UD.3.- LAS VANGUARDIAS

UD.3. LAS VANGUARDIASUD.3. LAS VANGUARDIAS

Minoría que extrema las tendencias
ideológicas, políticas, literarias, artísticas, etc.,
de un grupo o movimiento más numeroso, o
que anticipa otras que después irán ganando
adeptos.
VANGUARDIA
Impresionismo, Expresionismo, Fauvismo, Cubismo
Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo…

1905 – Nace el FAUVISMO con Matisse y Derian.
1905 - Kirchner y un grupo de jóvenes artistas crearon un grupo
denominado Die Brücke (El Puente) en la ciudad alemana de
Dresde, de donde surgirá el EXPRESIONISMO Alemán.
1907 – El CUBISMO, surge en París con la obra de Picasso y
Braque.
1910 - Fecha de la primera acuarela abstracta realizada por
Kandinsky que da comienzo, en Rusia, de la ABSTRACCIÓN.
1916 - Un grupo de artistas refugiados en Zurich (Suiza)
fundan el DADAÍSMO.

1917 – Se funda en Amsterdam, De Stijl (El Estilo) se
constituyó con Mondrian y Van Doesburg, el
NEOPLASTICISMO, una búsqueda de la abstracción
geométrica.
1917- De Chirico y Carra, inician en Italia la Pintura
METAFÍSICA.
1919 – Surge el CONSTRUCTIVISMO Ruso y en
Alemania se crea la Bauhaus (Casa de la Construcción) por
W. Gropius.
1924 - André Breton crea en París el SURREALISMO.

Contenidos:
•Edouard Manet.
•Características de la pintura impresionista y sus
principales representantes: Monet, Pisarro, Sisley,
Morisot y Mary Cassat.
•Escultura del periodo impresionista: Auguste Rodín.
•Escultura española de finales del XIX y comienzo del
XX: Mariano Benlliure.
•El posimpresionismo, principales representantes:
Paul Cezanne y Vincent Van Gogh.

• Las claves del Fauvismo: Matisse.
• Las claves del arte “Nabis”: Pierre Bonnard.
• El cartel publicitario: Toulousse-Lautrec, Jules
Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello.
• Las claves del cubismo: características,
periodización y principales representantes.
• Pablo Picasso.

Édouard Manet
(1832-1883)
fue un pintor francés,
reconocido por la influencia
que ejerció sobre los
pintores impresionistas.

Manet fue artista contradictorio, controvertido y rebelde.
Se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y
tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito.
Se le considera uno de los padres del Impresionismo, pero
nunca expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los
Salones oficiales, aunque le rechazaran.
Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos
métodos de pintura, ni de crear otros nuevos».
Sus objetivos no eran compatibles con los de los
impresionistas, por mucho que se respetaran
mutuamente.

Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de
su influencia sobre el grupo de los impresionistas:
Almuerzo sobre la hierba y El bar del Folies-Bergère…
La notoriedad de Manet, se debió más a los temas de
sus cuadros, considerados escandalosos, que a la
novedad de su estilo.

Almuerzo sobre la hierba, (1863) Manet.

En Almuerzo sobre la hierba (1863) presenta un
grupo de figuras humanas, pero como si fuera una
naturaleza muerta (bodegón).
Destaca la desconexión entre personajes, el
desnudo y los elementos meramente
compositivos.
Este trabajo influenciará a los impresionistas en la
desatención del modelo y de la narración.

El cuadro está claramente inspirado en la Concierto
campestre de Tiziano.
Y aunque las escenas campestres están enraizadas
en el arte occidental, tanto en las ilustraciones
populares como en el arte académico, el cuadro de
Manet pertenece a un orden distinto,
desconcertante por la evidente inmediatez con que
se enfrenta al espectador.

Concierto campestre (1510) Tiziano.

A pesar de la aparente unidad del grupo, cada
figura es una entidad separada, absorta en su
propia actitud o meditación, de manera que
ningún tipo de conexión narrativa puede explicar el
conjunto. Y esta sensación de ruptura hace que el
cuadro parezca desintegrarse en una especie de
collage de partes independientes que sólo por un
instante se agrupan gracias a su parecido,
prestado, con el orden renacentista.

El bar del Folies-Bergère (1882), evidenciará el
deseo de tratar los fenómenos lumínicos al
introducir un espejo al fondo que refleja toda la
profundidad de la sala y las grandes lámparas de
araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y
menos directa y, por tanto, más difícil de pintar,
recordándonos a las escenas festivas de Renoir.
La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con
el realismo en su representación detallada de una
escena contemporánea.

El bar del Folies-Bergère (1882) Manet.

Pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue
su última gran obra y pertenece a la tendencia
"democrática" del movimiento impresionista en
cuanto a temas y sitios escogidos, como
cafés, cabarets, incluso prostíbulos.
La camarera parece estar hablando con un cliente,
también reflejado en el mismo espejo. Delante de la
camarera se aprecia un juego de botellas, flor y un
cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de
mármol que da idea de la destreza de Manet para el
manejo del tema de las naturalezas muertas.

La música en las Tullerías, (1862) Manet.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA
Y PRINCIPALES REPRESENTANTES:
MONET, PISARRO, SISLEY,
MORISOT Y MARY CASSAT.

A finales del siglo XIX la
fotografía cambiaría el modo
en que los pintores percibían
el mundo.
Los impresionistas conocían
bien las características del
círculo cromático, en la que se
representan las relaciones
entre los distintos colores.
Círculo cromático (1810)
Goethe.

El círculo cromático, es la representación ordenada y
circular de los colores de acuerdo con su matiz o tono a
partir de los colores primarios y obteniendo otros por su
mezcla
En primer lugar, están los colores primarios, que son los
colores que no resultan de la mezcla de otros colores, y
los que, mezclados entre sí en distintas proporciones
pueden dar como resultado cualquier otro color.
Los colores secundarios son aquellos que se consiguen
mezclando los colores primarios.

CÍRCULO CROMÁTICO con valores CMYK de 108 colores

Colores complementarios son aquellos que se sitúan en
lados opuestos del círculo cromático. Si se ponen uno al
lado del otro dos colores complementarios, parecen más
brillantes. Y si se mezclan crean un color neutro.
El color complementario de un color primario (rojo, azul
o amarillo) es el que se consigue mezclando los otros dos
(rojo + azul = violeta; rojo + amarillo = naranja; amarillo +
azul = verde).
El color complementario del rojo es el verde.
El complementario del amarillo es el violeta.
Y el complementario del azul el naranja.

Los impresionistas aprendieron del uso de los colores
estudiando las obras de Delacroix y su uso sorprendente
de los contrastes entre los complementarios, llegando a
abandonar de su paleta los colores terrosos.
Los impresionistas también aprendieron de Delacroix que
mezclando los colores con el blanco se obtenía mayor
luminosidad, y que las sombras se pueden conseguir
yuxtaponiendo colores entre sí, sin utilizar el negro.

Entre 1885 y 1890 Camille Pissarro, siempre abierto nuevas
experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad,
conoció a los jóvenes Signac y Seurat, que ensayaban una
nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo.
Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas
pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un
mosaico).
Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las
combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el
efecto buscado…

Perales en flor en Eragny (1886) Pisarro.

En el deseo de desvincularse de la tradición pictórica y
de investigar sobre la relación de los colores
destacaran:
Monet, Pisarro y Renoir.
También estudiaron versiones de un mismo estímulo
con apariencias distintas, la fotografía animó a los
impresionistas a investigar sobre fenómenos
perceptivos relacionados con el color, antes que a hacer
estudios descriptivos de la realidad.

Para los impresionistas la experiencia personal, y
cómo se sentían sobre ella, era más importante que
la propia realidad que además era cambiante según
las horas del día o de la noche.
Como ejemplo tenemos las series de Monet sobre la
catedral de Ruán, o las de Pissarro sobre el bulevar
de Montmartre.

Versiones de la catedral de Ruán, Monet.

El bulevar de Montmartre. Pissarro

En el tratamiento del color, los impresionistas
evitaban la mezcla de colores, aplicando colores
primarios o secundarios directamente sobre el lienzo,
yuxtaponiendo pinceladas. De esta manera se
conseguía una mayor luminosidad y brillantez en la
obra, ya que la mezcla de colores es de tipo óptico,
por tener lugar en la retina del espectador.

Baile en el Moulin de la Galette (1876) Renoir .

Por lo general, evitaban oscurecer los colores
mezclándolos con el negro. Cuando necesitaban
pintar sombras, recurrían a la mezcla o
yuxtaposición de colores complementarios. Evitaban
las sombras negras; incluso en ellas había color.
Para conseguir obras más luminosas, los
impresionistas evitaban las imprimaciones con
tonos oscuros (tradicionales) y las sustituían por
preparaciones del lienzo en color blanco.

Almiares (1890), Claude Monet.

El término “Impresionismo”, tiene un origen muy
concreto, que se remonta al año 1874. En abril de ese año
un grupo de artistas fundarán una «Sociedad anónima
cooperativa de artistas pintores, escultores,
grabadores…».
Artistas que tenían en común su desprecio por el arte
tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión
artística mucho más innovadoras.
Sus obras habían sido rechazadas en muestras oficiales y
los pintores más representativos de ese grupo eran
Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot.

Ensayo de ballet (1873), Degas.

El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo
Nadar abrió sus puertas al público la primera exposición de
este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras, una
vista del puerto de El Havre (Impresión: soleil levant), del que
tomaría su nombre.
La respuesta del público y de la crítica ante la muestra fue
implacable: una auténtica humillacion pública para los
artistas. Un crítico llamado Louis Leroy publicó un artículo que
se titulaba: «Exposición de los Impresionistas y que era
demoledor con los artistas y sus obras, y de ahí en adelante el
término “Impresionismo” se extendería para referirse a la
concepción del arte de este grupo de artistas, que pasaron a
ser los impresionistas…

Impresión: sol naciente (1873) Monet.

Otra característica del Impresionismo influenciada por la
fotografía y el grabado japonés, es captar en las obras la
temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren
representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de
amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de
una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y
cómo se siente frente a lo que percibe.
En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas
o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente»;
en consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque
tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir
un mensaje de tipo moral y tratan de captar los momentos
fugaces de motivos cotidianos pintando al aire libre.

El puente de Argenteuil (1874) Claude Monet

Los artistas impresionistas buscarán condiciones
pintorescas de iluminación como retos a su genio,
recurriendo a iluminaciones de interior por luz
artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la
iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y
la luz pasando entre hojas de árboles— o la
iluminación al aire libre con reflejos en el agua o
multitudes de gente como Claude Monet.

Ensayo sobre el escenario (1874), Degas

La Balançoire,
Auguste Renoir
La plasmación de la luz
sobre las figuras es
más importante que la
descripción de su
forma.

Monet pintando en su jardín (1873) Renoir.

La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es
intrínseco: la luz y el color y en ningún caso de la
descripción formal del volumen heredada del
clasicismo.
Las formas se diluyen, se mezclan o se separan
de forma imprecisa dependiendo de la luz a la
que están sometidas, dando lugar a esa
«impresión» que le da nombre al movimiento.

Oscar-Claude Monet
(1840-1926)
Pintor francés,
considerado uno de los
creadores del
impresionismo.
El término
impresionismo deriva del
título de su obra
Impresión, sol naciente
(1872)

Impresión, sol naciente, (1872). Claude Monet.

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de
1860, son de estilo realista.
Monet logró exponer algunas en el Salón de París.
A partir del final de la década de 1860 comenzó a
pintar obras impresionistas. Esta desviación del
gusto de la época, que era marcado por las
academias de arte, empeoró su situación
económica a la vez que afianzó su decisión de
continuar en ese azaroso camino.

"Antibes visto desde los jardines de Salis", 1888. Monet.

En la década de 1870 formó parte de las exposiciones
impresionistas en las cuales también participaron
Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue
impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a
pesar de esto su situación financiera permaneció siendo
difícil hasta mediados de la década de 1890.
En esta época, Monet desarrolló el concepto de las
«series», en las que un motivo es pintado repetidas
veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo
comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en
Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó
como motivo para sus pinturas.

Casas del Parlamento de Londres, (1903). Claude Monet

Camille Pissarro
(1830-1903)
fue otro de los
fundadores del
movimiento
impresionista
Pintó la vida rural
francesa, sobre todo
paisajes y escenas en
los que aparecían
campesinos
trabajando, pero
también escenas
urbanas a diferentes
horas.

Bulevar Montmartre, primavera, (1897) Pisarro.

Boulevard Montmartre de noche, (1897). Pissarro.

Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y
frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva
Atenas que pertenecían a ese movimiento.
Compartió esa posición con Gauguin, con quien
luego tuvo unas relaciones tensas..
En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul
Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.

Alfred Sisley
(1839-1899)
fue un pintor
impresionista
francobritánico.

Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su
producción: paisajes de gran espontaneidad de
los alrededores de París, de Marly, Louveciennes,
Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.
Paisajes soleados que contrastan con sus
célebres inundaciones de Marly, en las que no
pierde igualmente su connotación intimista y
poética.

Inundación en Port-Marly, (1876). Sisley.

Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus
compañeros impresionistas y vivió en la miseria a
partir del momento en que dejó de recibir la ayuda
económica de su acomodada familia. Esta situación
se produjo a causa del hundimiento del negocio
familiar en 1871.
Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de
poder contemplar como sus cuadros, que en
angustiosos momentos de penuria había vendido a
precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban
a ser apreciados por la crítica y el público y
alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado
artístico.

Puente en Villeneuve-la-Garenne, (1872) ). Sisley.

Berthe Morisot
(1841-1895)
pintora impresionista
francesa, que decidió ser
artista a pesar de su
condición de dama
burguesa, y que adoptó
una postura muy radical
que la vincularía al grupo
de artistas impresionistas,
la vanguardia del
momento..

Adquirió la técnica impresionista de pintar al aire
libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos
para grandes obras que terminaba en el estudio.
Su primera participación en el Salón de París fue
en 1864 con dos paisajes y continuó participando
en el Salón hasta 1874, año de la primera
exposición impresionista, en la que participó con
su obra La cuna.

Morisot, junto a Pissarro, fueron los dos
únicos pintores que tuvieron cuadros en
todas las exposiciones impresionistas
originales.
Y al igual que Mary Cassatt, Eva
Gonzalès o Marie Bracquemond, fue
relegada a la categoría de artistas femeninas
por su temática de la vida cotidiana
(mujeres, niños y escenas domésticas).

Un día de verano (1879) Morisot

Mary Cassatt
(1844 - 1926)
Pintora estadounidense,
que pasó gran parte de
su vida adulta
en Francia, donde hizo
amistad con Degas y se
incorporó al movimiento
impresionista.

Pintó, principalmente, imágenes representando
la vida social y privada de las mujeres, con
especial énfasis en los lazos entre ellas y sus
hijos.
Cassatt y Degas colaboraron durante mucho
tiempo.
Sus estudios estaban bastante cercanos, tenían
mucho en común: gustos similares en cuestiones
de arte y literatura, provenían de familias ricas, y
habían hecho estudios de pintura en Italia…

Fiesta en un bote (1894) Cassatt

ESCULTURA DEL PERIODO
IMPRESIONISTA:
AUGUSTE RODÍN.

Neoclasicismo:
Antonio Cánova:
Las tres Gracias encarnan
el desnudo femenino en
toda su perfección,
perviven los modelos
clásicos en la fisonomía,
anatomía y peinado
Durante el siglo XIX en
ESCULTURA se pasará del
CLASICISMO DE CANOVA
al IMPRESIONISMO DE
RODIN.

Realismo-romanticismo
En Carpeaux por el
contrario todo es
movimiento, mayor
naturalismo en la anatomía
los gestos los cabellos,
contraste de texturas…

El impresionismo de
Rodin.
El colosalismo y la
rugosidad de las
superficies, como en
apelativo de obra
“inacabada”, que le da una
gran fuerza expresiva,
potencia los efectos de luz
trasladando el
impresionismo a la
escultura.

François-Auguste-René Rodin (1840- 1917) es
considerado uno de los "padres de la escultura
moderna”. Viajó a Italia , donde se sintió atraído por
el tratamiento del movimiento y la acción muscular
en las obras de los escultores del renacimiento
Donatello y Miguel Ángel (el fuerte impacto de la
terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su
obra).
Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una
representación fidedigna del estado interior, y para
lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la
anatomía.

LA EDAD DE
BRONCE (1877)
Rodin,
,

Manos de amantes, (1904) Rodin.

Las puertas del infierno
(1917)
Rodin.

Burgueses de Calais (1889), Rodin.

Camille Claudel
(1864 - 1943)
fue una escultora francesa
que llega a París en 1883
con el fin de perfeccionar
su técnica. Ese mismo año
se encuentra por primera
vez con Auguste Rodin.
Al año siguiente empieza a
trabajar en su taller, posa
para él y colabora en la
realización de las figuras
de La puerta del Infierno…

Además de ser una de
las principales
colaboradoras del
escultor, fue también
su compañera
durante algunos años,
y se convirtió en su
modelo y musa,
inspirando obras
como La Danaïde o
Fugit Amor.

Fugit Amor -Amor fugitivo- (1885)

La pareja frecuentaba los ambientes artísticos
y culturales más importantes del París de la
época y pasaron juntos largos períodos fuera
de la ciudad, sin embargo a Rodin se le
relacionó también sentimentalmente con
Rose Beuret, y esta situación de desengaño
amoroso sería la inspiración de una de las
obras más importantes de Camille Claudel: La
edad madura.

La edad madura (1913) Camille Claudel.

ESCULTURA ESPAÑOLA DE FINALES
DEL XIX Y COMIENZO DEL XX:
MARIANO BENLLIURE.

En la escultura española del siglo XIX se distinguen
tres etapas:
1º etapa: El siglo XIX se inicia con el movimiento
neoclásico procedente del siglo anterior. Se
produce la decadencia de la escultura religiosa y
cobra importancia la escultura como elemento
decorativo de la arquitectura. Su gran mecenas será
la realeza que con la construcción de sus nuevos
palacios o la reforma de los existentes hacen
necesario que se establezca la plaza de escultor de
cámara.

Las Academias serán las encargadas de la formación
de los jóvenes artistas y las que establecen
concursos y becas de estudio en Madrid, Roma o
París. Se impone la rigidez académica que exige la
imitación de la Antigüedad. El resultado es una
estatuaria fría y poco expresiva.
Como Antonio Solá con el Monumento a Daoiz y
Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid

Monumento a Daoiz y Velarde (1822 ) Antonio Solá. Madrid.

2ª etapa: Un corto periodo romántico de escultura
monumental para embellecer edificios o erigir
monumentos conmemorativos. A diferencia de lo
que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de
carácter y la desorientación. Es una época de
transición, que alterna elementos clasicistas con
otros criterios que desembocarán en un nuevo
realismo.
La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II
no le interesa demasiado el arte y se suprimen los
pintores de cámara. A partir de 1845 la Academia
deja de dirigir la enseñanza artística y se crea la
Escuela de Bellas Artes. Las Exposiciones Universales
sustituirán los premios y pensiones de la Academia…

Leones del Congreso de los Diputados (1848)
Ponciano Ponzano y Gascón

3ª etapa: Realismo. Lo entendemos como la
inspiración directa en la realidad que nos rodea.
Los escultores que en el último tercio del siglo XIX
asimilaron la corriente naturalista son más
abundantes.
Ricardo Bellver (1845-1924)es el autor del Ángel
Caído, monumento que se encuentra en el Parque
del Retiro de Madrid. Un desnudo que representa
al diablo, de forma cuidadosa y expresiva sin caer
en detallismos excesivos.

Plaza del Ángel Caído,
(1887) Ricardo Bellver.
Parque del Retiro, Madrid

Mariano
Benlliure
(1862-1947)
Está
considerado
como el último
gran maestro
del realismo
decimonónico y
el puente con el
Modernismo.

Mariano Benlliure era hijo de un modesto pintor
valenciano que introdujo desde la infancia a sus hijos en el
arte.
Tras iniciarse en la escultura de forma autodidacta, en
1874 se trasladó con su familia a Madrid a estudiar.
En 1881, viajó a Roma para completar su formación y allí
se perfeccionó en el dominio de las técnicas y materiales,
en contacto con los talleres artísticos más importantes y
con visitas a las canteras de Carrara; además de ilustrarse
en el estudio de la estatuaria clásica, renacentista y
barroca, y de la escultura de la Italia de su tiempo.

Alternó sus estancias en Roma con viajes a París y
obtuvo primeras medallas en las Exposiciones
Internacionales de Berlín, Múnich, Viena y París…
Benlliure se convertiría en el más famoso escultor
de su época y nos ha dejado una enorme
producción, en la que destaca su virtuosismo, y el
dominio de un amplio abanico de géneros y
técnicas.

Tan sólo en escultura monumental realizó más de
cincuenta obras destinadas a las principales ciudades
españolas e hispanas.
Afrontaba todas sus obras con naturalidad, tenía una
extraordinaria facilidad para modelar y cincelar, y un
sentido personal de la combinación de los
materiales, generalmente mármol y bronce,
consiguiendo un exquisito acabado de las
superficies.

Monumento al general Martínez Campos - Madrid- (1907) Benlliure.

Monumento al Duque de
Rivas- Córdoba.-(1929),
Benlliure.

Mediante el juego del claroscuro y un modelado
pictoricista imprimía a sus obras cualidades casi
táctiles, y fuertemente expresivas.
Prestaba igual atención al detalle, que ejecutaba
con gran soltura y un virtuosismo alejado de todo
manierismo, como al equilibrio armónico de sus
composiciones.

Del año 1900 data su primer monumento funerario,
con el que obtuvo la Medalla de Honor de Escultura
en la Exposición Universal de París.
La Reina Regente María Cristina quiso evitar que esta
obra de arte acabase en un cementerio de un
pequeño pueblo en el Pirineo y mostró interés para
que fuera colocada en una plaza de Madrid, pero la
voluntad de la familia del tenor Gayarre, al que
estaba dedicado se impuso, y finalmente en 1901 fue
colocado en el lugar para el que había sido creado…

Mausoleo de Gayarre - El Roncal (Navarra)- (1900), Benlliure.

En la ingente producción de Benlliure, destacaran
sus monumentos funerarios que lo consagraron
como el escultor de moda de la alta sociedad
española.
De sus 21 monumentos funerarios, además del de
Gayarre en Navarra, destacarían los del torero
Joselito “El Gallo” en Sevilla, el del novelista Blasco
Ibáñez en Valencia, los sepulcros del Panteón de
Hombres Ilustres de Madrid (Sagasta, Canalejas, y
Eduardo Dato) o el de la Vizcondesa de Termens en
Cabra (Córdoba)…

Mausoleo de Joselito (1924) Benlliure

Mausoleo de Blasco Ibáñez (1935) Benlliure

Mausoleo de Sagasta (1904) Benlliure

Mausoleo de Dato (1928) Benlliure

En 1908 se encarga
a Mariano Benlliure
las obras
escultóricas y
arquitectónicas de
un panteón que la
Vizcondesa de
Termens, Carmen
Giménez Flores,
quiso construir en el
cementerio de
Cabra.

Realizado en mármol y
bronce, respondía al
modelo de monumental y
con capilla…
Los trabajos de
terminación e instalación
del mausoleo durarían
desde julio hasta
noviembre de 1914.

El Mausoleo de la
Vizcondesa de
Termens, se
construyó
originalmente en el
cementerio
municipal de Cabra y
posteriormente, fue
desmontado y
trasladado a la capilla
de la Fundación que
lleva su título.

POSTIMPRESIONISMO:
CÉZANNE Y VAN GOGH.

POSTIMPRESIONISMO es el término histórico-artístico
que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo
XIX y principios del XX posteriores al impresionismo.
Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de
una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul
Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en
Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos
personales planteándolos como una extensión del
impresionismo y a la vez como un rechazo a las
limitaciones de este.

Los jugadores de naipes, (1892). Cezanne.

Los postimpresionistas continuaron utilizando
colores vivos, una aplicación compacta de la
pintura, pinceladas distinguibles y temas de la
vida real, pero intentaron llevar más emoción y
expresión a su pintura.

Bodegón con manzanas y naranjas, (1900). Cezanne.

Paul Cézanne
(1839- 1906)
está considerado el
padre de la pintura
moderna, estableció
las bases de la
transición entre la
concepción
artística decimonónica
y el arte del siglo XX,
nuevo y radicalmente
diferente.

Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la
complejidad de la percepción visual humana.
Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y
para ello observa los objetos desde distintos puntos
de vista, lo que le lleva a representarlos desde
perspectivas diferentes simultáneamente.

Bodegón con cortina (1895) Cézanne.

La obra de madurez de Cézanne muestra el
desarrollo de un estilo de pintura, casi escultórico. La
intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de
la estructura compositiva, indican que, a pesar de la
frecuente desesperación del propio artista, había
sintetizado los elementos básicos de representación
y expresividad de la pintura de un modo muy
personal.
Interesado en la simplificación de las formas reduce
las formas naturales a sus esencia geométrica.

La carrière de Bibémus (1885) Cézanne

Cézanne pintó reiteradamente bañistas,
renovando el tema de la mujer en el baño,
haciendo de él una construcción moderna.
Así lo hizo a partir de la década de 1870, en
cuadros en los que los personajes se funden con la
naturaleza que los rodea.

Las grandes bañistas, (1906). Cezanne.

El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es
completamente distinto al de los maestros de siglos
precedentes como Tiziano. No se trata aquí de figuras
mitológicas o literarias.
Tampoco las representa según los cánones de la
anatomía tradicional sino que los geometriza. Pinta a las
bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras
sentadas, otras tumbadas acercándose a la abstracción, y
lo mismo cabe decir del paisaje.
Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del
verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.

En sus bodegones, Cézanne, se esforzó por comprender
y reflejar la complejidad de la percepción visual humana.
Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para
ello observa los objetos desde distintos puntos de vista,
lo que le lleva a representarlos desde perspectivas
diferentes simultáneamente.
La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de
la estructura compositiva, indican que, a pesar de la
frecuente desesperación del propio artista, había
sintetizado los elementos básicos de representación y
expresividad de la pintura de un modo muy personal.
Estaba interesado en la simplificación de las formas que
ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica.

Naturaleza muerta con frutas, (1880). Cézanne.

Impacto de Cézanne en el arte posterior:
Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo
XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el
cubismo.
Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue
conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por
unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del
postimpresionismo. La retrospectiva de Cézanne de 1907
en el Salón de Otoño impactó entre la vanguardia
parisina, dando crédito a su posición como uno de los
artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento
del Cubismo.

Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación
geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a
Picasso, Braque, Juan Gris, y otros para experimentar
con múltiples visiones y a la fractura de la forma.
Hay una frase, atribuida tanto Matisse y a Picasso,
según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros».
Matisse admiraba su utilización del color y Picasso
desarrolló la estructura de la composición plana de
Cézanne para crear el estilo cubista.

La montagne Sainte Victoire, (1904). Cézanne.

.Horta del Ebro (1909). Picasso

Vincent van Gogh
(1853-1890), produjo
toda su obra (900
pinturas y 1600
dibujos) durante un
período de 10 años
(de 1880 a 1890),
hasta que sucumbió
a la enfermedad
mental…

Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y
siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su
carrera pictórica está marcada por los lugares
donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera
etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la
pintura tradicional y popular de este país,
exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que
más influyó en obras como Los comedores de
patatas y las pinturas sobre Los tejedores.

Los comedores de patatas (1885), Van Gogh

Los tejedores (1884), Van Gogh

Realizó
numerosos
dibujos de
personajes
populares y
copió obras de
su pintor
favorito
Millet.

Etapa impresionista
En París (1886-1887), se pone en contacto con los
impresionistas que pretendían romper con el academicismo
de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones
de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza.
En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec
y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el
color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y
mostró una simplificación a la vez que una mayor
intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época
empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los
pintores europeos a los que más influyó este tipo de
pintura…

Mujer en el Café de
Tambourin (1887),
Van Gogh.

Etapa postimpresionista
Van Gogh representó el postimpresionismo, estilo que
sucedió entre 1885 y 1915.
Representó una vía divergente del impresionismo, donde
los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.
Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por
Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de
la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los
postimpresionistas».

Puesta del sol en Montmajour (1888) Van Gogh.

Jarro con doce
girasoles (1888),
Van Gogh.

Etapa precursora expresionismo
Destaca por el uso del color y una técnica que contiene
trazos del expresionismo. Mientras Gauguin
acostumbraba a pintar de memoria y Van Gogh pintaba
in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento
exaltado se demostró por la vía del color.
Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos
últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La
italiana de finales de 1887, y en la de Edward Munch.

Autorretrato con oreja
vendada (1889),
Van Gogh.

A esta tendencia a la que contribuiría Van
Gogh, a partir de su llegada en 1888 a Arlés,
donde el choque con la luz del sur, le empuja
a la conquista del color, con obras como El
dormitorio de Arlés, Los Olivos de Saint-
Rémy, y La noche estrellada.

El dormitorio en Arlés (1888), Van Gohg.

Los Olivos de Saint-Rémy (1889), Van Gohg.

Las pinturas del periodo de Sant Rémy de Provenza, se
caracterizan en general por remolinos y espirales.
Desde la dramatización de las escenas de sus primeros
trabajos, a la simplificación que caracterizó sus últimas
obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del
expresionismo.
Se tuvo que esperar al agosto de 1911, cuando el crítico
de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar del
expresionismo de Van Gohg.

La noche estrellada (1889), Van Gogh.

LAS CLAVES DEL FAUVISMO:
MATISSE.

El fauvismo, fue un movimiento pictórico francés
caracterizado por un empleo provocativo del color.
El precursor de este movimiento será Henri Matisse
y su mayor influencia en la pintura posterior se ha
relacionado con la utilización de color en su estado
puro, color libre.

El término surge en el Salón de Otoño de 1905 donde
entre las obras presentadas al concurso, hubo problemas
a la hora de clasificar algunas de ellas, por expresarse de
un modo intenso y diferente.
El crítico Louis Vauxcelles afirmó de ellas: (…) c'est
Donatello parmi les fauves (como Donatello entre las
fieras); de la palabra fauve derivó fauvisme (fauvismo).
La mención a Donatello se debe a que en la misma sala
había una escultura de corte renacentista. Los autores de
las obras a pesar de lo peyorativo del término, lo
adoptaron como distintivo de sus obras.

El puente de Charing Cross de Londres, (1906) Andre Derain

Entre los artistas fauvistas más reconocidos está
Henri Matisse, fundador del movimiento, Raoul
Dufy, Georges Braque, André Derain y Maurice De
Vlaminck.
Este grupo llevaron a cabo sólo tres exposiciones
oficiales entre los años que duró su movimiento,
(1904-1908) aunque la presencia y la relevancia de
sus obras para futuras escuelas pictóricas se
mantendría por largo tiempo.

El fundamento de este movimiento es la liberación
del color respecto al dibujo exaltando los
contrastes cromáticos.
Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del
color interpretando primarios, secundarios y
complementarios. Mediante este planteamiento
consiguieron un gran contraste visual y una mayor
fuerza cromática.

El restaurante `la Machine´, en Bougival (1905). Maurice Vlaminck.

Henri Matisse
(1869 - 1954)
pintor francés
conocido por el uso
del color y de un
original y fluido dibujo.
Se considera una de
las figuras centrales
del arte moderno…

Al inicio de su carrera, se le identificará con
el fauvismo y para los años 20 destacará por su
maestría en el lenguaje expresivo del color y del
dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción
que se extendió por más de medio siglo, y que
consagró su reputación como una de las figuras
centrales del arte moderno.
Supo conjugar en sus obras la influencia de artistas
como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas
persas, el arte africano o las telas moriscas.

La raya verde / retrato
de la señora Matisse
(1905) H. Matisse.

La alegría de vivir, (1906) Matisse.

Armonía en rojo/ la habitación roja, (1908) Matisse

Matisse descubrió la riqueza y la libertad de
creación que ofrecen los pedazos de papel
coloreados con guache y que recorta de variadas
formas y compone .
Es con esta técnica durante los últimos años de
su vida va a producir algunos cuadros
monumentales, precursores del collage.

La tristeza del Rey, (1952) Matisse.

LAS CLAVES DEL ARTE “NABIS”:
PIERRE BONNARD.

Nabis es la denominación de un grupo de artistas
franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por
su preocupación por el color. Su nombre deriva de la
palabra hebrea nebiim (profeta).
Influido por Gauguin, el grupo fue liderado por Paul
Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los
pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard
Vuillard,, Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Félix
Vallotton, Georges Lacombe y Pierre Bonnard.

Era un grupo
compuesto,
principalmente, por
artistas jóvenes del
ambiente artístico de
París.
No tuvo mayor
difusión en el resto
de Europa.
El talismán (1888)
Paul Sérusier.

Los nabis se interesarán por lo exótico y lo oriental
y realizarán una pintura basada en la deformación
de la realidad :
•objetiva (deformación de la realidad que se ve)
•subjetiva (deformación por la emoción).

Pierre Bonnard
(1867- 1947)
fue un pintor,
ilustrador y
litógrafo francés que
dedicó su talento a
la publicidad y a la
producción artística.
Autorretrato, (1889)
Bonnard

En la pintura de Bonnard, principal
exponente del grupo de pintores
Nabis, la pincelada produce un
efecto vibrante y el dibujo pierde
toda su importancia…

El comedor de mi tierra (1913), Bonnard

Líder del
movimiento Nabis,
su producción
tardía se considera
precursora de la
pintura abstracta…

EL CARTEL PUBLICITARIO:
TOULOUSSE-LAUTREC,
JULES CHÉRET,
ALFONS MUCHA
Y
LEONETTO CAPPIELLO.

El cartel es un soporte
de papel, que se
imprime con algún tipo
de mensaje visual
(texto, imágenes) que
se coloca en la pared
para dar a conocer una
información…
Cartel de Steinlen
(1896)

La gran revolución del
cartelismo llegó con la
aplicación de la
litografía y la
utilización del color.
Se desarrolló en
Francia, y en la última
década del siglo XIX
llegó a toda Europa.

En torno a 1800 se produjeron dos acontecimientos que
dieron lugar a la era moderna del cartel:
•el inicio de la industrialización, que generó la necesidad
de una publicidad extensiva.
•un nuevo método de impresión, la litografía, que hacía
mucho más fácil la ilustración de carteles en color.
Entre los cartelistas más notables estuvieron Henri
de Toulouse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha, y
Leonetto Cappiello, cuyas obras se consideraban en su
época carteles artísticos.

Henri de Toulouse-
Lautrec
(1864-1901)
pintor y cartelista francés
que pintó la vida nocturna
parisina de finales
del siglo XIX.
Se lo enmarca en la
generación del post-
impresionismo.

La obra de Toulouse-
Lautrec se caracteriza
por su estilo
fotográfico,
espontaneidad y
capacidad de captar el
movimiento de escenas
y personajes, en un
estilo muy
característico…
Monsieur Boileau (1893)
Toulouse-Lautrec

Baile en el Moulin Rouge (1890) Toulouse-Lautrec.

A lo que hay que añadir la originalidad de sus
encuadres, influencia del arte japonés, que
se manifiesta en las líneas compositivas
diagonales y el corte repentino de las figuras
por los bordes.
Poseía una memoria fotográfica y pintaba
de forma muy rápida.

Salón de la Rue des Moulins (1894) Toulouse-Lautrec.

Sin embargo, su
primera influencia fue
la pintura impresionista
y, sobre todo, la de
Degas, de quien siguió
la temática urbana
alejándose del
paisajismo.
Se considera la
vanguardia del
modernismo y del art
nouveau.
Mujer en el Baño (1889)
Toulouses-Lautrec

Lautrec fue
fundamentalmente un
dibujante e ilustrador.
Sus pinturas al óleo son
escasas y apenas las
expuso en vida. Pero su
fama de persona
marginal no implicó que
fuese
un artista fracasado; de
hecho fue un artista
muy popular por sus
ilustraciones y carteles
publicitarios.
May Milton, (1895)
Toulouse-Lautrec.

Como cartelista
Toulouse-Lautrec,
introdujo importantes
cambios en su contenido
y en su estilo artístico.
Abandonó el
impresionismo para
utilizar grandes zonas de
colores lisos, técnica
tomada de los grabados
japoneses.
Divan japonais (1892)
Toulouse-Lautrec

Las figuras femeninas
idealizadas de las épocas
anteriores fueron
sustituidas por personas
reales, aunque sutilmente
estilizadas, formando
viñetas, como una mujer
bebiendo en un bar, o un
caballero y una dama
sentados a una mesa
besándose.
Reine de joie (1892)
Toulouse-Lautrec

El artista redujo la
importancia del texto
prestando atención al
aspecto pictórico del
cartel.
Una de sus últimas obras de
es el cartel Jane Avril,
apenas sin texto y que es
prototipo de todos los
carteles modernos
pictóricos.
Jane Avril, (1893)
Toulouse-Lautrec

En estos carteles aparecen
técnicas japonesas que se
perciben mediante la
simplificación de formas,
el encuadre fotográfico
que lleva a cortar objetos y
personajes contrastados,
línea que dibuja perfiles,
con colores vivos y una
cuidada selección de los
motivos que intervienen.
Moulin Rouge.La Goulue,
(1891) Toulouse-Lautrec

Aristide Bruant dans son
cabaret, (1892)
Toulouse-Lautrec.

Jules Chéret
(1836-1932)
Creador de carteles para
teatros o cabarets (Folies
Bergere, el Teatro de la
Ópera o el Moulin
Rouge).
Después realizaría
trabajos para
promocionar perfumes,
licores, cosméticos o
productos farmacéuticos.

Cheret fue el primer
artista moderno de
carteles y revolucionó
su apariencia dando
preponderancia a la
ilustración, que hasta
entonces estaba
subordinada al texto.

En lugar de escenas
realistas dibujaba
figuras idealizadas,
realzando su belleza,
vitalidad y
movimiento.

Se especializó en
carteles de teatro y se
inspiraba en los
maestros de la pintura
barroca.
Con líneas y colores
planos encuentra
profundidad en sus
dibujos, y además
conseguía conectar con
los gustos populares

Alphonse Mucha
(1860-1939),
de origen moravo
desarrollo su trabajó en
París donde se hicieron
famosos sus carteles de
la actriz francesa Sarah
Bernhardt o los del
famoso champangne
Moet Chandon.

Los trabajos de Mucha
frecuentemente
introducían mujeres
jóvenes y hermosas,
flotando en atuendos
neoclásicos,
frecuentemente
rodeadas de
exuberantes flores las
que a veces formaban
halos detrás de sus
cabezas.

Mucha produjo una
gran cantidad de
pinturas, carteles e
ilustraciones así como
diseños para joyería,
alfombras,
empapelados y
decorados teatrales
en lo que llegó a
conocerse como el
estilo art nouveau
(modernismo).

Leonetto Cappiello
(1875 -1942)
Publicista, ilustrador
y caricaturista
italiano.
Sus carteles tienen el
encanto singular de
los dibujos burlones,
de un caricaturista,
amante del estilo
japonés y del humor.

LAS CLAVES DEL CUBISMO:
CARACTERÍSTICAS, PERIODIZACIÓN
Y PRINCIPALES REPRESENTANTES.
PABLO PICASSO.

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado
entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger,
Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris.
Será una tendencia esencial, que dará pie al resto de
las vanguardias europeas del siglo XX.
No se trata de un ismo más, sino de la ruptura
definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue
acuñado por el mismo
crítico, Louis
Vauxcelles, que había
bautizado a los
fauvistas.
De Braque y sus
pinturas de L'Estaque,
dijo, despectivamente,
que era una pintura
compuesta por
«pequeños cubos» de
donde deriva cubismo.
L´Estaque (1908) Braque

El cubismo esta
considerada la primera
vanguardia.
En los cuadros cubistas,
desaparece la perspectiva
tradicional y las formas se
convierten en figuras
geométricas. Se adopta así
la llamada «perspectiva
múltiple»: se representan
todas las partes de un
objeto en un mismo plano.
Guitarra y mandolina, (1919)
Juan Gris.

A pesar de ser una
pintura de
vanguardia los
géneros que se
pintan son
tradicionales, como
bodegones,
paisajes y retratos.
Retrato de Pablo Picasso,
(1912) Juan Gris.

Se eliminan los colores vivos del
impresionismo o el fauvismo y se vuelve a
tonos grises, verdes y marrones.
El monocromatismo predominó en la
primera época del cubismo, pero
posteriormente se abriría más la paleta...

Torre Eiffel (1922)
Robert Delaunay

Con todas estas innovaciones, el cuadro cobra
autonomía como objeto independientemente de lo
que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar
o clavar en el lienzo todo tipo de objetos hasta formar
collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener
referencias naturalistas, por lo que necesitaban un
discurso escrito tan importante como la misma obra.
De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de
vanguardia vinieron acompañados de textos críticos
que los explicaban.

La Ruleta, (1924) Jean Metzinger

Juan Gris (1887-1927),
-José Victoriano
González-Pérez-
pintor español que
desarrolló su actividad
principalmente
en París como uno de
los maestros
del cubismo.
Botella y frutero, (1919)
Juan Gris.

En su adolescencia es ilustrador de publicaciones y en
1906, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso,
Fernand Léger y Georges Braque.
En 1912, Juan Gris salta al cubismo con varias pinturas
presentadas en el Salon des Indépendents de París.
En 1913, empezó a trabajar la técnica del papier collé:
recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de
periódicos, que se pegan sobre el lienzo para
combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al
cubismo.

Bodegón con persiana,
(1914) Juan Gris.

Bodegón con botella de Burdeos, (1919) Juan Gris.

Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan
Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico
como en lo personal.
Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo
de gusto clasicista; mientras, Juan Gris se mantuvo
fiel al cubismo en una clave más colorista.
En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías
para dos montajes de ballet de Diaghilev.

La ventana abierta, (1921) Juan Gris.

George Braque (1882-1963) tuvo unos primeros
momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en
L'Estaque, una serie de paisajes "lineales" pre-
cubistas.
Fases en su obra cubista:
En una primera época pinta superficies superpuestas
y planos angulares a base de cubos; usaba pocos
tonos cromáticos.

Instrumentos musicales, (1908) Braque.

Le sigue una fase
(1909-1912) de
"cubismo
analítico“, en el
que los objetos
quedaban
descompuestos
en partes hasta el
punto de ser
irreconocibles.
La Guitarra (1909)
Braque.

En un tercer
momento cultiva el
"cubismo sintético",
es decir, con unidad
compositiva.
Impulsa más que
Picasso en esta
tendencia del cubismo
sintético.
Fruit and glass,
(1912) Braque

A la vuelta de la
Primera Guerra
Mundial desarrolló
un estilo propio, con
forma unida al color
y totalmente
expresionista.
Los pájaros, (1953)
Braque

Pablo Ruiz Picasso
(1881-1973)
destaca por la creación y
desarrollo del Cubismo.
Está considerado como
uno de los artistas más
influyentes del siglo XX,
y sigue siendo un
modelo de inspiración
para muchos pintores
actuales.

A lo largo de su vida
Picasso pintó más de
2.000 obras que hoy en
día se exponen en
distintos museos de
Europa y de todo el
mundo.
Pero no solo se dedico a
la pintura, sino también
al grabado, al dibujo, a
la ilustración de libros, la
escultura, a la cerámica,
al vestuario de teatro,
etc.

Su evolución
artística se divide en
varios periodos:
ÉPOCA AZUL.
(1901-1903) en la
que predominan los
colores azules.
Mendigos junto al mar,
(1903)
Picasso

ÉPOCA ROSA.
(1905-1906), con
pinturas que muestran
tonos más rosados o
rojizos.
Madre e hijo (saltimbanquis),
(1905) Picasso

La Familia de
Saltimbanquis,
(1905), Picasso.

PROTOCUBISMO
(1906-1907),
comienzan a aparecer
influencias africanas,
además de una
desvinculación por
parte de Picasso de lo
establecido en el arte.
Ruptura con el
realismo utilizando
planos angulares sin
fondo ni perspectiva.
Gertrude Stein
(1906) Picasso

Las señoritas de
Avignon será la
obra clave para
que Picasso
continuara
investigando
nuevas técnicas y
modos de
hacer pintura,
entrando
finalmente en el
Cubismo.
Las señoritas de
Avignon, (1907)
Picasso.

CUBISMO
(1908-1916)
Etapa más
representativa de
Picasso, se caracteriza
por una ruptura
definitiva con la pintura
tradicional. Trata
formas de la naturaleza
en formas geométricas.
Busca una pintura pura,
inspirándose en los
objetos cotidianos
desde una perspectiva
intelectual.
El retrato de Vollard
(1910) Picasso

'Le guitariste‘ (1910)
Picasso.

PERIODO CLÁSICO O
GRECORROMANO
(1917-1927)
Picasso vuelve a sorprender a
todos: crítica y público. En vez
de acomodarse al cubismo
movimiento del que era
fundador, decide volver a la
figuración realista. A pintar
desnudos clásicos o retratos,
que nada tenían que ver con
los de la etapa cubista
Retrato de Olga en un sillón,
(1917) Picasso

Dos mujeres corriendo en la playa /La carrera), (1922) Picasso.

Paul vestido de arlequín,
(1924) Picasso.

PERIODO
SURREALISTA
(1928 a 1932)
En su pintura
presenta formas
distorsionadas que
hacen referencia a
seres extraños,
monstruos o seres
mitológicos.
Bañista sentada,
(1930) Picasso

obra cúspide de
este periodo es
'El sueño'.
El sueño,
(1932)
Picasso.

CUBISMO
EXPRESIONISTA
Con el comienzo de
la Guerra Civil
española, Picasso
inicia un periodo con
tintes más
expresionistas, pero
bajo el dominio del
Cubismo.
Mujer llorando,
(1937) Picasso.

En esta época pintará uno de sus cuadros más
prestigiosos, 'El Guernica', que hoy se expone
en el Centro Reina Sofía de Madrid y que
alude a la guerra y al terror vivido por la
población civil durante el bombardeo alemán
sobre Guernica. Y que expresa a la perfección
el miedo y la angustia de una manera
abstracta y distintiva…

PERIODO DE VALLAURIS,
Última etapa en la que se
dedica prácticamente por
completo a la cerámica y a
la escultura.
Una de las obras más
representativas de esta
etapa es 'El hombre del
cordero’ ; también dedica
su tiempo a pintar grandes
murales…
El hombre del cordero,
(1942) Picasso

La matanza de Corea, (1950) Picasso.

Y realizará sus
particulares
homenajes a las
Meninas de
Velázquez y a
Manet.
Las Meninas, (1957)
Picasso

El almuerzo campestre de Manet según Picasso (1962)

UD.3.- LAS VANGUARDIAS

Recomendados

Recomendados

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

La actualidad más candente (20)

Similar a UD.3.- LAS VANGUARDIAS

Similar a UD.3.- LAS VANGUARDIAS (20)

Más de Salvador Guzman Moral

Más de Salvador Guzman Moral (12)

Último

Último (20)

UD.3.- LAS VANGUARDIAS