure
las obras 
escultóricas y 
arquitectónicas de 
un panteón que la 
Vizcondesa de
Termens, Carmen
Giménez Flores, 
quiso construir en el 
cementerio de 
Cabra. 
Realizado en mármol y
bronce, respondía al 
modelo de monumental y
con capilla…
Los trabajos de 
terminación e instalación 
del mausoleo durarían 
desde julio hasta 
noviembre de 1914. 
El Mausoleo de la
Vizcondesa de
Termens, se 
construyó 
originalmente en el 
cementerio
municipal de Cabra y 
posteriormente, fue 
desmontado y 
trasladado a la capilla 
de la Fundación que 
lleva su título. 
POSTIMPRESIONISMO:
CÉZANNE Y VAN GOGH.
POSTIMPRESIONISMO es el término histórico-artístico 
que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo 
XIX y principios del XX posteriores al impresionismo.
Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de 
una  exposición  de  pinturas  de  Paul  Cézanne, Paul
Gauguin y Vincent van Gogh que  se  celebró  en 
Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos 
personales  planteándolos  como  una  extensión  del 
impresionismo  y  a  la  vez  como  un  rechazo  a  las 
limitaciones de este. 
Los jugadores de naipes, (1892). Cezanne.
Los postimpresionistas continuaron utilizando 
colores  vivos,  una  aplicación  compacta  de  la 
pintura, pinceladas distinguibles y temas de la 
vida real, pero intentaron llevar más emoción y 
expresión a su pintura.
Bodegón con manzanas y naranjas, (1900). Cezanne.
Paul Cézanne
(1839- 1906)
está considerado el
padre de la pintura
moderna, estableció
las bases de la
transición entre la
concepción
artística decimonónica
y el arte del siglo XX,
nuevo y radicalmente
diferente.
Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la
complejidad de la percepción visual humana.
Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y
para ello observa los objetos desde distintos puntos
de vista, lo que le lleva a representarlos desde
perspectivas diferentes simultáneamente.
Bodegón con cortina (1895) Cézanne.
La obra de madurez de Cézanne muestra el
desarrollo de un estilo de pintura, casi escultórico. La
intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de
la estructura compositiva, indican que, a pesar de la
frecuente desesperación del propio artista, había
sintetizado los elementos básicos de representación
y expresividad de la pintura de un modo muy
personal.
Interesado en la simplificación de las formas reduce
las formas naturales a sus esencia geométrica.
La carrière de Bibémus (1885) Cézanne
Cézanne pintó reiteradamente bañistas,
renovando el tema de la mujer en el baño,
haciendo de él una construcción moderna.
Así lo hizo a partir de la década de 1870, en
cuadros en los que los personajes se funden con la
naturaleza que los rodea.
Las grandes bañistas, (1906). Cezanne.
El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es
completamente distinto al de los maestros de siglos
precedentes como Tiziano. No se trata aquí de figuras
mitológicas o literarias.
Tampoco las representa según los cánones de la
anatomía tradicional sino que los geometriza. Pinta a las
bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras
sentadas, otras tumbadas acercándose a la abstracción, y
lo mismo cabe decir del paisaje.
Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del
verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.
Bañistas, (1905). Cézanne
En sus bodegones, Cézanne, se esforzó por comprender
y reflejar la complejidad de la percepción visual humana.
Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para
ello observa los objetos desde distintos puntos de vista,
lo que le lleva a representarlos desde perspectivas
diferentes simultáneamente.
La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de
la estructura compositiva, indican que, a pesar de la
frecuente desesperación del propio artista, había
sintetizado los elementos básicos de representación y
expresividad de la pintura de un modo muy personal.
Estaba interesado en la simplificación de las formas que
ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica.
Naturaleza muerta con frutas, (1880). Cézanne.
Impacto de Cézanne en el arte posterior:
Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo
XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el
cubismo.
Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue
conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por
unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del
postimpresionismo. La retrospectiva de Cézanne de 1907
en el Salón de Otoño impactó entre la vanguardia
parisina, dando crédito a su posición como uno de los
artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento
del Cubismo.
Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación
geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a
Picasso, Braque, Juan Gris, y otros para experimentar
con múltiples visiones y a la fractura de la forma.
Hay una frase, atribuida tanto Matisse y a Picasso,
según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros».
Matisse admiraba su utilización del color y Picasso
desarrolló la estructura de la composición plana de
Cézanne para crear el estilo cubista.
La montagne Sainte Victoire, (1904). Cézanne.
.Horta del Ebro (1909). Picasso
Vincent van Gogh
(1853-1890), produjo
toda su obra (900
pinturas y 1600
dibujos) durante un
período de 10 años
(de 1880 a 1890),
hasta que sucumbió
a la enfermedad
mental…
Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y
siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su
carrera pictórica está marcada por los lugares
donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera
etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la
pintura tradicional y popular de este país,
exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que
más influyó en obras como Los comedores de
patatas y las pinturas sobre Los tejedores.
Los comedores de patatas (1885), Van Gogh
Los tejedores (1884), Van Gogh
Realizó
numerosos
dibujos de
personajes
populares y
copió obras de
su pintor
favorito
Millet.
Etapa impresionista
En París (1886-1887), se pone en contacto con los
impresionistas que pretendían romper con el academicismo
de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones
de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza.
En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec
y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el
color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y
mostró una simplificación a la vez que una mayor
intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época
empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los
pintores europeos a los que más influyó este tipo de
pintura…
Mujer en el Café de
Tambourin (1887),
Van Gogh.
Etapa postimpresionista
Van Gogh representó el postimpresionismo, estilo que
sucedió entre 1885 y 1915.
Representó una vía divergente del impresionismo, donde
los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.
Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por
Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de
la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los
postimpresionistas».
Puesta del sol en Montmajour (1888) Van Gogh.
Jarro con doce
girasoles (1888),
Van Gogh.
Etapa precursora expresionismo
Destaca por el uso del color y una técnica que contiene
trazos del expresionismo. Mientras Gauguin
acostumbraba a pintar de memoria y Van Gogh pintaba
in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento
exaltado se demostró por la vía del color.
Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos
últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La
italiana de finales de 1887, y en la de Edward Munch.
Autorretrato con oreja
vendada (1889),
Van Gogh.
A esta tendencia a la que contribuiría Van
Gogh, a partir de su llegada en 1888 a Arlés,
donde el choque con la luz del sur, le empuja
a la conquista del color, con obras como El
dormitorio de Arlés, Los Olivos de Saint-
Rémy, y La noche estrellada.
El dormitorio en Arlés (1888), Van Gohg.
Los Olivos de Saint-Rémy (1889), Van Gohg.
Las pinturas del periodo de Sant Rémy de Provenza, se
caracterizan en general por remolinos y espirales.
Desde la dramatización de las escenas de sus primeros
trabajos, a la simplificación que caracterizó sus últimas
obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del
expresionismo.
Se tuvo que esperar al agosto de 1911, cuando el crítico
de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar del
expresionismo de Van Gohg.
La noche estrellada (1889), Van Gogh.
Autorretrato (1889)
Van Gohg.
LAS CLAVES DEL FAUVISMO:
MATISSE.
El fauvismo, fue un movimiento pictórico francés
caracterizado por un empleo provocativo del color.
El precursor de este movimiento será Henri Matisse
y su mayor influencia en la pintura posterior se ha
relacionado con la utilización de color en su estado
puro, color libre.
El término surge en el Salón de Otoño de 1905 donde
entre las obras presentadas al concurso, hubo problemas
a la hora de clasificar algunas de ellas, por expresarse de
un modo intenso y diferente.
El crítico Louis Vauxcelles afirmó de ellas: (…) c'est
Donatello parmi les fauves (como Donatello entre las
fieras); de la palabra fauve derivó fauvisme (fauvismo).
La mención a Donatello se debe a que en la misma sala
había una escultura de corte renacentista. Los autores de
las obras a pesar de lo peyorativo del término, lo
adoptaron como distintivo de sus obras.
El puente de Charing Cross de Londres, (1906) Andre Derain
Entre los artistas fauvistas más reconocidos está
Henri Matisse, fundador del movimiento, Raoul
Dufy, Georges Braque, André Derain y Maurice De
Vlaminck.
Este grupo llevaron a cabo sólo tres exposiciones
oficiales entre los años que duró su movimiento,
(1904-1908) aunque la presencia y la relevancia de
sus obras para futuras escuelas pictóricas se
mantendría por largo tiempo.
El fundamento de este movimiento es la liberación
del color respecto al dibujo exaltando los
contrastes cromáticos.
Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del
color interpretando primarios, secundarios y
complementarios. Mediante este planteamiento
consiguieron un gran contraste visual y una mayor
fuerza cromática.
El restaurante `la Machine´, en Bougival (1905). Maurice Vlaminck.
Henri Matisse
(1869 - 1954)
pintor francés
conocido por el uso
del color y de un
original y fluido dibujo.
Se considera una de
las figuras centrales
del arte moderno…
Al inicio de su carrera, se le identificará con
el fauvismo y para los años 20 destacará por su
maestría en el lenguaje expresivo del color y del
dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción
que se extendió por más de medio siglo, y que
consagró su reputación como una de las figuras
centrales del arte moderno.
Supo conjugar en sus obras la influencia de artistas
como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas
persas, el arte africano o las telas moriscas.
La raya verde / retrato
de la señora Matisse
(1905) H. Matisse.
La alegría de vivir, (1906) Matisse.
Armonía en rojo/ la habitación roja, (1908) Matisse
La danza, (1909) Matisse.
Matisse descubrió la riqueza y la libertad de
creación que ofrecen los pedazos de papel
coloreados con guache y que recorta de variadas
formas y compone .
Es con esta técnica durante los últimos años de
su vida va a producir algunos cuadros
monumentales, precursores del collage.
La tristeza del Rey, (1952) Matisse.
El caracol, (1953) Matisse.
LAS CLAVES DEL ARTE “NABIS”:
PIERRE BONNARD.
Nabis es la denominación de un grupo de artistas
franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por
su preocupación por el color. Su nombre deriva de la
palabra hebrea nebiim (profeta).
Influido por Gauguin, el grupo fue liderado por Paul
Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los
pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard
Vuillard,, Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Félix
Vallotton, Georges Lacombe y Pierre Bonnard.
Era un grupo
compuesto,
principalmente, por
artistas jóvenes del
ambiente artístico de
París.
No tuvo mayor
difusión en el resto
de Europa.
El talismán (1888)
Paul Sérusier.
Los nabis se interesarán por lo exótico y lo oriental
y realizarán una pintura basada en la deformación
de la realidad :
•objetiva (deformación de la realidad que se ve)
•subjetiva (deformación por la emoción).
Paisaje, (1890) Paul Ranson
Pierre Bonnard
(1867- 1947)
fue un pintor,
ilustrador y
litógrafo francés que
dedicó su talento a
la publicidad y a la
producción artística.
Autorretrato, (1889)
Bonnard
En la pintura de Bonnard, principal
exponente del grupo de pintores
Nabis, la pincelada produce un
efecto vibrante y el dibujo pierde
toda su importancia…
El comedor de mi tierra (1913), Bonnard
Líder del
movimiento Nabis,
su producción
tardía se considera
precursora de la
pintura abstracta…
EL CARTEL PUBLICITARIO:
TOULOUSSE-LAUTREC,
JULES CHÉRET,
ALFONS MUCHA
Y
LEONETTO CAPPIELLO.
El cartel es un soporte
de papel, que se
imprime con algún tipo
de mensaje visual
(texto, imágenes) que
se coloca en la pared
para dar a conocer una
información…
Cartel de Steinlen
(1896)
La gran revolución del
cartelismo llegó con la
aplicación de la
litografía y la
utilización del color.
Se desarrolló en
Francia, y en la última
década del siglo XIX
llegó a toda Europa.
En torno a 1800 se produjeron dos acontecimientos que
dieron lugar a la era moderna del cartel:
•el inicio de la industrialización, que generó la necesidad
de una publicidad extensiva.
•un nuevo método de impresión, la litografía, que hacía
mucho más fácil la ilustración de carteles en color.
Entre los cartelistas más notables estuvieron Henri
de Toulouse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha, y
Leonetto Cappiello, cuyas obras se consideraban en su
época carteles artísticos.
Henri de Toulouse-
Lautrec
(1864-1901)
pintor y cartelista francés
que pintó la vida nocturna
parisina de finales
del siglo XIX.
Se lo enmarca en la
generación del post-
impresionismo.
La obra de Toulouse-
Lautrec se caracteriza
por su estilo
fotográfico,
espontaneidad y
capacidad de captar el
movimiento de escenas
y personajes, en un
estilo muy
característico…
Monsieur Boileau (1893)
Toulouse-Lautrec
Baile en el Moulin Rouge (1890) Toulouse-Lautrec.
A lo que hay que añadir la originalidad de sus
encuadres, influencia del arte japonés, que
se manifiesta en las líneas compositivas
diagonales y el corte repentino de las figuras
por los bordes.
Poseía una memoria fotográfica y pintaba
de forma muy rápida.
Salón de la Rue des Moulins (1894) Toulouse-Lautrec.
Sin embargo, su
primera influencia fue
la pintura impresionista
y, sobre todo, la de
Degas, de quien siguió
la temática urbana
alejándose del
paisajismo.
Se considera la
vanguardia del
modernismo y del art
nouveau.
Mujer en el Baño (1889)
Toulouses-Lautrec
Lautrec fue
fundamentalmente un
dibujante e ilustrador.
Sus pinturas al óleo son
escasas y apenas las
expuso en vida. Pero su
fama de persona
marginal no implicó que
fuese
un artista fracasado; de
hecho fue un artista
muy popular por sus
ilustraciones y carteles
publicitarios.
May Milton, (1895)
Toulouse-Lautrec.
Como cartelista
Toulouse-Lautrec,
introdujo importantes
cambios en su contenido
y en su estilo artístico.
Abandonó el
impresionismo para
utilizar grandes zonas de
colores lisos, técnica
tomada de los grabados
japoneses.
Divan japonais (1892)
Toulouse-Lautrec
Las figuras femeninas
idealizadas de las épocas
anteriores fueron
sustituidas por personas
reales, aunque sutilmente
estilizadas, formando
viñetas, como una mujer
bebiendo en un bar, o un
caballero y una dama
sentados a una mesa
besándose.
Reine de joie (1892)
Toulouse-Lautrec
El artista redujo la
importancia del texto
prestando atención al
aspecto pictórico del
cartel.
Una de sus últimas obras de
es el cartel Jane Avril,
apenas sin texto y que es
prototipo de todos los
carteles modernos
pictóricos.
Jane Avril, (1893)
Toulouse-Lautrec
En estos carteles aparecen
técnicas japonesas que se
perciben mediante la
simplificación de formas,
el encuadre fotográfico
que lleva a cortar objetos y
personajes contrastados,
línea que dibuja perfiles,
con colores vivos y una
cuidada selección de los
motivos que intervienen.
Moulin Rouge.La Goulue,
(1891) Toulouse-Lautrec
Aristide Bruant dans son
cabaret, (1892)
Toulouse-Lautrec.
Jules Chéret
(1836-1932)
Creador de carteles para
teatros o cabarets (Folies
Bergere, el Teatro de la
Ópera o el Moulin
Rouge).
Después realizaría
trabajos para
promocionar perfumes,
licores, cosméticos o
productos farmacéuticos.
Cheret fue el primer
artista moderno de
carteles y revolucionó
su apariencia dando
preponderancia a la
ilustración, que hasta
entonces estaba
subordinada al texto.
En lugar de escenas
realistas dibujaba
figuras idealizadas,
realzando su belleza,
vitalidad y
movimiento.
Se especializó en
carteles de teatro y se
inspiraba en los
maestros de la pintura
barroca.
Con líneas y colores
planos encuentra
profundidad en sus
dibujos, y además
conseguía conectar con
los gustos populares
Alphonse Mucha
(1860-1939),
de origen moravo
desarrollo su trabajó en
París donde se hicieron
famosos sus carteles de
la actriz francesa Sarah
Bernhardt o los del
famoso champangne
Moet Chandon.
Los trabajos de Mucha
frecuentemente
introducían mujeres
jóvenes y hermosas,
flotando en atuendos
neoclásicos,
frecuentemente
rodeadas de
exuberantes flores las
que a veces formaban
halos detrás de sus
cabezas.
Mucha produjo una
gran cantidad de
pinturas, carteles e
ilustraciones así como
diseños para joyería,
alfombras,
empapelados y
decorados teatrales
en lo que llegó a
conocerse como el
estilo art nouveau
(modernismo).
Leonetto Cappiello
(1875 -1942)
Publicista, ilustrador
y caricaturista
italiano.
Sus carteles tienen el
encanto singular de
los dibujos burlones,
de un caricaturista,
amante del estilo
japonés y del humor.
LAS CLAVES DEL CUBISMO:
CARACTERÍSTICAS, PERIODIZACIÓN
Y PRINCIPALES REPRESENTANTES.
PABLO PICASSO.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado
entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger,
Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris.
Será una tendencia esencial, que dará pie al resto de
las vanguardias europeas del siglo XX.
No se trata de un ismo más, sino de la ruptura
definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue
acuñado por el mismo
crítico, Louis
Vauxcelles, que había
bautizado a los
fauvistas.
De Braque y sus
pinturas de L'Estaque,
dijo, despectivamente,
que era una pintura
compuesta por
«pequeños cubos» de
donde deriva cubismo.
L´Estaque (1908) Braque
El cubismo esta
considerada la primera
vanguardia.
En los cuadros cubistas,
desaparece la perspectiva
tradicional y las formas se
convierten en figuras
geométricas. Se adopta así
la llamada «perspectiva
múltiple»: se representan
todas las partes de un
objeto en un mismo plano.
Guitarra y mandolina, (1919)
Juan Gris.
A pesar de ser una
pintura de
vanguardia los
géneros que se
pintan son
tradicionales, como
bodegones,
paisajes y retratos.
Retrato de Pablo Picasso,
(1912) Juan Gris.
Se eliminan los colores vivos del
impresionismo o el fauvismo y se vuelve a
tonos grises, verdes y marrones.
El monocromatismo predominó en la
primera época del cubismo, pero
posteriormente se abriría más la paleta...
Torre Eiffel (1922)
Robert Delaunay
Con todas estas innovaciones, el cuadro cobra
autonomía como objeto independientemente de lo
que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar
o clavar en el lienzo todo tipo de objetos hasta formar
collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener
referencias naturalistas, por lo que necesitaban un
discurso escrito tan importante como la misma obra.
De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de
vanguardia vinieron acompañados de textos críticos
que los explicaban.
En el puerto
(1917) Gleizes
La Ruleta, (1924) Jean Metzinger
JUAN GRIS
Juan Gris (1887-1927),
-José Victoriano
González-Pérez-
pintor español que
desarrolló su actividad
principalmente
en París como uno de
los maestros
del cubismo.
Botella y frutero, (1919)
Juan Gris.
En su adolescencia es ilustrador de publicaciones y en
1906, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso,
Fernand Léger y Georges Braque.
En 1912, Juan Gris salta al cubismo con varias pinturas
presentadas en el Salon des Indépendents de París.
En 1913, empezó a trabajar la técnica del papier collé:
recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de
periódicos, que se pegan sobre el lienzo para
combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al
cubismo.
Bodegón con persiana,
(1914) Juan Gris.
Bodegón con botella de Burdeos, (1919) Juan Gris.
Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan
Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico
como en lo personal.
Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo
de gusto clasicista; mientras, Juan Gris se mantuvo
fiel al cubismo en una clave más colorista.
En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías
para dos montajes de ballet de Diaghilev.
La ventana abierta, (1921) Juan Gris.
GEORGES BRAQUE
George Braque (1882-1963) tuvo unos primeros
momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en
L'Estaque, una serie de paisajes "lineales" pre-
cubistas.
Fases en su obra cubista:
En una primera época pinta superficies superpuestas
y planos angulares a base de cubos; usaba pocos
tonos cromáticos.
L´Estaque (1908) Braque
Instrumentos musicales, (1908) Braque.
Le sigue una fase
(1909-1912) de
"cubismo
analítico“, en el
que los objetos
quedaban
descompuestos
en partes hasta el
punto de ser
irreconocibles.
La Guitarra (1909)
Braque.
En un tercer
momento cultiva el
"cubismo sintético",
es decir, con unidad
compositiva.
Impulsa más que
Picasso en esta
tendencia del cubismo
sintético.
Fruit and glass,
(1912) Braque
A la vuelta de la
Primera Guerra
Mundial desarrolló
un estilo propio, con
forma unida al color
y totalmente
expresionista.
Los pájaros, (1953)
Braque
PICASSO.
Pablo Ruiz Picasso
(1881-1973)
destaca por la creación y
desarrollo del Cubismo.
Está considerado como
uno de los artistas más
influyentes del siglo XX,
y sigue siendo un
modelo de inspiración
para muchos pintores
actuales.
A lo largo de su vida
Picasso pintó más de
2.000 obras que hoy en
día se exponen en
distintos museos de
Europa y de todo el
mundo.
Pero no solo se dedico a
la pintura, sino también
al grabado, al dibujo, a
la ilustración de libros, la
escultura, a la cerámica,
al vestuario de teatro,
etc.
Su evolución
artística se divide en
varios periodos:
ÉPOCA AZUL.
(1901-1903) en la
que predominan los
colores azules.
Mendigos junto al mar,
(1903)
Picasso
La vida, (1903)
Picasso
ÉPOCA ROSA.
(1905-1906), con
pinturas que muestran
tonos más rosados o
rojizos.
Madre e hijo (saltimbanquis),
(1905) Picasso
La Familia de
Saltimbanquis,
(1905), Picasso.
Gran Holandesa
(1905) Picasso
PROTOCUBISMO
(1906-1907),
comienzan a aparecer
influencias africanas,
además de una
desvinculación por
parte de Picasso de lo
establecido en el arte.
Ruptura con el
realismo utilizando
planos angulares sin
fondo ni perspectiva.
Gertrude Stein
(1906) Picasso
Las señoritas de
Avignon será la
obra clave para
que Picasso
continuara
investigando
nuevas técnicas y
modos de
hacer pintura,
entrando
finalmente en el
Cubismo.
Las señoritas de
Avignon, (1907)
Picasso.
CUBISMO
(1908-1916)
Etapa más
representativa de
Picasso, se caracteriza
por una ruptura
definitiva con la pintura
tradicional. Trata
formas de la naturaleza
en formas geométricas.
Busca una pintura pura,
inspirándose en los
objetos cotidianos
desde una perspectiva
intelectual.
El retrato de Vollard
(1910) Picasso
'Le guitariste‘ (1910)
Picasso.
PERIODO CLÁSICO O
GRECORROMANO
(1917-1927)
Picasso vuelve a sorprender a
todos: crítica y público. En vez
de acomodarse al cubismo
movimiento del que era
fundador, decide volver a la
figuración realista. A pintar
desnudos clásicos o retratos,
que nada tenían que ver con
los de la etapa cubista
Retrato de Olga en un sillón,
(1917) Picasso
Madre e hijo (1921) Picasso.
Dos mujeres corriendo en la playa /La carrera), (1922) Picasso.
Paul vestido de arlequín,
(1924) Picasso.
PERIODO
SURREALISTA
(1928 a 1932)
En su pintura
presenta formas
distorsionadas que
hacen referencia a
seres extraños,
monstruos o seres
mitológicos.
Bañista sentada,
(1930) Picasso
Crucifixión, (1930) Picasso.
obra cúspide de
este periodo es
'El sueño'.
El sueño,
(1932)
Picasso.
CUBISMO
EXPRESIONISTA
Con el comienzo de
la Guerra Civil
española, Picasso
inicia un periodo con
tintes más
expresionistas, pero
bajo el dominio del
Cubismo.
Mujer llorando,
(1937) Picasso.
En esta época pintará uno de sus cuadros más
prestigiosos, 'El Guernica', que hoy se expone
en el Centro Reina Sofía de Madrid y que
alude a la guerra y al terror vivido por la
población civil durante el bombardeo alemán
sobre Guernica. Y que expresa a la perfección
el miedo y la angustia de una manera
abstracta y distintiva…
Guernica, (1937) Picasso
PERIODO DE VALLAURIS,
Última etapa en la que se
dedica prácticamente por
completo a la cerámica y a
la escultura.
Una de las obras más
representativas de esta
etapa es 'El hombre del
cordero’ ; también dedica
su tiempo a pintar grandes
murales…
El hombre del cordero,
(1942) Picasso
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Y realizará sus
particulares
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UD.3.- LAS VANGUARDIAS

  • 1. UD.3. LAS VANGUARDIASUD.3. LAS VANGUARDIAS
  • 2. Minoría que extrema las tendencias ideológicas, políticas, literarias, artísticas, etc., de un grupo o movimiento más numeroso, o que anticipa otras que después irán ganando adeptos. VANGUARDIA Impresionismo, Expresionismo, Fauvismo, Cubismo Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo…
  • 3. 1905 – Nace el FAUVISMO con Matisse y Derian. 1905 - Kirchner y un grupo de jóvenes artistas crearon un grupo denominado Die Brücke (El Puente) en la ciudad alemana de Dresde, de donde surgirá el EXPRESIONISMO Alemán. 1907 – El CUBISMO, surge en París con la obra de Picasso y Braque. 1910 - Fecha de la primera acuarela abstracta realizada por Kandinsky que da comienzo, en Rusia, de la ABSTRACCIÓN. 1916 - Un grupo de artistas refugiados en Zurich (Suiza) fundan el DADAÍSMO.
  • 4. 1917 – Se funda en Amsterdam, De Stijl (El Estilo) se constituyó con Mondrian y Van Doesburg, el NEOPLASTICISMO, una búsqueda de la abstracción geométrica. 1917- De Chirico y Carra, inician en Italia la Pintura METAFÍSICA. 1919 – Surge el CONSTRUCTIVISMO Ruso y en Alemania se crea la Bauhaus (Casa de la Construcción) por W. Gropius. 1924 - André Breton crea en París el SURREALISMO.
  • 5.
  • 6. Contenidos: •Edouard Manet. •Características de la pintura impresionista y sus principales representantes: Monet, Pisarro, Sisley, Morisot y Mary Cassat. •Escultura del periodo impresionista: Auguste Rodín. •Escultura española de finales del XIX y comienzo del XX: Mariano Benlliure. •El posimpresionismo, principales representantes: Paul Cezanne y Vincent Van Gogh.
  • 7. • Las claves del Fauvismo: Matisse. • Las claves del arte “Nabis”: Pierre Bonnard. • El cartel publicitario: Toulousse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello. • Las claves del cubismo: características, periodización y principales representantes. • Pablo Picasso.
  • 9. Édouard Manet (1832-1883) fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los pintores impresionistas.
  • 10. Manet fue artista contradictorio, controvertido y rebelde. Se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito. Se le considera uno de los padres del Impresionismo, pero nunca expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura, ni de crear otros nuevos». Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.
  • 11. Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo de los impresionistas: Almuerzo sobre la hierba y El bar del Folies-Bergère… La notoriedad de Manet, se debió más a los temas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo.
  • 12. Almuerzo sobre la hierba, (1863) Manet.
  • 13. En Almuerzo sobre la hierba (1863) presenta un grupo de figuras humanas, pero como si fuera una naturaleza muerta (bodegón). Destaca la desconexión entre personajes, el desnudo y los elementos meramente compositivos. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.
  • 14. El cuadro está claramente inspirado en la Concierto campestre de Tiziano. Y aunque las escenas campestres están enraizadas en el arte occidental, tanto en las ilustraciones populares como en el arte académico, el cuadro de Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador.
  • 16. Almuerzo sobre la hierba, (1863) Manet.
  • 17. A pesar de la aparente unidad del grupo, cada figura es una entidad separada, absorta en su propia actitud o meditación, de manera que ningún tipo de conexión narrativa puede explicar el conjunto. Y esta sensación de ruptura hace que el cuadro parezca desintegrarse en una especie de collage de partes independientes que sólo por un instante se agrupan gracias a su parecido, prestado, con el orden renacentista.
  • 18. El bar del Folies-Bergère (1882), evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir. La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con el realismo en su representación detallada de una escena contemporánea.
  • 19. El bar del Folies-Bergère (1882) Manet.
  • 20. Pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue su última gran obra y pertenece a la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets, incluso prostíbulos. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo. Delante de la camarera se aprecia un juego de botellas, flor y un cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de mármol que da idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas.
  • 22. La música en las Tullerías, (1862) Manet.
  • 26. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA Y PRINCIPALES REPRESENTANTES: MONET, PISARRO, SISLEY, MORISOT Y MARY CASSAT.
  • 27. A finales del siglo XIX la fotografía cambiaría el modo en que los pintores percibían el mundo. Los impresionistas conocían bien las características del círculo cromático, en la que se representan las relaciones entre los distintos colores. Círculo cromático (1810) Goethe.
  • 28. El círculo cromático, es la representación ordenada y circular de los colores de acuerdo con su matiz o tono a partir de los colores primarios y obteniendo otros por su mezcla En primer lugar, están los colores primarios, que son los colores que no resultan de la mezcla de otros colores, y los que, mezclados entre sí en distintas proporciones pueden dar como resultado cualquier otro color. Los colores secundarios son aquellos que se consiguen mezclando los colores primarios.
  • 29. CÍRCULO CROMÁTICO con valores CMYK de 108 colores
  • 30. Colores complementarios son aquellos que se sitúan en lados opuestos del círculo cromático. Si se ponen uno al lado del otro dos colores complementarios, parecen más brillantes. Y si se mezclan crean un color neutro. El color complementario de un color primario (rojo, azul o amarillo) es el que se consigue mezclando los otros dos (rojo + azul = violeta; rojo + amarillo = naranja; amarillo + azul = verde). El color complementario del rojo es el verde. El complementario del amarillo es el violeta. Y el complementario del azul el naranja.
  • 31. Los impresionistas aprendieron del uso de los colores estudiando las obras de Delacroix y su uso sorprendente de los contrastes entre los complementarios, llegando a abandonar de su paleta los colores terrosos. Los impresionistas también aprendieron de Delacroix que mezclando los colores con el blanco se obtenía mayor luminosidad, y que las sombras se pueden conseguir yuxtaponiendo colores entre sí, sin utilizar el negro.
  • 33. Entre 1885 y 1890 Camille Pissarro, siempre abierto nuevas experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad, conoció a los jóvenes Signac y Seurat, que ensayaban una nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo. Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un mosaico). Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el efecto buscado…
  • 34. Perales en flor en Eragny (1886) Pisarro.
  • 35. En el deseo de desvincularse de la tradición pictórica y de investigar sobre la relación de los colores destacaran: Monet, Pisarro y Renoir. También estudiaron versiones de un mismo estímulo con apariencias distintas, la fotografía animó a los impresionistas a investigar sobre fenómenos perceptivos relacionados con el color, antes que a hacer estudios descriptivos de la realidad.
  • 36. Para los impresionistas la experiencia personal, y cómo se sentían sobre ella, era más importante que la propia realidad que además era cambiante según las horas del día o de la noche. Como ejemplo tenemos las series de Monet sobre la catedral de Ruán, o las de Pissarro sobre el bulevar de Montmartre.
  • 37. Versiones de la catedral de Ruán, Monet.
  • 38. El bulevar de Montmartre. Pissarro
  • 39. En el tratamiento del color, los impresionistas evitaban la mezcla de colores, aplicando colores primarios o secundarios directamente sobre el lienzo, yuxtaponiendo pinceladas. De esta manera se conseguía una mayor luminosidad y brillantez en la obra, ya que la mezcla de colores es de tipo óptico, por tener lugar en la retina del espectador.
  • 40. Baile en el Moulin de la Galette (1876) Renoir .
  • 41. Por lo general, evitaban oscurecer los colores mezclándolos con el negro. Cuando necesitaban pintar sombras, recurrían a la mezcla o yuxtaposición de colores complementarios. Evitaban las sombras negras; incluso en ellas había color. Para conseguir obras más luminosas, los impresionistas evitaban las imprimaciones con tonos oscuros (tradicionales) y las sustituían por preparaciones del lienzo en color blanco.
  • 43. El término “Impresionismo”, tiene un origen muy concreto, que se remonta al año 1874. En abril de ese año un grupo de artistas fundarán una «Sociedad anónima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores…». Artistas que tenían en común su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras. Sus obras habían sido rechazadas en muestras oficiales y los pintores más representativos de ese grupo eran Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot.
  • 44. Ensayo de ballet (1873), Degas.
  • 45. El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo Nadar abrió sus puertas al público la primera exposición de este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras, una vista del puerto de El Havre (Impresión: soleil levant), del que tomaría su nombre. La respuesta del público y de la crítica ante la muestra fue implacable: una auténtica humillacion pública para los artistas. Un crítico llamado Louis Leroy publicó un artículo que se titulaba: «Exposición de los Impresionistas y que era demoledor con los artistas y sus obras, y de ahí en adelante el término “Impresionismo” se extendería para referirse a la concepción del arte de este grupo de artistas, que pasaron a ser los impresionistas…
  • 46. Impresión: sol naciente (1873) Monet.
  • 47. Otra característica del Impresionismo influenciada por la fotografía y el grabado japonés, es captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe. En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente»; en consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir un mensaje de tipo moral y tratan de captar los momentos fugaces de motivos cotidianos pintando al aire libre.
  • 48. El puente de Argenteuil (1874) Claude Monet
  • 49. Los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet.
  • 50. Ensayo sobre el escenario (1874), Degas
  • 51. La Balançoire, Auguste Renoir La plasmación de la luz sobre las figuras es más importante que la descripción de su forma.
  • 53. Monet pintando en su jardín (1873) Renoir.
  • 54. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso de la descripción formal del volumen heredada del clasicismo. Las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.
  • 55. MONET
  • 56. Oscar-Claude Monet (1840-1926) Pintor francés, considerado uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872)
  • 57. Impresión, sol naciente, (1872). Claude Monet.
  • 58. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.
  • 59. "Antibes visto desde los jardines de Salis", 1888. Monet.
  • 60. En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.
  • 61. Casas del Parlamento de Londres, (1903). Claude Monet
  • 64. Camille Pissarro (1830-1903) fue otro de los fundadores del movimiento impresionista Pintó la vida rural francesa, sobre todo paisajes y escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas a diferentes horas.
  • 65. La cosecha (1882). Pisarro.
  • 67. Boulevard Montmartre de noche, (1897). Pissarro.
  • 68. Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, con quien luego tuvo unas relaciones tensas.. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.
  • 70. Alfred Sisley (1839-1899) fue un pintor impresionista francobritánico.
  • 71. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética.
  • 72. Inundación en Port-Marly, (1876). Sisley.
  • 73. Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.
  • 74. Puente en Villeneuve-la-Garenne, (1872) ). Sisley.
  • 78. La cuna, (1873). Morisot.
  • 79. Morisot,  junto  a Pissarro,  fueron  los  dos  únicos  pintores  que  tuvieron  cuadros  en  todas  las  exposiciones  impresionistas  originales.  Y  al  igual  que Mary Cassatt, Eva  Gonzalès o Marie  Bracquemond,  fue  relegada a la categoría de artistas femeninas  por  su  temática  de  la  vida  cotidiana  (mujeres, niños y escenas domésticas).
  • 80. Un día de verano (1879) Morisot
  • 83. Pintó,  principalmente,  imágenes  representando  la  vida  social  y  privada  de  las  mujeres,  con  especial  énfasis  en  los  lazos  entre  ellas  y  sus  hijos. Cassatt y Degas colaboraron  durante  mucho  tiempo. Sus  estudios  estaban  bastante  cercanos,  tenían  mucho en común: gustos similares en cuestiones  de arte y literatura, provenían de familias ricas, y  habían hecho estudios de pintura en Italia…
  • 84. El té (1880) Cassatt
  • 85. Fiesta en un bote (1894) Cassatt
  • 87. Neoclasicismo: Antonio Cánova: Las tres Gracias encarnan  el desnudo femenino en  toda su perfección,  perviven los modelos  clásicos en la fisonomía,  anatomía y peinado Durante el siglo XIX en   ESCULTURA se pasará del  CLASICISMO DE CANOVA  al IMPRESIONISMO DE  RODIN. 
  • 89. El impresionismo de Rodin. El colosalismo y la  rugosidad de las  superficies, como en  apelativo de obra  “inacabada”, que le da una  gran fuerza expresiva,  potencia los efectos de luz  trasladando el  impresionismo a la  escultura. 
  • 91. François-Auguste-René Rodin (1840- 1917) es  considerado  uno  de  los  "padres  de  la  escultura  moderna”. Viajó a Italia , donde se sintió atraído por  el tratamiento del movimiento y la acción muscular  en  las  obras  de  los  escultores  del  renacimiento  Donatello  y  Miguel  Ángel  (el  fuerte  impacto  de  la  terribilitá  de  Miguel  Angel  se  aprecia  en  toda  su  obra). Para  Rodin,  la  belleza  en  el  arte  consistía  en  una  representación  fidedigna  del  estado  interior,  y  para  lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la  anatomía.
  • 92. LA EDAD DE BRONCE (1877) Rodin, ,
  • 93. Manos de amantes, (1904) Rodin.
  • 95. Las puertas del infierno (1917) Rodin.
  • 97. Burgueses de Calais (1889), Rodin.
  • 98.
  • 99. Camille Claudel  (1864 - 1943)  fue una escultora francesa  que llega a París en 1883  con el fin de perfeccionar  su técnica. Ese mismo año  se encuentra por primera  vez con Auguste Rodin. Al año siguiente empieza a  trabajar en su taller, posa  para él y colabora en la  realización de las figuras  de La puerta del Infierno…
  • 102. Fugit Amor -Amor fugitivo- (1885)
  • 103. La pareja frecuentaba los ambientes artísticos  y  culturales  más  importantes  del  París  de  la  época y pasaron juntos largos períodos fuera  de  la  ciudad,  sin  embargo  a  Rodin  se  le  relacionó  también  sentimentalmente  con  Rose Beuret,  y  esta  situación  de  desengaño  amoroso  sería  la  inspiración  de  una  de  las  obras más importantes de Camille Claudel: La edad madura.
  • 104. La edad madura (1913) Camille Claudel.
  • 105. ESCULTURA ESPAÑOLA DE FINALES DEL XIX Y COMIENZO DEL XX: MARIANO BENLLIURE.
  • 106. En la escultura española del siglo XIX se distinguen  tres etapas: 1º etapa:  El  siglo  XIX  se  inicia  con  el  movimiento neoclásico procedente  del  siglo  anterior.  Se  produce  la  decadencia  de  la  escultura  religiosa  y  cobra  importancia  la  escultura  como  elemento  decorativo de la arquitectura. Su gran mecenas será  la  realeza  que  con  la  construcción  de  sus  nuevos  palacios  o  la  reforma  de  los  existentes  hacen  necesario que se establezca la plaza de escultor de  cámara.
  • 107. Las Academias serán las encargadas de la formación  de  los  jóvenes  artistas  y  las  que  establecen  concursos  y  becas  de  estudio  en  Madrid,  Roma  o  París. Se impone la rigidez académica que exige la  imitación  de  la  Antigüedad.  El  resultado  es  una  estatuaria fría y poco expresiva. Como  Antonio Solá con  el  Monumento a Daoiz y Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid
  • 108. Monumento a Daoiz y Velarde (1822 ) Antonio Solá. Madrid.
  • 109. 2ª etapa: Un corto periodo romántico de escultura  monumental  para  embellecer  edificios  o  erigir  monumentos  conmemorativos.  A  diferencia  de  lo  que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de  carácter  y  la  desorientación.  Es  una  época  de  transición,  que  alterna  elementos  clasicistas  con  otros  criterios  que  desembocarán  en  un  nuevo  realismo. La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II  no le interesa demasiado el arte y se suprimen los  pintores  de  cámara.  A  partir  de  1845  la  Academia  deja  de  dirigir  la  enseñanza  artística  y  se  crea  la  Escuela de Bellas Artes. Las Exposiciones Universales  sustituirán los premios y pensiones de la Academia…
  • 110. Leones del Congreso de los Diputados (1848) Ponciano Ponzano y Gascón
  • 111. 3ª etapa: Realismo.  Lo  entendemos  como  la  inspiración  directa  en  la  realidad  que  nos  rodea.  Los escultores que en el último tercio del siglo XIX  asimilaron  la  corriente  naturalista  son  más  abundantes.  Ricardo Bellver (1845-1924)es el autor del Ángel  Caído, monumento que se encuentra en el Parque  del Retiro de Madrid. Un desnudo que representa  al diablo, de forma cuidadosa y expresiva sin caer  en detallismos excesivos.
  • 112. Plaza del Ángel Caído, (1887) Ricardo Bellver. Parque del Retiro, Madrid
  • 115. Mariano Benlliure era  hijo  de  un  modesto  pintor  valenciano que introdujo desde la infancia a sus  hijos en el  arte.  Tras  iniciarse  en  la  escultura  de  forma  autodidacta,  en  1874 se trasladó con su familia a Madrid a estudiar. En 1881, viajó a Roma para completar su formación y allí  se perfeccionó en el dominio de las técnicas y materiales,  en contacto con los talleres artísticos más importantes y  con visitas a las canteras de Carrara; además de ilustrarse  en  el  estudio  de  la  estatuaria  clásica,  renacentista  y  barroca, y de la escultura de la Italia de su tiempo. 
  • 116.
  • 117. Alternó sus estancias en Roma con viajes a París y  obtuvo  primeras  medallas  en  las  Exposiciones Internacionales de Berlín, Múnich, Viena y París… Benlliure se convertiría en el más  famoso escultor  de  su  época  y  nos  ha  dejado  una  enorme  producción, en la que destaca su  virtuosismo, y el  dominio  de  un  amplio  abanico  de  géneros  y  técnicas. 
  • 118. Tan  sólo  en  escultura monumental realizó  más  de  cincuenta obras destinadas a las principales ciudades  españolas e hispanas.  Afrontaba todas sus obras con naturalidad, tenía una  extraordinaria facilidad para modelar y cincelar, y un  sentido  personal  de  la  combinación  de  los  materiales,  generalmente  mármol  y  bronce,  consiguiendo  un  exquisito  acabado  de  las  superficies.
  • 119.
  • 120. Monumento al general Martínez Campos - Madrid- (1907) Benlliure.
  • 121. Monumento al Duque de Rivas- Córdoba.-(1929), Benlliure.
  • 122. Mediante  el  juego  del  claroscuro  y  un  modelado pictoricista imprimía  a  sus  obras  cualidades  casi  táctiles, y fuertemente expresivas.  Prestaba  igual  atención  al  detalle,  que  ejecutaba  con  gran  soltura  y  un  virtuosismo  alejado  de  todo  manierismo,  como  al  equilibrio  armónico  de  sus  composiciones.
  • 123.
  • 124. Del año 1900 data su primer monumento funerario,  con el que obtuvo la Medalla de Honor de Escultura  en la Exposición Universal de París. La Reina Regente María Cristina quiso evitar que esta  obra  de  arte  acabase  en  un  cementerio  de  un  pequeño pueblo en el Pirineo y mostró interés para  que fuera colocada en una plaza de Madrid, pero la  voluntad  de  la  familia  del  tenor  Gayarre,  al  que  estaba dedicado se impuso, y finalmente en 1901 fue  colocado en el lugar para el que había sido creado…
  • 125. Mausoleo de Gayarre - El Roncal (Navarra)- (1900), Benlliure.
  • 126. En  la  ingente  producción  de  Benlliure,  destacaran  sus  monumentos funerarios que  lo  consagraron  como  el  escultor de moda de la alta sociedad española.  De  sus  21  monumentos  funerarios,  además  del  de  Gayarre  en  Navarra,  destacarían  los  del  torero  Joselito “El Gallo” en Sevilla, el del novelista Blasco Ibáñez  en  Valencia,  los  sepulcros  del  Panteón  de  Hombres  Ilustres  de  Madrid  (Sagasta, Canalejas, y Eduardo Dato) o el de la Vizcondesa de Termens en  Cabra (Córdoba)…
  • 127. Mausoleo de Joselito (1924) Benlliure
  • 128. Mausoleo de Joselito (1924) Benlliure
  • 129. Mausoleo de Blasco Ibáñez (1935) Benlliure
  • 130. Mausoleo de Sagasta (1904) Benlliure
  • 131. Mausoleo de Dato (1928) Benlliure
  • 133. Realizado en mármol y bronce, respondía al  modelo de monumental y con capilla… Los trabajos de  terminación e instalación  del mausoleo durarían  desde julio hasta  noviembre de 1914. 
  • 134.
  • 135. El Mausoleo de la Vizcondesa de Termens, se  construyó  originalmente en el  cementerio municipal de Cabra y  posteriormente, fue  desmontado y  trasladado a la capilla  de la Fundación que  lleva su título. 
  • 136.
  • 137.
  • 138.
  • 139.
  • 140.
  • 141.
  • 142.
  • 144. POSTIMPRESIONISMO es el término histórico-artístico  que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo  XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de  una  exposición  de  pinturas  de  Paul  Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que  se  celebró  en  Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos  personales  planteándolos  como  una  extensión  del  impresionismo  y  a  la  vez  como  un  rechazo  a  las  limitaciones de este. 
  • 145. Los jugadores de naipes, (1892). Cezanne.
  • 146. Los postimpresionistas continuaron utilizando  colores  vivos,  una  aplicación  compacta  de  la  pintura, pinceladas distinguibles y temas de la  vida real, pero intentaron llevar más emoción y  expresión a su pintura.
  • 147. Bodegón con manzanas y naranjas, (1900). Cezanne.
  • 148. Paul Cézanne (1839- 1906) está considerado el padre de la pintura moderna, estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica y el arte del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.
  • 149. Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente.
  • 150. Bodegón con cortina (1895) Cézanne.
  • 151. La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura, casi escultórico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Interesado en la simplificación de las formas reduce las formas naturales a sus esencia geométrica.
  • 152. La carrière de Bibémus (1885) Cézanne
  • 153. Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea.
  • 154. Las grandes bañistas, (1906). Cezanne.
  • 155. El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional sino que los geometriza. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas acercándose a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.
  • 157. En sus bodegones, Cézanne, se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica.
  • 158. Naturaleza muerta con frutas, (1880). Cézanne.
  • 159. Impacto de Cézanne en el arte posterior: Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo. La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó entre la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo.
  • 160. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Juan Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones y a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse y a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.
  • 161. La montagne Sainte Victoire, (1904). Cézanne.
  • 162. .Horta del Ebro (1909). Picasso
  • 163. Vincent van Gogh (1853-1890), produjo toda su obra (900 pinturas y 1600 dibujos) durante un período de 10 años (de 1880 a 1890), hasta que sucumbió a la enfermedad mental…
  • 164. Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre Los tejedores.
  • 165. Los comedores de patatas (1885), Van Gogh
  • 167. Realizó numerosos dibujos de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet.
  • 168. Etapa impresionista En París (1886-1887), se pone en contacto con los impresionistas que pretendían romper con el academicismo de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de pintura…
  • 169. Mujer en el Café de Tambourin (1887), Van Gogh.
  • 170. Etapa postimpresionista Van Gogh representó el postimpresionismo, estilo que sucedió entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los postimpresionistas».
  • 171. Puesta del sol en Montmajour (1888) Van Gogh.
  • 172. Jarro con doce girasoles (1888), Van Gogh.
  • 173. Etapa precursora expresionismo Destaca por el uso del color y una técnica que contiene trazos del expresionismo. Mientras Gauguin acostumbraba a pintar de memoria y Van Gogh pintaba in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado se demostró por la vía del color. Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edward Munch.
  • 174. Autorretrato con oreja vendada (1889), Van Gogh.
  • 175. A esta tendencia a la que contribuiría Van Gogh, a partir de su llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz del sur, le empuja a la conquista del color, con obras como El dormitorio de Arlés, Los Olivos de Saint- Rémy, y La noche estrellada.
  • 176. El dormitorio en Arlés (1888), Van Gohg.
  • 177. Los Olivos de Saint-Rémy (1889), Van Gohg.
  • 178. Las pinturas del periodo de Sant Rémy de Provenza, se caracterizan en general por remolinos y espirales. Desde la dramatización de las escenas de sus primeros trabajos, a la simplificación que caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del expresionismo. Se tuvo que esperar al agosto de 1911, cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar del expresionismo de Van Gohg.
  • 179. La noche estrellada (1889), Van Gogh.
  • 181. LAS CLAVES DEL FAUVISMO: MATISSE.
  • 182. El fauvismo, fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. El precursor de este movimiento será Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización de color en su estado puro, color libre.
  • 183. El término surge en el Salón de Otoño de 1905 donde entre las obras presentadas al concurso, hubo problemas a la hora de clasificar algunas de ellas, por expresarse de un modo intenso y diferente. El crítico Louis Vauxcelles afirmó de ellas: (…) c'est Donatello parmi les fauves (como Donatello entre las fieras); de la palabra fauve derivó fauvisme (fauvismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras a pesar de lo peyorativo del término, lo adoptaron como distintivo de sus obras.
  • 184. El puente de Charing Cross de Londres, (1906) Andre Derain
  • 185. Entre los artistas fauvistas más reconocidos está Henri Matisse, fundador del movimiento, Raoul Dufy, Georges Braque, André Derain y Maurice De Vlaminck. Este grupo llevaron a cabo sólo tres exposiciones oficiales entre los años que duró su movimiento, (1904-1908) aunque la presencia y la relevancia de sus obras para futuras escuelas pictóricas se mantendría por largo tiempo.
  • 186. El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando primarios, secundarios y complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron un gran contraste visual y una mayor fuerza cromática.
  • 187. El restaurante `la Machine´, en Bougival (1905). Maurice Vlaminck.
  • 188. Henri Matisse (1869 - 1954) pintor francés conocido por el uso del color y de un original y fluido dibujo. Se considera una de las figuras centrales del arte moderno…
  • 189. Al inicio de su carrera, se le identificará con el fauvismo y para los años 20 destacará por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.
  • 190. La raya verde / retrato de la señora Matisse (1905) H. Matisse.
  • 191. La alegría de vivir, (1906) Matisse.
  • 192. Armonía en rojo/ la habitación roja, (1908) Matisse
  • 193. La danza, (1909) Matisse.
  • 194. Matisse descubrió la riqueza y la libertad de creación que ofrecen los pedazos de papel coloreados con guache y que recorta de variadas formas y compone . Es con esta técnica durante los últimos años de su vida va a producir algunos cuadros monumentales, precursores del collage.
  • 195. La tristeza del Rey, (1952) Matisse.
  • 196. El caracol, (1953) Matisse.
  • 197. LAS CLAVES DEL ARTE “NABIS”: PIERRE BONNARD.
  • 198. Nabis es la denominación de un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el color. Su nombre deriva de la palabra hebrea nebiim (profeta). Influido por Gauguin, el grupo fue liderado por Paul Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard Vuillard,, Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, Georges Lacombe y Pierre Bonnard.
  • 199. Era un grupo compuesto, principalmente, por artistas jóvenes del ambiente artístico de París. No tuvo mayor difusión en el resto de Europa. El talismán (1888) Paul Sérusier.
  • 200. Los nabis se interesarán por lo exótico y lo oriental y realizarán una pintura basada en la deformación de la realidad : •objetiva (deformación de la realidad que se ve) •subjetiva (deformación por la emoción).
  • 202. Pierre Bonnard (1867- 1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística. Autorretrato, (1889) Bonnard
  • 203. En la pintura de Bonnard, principal exponente del grupo de pintores Nabis, la pincelada produce un efecto vibrante y el dibujo pierde toda su importancia…
  • 204. El comedor de mi tierra (1913), Bonnard
  • 205. Líder del movimiento Nabis, su producción tardía se considera precursora de la pintura abstracta…
  • 206. EL CARTEL PUBLICITARIO: TOULOUSSE-LAUTREC, JULES CHÉRET, ALFONS MUCHA Y LEONETTO CAPPIELLO.
  • 207. El cartel es un soporte de papel, que se imprime con algún tipo de mensaje visual (texto, imágenes) que se coloca en la pared para dar a conocer una información… Cartel de Steinlen (1896)
  • 208. La gran revolución del cartelismo llegó con la aplicación de la litografía y la utilización del color. Se desarrolló en Francia, y en la última década del siglo XIX llegó a toda Europa.
  • 209. En torno a 1800 se produjeron dos acontecimientos que dieron lugar a la era moderna del cartel: •el inicio de la industrialización, que generó la necesidad de una publicidad extensiva. •un nuevo método de impresión, la litografía, que hacía mucho más fácil la ilustración de carteles en color. Entre los cartelistas más notables estuvieron Henri de Toulouse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha, y Leonetto Cappiello, cuyas obras se consideraban en su época carteles artísticos.
  • 210. Henri de Toulouse- Lautrec (1864-1901) pintor y cartelista francés que pintó la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se lo enmarca en la generación del post- impresionismo.
  • 211. La obra de Toulouse- Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, espontaneidad y capacidad de captar el movimiento de escenas y personajes, en un estilo muy característico… Monsieur Boileau (1893) Toulouse-Lautrec
  • 212. Baile en el Moulin Rouge (1890) Toulouse-Lautrec.
  • 213. A lo que hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida.
  • 214. Salón de la Rue des Moulins (1894) Toulouse-Lautrec.
  • 215. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose del paisajismo. Se considera la vanguardia del modernismo y del art nouveau. Mujer en el Baño (1889) Toulouses-Lautrec
  • 216. Lautrec fue fundamentalmente un dibujante e ilustrador. Sus pinturas al óleo son escasas y apenas las expuso en vida. Pero su fama de persona marginal no implicó que fuese un artista fracasado; de hecho fue un artista muy popular por sus ilustraciones y carteles publicitarios. May Milton, (1895) Toulouse-Lautrec.
  • 217. Como cartelista Toulouse-Lautrec, introdujo importantes cambios en su contenido y en su estilo artístico. Abandonó el impresionismo para utilizar grandes zonas de colores lisos, técnica tomada de los grabados japoneses. Divan japonais (1892) Toulouse-Lautrec
  • 218. Las figuras femeninas idealizadas de las épocas anteriores fueron sustituidas por personas reales, aunque sutilmente estilizadas, formando viñetas, como una mujer bebiendo en un bar, o un caballero y una dama sentados a una mesa besándose. Reine de joie (1892) Toulouse-Lautrec
  • 219. El artista redujo la importancia del texto prestando atención al aspecto pictórico del cartel. Una de sus últimas obras de es el cartel Jane Avril, apenas sin texto y que es prototipo de todos los carteles modernos pictóricos. Jane Avril, (1893) Toulouse-Lautrec
  • 220. En estos carteles aparecen técnicas japonesas que se perciben mediante la simplificación de formas, el encuadre fotográfico que lleva a cortar objetos y personajes contrastados, línea que dibuja perfiles, con colores vivos y una cuidada selección de los motivos que intervienen. Moulin Rouge.La Goulue, (1891) Toulouse-Lautrec
  • 221. Aristide Bruant dans son cabaret, (1892) Toulouse-Lautrec.
  • 222. Jules Chéret (1836-1932) Creador de carteles para teatros o cabarets (Folies Bergere, el Teatro de la Ópera o el Moulin Rouge). Después realizaría trabajos para promocionar perfumes, licores, cosméticos o productos farmacéuticos.
  • 223. Cheret fue el primer artista moderno de carteles y revolucionó su apariencia dando preponderancia a la ilustración, que hasta entonces estaba subordinada al texto.
  • 224. En lugar de escenas realistas dibujaba figuras idealizadas, realzando su belleza, vitalidad y movimiento.
  • 225. Se especializó en carteles de teatro y se inspiraba en los maestros de la pintura barroca. Con líneas y colores planos encuentra profundidad en sus dibujos, y además conseguía conectar con los gustos populares
  • 226. Alphonse Mucha (1860-1939), de origen moravo desarrollo su trabajó en París donde se hicieron famosos sus carteles de la actriz francesa Sarah Bernhardt o los del famoso champangne Moet Chandon.
  • 227.
  • 228.
  • 229. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes y hermosas, flotando en atuendos neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas.
  • 230.
  • 231.
  • 232. Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, carteles e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en lo que llegó a conocerse como el estilo art nouveau (modernismo).
  • 233. Leonetto Cappiello (1875 -1942) Publicista, ilustrador y caricaturista italiano. Sus carteles tienen el encanto singular de los dibujos burlones, de un caricaturista, amante del estilo japonés y del humor.
  • 234.
  • 235.
  • 236.
  • 237.
  • 238. LAS CLAVES DEL CUBISMO: CARACTERÍSTICAS, PERIODIZACIÓN Y PRINCIPALES REPRESENTANTES. PABLO PICASSO.
  • 239. El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Será una tendencia esencial, que dará pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
  • 240. El término cubismo fue acuñado por el mismo crítico, Louis Vauxcelles, que había bautizado a los fauvistas. De Braque y sus pinturas de L'Estaque, dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos» de donde deriva cubismo. L´Estaque (1908) Braque
  • 241. El cubismo esta considerada la primera vanguardia. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional y las formas se convierten en figuras geométricas. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. Guitarra y mandolina, (1919) Juan Gris.
  • 242. A pesar de ser una pintura de vanguardia los géneros que se pintan son tradicionales, como bodegones, paisajes y retratos. Retrato de Pablo Picasso, (1912) Juan Gris.
  • 243. Se eliminan los colores vivos del impresionismo o el fauvismo y se vuelve a tonos grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, pero posteriormente se abriría más la paleta...
  • 245. Con todas estas innovaciones, el cuadro cobra autonomía como objeto independientemente de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar en el lienzo todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener referencias naturalistas, por lo que necesitaban un discurso escrito tan importante como la misma obra. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
  • 247. La Ruleta, (1924) Jean Metzinger
  • 249. Juan Gris (1887-1927), -José Victoriano González-Pérez- pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo. Botella y frutero, (1919) Juan Gris.
  • 250. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones y en 1906, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. En 1912, Juan Gris salta al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des Indépendents de París. En 1913, empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo.
  • 252. Bodegón con botella de Burdeos, (1919) Juan Gris.
  • 253. Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista; mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev.
  • 254. La ventana abierta, (1921) Juan Gris.
  • 256. George Braque (1882-1963) tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en L'Estaque, una serie de paisajes "lineales" pre- cubistas. Fases en su obra cubista: En una primera época pinta superficies superpuestas y planos angulares a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos.
  • 259. Le sigue una fase (1909-1912) de "cubismo analítico“, en el que los objetos quedaban descompuestos en partes hasta el punto de ser irreconocibles. La Guitarra (1909) Braque.
  • 260. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético. Fruit and glass, (1912) Braque
  • 261. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color y totalmente expresionista. Los pájaros, (1953) Braque
  • 263. Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) destaca por la creación y desarrollo del Cubismo. Está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y sigue siendo un modelo de inspiración para muchos pintores actuales.
  • 264. A lo largo de su vida Picasso pintó más de 2.000 obras que hoy en día se exponen en distintos museos de Europa y de todo el mundo. Pero no solo se dedico a la pintura, sino también al grabado, al dibujo, a la ilustración de libros, la escultura, a la cerámica, al vestuario de teatro, etc.
  • 265. Su evolución artística se divide en varios periodos: ÉPOCA AZUL. (1901-1903) en la que predominan los colores azules. Mendigos junto al mar, (1903) Picasso
  • 267. ÉPOCA ROSA. (1905-1906), con pinturas que muestran tonos más rosados o rojizos. Madre e hijo (saltimbanquis), (1905) Picasso
  • 270. PROTOCUBISMO (1906-1907), comienzan a aparecer influencias africanas, además de una desvinculación por parte de Picasso de lo establecido en el arte. Ruptura con el realismo utilizando planos angulares sin fondo ni perspectiva. Gertrude Stein (1906) Picasso
  • 271. Las señoritas de Avignon será la obra clave para que Picasso continuara investigando nuevas técnicas y modos de hacer pintura, entrando finalmente en el Cubismo. Las señoritas de Avignon, (1907) Picasso.
  • 272. CUBISMO (1908-1916) Etapa más representativa de Picasso, se caracteriza por una ruptura definitiva con la pintura tradicional. Trata formas de la naturaleza en formas geométricas. Busca una pintura pura, inspirándose en los objetos cotidianos desde una perspectiva intelectual. El retrato de Vollard (1910) Picasso
  • 274. PERIODO CLÁSICO O GRECORROMANO (1917-1927) Picasso vuelve a sorprender a todos: crítica y público. En vez de acomodarse al cubismo movimiento del que era fundador, decide volver a la figuración realista. A pintar desnudos clásicos o retratos, que nada tenían que ver con los de la etapa cubista Retrato de Olga en un sillón, (1917) Picasso
  • 275. Madre e hijo (1921) Picasso.
  • 276. Dos mujeres corriendo en la playa /La carrera), (1922) Picasso.
  • 277. Paul vestido de arlequín, (1924) Picasso.
  • 278. PERIODO SURREALISTA (1928 a 1932) En su pintura presenta formas distorsionadas que hacen referencia a seres extraños, monstruos o seres mitológicos. Bañista sentada, (1930) Picasso
  • 280. obra cúspide de este periodo es 'El sueño'. El sueño, (1932) Picasso.
  • 281. CUBISMO EXPRESIONISTA Con el comienzo de la Guerra Civil española, Picasso inicia un periodo con tintes más expresionistas, pero bajo el dominio del Cubismo. Mujer llorando, (1937) Picasso.
  • 282. En esta época pintará uno de sus cuadros más prestigiosos, 'El Guernica', que hoy se expone en el Centro Reina Sofía de Madrid y que alude a la guerra y al terror vivido por la población civil durante el bombardeo alemán sobre Guernica. Y que expresa a la perfección el miedo y la angustia de una manera abstracta y distintiva…
  • 284. PERIODO DE VALLAURIS, Última etapa en la que se dedica prácticamente por completo a la cerámica y a la escultura. Una de las obras más representativas de esta etapa es 'El hombre del cordero’ ; también dedica su tiempo a pintar grandes murales… El hombre del cordero, (1942) Picasso
  • 285. La matanza de Corea, (1950) Picasso.
  • 286. Y realizará sus particulares homenajes a las Meninas de Velázquez y a Manet. Las Meninas, (1957) Picasso
  • 288. El almuerzo campestre de Manet según Picasso (1962)