Historia de la Arquitectura II. Renacimiento.

1. República Bolivariana deVenezuela.
Ministerio del Poder Popular para la educación superior.
Instituto Universitario Politécnico “Santiago Mariño”
Av. 4 de Mayo, Porlamar, Edo. Nueva Esparta.
Historia de la Arquitectura II
Extensión SAIA.
El Renacimiento.
Porlamar, 26 de Abril del 2015.
Realizado por:
Alfonzo G.,Willianny.
C.I: 26.344.461
Arq. EstelaAguilar.

2. Renacimiento Italiano.
Se denomina Quattrocento al periodo del arte
italiano correspondiente al s.XV comprendido dentro de la
corriente renacentista, encontrándose de esta manera
también la aplicación de las denominaciones de Primer
Renacimiento o Bajo Renacimiento para la designación de
dicho momento.
Va a ser éste un siglo de descubrimiento por parte
de la comunidad artística durante el que la república de
Florencia se constituirá en sede central de la misma, gracias al
apoyo de mecenazgo realizado por parte de grandes familias
como los Médicis y al extraordinario desarrollo económico del
que será protagonista.

3. Arquitecturarenacentistaen Italia.
La arquitectura renacentista nace en Italia durante el Quattrocento.
Sus características más importantes son:
• Deseo de realizar edificios perfectos desde el punto de vista de
"perfección técnica", basándose en cálculos matemáticos y
geométricos, para obtener la máxima armonía y proporción.
• Para ello toman como módulos el radio y el diámetro de una
columna. Hay teóricos como Paccioti que hablan de la
proporción áurea, que es la más adecuada para la construcción: 1
m. de alto x 1,6 m de ancho.
• El efecto ascensional del gótico es trocado por la horizontalidad.
• Tiene preferencia el espacio unitario. Es decir, se busca que
desde el interior se pueda tener una visión total del edificio, sin
importar el punto de vista del observador.
• Se busca la belleza formal.
• La principal influencia, obviamente es la del mudo clásico, muy
especialmente de la arquitectura romana.

4. Características
• El espacio renacentista se inspira en formas geométricas, dando
lugar a una clara delimitación espacial, en contraposición al
espacio del edificio gótico, que tendía a desmaterializar el
cuerpo del edificio. El uso de las formas geométricas consigue un
edificio en el que predomina la claridad, se conjuga la armonía y
el equilibrio.
• El edificio se compone a partir de una estructura centralizada, en
el que el círculo es expresión de la divina proporción. La planta
centralizada es la expresión de la divinidad: Cristo como esencia
de la perfección y la armonía, en contraposición a la planta de
cruz latina medieval, expresión de Cristo crucificado.
• Se parte de una idea de belleza como la integración racional de
las proporciones de todas las partes de un edificio. Se consigue a
través de relaciones matemáticas.
• Los edificios cobran dimensiones humanas: el ser humano es el
punto de referencia continuo

5. Pienza.
• Pienza fue reconstruida a partir de una villa llamada Corsignano,
que fue el lugar de nacimiento en 1405 de Eneas Silvio
Piccolomini, un humanista del renacimiento que se convertiría en
el Papa Pío II.
• Una vez convertido en Papa, Piccolomini se encargó de
reconstruir la ciudad de acuerdo a sus ideales renacentistas.
• Pretendía que fuera un retiro de Roma, y representa la primera
aplicación del concepto de planeamiento urbanístico humanista,
creando un interés por la planificación que fue adoptado por
otras ciudades italianas y europeas.
• La reconstrucción fue obra del arquitecto florentino Bernardo
Gambarelli (conocido como Bernardo Rossellino) quien
seguramente había trabajado con el humanista y también
arquitecto Leon Battista Alberti.
• La construcción comenzó alrededor del año 1459. El Papa Pío II
consagró el Duomo el día 29 de agosto de 1462, durante una
larga visita de verano.

6. Pintura renacentista en Italia.
La pintura del s.XV va a experimentar una enorme
evolución, desde el empleo de las formas aún ligeramente
decorativas y el uso de dorados y vistosos colores de Fra
Angélico en la primera mitad del siglo hasta la consecución,
por ejemplo, de los magníficos sistemas compositivos
empleados por Mantegna van a sucederse toda una serie de
aportaciones pictóricas que depurarán el lenguaje
renacentista. Sin embargo, puede apreciarse en general un
interés por la representación volumétrica de las figuras, la
comunión narrativa de las partes y la representación verista
de la naturaleza, las dimensiones y la profundidad.

7. Característica.
• Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.
• Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que
se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que
columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
• La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de
la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender
la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que
lo representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.
• Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.
• Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas
nuevas como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da
Vinci).
• Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
• Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes
retablos, en que cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presenciam,
en favor del cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo. Se adopta
de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado,
mejora la técnica de la pintura con este material. En Italia, sin embargo, se
conserva la pintura sobre tabla y la técnica del temple en la pintura llamada ≪de
caballete≫. Es principalmente en Venecia donde, por influencia flamenca, se
introduce el uso del óleo.

8. Alegoríade la primavera,Botticelli.
Cuando Botticelli realiza esta magna obra en pleno Renacimiento
italiano no podía ser completamente consciente de la trascendencia que supondría
para el arte posterior. Lo primero que debiera llamar nuestra atención, en relación con
los usos de la época, es su enorme formato, la pintura profana casi nunca utilizó estas
dimensiones, que se reservaban para la expresión de los temas sacros. Esto le confiere
un carácter de cristianización de un tema que a primera vista parece totalmente ajeno
a las creencias religiosas. Por otro lado, bien pudiera relacionarse con otro género de
la época, el tapiz. Los tapices sí tenían este gran tamaño y se dedicaban mayormente
a la pintura profana, puesto que su función era decorar muros, cerrar vanos, etc. Los
mejores tapices eran los flamencos, procedentes de Gante, Brujas y Bruselas,
realizados en la lana de mejor calidad, la castellana. Su precio en el mercado era
elevadísimo, hasta el punto de que comenzó a ser sustituido por materiales más
baratos, como era la pintura. Esta sustitución de materiales baratos -la pintura- por
caros, ya había tenido lugar en el Gótico italiano, donde el elemento desplazado fue el
mosaico. Reforzando el paralelismo de esta obra con el tapiz tenemos el suelo
sembrado de flores, como ocurre en La Anunciación de Fra Angélico, según el modelo
"milflores" de tejidos flamencos y franceses. El tema del cuadro es extremadamente
complejo: abundan las figuras de la mitología clásica, pero no componen ninguna
escena conocida de los textos clásicos, aunque parece seguro que se trata de una
alegoría de carácter moral bajo la apariencia de la mitología antigua. La presencia de
la diosa Flora, heraldo de la Primavera, es lo que dio su nombre al cuadro, que aparece
presidido por Venus y Cupido, con la presencia, ajena al resto de los personajes, de
Mercurio en el extremo izquierdo. La explicación es posible intuirla a través del cliente
del encargo. Botticelli lo pintó para el jovencísimo Lorenzo di Pierfrancesco di Médici,
miembro de la prestigiosa familia Médicis.

9. Esculturarenacentistaen Italia.
La escultura del Renacimiento italiano incluye el periodo
aproximado entre finales del siglo XIV y principios del siglo XVI,
cuando la escultura italiana expresó una reacción en contra de los
principios de la estética gótica y la asimilación de la influencia del
arte de la antigüedad clásica, el humanismo y el racionalismo, y
desarrolló un estilo que fusiona elementos naturalistas e idealistas
en proporciones variables. Después de las pruebas preliminares en
Pisa, Siena y otras ciudades en el estilo italiano renacentista norte-
central apareció por primera vez con claridad, en Florencia. Algunos
autores indican el inicio "oficial" del renacimiento en 1401, cuando
se celebró en Florencia un concurso público para la creación de las
puertas de bronce del Baptisterio de San Juan, y otros apuntan a
1408, cuando se le encargó a Donatello y a Nanni di Banco un grupo
de esculturas de santos para la fachada de la Basílica de Santa Maria
del Fiore. De todos modos, la escultura era el arte de la adopción de
una nueva estética, y fue uno de los más representativos de las artes
del Renacimiento italiano entero.

10. Característica.
Las principales características de la escultura del
Renacimiento italiano fueron su definición como una forma de adquirir el
conocimiento y la educación como un instrumento de la ética pública, y
su preocupación por integrar a la oposición entre el interés por la
observación directa de la naturaleza y de conceptos estéticos idealistas
desarrollados por el humanismo. En un momento en que el hombre se
colocó en el centro del universo, su representación también asumió un
papel central, con el resultado de que florecieron los géneros de desnudo
artístico y el retrato, que desde el final del Imperio Romano habían caído
en el olvido. Se reanudaron también temas mitológicos, se estableció un
cuerpo de teoría para legitimar y orientar el arte de la época, y se hizo
hincapié en la estrecha relación entre el conocimiento teórico y una
rigurosa disciplina de trabajo práctico como una herramienta esencial
para la creación de una obra de arte calificado. La escultura del
Renacimiento italiano en sus tres primeras fases fue dominada por la
influencia de la escuela de Toscana, Florencia, que era entonces el mayor
centro cultural italiano y una referencia para todo el continente europeo.
La fase final se llevó a cabo por Roma en una época dedicada a un
proyecto de afirmación de la universalidad de la autoridad del papado
como el heredero de San Pedro como del Imperio Romano.

11. Cristoredentor,MiguelÁngel,1519-1520.
Cristo de la Minerva es la denominación de una escultura de mármol, obra
de Miguel Ángel, finalizada en 1521, que representa a un Cristo redentor, desnudo,
abrazando la Cruz (el lienzo de pureza que oculta sus genitales es una adición
posterior). Esta obra se encuentra en el lado izquierdo del altar mayor de la iglesia de
Santa Maria sopra Minerva de Roma.
La primera versión de este obra se comenzó en 1514, por encargo de
Pietro Paolo Castellano, Bernardo Cencio, Mario Scappucci y Metello Vari, que
pretendían destinarla a la iglesia de la Minerva. Entre 1514 y 1516 Miguel Ángel trabajó
en la talla hasta que, cuando ya estaba muy avanzada, tuvo que interrumpir su trabajo
por la aparición en el mármol de una gran veta oscura que cruzaba el rostro de la
figura.
Cuando se acercaba el término del contrato (cuatro años) los clientes insistieron en su
ejecución. Por entonces Miguel Ángel se encontraba en Florencia, y recomenzó el
trabajo en un nuevo bloque de mármol, comenzando una nueva versión en la que
trabajó entre los años 1519 y 1520. En marzo de 1521 mandó la escultura a Roma,
pidiendo a su discípulo Pietro Urbano que la terminara. Sin embargo, esta intervención
no debió ser muy afortunada, ya que Sebastiano del Piombo escribió a Miguel Ángel
para pedirle que cesara a Urbano y encargara la finalización del trabajo a Federico
Frizzi. Se hizo así, y la escultura quedó terminada, colocándose en la iglesia para la que
estaba destinada el 27 de diciembre de 1521. A pesar de todo esto, parece que Miguel
Ángel aún propuso una nueva ejecución de la obra, pero Metello Vari no se lo concedió.
En compensación, recibió la primera versión inacabada, que colocó en su jardín.

12. Renacimiento Español.
El inicio del Renacimiento en España se liga íntimamente al devenir
histórico-político de la monarquía de los Reyes Católicos. Sus figuras son las
primeras en salir de los planteamientos medievales que fijaban un esquema
feudal de monarca débil sobre nobleza poderosa y levantisca. Los Reyes
Católicos aúnan las fuerzas del incipiente estado y se alían con las principales
familias de la nobleza para mantener su poder. Una de estas familias, los
Mendoza, utiliza el nuevo estilo como distinción de su clan y, por extensión, de
la protección de la monarquía. Poco a poco, la estética novedosa se introduce en
el resto de la corte y el clero, mezclándose con estilos puramente ibéricos, como
el arte nazarí del agónico reino de Granada, el Gótico exaltado y personal de la
reina castellana, y las tendencias flamencas en la pintura oficial de la corte y la
Iglesia. La asimilación de elementos dio lugar a una personal interpretación del
Renacimiento ortodoxo, que se dio en llamar Plateresco. Asimismo, se importan
artistas secundarios de Italia, se envían aprendices a los talleres italianos, se
traen diseños, plantas arquitectónicas, libros y grabados, cuadros, etc., de los
cuales se copian personajes, temas y composición. Carlos I es el rey que mejor se
relaciona con el arte nuevo, paradójicamente llamado la manera antigua,
puesto remite a la Antigüedad clásica. Su patrocinio directo logró algunas de las
más bellas obras de nuestro especial y único estilo renacentista: el palacio de
Carlos V en Granada, el mecenazgo sobre Covarrubias, sus encargos a Tiziano,
que nunca accedió a trasladarse a España... Pintores de gran calidad fueron,
lejos del núcleo cortesano, Pedro de Berruguete, Juan de Juanes, Paolo de San
Leocadio, del que destacamos la delicada Virgen del Caballero de Montesa,
Yáñez de la Almedina y Fernando de los Llanos. La pintura del Renacimiento
español se lleva a cabo normalmente al óleo. Realiza interiores perfectamente
sujetos a las reglas de la perspectiva, sin agolpamiento de los personajes.

13. Arquitecturarenacentistaespañola.
El desarrollo del Renacimiento se produjo principalmente por
arquitectos locales. De esta manera, se creó una corriente puramente española
del estilo, que se vio influida por la arquitectura del sur de Italia (dominios de la
Corona de Aragón en esa época). Este estilo español llamado plateresco,
combinaba las nuevas ideas italianas con la tradición gótica española, así como
la idiosincrasia local. El nombre proviene de las extremadamente decoradas
fachadas de estos edificios, que se asimilaban al intrincado y detallista trabajo
de los plateros. En estos años sobresalen los arquitectos Enrique Egas y Juan de
Álava.
Con el paso de las décadas, la influencia del Gótico fue
disminuyendo lentamente, llegándose a alcanzar un estilo más depurado y
ortodoxo, desde el punto de vista del Renacimiento. El purismo se caracteriza
por una mayor austeridad decorativa, que se limita a algunos elementos
concretos, generalmente de inspiración clásica. Hay un cierto cansancio de la
exuberancia decorativa a mitad del siglo XVI y se imponen los edificios de
aspecto más sereno, armónico y equilibrado. Algunos arquitectos consiguen
reciclar su producción tardo-gótica para iniciarse en este nuevo estilo: tal es el
caso, por ejemplo, de Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón y Pedro
de Ibarra. El centro de la producción renacentista se localizó en Andalucía con
Diego de Siloé (fachada de la Catedral de Granada y la Sacra Capilla del Salvador
de Úbeda); Pedro Machuca (Palacio de Carlos V en Granada), el arquitecto más
decididamente clásico; Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén y de Baeza) y
Diego de Riaño (Ayuntamiento de Sevilla).

14. Caracteriastica.
• Se valora la superficie de los muros. Exteriormente se realzan los sillares mediante el
clásico almohadillado; e, incluso, se tallan como puntas de diamante. En los interiores se
anima la propia superficie del muro a través de elementos armónicamente equilibrados:
cornisas, pilastras, columnas enmarcadas, etc.
• En cuanto a los soportes, se utiliza la columna fundamentalmente, tanto por su función
constructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o
combinada con pilares. Se emplea el repertorio de los órdenes clásicos. La columna es
esencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los fundamentos del
clasicismo, y sirve como pauta para determinar toda la proporción del edificio. Este
carácter rector de la columna es el fundamento esencial de la belleza arquitectónica en la
concepción renacentista. Se utilizan todos los órdenes romanos, desde el rústico al
compuesto, enriquecido el corintio, que es el más utilizado.
• El arquitecto renacentista desprecia el arco ojival o apuntado, característico del estilo
gótico, y vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de medio punto. Sostenido por
elegantes columnas de orden clásico y formando galerías o logias, su repetición rítmica
contribuye a subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas.
• En los sistemas de cubierta se produce una profunda renovación, ya sean estas de madera
o de piedra. En las cubiertas de madera el tipo más utilizado es el artesonado: una
superficie plana que se divide en casetones, que pueden ser cuadrangulares o poligonales,
y en cuyo centro se suele colocar una flor u otro motivo decorativo, generalmente dorado
o policromado. En las cubiertas de piedra se emplean preferentemente las bóvedas de
cañón, las de arista y las rebajadas o vaídas; en todas ellas es frecuente que el casquete de
la bóveda no se quede liso, sino que se decore con casetones, como en la arquitectura
romana. No obstante, lo más importante será la primacía que se le concede a la cúpula
como forma ideal constructiva (derivada de la admiración que siempre suscitó la cúpula
semiesférica del Panteón de Agripa, en Roma; así como la influencia de la arquitectura
bizantina que irradiaba San Marcos de Venecia). La cúpula se eleva sobre pechinas y
generalmente con tambor, en el que se abren ventanas, y suele estar rematada con
linterna que le proporciona luz cenital.

15. Monasterio de El Escorial
El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que
incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca y un monasterio.
Se encuentra en la localidad de San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad de
Madrid, España, y fue construido entre 1563 y 1584.
El palacio fue residencia de la Familia Real Española, la basílica es
lugar de sepultura de los reyes de España y el monasterio –fundado por monjes
de la Orden de San Jerónimo– está ocupado actualmente por frailes de la Orden
de San Agustín. Es una de las más singulares arquitecturas renacentistas de
España y de Europa. Situado en San Lorenzo de El Escorial, ocupa una superficie
de 33.327 m², sobre la ladera meridional del monte Abantos, a 1028 m de altitud,
en la Sierra de Guadarrama. Está gestionado por Patrimonio Nacional.
Conocido también como Monasterio de San Lorenzo El Real, o,
sencillamente, El Escorial, fue ideado en la segunda mitad del siglo XVI por el
rey Felipe II y su arquitecto Juan Bautista de Toledo, aunque posteriormente
intervinieron Juan de Herrera, Juan de Minjares, Giovanni Battista Castello El
Bergamasco y Francisco de Mora. El rey concibió un gran complejo
multifuncional, monacal y palaciego que, plasmado por Juan Bautista de Toledo
según el paradigma de laTraza Universal, dio origen al estilo herreriano.
Fue considerado, desde finales del siglo XVI, la Octava Maravilla del
Mundo, tanto por su tamaño y complejidad funcional como por su enorme valor
simbólico. Su arquitectura marcó el paso del plateresco renacentista al
clasicismo desornamentado. Obra ingente, de gran monumentalidad, es
también un receptáculo de las demás artes.

16. Pintura renacentista española.
La pintura renacentista española es la realizada a lo largo del siglo
XVI en las Coronas de Castilla y Aragón. El Renacimiento italiano se difundió por
la Península Ibérica a partir del litoral mediterráneo. Así, se aprecian diferencias
entre las regiones a la hora de incorporarse al italianismo: es más rápido en la
Corona de Aragón, más vinculada con Italia, y tarda más en llegar al corazón de
la Península, donde perviven los modelos flamencos preponderantes en la
época de los Reyes Católicos.
Suele diferenciarse en tres momentos, dividiendo el siglo en tres
períodos. Es característico del Renacimiento español el predominio
prácticamente absoluto de la pintura religiosa, siendo muy ocasionales los
temas mitológicos, históricos, alegóricos, o géneros como el bodegón o el
paisaje. Sí se producen retratos, especialmente vinculados con la corte.
España, en la época del Renacimiento, recibe la visita de algunos
grandes artistas. Las posesiones italianas así como las relaciones establecidas
por Fernando II de Aragón, entrañaron movimientos de intelectuales y también
de artistas a través del crecimiento de la influencia española en Europa, y más
particularmente en Italia. Llegan a lo largo de todo el siglo numerosos artistas
italianos, pero también flamencos. De todos los pintores que trabajan en
España en el siglo XVI, destaca la figura de El Greco a finales de siglo.

17. Características.
• Ausencia de temática profana y predominio de la religiosa.
La clientela será fundamentalmente la Iglesia.
• La técnica preferida es el óleo sobre tabla, o sobre lienzo
con escaso desarrollo del fresco.
• Dependencia de las formas italianas que conviven con
restos góticos y caracteres populares.
• En Época de Felipe II, El Escorial se convierte en el centro
de la producción pictórica más importante.
• Mención aparte merece el genio individual del Greco.

18. FragmentodelEntierrodelCondeOrgaz,
ElGreco.
El entierro del señor de Orgaz, popularmente llamado El
entierro del Conde de Orgaz, es un óleo sobre lienzo de 4,80 x 3,60
metros, pintado en estilo manierista por El Greco entre los años 1586 y
1588. Fue realizado para la parroquia de Santo Tomé de Toledo, España,
y se encuentra conservado en este mismo lugar. Está considerada una
de las mejores y más admiradas obras del autor.1
El cuadro representa el milagro en el que, según la tradición,
san Esteban y san Agustín bajaron del Cielo para personalmente
enterrar a Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz, en la
iglesia de Santo Tomé, como premio por una vida ejemplar de devoción
a los santos, su humildad y las obras de caridad llevadas a cabo.2
El Greco aceptó el encargo de realizar la obra en 1586, algo
más de dos siglos y medio después de los hechos que en ella representó.
Recibió detalladas directrices sobre cómo debía aparecer el milagro de
la zona inferior del lienzo, pero una vaga descripción de la zona de la
Gloria. El pintor cretense incorporaría a la zona superior la
representación del Juicio y la aceptación en el Cielo del alma del señor
de Orgaz. También cargaría a la escena del entierro de un aire de
actualidad, retratando a varones de su tiempo con ropajes del siglo XVI
y situando los hechos en un oficio de difuntos con las características de
la época.

19. Esculturarenacentistaen España.
La aparición del arte renacentista en España se consolidó casi un siglo
después de los comienzos de este estilo en Italia. El quattrocento no existió como tal
estilo renacentista pues predominaban todavía las formas y el gusto por el gótico. En el
siglo XVI, el cinquecento italiano, aparecieron las primeras demostraciones, como
consecuencia de las relaciones políticas y militares con Italia y bajo el mecenazgo y
tutela de los reyes y de la nobleza. La escultura renacentista se hizo presente a través
de tres vías distintas: Escultores italianos mandados llamar por los mecenas y que
realizaron sus obras en España; obras importadas, procedentes de los talleres italianos;
primera generación de artistas españoles.
En el primer grupo se encuentran los escultores Domenico Fancelli, Pietro
Torrigiano y Jacobo Florentino, llamado el Indaco. Entre las obras encargadas a Italia
sirvan de ejemplo el San Juanito del taller de Miguel Ángel para la ciudad de Úbeda y
unos cuantos relieves del taller de la familia Della Robbia. En cuanto a los artistas
escultores españoles, la primera generación estuvo compuesta por Vasco de la Zarza
(trascoro de la catedral de Ávila), Felipe Vigarny (retablo mayor de la catedral de
Toledo), Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la catedral de Barcelona) y Diego de
Siloé (sepulcro de don Alonso Fonseca en Iglesia de las Úrsulas de Salamanca).nota 1
A partir del segundo tercio del siglo XVI surgieron en distintas regiones
españolas unos artistas escultores que llegaron a ser los grandes maestros de
Renacimiento español. Aunque siguieron las normas italianas, supieron dar a sus obras
un carácter puramente español, creando escuela en las distintas regiones del ámbito
nacional. El material utilizado fue el mármol y el bronce, pero sobre todo la madera
policromada y estofada. De los talleres de los grandes maestros salieron gran cantidad
de retablos, sillerías de coro, imágenes y escultura funeraria.

20. Características.
Se desarrolló la escultura renacentista española en los géneros de
sepulcros, sillerías de coro, imaginería y retablos, en escultura aplicada a la
arquitectura y el retrato en círculos de la nobleza. Se combinó el antiguo estilo
gótico con el nuevo Renacimiento venido de tierras de Italia, aunque sin la
introducción del tema mitológico y mostrando en sus esculturas más los
sentimientos anímicos que la belleza formal que daban los escultores italianos.
La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en
las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnaldas de frutos y
follajes, volutas, medallones y grutescos. El mármol y el bronce se utilizaron
para obras exclusivas de los grandes comitentes. El material más trabajado y
más representativo en el renacimiento español fue la madera con acabado de
policromía, cuyo proceso es el de dorado y estofado. Se recubrían con panes de
oro las imágenes y los retablos que, aunque encarecían el coste de las obras,
lograban un acabado rico y llamativo que se completaba con la aplicación de
pintura de color con el que se conseguía el parecido a diversas telas en las
vestiduras; en las partes del cuerpo descubierto se aplicaba la «encarnación»,
consiguiendo un color similar al de la carne.3 Algunos retablos se hicieron en
madera blanca, es decir, madera sin pintar, encerada o barnizada lo mismo que
las sillerías de los coros.
Los sepulcros se representaron con la imagen en posición yacente
u orante, en construcciones arquitectónicas adosadas a los muros o en
monumentos exentos y reflejando el concepto del Renacimiento del «triunfo
sobre la muerte» a través de la «Fama», o sea, el recuerdo de las obras
realizadas por el difunto, que son narradas normalmente mediante relieves en
dichos monumentos funerarios.

21. SanJerónimo deTorrigiano.
Esta escultura fue realizada en barro cocido policromado,
material muy de moda en la ciudad de Sevilla (Dos Hermanas )del siglo
XV y XVI. Según cuenta Vasari en la biografía de Torrigiano, el escultor
tomó como modelo un viejo criado de los comerciantes florentinos
Botti, afincados en Sevilla.
Fue una obra maestra, admirada y muy valorada por los
artistas sevillanos de fines del siglo XVI. En ella aprendieron a esculpir
anatomía todos los escultores andaluces de generaciones posteriores.
Uno de los grandes admiradores, ya en el siglo XVIII, fue el pintor Goya,
de quien se cuenta que se detuvo en el monasterio de Buenavista dos
veces, con la sola intención de contemplar la escultura. Está
documentado que comentó a su amigo Ceán Bermúdez su gran
admiración por este San Jerónimo.
La escultura presenta una anatomía perfecta del cuerpo de
un anciano, realizada en tamaño mayor del natural. Con una rodilla en
tierra, el santo muestra una cruz con su mano izquierda mientras que la
derecha cobija una piedra, instrumento que le servía para mortificarse
golpeándose con ella. La policromía aporta realismo y una gran calidad.
Torrigiano sentó un precedente con esta imagen; el santo fue
representado casi siempre de esta forma a partir de esta iconografía.

22. Renacimiento francés.
Renacimiento francés es la denominación
historiográfica del Renacimiento en el reino de Francia; un
movimiento cultural con dimensión intelectual, literaria y
artística que se localiza temporalmente desde finales del siglo
XV hasta comienzos del siglo XVII, entre el comienzo de las
guerras de Italia (1494) y el edicto de Nantes (1598). Se
incluye dentro del denominado Renacimiento nórdico, como
extensión al norte de los Alpes del Renacimiento italiano, que
en la primera mitad del siglo XV no tuvo mucha proyección en
Francia, por entonces inmersa en la guerra de los Cien Años.

23. Arquitecturarenacentistafrancesa.
La arquitectura francesa es modelo a seguir en el diseño
de edificios a nivel mundial. El arte francés es de caracter elegante y
refinado, cosa que se proyecta en sus obras arquitectónicas. Los
arquitectos franceses del Renacimiento y del período neoclásico son
especialistas en construcciones palaciegas, poseen los castillos más
bellos del mundo, miles de turistas acuden para admirar estas
edificaciones monumentales, que aun se encuentran en perfectas
condiciones.
La mayoría de castillos de Francia están en la región del
Loira, allí existen numerosas construcciones palaciegas. La mayoría
de ellas fueron edificadas durante el Renacimiento, época de gloría
para los arquitectos franceses concentrados en París. Para conseguir
levantar estas construcciones magníficas aplicaron su fina
creatividad estética y técnicas de ingeniería avanzada. Dentro de
esta zona se ubica la castillo morárquico más famoso de Francia, el
Chambord. Una parte del valle del Loira, con 42 castillos, ha sido
nombrada patrimonio de la humanidad por la UNESCO.

24. Características.
• Los artistas del siglo XV dejaron de lado el estilo gótico para
unirse al movimiento italiano del renacimiento, este tomaba las
obras antiguas de griegos y romanos como modelos de belleza
perfecta.
• La arquitectura renacentista interpreta el arte clásico e intenta
imitar la estética de aquellas construcciones.
• El nuevo pensamiento se contraponía al empleado para
proyectar las construcciones góticas, sus arquitectos fueron
tildados de cultivar el feísmo en sus obras.
• Es modelo a seguir en el diseño de edificios a nivel mundial
• El arte francés es de carácter elegante y refinado, cosa que se
proyecta en sus obras arquitectónicas.
• Los arquitectos franceses del Renacimiento y del período
neoclásico son especialistas en construcciones palaciegas,
poseen los castillos más bellos del mundo.

25. Castillo deAzay le Rideau
También conocido como “El Diamante de las Mil Facetas”
por Honoré de Balzac, se encuentra construído en una isla en medio
del Indre y es uno de los grandes logros de la arquitectura
renacentista.
Este impresionante Castillo fue construído entre 1518 y
1527, sus cimientos se elevan directamente del Río.Philippe
Lesbahy, esposa de Gilles Berthelot, tesorero de Francisco I y
alcalde de Tours, fue la que dirigió el curso de los trabajos para que
este magnífico castillo fuera posible, incluyendo la idea de una
escalera central, que es la mayor innovación deAzay.
En este castillo se mezclan motivos arquitectónicos, las
dimensiones largas y bajas y las decoraciones esculturales de Azay
son italianas, pero las esquinas de bastión capsuladas por conos
puntiagudos, los montones verticales de ventanas agrupadas
separadas por cursos de cuerda enfáticos horizontales, y la alta
azotea de pizarra inclinada son inequívocamente franceses. Los
fortalecimientos y las torres medievales donjon dieron un aire de
nobleza tradicional al tesorero del rey recién ennoblecido.

26. Pintura renacentista francesa.
En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia
flamenca, como Jean Bellegambe (1470-1534), que se inspira en los artistas de
Amberes. En torno a las cortes de Francisco I y Enrique IV se dan dos escuelas
llamadas de Fontainebleau, que siguen modelos italianizantes.
Francisco I llamó a su corte a Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto.
Pero fueron artistas italianos posteriores los que dominaron la primera escuela
de Fontainebleau. En el palacio de Fontainebleau trabajaron decoradores
italianos como Rosso, Primaticcio y Niccolò dell'Abbate. Muchas de estas
decoraciones de Fontainebleau se divulgaron gracias a la labor de diversos
grabadores, como el francés Jean Mignon.
En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato, con
Jean Clouet y su hijo François. El primero realiza lienzos mitológicos y retratos
dibujados o a lápiz. François busca la caracterización social de sus modelos,
aproximándose más a los modelos italianos y flamencos.
Otro retratista predominante que trabaja en Francia, más próximo
a Jean Clouet que a su hijo, es Corneille de Lyon, también conocido como
Cornelys, llamado de Lyon o de la Haya, posiblemente holandés.
En París trabajan los Cousin, padre e hijo. Jean Cousin padre,
llamado el Viejo para diferenciarlo de su hijo, Jean Cousin el Joven, realizó el
primer gran desnudo pintado por un artista francés: Eva Prima Pandora (Museo
del Louvre).

27. Características.
El periodo fundamental de la pintura renacentista
se centró en elementos nuevos y clásicos en armonía. El
claroscuro se introdujo de nuevo para mostrar las cualidades
realistas y humanas de los sujetos. El claroscuro es una
técnica que contrasta la luz y la oscuridad en la pintura.
Durante este periodo, los sujetos humanos en el arte se
representaban como las mediciones. El "Hombre de Vitruvio"
de Leonardo da Vinci retrata con precisión esta idea porque su
sujeto tiene proporciones iguales. Los pintores del
Renacimiento también se centraron en la producción de
posturas, movimientos realistas y emociones en su trabajo.

28. EscueladeFontainebleau:Dianacazadora,
1550-1560.
Es una pintura de oleo sobre madera llevado a
lienzo con dimensiones de 192 x 133cm, realizada entre 1550-
1560, ubicada en el Museo de Louvre, Paris. Fue ejemplo de
pintura de la Primera Escuela de Fontainebleau. La pintura
renacentista francesa experimentó el progresivo declive de las
formas góticas tradicionales y la llegada del nuevo estilo, en
ellas se observaba el gran esplendor del genero de los retratos
y mitológico dibujados a lápiz; en estas pinturas cabe destacar
que utilizaban modelos italianos y flamencos.

29. RenacimientoAlemán.
El Renacimiento alemán es parte de ese renacer que
hubo en los Países Bajos para los siglos XV y XVI. En Alemania
la corriente que existía era de influencia flamenca, a pesar de
que en Alemania tenía un estilo artístico muy particular. Los
temas religiosos abundaban en las obras de arte de los
alemanes. En Alemania, la arquitectura conservó fuertes
influencias del gótico medieval. El renacimiento artístico no
fue en Alemania una tentativa de resurrección del arte clásico,
sino una renovación intensa del espíritu germánico, motivado
por la Reforma protestante. Durero fue una figura dominante
del Renacimiento alemán. Su obra universal, que ya en vida
fue reconocida y admirada en toda Europa, impuso la
impronta del artista moderno, uniendo la reflexión teórica con
la transición decisiva entre la práctica medieval y el idealismo
renacentista.

30. Arquitecturarenacentistaalemana.
El Renacimiento en Alemania fue inspirado por
filósofos y artistas alemanes como Johannes Reuchlin y
Alberto Durero, que había visitado Italia. La arquitectura más
destacada de este período son la Residencia Landshut, el
castillo de Heidelberg, el castillo Johannisburg en
Aschaffenburg y el Ayuntamiento de Augsburg. En julio de
1567 el consejo de la ciudad de Colonia aprobó un diseño de
estilo renacentista realizado porWilhelm Vernukken para el
Ayuntamiento, con una loggia de dos pisos. La iglesia de San
Miguel, en Múnich, es la iglesia renacentista más grande
localizada al norte de los Alpes. Fue construida por el duque
Guillermo V de Baviera entre 1583 y 1597 como centro
espiritual de la Contrarreforma y se inspiró en la iglesia de Il
Gesù en Roma. El arquitecto es desconocido.

31. Características
Debemos tener en cuenta que en Alemania, a diferencia
de la pintura y la escultura, la arquitectura tuvo un lento desarrollo
en el siglo XVI. La Reforma protestante impidió el avance de la
arquitectura religiosa y la falta de un poder político central, la
aparición de una arquitectura regia. La influencia italiana fue
relativamente escasa y hay que esperar hasta la segunda mitad del
siglo XVI para que el vocabulario italiano (órdenes clásicos, volutas,
hornacinas, etc), aparezca con cierta frecuencia, aunque sea en
edificaciones de carácter gótico.
• El impacto del Renacimiento en países como: España, Portugal,
Alemania, Países Bajos y Francia, fue bastante duro, ya que los
artistas de esos países emigraron a Italia y luego regresaron a sus
países a imponer el Renacimiento italiano.
• Se produjeron numerosas transformaciones económicas,
derivadas del relanzamiento del sistema capitalista.

32. LaCapillade Fugger
Una serie de realizaciones donde arquitectura y ciudad están una
en función de la otra son llevadas a cabo en Augsburgo durante el siglo XVI e
inicios del XVII; es un capítulo en sí mismo concluso respecto a esta ciudad
alemana, para la cual las vicisitudes de la Guerra de los Treinta Años -sitiada y
tomada por Suecia en 1632, es reintegrada al Imperio cinco años después-
,suponen la interrupción de su desarrollo urbano.
Desde fines del siglo XV y durante toda la primera mitad del XVI
Augsburgo es el centro comercial e industrial más importante del Sur de
Alemania. Familias poderosas y enriquecidas durante el cuatrocientos, como los
Welser o los Hóchstetter, están en la base del gran capitalismo augsburgés del
siglo XVI; pero éste y la propia ciudad son sinónimos de Fugger. Casi podría
decirse que los Fugger son a Augsburgo lo que los Medici a Florencia.
Familia que había hecho su fortuna durante el siglo XV en relación
con los tejidos, industria tradicional de la ciudad, hacia 1525, año del
fallecimiento de Jacob Fugger, el omnipotente banquero de Carlos V y León X,
detentaba un auténtico monopolio de varios sectores de la minería europea,
que pasaba por la exclusiva del mercurio de Almadén e incluso por varias
concesiones hispanas en América, y controlaba buena parte de las intensísimas
relaciones comerciales de Augsburgo, con Italia -Venecia, sobre todo- por el Sur
y con Flandes hacia el Norte. A mediados del quinientos, la prosperidad de los
Fugger, y con ellos la de su ciudad, inicia un lento y progresivo declive que,
desde el punto de vista económico, es ya irreversible tras la primera bancarrota
de Felipe II, a quien habían seguido financiando, en 1557.

33. Pintura renacentista alemana.
Con el Renacimiento surgió en Alemania un tipo peculiar de arte, en
contraposición con las obras creadas en Italia. Se abre así el llamado Siglo de oro de la
pintura alemana, con pintores como Grünewald (1470-1528), Hans Holbein, Alberto Durero
y Lucas Cranach. A la tradición gótica alemana, expresionista y patética, se le une ahora la
influencia italiana y la llegada de la Reforma protestante, lo que provoca una pintura con
personalidad propia.
El más vinculado con la tradición gótica anterior es Grünewald, y por ello a
veces se le clasifica entre los pintores góticos, o se dice que se encuentra a caballo entre la
pintura gótica y el renacimiento, cuando en realidad es estricto contemporáneo de Alberto
Durero (1471-1528). Grünewald prolongó en el tiempo las concepciones góticas, en
pinturas que mantiene el patetismo típico de los primitivos alemanes, con actitudes
arrebatadas y luces intensas. La obra más notable de este artista, calificado como
«extraño», o «visionario», es el Retablo de Isemheim (1510), conservado en el Museo de
Unterlinden de Colmar, con imágenes de la Crucifixión con una extraña iluminación e
imágenes de carnes casi putrefactas.
Pero las dos figuras que sobresalen del resto, de fama internacional, son
Alberto Durero y Hans Holbein el Joven. Durero es el artista alemán por antonomasia.
Formado en Núremberg, viaja a Italia, donde conoce la pintura veneciana, singularmente la
obra de Mantegna y la de Giovanni Bellini. Así, en sus obras fusiona el estilo gótico alemán
con la pintura renacentista italiana. Cultiva diversos géneros, como la pintura religiosa (los
Apóstoles de Múnich) y el desnudos (Adán y Eva del Prado), así como retratos de gran
penetración psicológica, destacando los autorretratos que fue realizando a lo largo de su
vida. Además de la pintura al óleo, Durero cultiva el grabado creando infinidad de láminas e
imágenes que posteriormente fueron muy divulgadas y copiadas: La melancolía, el
Apocalipsis, el Rinoceronte, etc. Igualmente, cabe citar sus numerosas acuarelas, de
paisajes, animales y plantas, con gran detalle y realismo, siendo uno de los primeros
dibujantes de paisajes puros, esto es, escenas urbanas o rurales sin pretexto de contar una
historia.

34. Características.
El renacimiento alemán recogió, por un lado, las
características expresionistas de la pintura religiosa gótica del
siglo XV y, por otro, la influencia del Quattrocento italiano.
Matthias Grünewald es el seguidor más cercano de esa
tradicion germánica. Las escuelas alemanas del Renacimiento
deben su origen y casi toda su personalidad a tres relevantes
pintores que florecen durante la primera mitad del siglo XVI:
Alberto Durero, Hans Holbein el Joven, y Lucas Cranach el
Viejo. Gran importancia en la creación del género del paisaje
Albrecht Altdorfer, creador de la Escuela del Danubio.

35. Lucas van Leyden(1494–1533)
Verkündigungan Maria
Retrato de un momento divino en la historia de la religión
católica, su autor no solo era un gran pintor sino un excelente
grabador. Locación actual: PinacotecaAntigua de Múnich. Múnich,
Alemania
El renacimiento alemán recogió, por un lado, las
características expresionistas de la pintura religiosa gótica del siglo
XV y, por otro, la influencia del Quattrocento italiano. Matthias
Grünewald es el seguidor más cercano de esa tradicion germánica.
Las escuelas alemanas del
Renacimiento deben su origen y casi toda su
personalidad a tres relevantes pintores que florecen durante la
primera mitad del siglo XVI:Alberto Durero, Hans Holbein el Joven,
y Lucas Cranach elViejo. Gran importancia en la creación del género
del paisajeAlbrecht Altdorfer, creador de la Escuela del Danubio.