Identificación de los elementos manieristas

IDENTIFICACIÓN DE LOS
ELEMENTOS MANIERISTAS
Realizado por:
Alfonzo G., Willianny.
C.I: 26.344.461
Historia de la Arquitectura
II.
Extensión SAIA.

EL MANIERISMO.
En el desarrollo del Arte en Italia se conoce como Manierismo al estilo, fundamentalmente pictórico
que aparece a partir de 1520, año del fallecimiento de Rafael, por lo tanto final del periodo más clásico y
academicista del Renacimiento italiano. Otra fecha simbólica para el comienzo del manierismo es 1527, con el
saqueo de Roma por las tropas de Carlos V, y el final del esplendor papal de comienzos del siglo XVI. Hasta
bien entrado el siglo XIX la consideración de la crítica hacia el manierismo fue bastante despectiva,
considerándolo una degeneración de las formas clasicistas del primer Cinquecento, una “maniera”, entendida
como una exageración estilística de las formas originales, estereotipando las formas, repitiendo los recursos
estéticos
El término manierismo se aplica la estilo empleado por algunos escultores de finales del siglo XVI,
que trabajaban a la "maniera" de Miguel Ángel, es decir que seguían las tendencias marcadas por él. Así pues
asistimos en este momento a un exageramiento de las actitudes y del colosalismo miguelangelesco, las
composiciones se hacen más complicadas empezando a generalizarse el empleo de líneas onduladas, la
llamada línea serpentinata
En un sentido estricto podríamos considerar las obras finales de Miguel Ángel como un
protomanierismo, puesto que en ejemplos como las tumbas de los Medicci en Florencia, iniciadas en 1520 y
acabadas en 1532 ya nos encontrábamos ese tendencia a la distorsión, al escorzo violento, aspectos que
vemos también en obras inacabadas como la “Piedad Rondanini”; en pintura son frescos del Juicio Final la
Capilla Sixtina los que marcan el cambio de tendencia, buscando resultados más efectistas.
El Manierismo se desarrolla en los ambientes refinados e intelectuales de las cortes italianas, de
Venecia, Ferrara, Florencia. Se toma como modelo las obras de los maestros anteriores, exagerando el gesto,

ARQUITECTURA MANIERISTA .
A mediados del siglo XVI se ha llegado a la cumbre del lenguaje renacentista. Y es en
este momento cuando se teme un declive de las artes, en realidad no se produce ningún cambio
conceptual ni estructural, si acaso una mayor profusión de elementos arquitectónicos, pero
empleados ahora con sentido decorativo o una ligera tendencia a plantas más variadas. Dentro
de este periodo entrar arquitectos y tratadistas como Vignola (1507 - 1573), discípulo de Miguel
Ángel, fue el que acabó la cúpula de San Pedro cuando muere aquel. Vignola se inspira en los
ideales religiosos de la Contrarreforma y en el espíritu de las nuevas órdenes religiosas para
proyectar un nuevo modelo de iglesia. El edificio donde lo plasmo es la iglesia de Il Gesú (1568)
en Roma, se compone de nave única con capillas entre contrafuertes y cúpula en el crucero
(inspirada en San Andrés de Mantua), las capillas están comunicadas entre si, con lo que se
forman gruesos pilares cuadrados la zona de las capillas permanece en la penumbra, y la
atención se centra en la cabecera iluminada fuertemente por la cúpula, en estas iglesias se
pueden celebrar varias misas simultáneamente y se instala un púlpito desde donde el predicador
da su sermón. En la fachada su diseño no fue aceptado y se construye el de Gíacomo della Porta,
inspirado en Santa María Novella pero con un tratamiento mucho más dinámico y donde el
equilibrio típico del Renacimiento ya está muy matizado. Generalmente esta iglesia se considera
como el punto final del Renacimiento o el inicio de una nueva sensibilidad que tendrá mucha
repercusión en el Barroco.

CARACTERÍSTICAS DE LA
ARQUITECTURA MANIERISTA.
• En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden
solemnidad con respecto al clasicismo pleno.
• En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función
arquitectónica.
• La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.
El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose
más bien en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno.
De esta manera, la carga pierde su peso, mientras que el sostén no sostiene nada; el punto
de fuga no se concluye en un punto focal, como en la arquitectura barroca, sino que termina en
nada; las estructuras verticales asumen dimensiones excesivas y confieren al conjunto un
inquietante equilibrio «oscilante».
Si en la arquitectura del Renacimiento la fábrica de los edificios a menudo denuncia su
propia conformación interna también hacia el exterior (mediante, por ejemplo, la presencia
de cornisa intermedia, extradós e intradós), las obras manieristas generalmente se alejan de esta
tendencia, escondiendo su propia estructura de base.
Desde el punto de vista decorativo, asume particular importancia el fenómeno de
lo grotesco, un tema pictórico de tiempos del imperio romano, redescubierto a fines del siglo XV,

CHALET PIOVENE (1539-
40).
Características de la
Arquitectura Manierista.
Más dudas que certezas rodean la implicación de Andrea
Palladio en la ejecución del chalet Piovene, que se levanta solamente
algunos cientos de metros del chalet Godi. El primero de todos, el
edificio no fue incluido en el Quattro Libri, como por ejemplo otros
chalets.
Las características del edificio en sí mismo son en la mayoría
de perplejidad, el plan es apenas sofisticado, las ventanas perforan la
fachada sin ningún orden particular, y los pronaos se ensamblan torpe
al bloque de edificio.
En el centro de una pared larga están los pronaos con un
aguilón triangular que se extiende hacia afuera en una alta base. En el
jardín detrás del chalet, con una exedra en el centro, fue construido un
balchesse. Los pórticos de Muttoni, la pequeña casa de "Romito" en el
parque los varios grottoes naturales y el lugar de las memorias en el
parque. Una fuente antigua y una cerradura muy vieja también en el
parque. Una torre pequeña del puesto de observación y el "Roccolo",
los cuales fueron construidos por Andrea Palladio, ya que el nombre se
encuentra grabado en las cámaras acorazadas de la puerta de entrada.

40).
En el décimo octavo siglo los pórticos toscanos los cuales
fueron agregados en los lados, así como una escalera larga, gradual que va
lentamente para arriba entre las estatuas del arquitecto Francesco Antonio
Muttoni de Lugo. La puerta y los trabajos del hierro labrado se atribuyen a
Pietro Cavaliere.
El jardín del chalet Piovene se compone de tres terrazas en el frente
del edificio y hay gradas en los lados con las fuentes y las estatuas que
forman un jardín italiano clásico. El parque, de inspiración romántica, es un
jardín inglés y fue construido por el arquitecto neoclásico Antonio Piovene
en el principio del diecinueveavo siglo. Los grottoes naturales se integran en
el sitio en una serie de trayectorias que se enrollan a través de
la vegetación rica y conducen a los elementos arquitectónicos pequeños
cerca. Una de las trayectorias que entra en el contexto natural son las rocas:
esto se llama "el lugar de las memorias" debido a la presencia de las
tabletas conmemorativas grabadas numerosas que refieren a los miembros
de la familia. Hay los cafés que nos recuerdan cómo en los viejos días los
dueños de la casa recibían a sus huéspedes durante tardes asoleadas del
verano. El parque de Piovene se considera un jardín histórico y es un
monumento nacional clasificado independientemente del chalet.

40).
• Seis columnas jónicas sostienen un frontón
• Fusión homogénea entre arquitectura y paisaje
• Trazado rectangular
• Escalera de doble rampa conduce a la loggia
que sobresale hacia el frente
• Ausencia de partes saliente restan prestancia
a las alas laterales
• Parte central, con eje claramente diferenciado
• Superficies de muros lisos sin modular
• Vanos existentes en las paredes

SAN GIORGIO MAGGIORE,
VENECIA (1560 A 1580).
Situado gloriosamente en la isla de San Giorgio, las blancas
fachadas de la Basílica destellan a través del lago de San Marco al la
gran piazza. Construido como parte del monasterio benedictino en la
isla, la fachada de la iglesia se escala para presentar una cara pública
a la ciudad de Venecia que domina y obscurece parcialmente el cuerpo
de ladrillo de la iglesia detrás de ella, mientras que refleja el espacio
interior del cubo y de sus capillas laterales.
La subdivisión de la fachada refleja los tres cubos separados
por la bóveda grande de las travesías de las hachas del plan cruzado
latino.
El frente central del templo se articula con cuatro columnas
compuestas de tres cuartos levantadas en los pedestales altos, que
enmarcan la puerta central. En el plano trasero, el cuerpo más bajo de
la iglesia es articulado por una grupo más pequeño de pilastras,
apoyando dos más bajas.
La línea de la cornisa continúa a través del organismo central,
enclavijando las dos formas. La relevación profunda de estos
elementos, combinada con el detalle escultural de capitales, de
cornisas, de lugares y de figuras, que marcan un gran juego ligero y
de la oscuridad en la luz del sol.

VENECIA (1560 A 1580).
El plan interior combina los elementos de edificios longitudinales y
centralizados, de una resolución que responde al renacimiento "ideal" del
plan centralizado y de la forma cruzada simbólica y la tradición medieval
de las iglesias del cubo y los requisitos de la Contrarreforma para las
iglesias funcionales con los cubos amplios para las congregaciones grandes
así como las capillas laterales bastante grandes para celebrar los
sacramentos.
El techo interior es una cámara acorazada longitudinal del barril
que conduce a una travesía, enmarcada por las columnas y los arcos
agrupados, que apoyan una bóveda encendida con una linterna. Las
cámaras acorazadas cruzadas sobre pasillos laterales y un transept con las
capillas absidales interceptan el cubo, y más allá de la travesía está un
presbiterio y el coro de los monje.
Las ventanas termales, clerestory que trae la luz a las capillas
laterales y al cubo, y el interior brilla intensamente con una luz caliente,
reflejada por las superficies pintadas del estuco (ladrillo del excedente) de
las paredes y de las cámaras acorazadas. En contraste, el detalle
arquitectónico de columnas y de pilastras de piedra cortadas, capitales,
bases, entablamentos continuos, arcos enmarcados y pasamanos,
obscurecidos con la edad, articulan la secuencia rítmica de espacios.

VENECIA (1560 A 1580).
• Planta en forma de cruz
• Corte longitudinal
• Ancho crucero
• Eje visual con el entorno
• Los ejes laterales están encuadrados por pilastras que se duplican en las esquinas
• De las paredes, ligeramente retiradas, sobresalen monumentos funerarios en forma de tabernáculos
acolumnados, apoyados en altos pedestales
• Las grandes columnas anuncian al frontón triangular
• Las cuatro columnas sobresalen de la pared en sus tres cuartas partes, dando la impresión de un orden libre
• El frontón es superado en altura por la cúpula
• Los bloques de piedra blanca ofrecen una armonía cromática en relación a los ladrillos rojos
• La verticalidad de la parte central de la fachada produce un tenso equilibrio con las casas adyacentes, de
marcada articulación horizontal
• El campanile, guarda relación con el de San Marcos, constituyendo un nexo de unión entre la plaza y el
complejo de islas
• Los tres tramos de la bóveda están separados por columnas de orden corintio, que se apoyan en altos
pedestales
• Los capiteles son compuestos (con elementos corintios y jónicos)
• Arcos de medio punto en las ventanas termales
• Las naves laterales están separadas y al mismo tiempo unidas, a la nave principal por las arcadas, que están
sostenidas por pilastras dobles con capiteles corintios
• Pilastras de orden colosal, en estás se asienta un entablamento

IL REDENTORE (1577) Características de la
Para liberar a Venecia de una epidemia de peste, el senado de la
ciudad decide en septiembre de 1576 erigir una iglesia votiva al
Redentor. Palladio es el encargado del proyecto el 23 de
noviembre de 1576, teniendo que presentar dos proyectos para
la iglesia, uno de planta longitudinal y otro centralizado. Marc
'Antonio Barbaro recomendó la planta circular, pero la comisión
optó por una planta longitudinal, decisión más acorde con las
disposiciones del Concilio de Trento. Esta Planta era una
preferencia de la contrarreforma frente a la planta centralizada,
que se consideraba pagana. Palladio no llegaría a ver concluida
su obra.
La fachada de la nueva iglesia mira un poco a la de San Giorgio
Maggiore y tenia que guardar relación salvada la distancia, con
los edificios de la Piazzetta di San marco. Palladio combina
motivos de su creación anterior, combinándolos en un conjunto
totalmente nuevo.

IL REDENTORE (1577) Características de la
• Los extremos de la fachada con frontones ascendentes,
• El pórtico del templo, coronado por un frontón apoyado en columnas colosales
• No parecen ser independientes de la pared frontal, sino que son atrapadas por ésta.
• La pared forma una segunda planta, que se cierra asimismo con molduras de frontón ascendente, con
una cornisa horizontal en el medio.
• Esta cornisa es interrumpida por el frontón, formando el tejado holandés, que concluye
longitudinalmente en la cúpula, flanqueada por campanarios simétricos.
• La fachada es la cara frontal del cubo dividido en varios planos,
• La totalidad de la fachada descansa sobre un zócalo, que corresponde a la altura de la escalera
• Las paredes laterales de la fachada están enmarcadas por pilastras que a su vez se integran en otras,
más resaltadas, a los extremos de la fachada, introduciendo así las columnas de medio punto, que
sobresalen en sus tres cuartas partes de la pared.
• Las columnas externas y el frontón del portal son equiparados en forma y volumen a las columnas
centrales.
• En la parte baja, el muro de ladrillo es articulado por pilastras dobles con capiteles corintios,
• Se utilizan las columnas en todas sus variantes plásticas (libres, de media caña, y tres cuartos)
• Bóveda de cañón con lunetos sobre ventanas termales
• Cúpula dominante, da una confluencia de movimiento espacial

PALLAZO CHIERICATE
(1550-80).
El Palazzo Chiericati es un edificio rectangular con un pórtico
orientado a la Piazza d´lsola, un frente muy público con loggias abiertos en la
planta y el piano nobile. La loggia de la primera planta, levantado cinco pies
sobre la piazza, a lo largo de toda la fachada en once bahías. Las cinco bahías
centrales se proyectan levemente y son separadas de las bahías laterales por
las columnas. Los racimos de cuatro columnas en cada esquina de esta
proyección apoyan el cuarto principal del piano nobile, que proyecta a la
fachada, haciendo dos loggias, uno en cada uno de sus lados, en este nivel.
En contraste con el frente, los finales de los loggias en los lados del palazzo
se emparejan, con las aberturas arqueadas flanqueadas por las pilastras
dóricas y los capitales jónicos. El entablamento con una sucesión regular de
triglifos y metopas que se alternan con las cabezas de los toros, que adornan
ricamente los techos de las loggias. Las figuras y las urnas sobre la cornisa
fueron agregadas en el decimoséptimo siglo.

PALLAZO CHIERICATE
(1550-80).
• Edificio cuadrangular, de ejes estrictamente simétricos
• Pórtico de doble planta abarca toda su extensión
• Zócalo sobre el que se asientan las columnas de la planta baja
• En la Loggia de jardín, cerrada por cuatro columnas y flaqueada por escalinatas
dobles
• En las alas laterales un entablamento dórico
• A partir del tercer intercolunio, el entablamento se acomoda en ambas caras del
edificio
• En ese codo aparecen cuatro columnas, de las cuales una sigue el ritmo de las
anteriores y otra retrocede un poco en la loggia, para situarse delante de las
restantes, sobre la parte saliente del entablamento.
• La acumulación de columnas en un espacio tan reducido forma un resalto, que en la
planta baja abarca el vestíbulo y en la superior la gran sala
• Las columnas del piano nobile son de otro orden que las de la planta baja, y
descansan sobre pedestales unidos entre si por balaustradas a lo largo de toda la
fachada

ESCULTURA MANIERISTA
De este periodo vamos a destacar a Benvenutto Cellini (1500 -1574), teórico y
experimentado técnico de la escultura y de la fundición en bronce, así como de la orfebrería o
del esmalte, sobre los cuales escribió sendos tratados. En este terreno de la orfebrería, que
parece se el preferido por Cellini destaca el salero de Francisco I, adopta la forma de una fuente,
en cuyo borde se colocan las figuras de oro de Neptuno que como dios del mar proporciona la
sal y de la diosa Telus, la diosa terrestre que proporciona la pimienta. Su obra más famosa
puede ser el "Perseo con la cabeza de Medusa" de Florencia, de 1554, es una de las cimas
expresivas del Manierismo maduro en el que se anticipan alguno de los elementos propios de las
representaciones barrocas; el brazo levantado mostrando la cabeza de Medusa y el filo de la
espada rompen la el espacio y la idea de único plano principal.
Junto a Cellini es Juan de Bolonia quien mejor describe lo que es el manierismo Aunque
su origen es franco flamenco, toda su obra la realiza en Italia y dentro de los cánones estéticos
italianos. Trabaja tanto el mármol como el bronce, incluso a escala reducida. Su estilo es de lo
más dinámico del momento, buscando composiciones inestable y que den la sensación de
inestabilidad. Domino como pocos la línea serpentinata, que toda a las figuras de un gran
movimiento helicoidal. Una de las obras en la que mejor demostramos está característica es en El
rapto de la Sabinas (1581) , una contorsión de las figuras que dibujan una ascensión helicoidal
con múltiples puntos de vista; En el "Mercurio" logra posiblemente la más bella expresión del

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA
MANIERISTA.
• Mantiene en buena parte los aspectos formales de la etapa anterior. Al ser el arte plástica por
antonomasia, la forma predomina sobre el contenido y le da una grandilocuencia sólo
comparable a las esculturas del helenismo.
• Las figuras serpentinatas cobran primacía en esta etapa: tanto la figura como el grupo ha de
tomar la forma de la letra S exagerando el contraposto clásico.
• También se produce una estilización de las figuras alargándose el canon a las diez cabezas.
• Los escultores manieristas de la segunda mitad del siglo XVI se van a plantear la cuestión de la
multifacialidad de la obra como una exigencia teórica, como un problema intelectual para el
que se requerían soluciones. Estos planteamientos van a dar una importancia cada vez mayor al
modelo, al apunte plástico que introdujera Miguel Ángel.
• Hasta este punto la escultura renacentista pedía un escultor estático; el infinito número de
puntos de vista convierte al espectador inmóvil en un espectador cinético. Se inician, pues, en
este período dos importantes novedades:
 la necesidad de modelos de cera o barro para conseguir la multifacialidad inicia un
proceso lento a lo largo del cual el modelador se convierte en verdadero escultor, y el
escultor original en un artesano, en un técnico. Se abre así un abismo entre ejecución e
invención
 el bloque de mármol ya no significa una norma sagrada e intocable, sino que se libera

PERSEO CON LA CABEZA
DE MEDUSA
escultura Manierista.
Perseo con la cabeza de Medusa, también denominada el Perseo de
Cellini, es una escultura realizada en bronce por Benvenuto Cellini,
considerada una de las obras cumbres de la escultura manerista italiana y una
de las estatuas más famosas de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia.
Carecen de sentido las críticas que tratan de ver sus obras desde una
prospectiva clásica y es obvio que las presuntas faltas de proporciones son
intencionadas con el fin de conseguir un efecto estético determinado. El
cuerpo no está proporcionado, como era característico de las obras
manieristas. Es excesivamente grande y fornido para la cabeza, los brazos
han crecido desmesuradamente. El cuerpo de Medusa, a los pies del héroe,
aparece retorcido y arqueado después de la decapitación.
Todo exalta la belleza del cuerpo en reposo, cuya carne lisa contrasta
con el cabello ensortijado, hirsuto y cincelado en profundidad. El equilibrio se
cierra en el lado derecho, aunque en el izquierdo, la composición se abre
hacia arriba con el brazo extendido y hacia atrás mediante un acentuado
contrapposto, lo cual permite que el bronce gire majestuosamente en el
espacio, ofreciendo los ocho ángulos de visión que Cellini consideraba como
ideales en su tratado de escultura.

RAPTO DE LA SABINA Características de la
Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del
manierismo. Se trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los
personajes están desnudos.
Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las
figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio
de Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a
todo el Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la
estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a la forma serpentinata
que ya había utilizado Miguel Ángel, pero Giambologna prescinde del punto de
vista único y el grupo incita a multitud de perspectivas. No existe un delante y un
detrás sino una multiplicidad de puntos de vista, de tal manera que el grupo gira
como una espiral. Esta multiplicidad, insistimos, viene impuesta por la misma
escultura: el movimiento de las figuras que se retuercen y prolongan en su
contraposición no atiende ya a la perspectiva frontal típica del Renacimiento, visión
estática y serena sustituida, aquí, por un enérgico dinamismo.

MERCURIO VOLADOR
(1565) .
La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando de nuevo una
línea serpenteante. Es una estatua de bronce. La obra más conocida de Juan
de Bolonia es el Mercurio Volador (1565) realizado en bronce y ubicado en el
Museo del Bargello florentino aunque una réplica del mismo también se
encuentra en el Museo del Louvre. El mensajero de los dioses está
representado en una posición en suma inestable, apoyado sobre la punta de
un pie mientras que la otra pierna se lanza hacia atrás en diagonal con el
brazo cuya mano señala los cielos que le envían. Con una inspiración en
modelos antiguos, Juan de Bolonia expresa con su dinámica figura una
apariencia de movimiento. Pero en verdad se trata de un movimiento
congelado que se lanza en actitud vertical de fuerza y ligereza pese a su
altura, cercana a los dos metros. La escultura, como característica propia del
manierismo, adopta un infinito número de puntos de vista en función de su
composición helicoidal. Todo el estudio de la figura en su trazo diagonal
anticipa la escultura barroca y, en cierta manera, sirve de puente entre el
clasicismo renacentista romano y el manierismo toscano.

PINTURA MANIERISTA.
Predominan en el manierismo las formas curvas, ondulantes, la línea serpentinata del escultor Gian
Gologna, según el ejemplo del Laocoonte y su influencia en el arte del Cinquecento. Los escorzos se llevan al
extremo produciendo formas incomodas y rebuscadas, en cierta medida antinaturales. Las composiciones se
vuelven inestables, desequilibradas, asimétricas, podemos encontrar que todas las figuras se agolpan en un
pequeño espacio del cuadro, mientras otros quedan completamente despejados. Se impone lo dinámico,
figuras en inestable equilibrio, sujetas tan sólo por la punta de pies.
El tratamiento de la anatomía se hace extremo, o gigantes al estilo miguelangelesco de poderosa
musculatura, o cuerpos delicados y frágiles en actitudes afectadas. Respecto al color, nos encontramos con
una total libertad en la utilización de la paleta, buscando contrastes llamativos, tonalidades y matices
originales e irisados. En muchos casos interesa más el valor puramente decorativo del cuadro, El objetivo es
buscar lo novedoso lo que sorprenda al espectador. No sólo se busca esa sorpresa con las formas
extravagantes, sino que también se intenta conseguir a través del propio contenido de la obra, a menudo
complejo, lleno de símbolos y significados difíciles de descifrar para el neófito...
Será en Roma y en Florencia la dos ciudades donde las lecciones escultóricas e pictóricas de Miguel
Ángel tendrán mas repercusiones inicialmente y donde aparecen los primeros pintores propiamente
manieristas, sobre todo en la segunda, ya que Roma tardará un tiempo en recuperarse de la crisis que
supuso el sacco de 1527. De una primera generación de pintores manieristas hay que destacar a Pontorno
(1494-1537), composiciones onduladas y asimétricas, cuadros luminosos, escenas dramáticas, posiblemente
su cuadro más conocidos sea el Descendimiento de la iglesia de Santa Felicia en Florencia (1526-1528), en
el que los cuellos se alargan, el canon se estiliza, el ritmo de la composición se hace mas sinuoso , busca el

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA
MANIERISTA.
El Manierismo en pintura se distingue fundamentalmente por la ausencia de naturalismo
en su representación de la realidad; sus efectos visuales algo exagerados que se reflejan en
colores llamativos y artificiales, iluminación poco natural, cierto desequilibrio, contraste,
desproporción en las figuras -extremidades y rostros algo alargados, cabezas más bien
pequeñas- y adopción de posturas forzadas o complejas; tratamiento irreal del espacio;
predominio de la técnica imitativa; puesta en cuestión del ideal clásico de belleza y equilibrio
del Alto Renacimiento; entre otros rasgos.
• Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad. Las
obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas. Las composiciones son
irregulares, con zonas muy vacías y otras muy llenas, y las figuras se representan como a
punto de caer.
• Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. Las tonalidades no siempre se
corresponden con las reales de los objetos representados.
• Los dibujos son muchas veces exagerados, sofisticados y artificiosos. Acentúan gestos y
giros, predominio de las curvas.
• Los artistas deforman sus composiciones por diversos ejes, generalmente diagonales.
Algunos pintores manieristas fueron Bronzino, El Greco, Tintoretto y Veronés.

LEDA CON EL CISNE. Características de la
pintura Manierista.
Leda y el cisne es una obra de estilo manierista realizada en óleo
sobre lienzo por el artista italiano Antonio Corregio (1489 – 1534). La obra
de Corregio presenta una ascensión desde las formas clásicas del
renacimiento típico del siglo XIV hasta innovaciones de un manierismo tan
profundo que incluso preludian los avances del barroco.
El artista ha optado por unificar diversas escenas de la historia en un mismo
espacio, así Corregio establece en el centro de la composición la unión entre
Leda y cisne. El artista ha sabido plasmar el momento con gran elegancia
incorporando a partes iguales sensualidad y moderación, Leda sedente en
una roca aparece completamente desnuda en una sensual y manierista pose
mientras deja que el hermoso cisne acaricie su cuerpo. En la zona de
izquierda vemos de nuevo la figura de Leda, primero desnudándose ayudada
de sus criadas mientras observa el hermoso cisne que está en vuelo y
después, dentro del agua rechazando – pese a que su rostro dice lo
contrario- con un preciso gesto al animal.
En la zona de la derecha encontramos a Cupido, dios del amor, tocando un
arpa y acompañado por dos pequeños amorcillos.
La escena se desarrolla en un espacio natural, con grandes árboles que ofrecen un marco lacónico a esta escena de
amor; al fondo del paisaje se observa un tenue sfumato influencia que la obra leonardesca tuvo en el artista.
El artista ha estudiado profundamente la composición y posición de las figuras, éstas presentan múltiples posturas y
escorzos que rebelan el estilo manierista de Corregio. La luz ha sido muy acertada, se expande por todo el lienzo
incidiendo especialmente en las encarnaciones de los cuerpos desnudos.

LA MADONNA DEL CUELLO
LARGO.
pintura Manierista.
Esta magnífica Virgen con Niño, ángeles y san Jerónimo - más
conocida como la Madonna del largo cuello - es la obra más interesante de la
producción del Parmigianino ya que recoge su manera de entender el
Manierismo y resume su lenguaje pictórico, en el que emplea figuras
alargadas al máximo debido al empleo de lentes aberrantes y lleva la
anatomía al extremo de la verosimilitud. Estas imágenes serán admiradas por
El Greco, como fuente de sus figuras estilizadas. La figura de María sujeta en
su regazo a un estilizado Niño Jesús, que llega incluso a la deformidad,
mientras los ángeles que contemplan la escena muestran un canon similar. La
figura de la Virgen es más elegante y en ella destaca su alargada mano de
finísimos dedos. El fondo parece sacado de una obra surrealista: una columna
aislada a cuyos pies contemplamos a san Jerónimo, quien lleva en sus manos
la traducción de las Sagradas Escrituras. La iluminación crea contrastes que
refuerzan el volumen de los personajes, empleando la "técnica de los paños
mojados" que pega las telas al cuerpo para mostrar su anatomía. El resultado
es una elegante composición donde podemos encontrar algún elemento
simbólico que ha permanecido oculto hasta hoy día.

VENUS Y AMOR
DESCUBIERTOS POR UN
SÁTIRO.
pintura Manierista.
Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el
equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan
posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal. Correggio trabaja
con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y
mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo. La luz baña las figuras
dotándolas de una cierta ingravidez. Esa luz que incide sobre los cuerpos
realza la composición en diagonal.
La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.
La impresión general es de sensualidad, gracias a la adopción de una
línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado
voluptuoso.

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