Arquitectura, segundas vanguardias, informalismos, etc.

1. Arte en la segunda mitad
del siglo XX

2. Arquitectura

3. Arquitectura: continuidad del funcionalismo y el organicismo
• La tendencia arquitectónica del funcionalismo
(aparecida en la primera mitad del siglo XX) continuó
estando vigente hasta 1970. Así, arquitectos como Mies
van der Rohe continuó construyendo rascacielos como
el Seagram building de Nueva York (dcha.), de pilares
sólidos con función estructural y fachada cubierta con
cristaleras.
• En Marsella, Le Corbusier construyó en hormigón
armado y vidrio la llamada unidad de habitación, un
gran bloque para albergar de 300 a 400 viviendas que
pudiera satisfacer las necesidades básicas de sus
habitantes (comercios, guarderías, gimnasios, tiendas,
etc.)

4. Le Corbusier: Unidad de
habitación de Marsella
(1952). En este tipo de
edificios se aplicaban los
principios de la arquitectura
funcional a la vivienda
social. En la azotea existe
una pista de atletismo, un
gimnasio, una guardería y
una enfermería.

5. El arquitecto Alvar Aalto combinó
modernidad y tradición: adoptó al
comienzo de su carrera los
planteamientos del funcionalismo (uso
del hormigón, el hierro y el vidrio)
aunque también utilizó materiales
locales de su Finlandia natal.
Sin embargo, con posterioridad su
arquitectura tendió más al organicismo,
a utilizar diseños inspirados en la
Naturaleza.
Alvar Aalto: Auditorio de la Universidad de Helsinki (1966)
Escalera orgánica

6. Arquitectura organicista
• El Museo Guggenheim de Nueva
York, obra de Frank Lloyd Wright, es
una obra de madurez del artista.
• El edificio se articula a través de un
pasillo helicoidal invertido, que es
compensado con otra estructura
anexa horizontal. Es un edificio
simple, muy luminoso y dedicado a
albergar la colección de arte del
magnate.

7. El danés Utzon siguió la misma línea de Aalto, creando grandes
estructuras con formas de velas o tiendas de campaña. Su obra
fundamental es la Opera House de Sydney, una de las obras más
destacadas de la arquitectura contemporánea.
La Opera House es un edificio muy
innovador que destaca por el uso de su
cubierta de conchas o velas. Es una
construcción simple perfectamente
integrada con el entorno (el puerto de
Sydney), y que sirve tanto de ópera como
de teatro y centro cultural y de ocio.

8. Arquitectura posmoderna
• A partir de los años 70, muchos arquitectos empezaron a utilizar
elementos decorativos y constructivos propios de épocas anteriores.
• Los principales arquitectos de la tendencia posmoderna fueron Aldo
Rossi y Robert Venturi.
• Aldo Rossi reclamó la recuperación de la memoria histórica, y de valores
de la arquitectura clásica. Criticó el funcionalismo por su frialdad, por no
ser capaz de transmitir nada realmente humano.
• Robert Venturi utilizó elementos de la arquitectura tradicional y defendió
más lo decorativo. Fue también crítico con el funcionalismo.

9. Aldo Rossi: Edificio de viviendas en Berlín
Robert Venturi: Casa Vanna (Filadelfia)
Robert Venturi: Squirrel Hill

10. El AT&T building de Johnson y Burgee es un rascacielos posmoderno
localizado en Nueva York que utilizó el frontón partido, un arco de entrada
que recuerda la arquitectura romana y arcos de medio punto en el
interior. Aunque emplea elementos arquitectónicos de épocas anteriores,
está construido en acero y vidrio. Emplea también granito rosa.

11. Arquitectura high-tech
• Corriente arquitectónica importante en los años 70, 80 y 90, que
valora por encima de todo la exhibición de los componentes del
edificio, y la continua innovación tecnológica en arquitectura.
• El edificio más representativo de esta tendencia es el Centro George
Pompidou de París (1971-1977), de Renzo Piano. Fabricado en
aluminio, hormigón armado y vidrio, exhibe completamente su
estructura constructiva (tuberías, escaleras mecánicas, tubos de
ventilación, etc.), y utiliza un color diferente para cada función del
edificio.
• Otros arquitectos fundamentales de esta tendencia son el británico
Norman Foster, el español Santiago Calatrava y el japonés Isozaki.

12. Renzo Piano: Centro
Georges Pompidou
(1971-1977)

13. Obras de Norman Foster: Cúpula del
Reichstag de Berlin (dcha.) y “El
pepinillo”, en la city de Londres
(izda.)

14. Santiago Calatrava: ciudad de las artes y las
ciencias (Valencia)
Isozaki: Kyoto Concert Hall

15. Deconstructivismo
• Movimiento surgido a finales de los años 80.
• Frente al principio de ordenación de los elementos en que se basa la
arquitectura tradicional, propone desarticular planos y estructuras,
creando edificios imaginativos y nada convencionales.
• Distorsiona, pero pretende crear un caos inteligible.
• Frank Gehry es uno de los principales representantes. El museo
Guggenheim de Bilbao y las Bodegas del Marqués de Riscal en La
Rioja son dos de sus obras más destacadas.

16. Frank Gehry: Museo Guggenheim de Bilbao
(1991-1997), hecho con planchas de titanio y
cristal.
Frank Gehry: Bodegas del Marqués de Riscal

17. Segundas vanguardias pictóricas.
Posmodernismo.

18. Características generales
El arte de la segunda mitad del siglo XX puede dividirse en dos periodos:
- Segundas vanguardias: desde 1945 hasta 1970. Se sigue
primando la originalidad, la búsqueda de nuevos materiales, nuevas
formas de expresión. Se valoró mucho el proceso creativo en sí mismo,
más que el resultado de la obra.
- Posmodernismo: a partir de la década de 1970. No es un
arte que pretenda ser innovador, sino que se volvió la mirada al pasado
para recuperar ciertos elementos de épocas anteriores.

19. • Después de la segunda guerra mundial la capital mundial del arte pasó a
ser Nueva York.
• El número de artistas, obras y tendencias aumentó enormemente. Será
cada vez más difícil (tanto para el público en general, como para los críticos
de arte) distinguir lo que es arte de calidad de lo que no lo es, sobre todo
porque ya no existen (como en el pasado) unos criterios generalmente
aceptados acerca de lo que sea el arte de calidad o bien ejecutado.
• Las galerías de arte, las casas de subastas, las ferias de arte y los críticos de
arte empezaron a jugar un papel fundamental. El mercado del arte
adquiere grandes dimensiones, y con frecuencia el valor comercial de una
obra de arte fluctúa arbitrariamente.
• El arte se hace un objeto de consumo de masas. A ello contribuyó
enormemente la generalización de los medios de comunicación de masas.
• A finales del siglo XX la informática y el videoarte empezaron a tomar cada
vez más protagonismo como medio de expresión artística.

20. Segundas vanguardias: el informalismo.
• Después de 1945 se continuó con la experimentación técnica y estética. Es
lo que se conoce como segundas vanguardias, un movimiento artístico muy
heterogéneo.
• El informalismo se caracterizó por la mezcla de grandes cantidades de
pintura con diversos materiales (cristales rotos, arena, carbón, etc). La
materia es el principal medio de expresión del artista. El objetivo es que la
obra tuviera relieve.
• El informalismo rechaza la pintura figurativa tradicional.
• La libertad creadora del artista se valora por encima de todo, tanto en la
elección de los materiales como en la técnica empleada.
• En Europa destacaron el francés Dubuffet, el catalán Antoni Tapies, Manolo
Millares, Lucio Fontana y Antonio Saura.

21. Dubuffet: Idas y venidas (1965)
dibuja locos y niños. Para él,
ambos son su fuente de
inspiración.
Lucio Fontana rasga los lienzos o los
perfora, transformando la obra en una
escultura, sin utilizar normalmente
pintura. Importa el acto en sí, y la
intención del artista, no el resultado.

22. Antoni Tàpies: Pintura (1955). Tapies es un artista de
renombre internacional. En este lienzo predominan los
colores tierra, y el artista utiliza polvo de mármol y un
pigmento aglutinante, que extiende sobre el soporte y luego
modifica según el deseo del artista, donde también se
encuentra la cruz, recurrente en la obra de Tàpies.
Manolo Millares arruga el
lienzo y lo mezcla con
cantidades generosas de óleo.

23. Antonio Saura: Grito número 7 (1959).
Antonio Saura fue el fundador del
grupo El Paso. Distorsiona la figura
dándola expresividad. Es una figura
agresiva que se expande en el espacio.
Utiliza una gama cromática reducida, y
aplica la pincelada con fuerza y rapidez.

24. El informalismo en Estados Unidos: el
expresionismo abstracto.
• Se desarrolla esta corriente durante los años finales de la década de
los 40 y los años 50.
• Son obras en su mayoría abstractas o cuasi abstractas, donde se da
mucha importancia al proceso creador, no al resultado final.
• Los artistas intentan mostrar su mundo interior, sus inseguridades,
miedos, etc.
• Los principales artistas de esta corriente fueron Willen de Kooning,
Franz Kline, Jackson Pollock y Marc Rothko.

25. Willen de Kooning no hace propiamente
cuadros abstractos. En sus obras suele
representar personajes femeninos
grotescos.
Franz Kline pinta a base de brochazos negros
sobre superficies blancas.

26. Jackson Pollock: Uno (1950). Pollock es el artista más importante
del expresionismo abstracto norteamericano. El resultado de la
obra no es importante. Lo importante es el proceso artístico, y la
libertad del artista. Utiliza la técnica denominada dripping,
lanzando chorros de pintura con el pincel sobre telas extendidas
en el suelo.
Mark Rochko utiliza franjas grandes de color
que invitan a la calma y la serenidad.
Contrasta con Pollock, y en él el proceso
creativo no es tan importante como la obra
final.

27. La abstracción pospictórica
• Engloba a una serie de artistas
a mediados de los años 60
opuestos a la subjetividad del
expresionismo abstracto.
• Se caracterizó por las formas
geométricas simples y franjas
de colores planos, sin relieve.
No se percibe el gesto de la
pincelada. Son obras algo frías.
• El artista más destacado de esta
tendencia fue Frank Stella. Frank Stella: Ctesiphon I (1968)

28. Pop art
• El término se refiere al arte popular, la cultura de masas. Está relacionado con
la gente, con sus objetos de consumo habitual, con el cómic y los medios de
comunicación.
• Se desarrolló simultáneamente en Londres y Nueva York entre 1950 y 1970.
• Son obras figurativas, que se contraponen con el informalismo de los años
anteriores. Es un arte escasamente subjetivo y contrario al expresionismo
abstracto y al dadaismo.
• El máximo representante del Pop Art fue Andy Warhol. Realizó series de
personajes famosos (Elvis Presley, Marilyn Monroe, etc.) y de objetos de
consumo cotidiano reconocibles por el espectador (latas de sopa Campbell,
coca-cola, etc.), lo cual acerca el arte al público en general (aunque este hecho
fue también criticado por algunos que consideraban que la representación de
este tipo de objetos suponía vulgarizar el arte).
• Las obras se aprecian con un vistazo rápido. El arte se acerca a la producción
industrial: las imágenes se producen en serie.
• Otro artista destacado fue Liechtenstein, que utilizó el cómic.

29. Andy Warhol: Díptico Marilyn (1962).
Warhol no crea nada nuevo, se limita a
repetir una imagen conocida por todos. El
tema es la cultura de masas. Utiliza la
técnica llamada serigrafía
Andy Warhol: Sopas Campbell
Liechtenstein

30. El minimalismo
• Como la misma palabra indica, el
arte minimal busca la extrema
sencillez y la despersonalización
completa de obra y artista, hasta
el punto que el artista encarga la
realización de la obra a una
industria. Menos es más.
• El arte minimal está referido
sobre todo a la escultura.
• Artistas destacados son Richard
Serra, Sol Le Witt y Carl Andre.
Escultura de Richard Serra
Carl Andre: Equivalente VIII (1966)

31. Arte cinético y op-art
• En los años sesenta (y como una derivación
de la abstracción) surgió el op-art. Esta
tendencia busca explorar sobre todo los
aspectos perceptivos del arte.
• Los artistas buscaban alcanzar efectos
visuales sorprendentes. Es un arte
impersonal.
• Su representante principal es Vasarely.
• El arte cinético es una derivación del op-
art, y se busca crear movimiento real. Su
representante principal fue Bridget Riley.
Vasarely: Vega 200 (1968). Op-art

32. Bridget Riley: Caída
(1963)

33. Arte conceptual
• En esta corriente artística va a predominar el
concepto sobre la obra en sí misma, y sobre el
proceso artístico.
• Tuvo mucha vigencia desde fines de los años
sesenta hasta mediados de los setenta.
• En esta corriente se incluye el body art (en el
que los artistas emplean su propio cuerpo
como obra artística), el land art (en el que la
naturaleza y sus elementos se convierten en
objeto artístico) y el arte povera (caracterizado
por utilizar materiales muy pobres).
Christo: Surrounded islands.
Ejemplo de land art

34. Kosuth: Una y tres sillas
(1965). Es un ejemplo de
arte conceptual. Los tres
objetos remiten al mismo
concepto: la silla. Pero el
primero es una fotografía
de la silla, el segundo es
la silla físicamente, y el
tercero es la definición de
lo que es un silla.

35. Mario Merz: Iglú con árbol (1968). Es
una obra conceptual de estilo arte
povera. El iglú está hecho con materiales
simples y pobres: metal y vidrio, y en el
centro coloca una rama de árbol. El iglú
crea un espacio interior, y el árbol sería
el elemento de conexión del interior y el
exterior.

36. Nueva figuración (figuración expresionista)
• Los miembros de esta corriente retornan a
la figuración, pero lo hacen reflejando la
angustia y la desesperanza vital.
• El principal representante de esta corriente
es el irlandés Francis Bacon. Influenciado
por Picasso, sus figuras aparecen en
espacios cerrados sin definir claramente.
Los personajes se sienten oprimidos, y en
ocasiones están a medio camino entre el
ser humano y el animal.
• Refleja la soledad del ser humano.
Habitualmente deforma las figuras que
pinta.
• Bacon estuvo influenciado por sus
recuerdos traumáticos de su época de
infancia.
Francis Bacon: Estudio del retrato de Inocencio X de
Velázquez (dcha.) 1953.

37. Dos obras de Francis Bacon

38. Hiperrealismo
• Movimiento surgido a finales de los años 60, radicalmente contrario
al expresionismo abstracto y al arte conceptual.
• Sus autores reclaman una vuelta al realismo radical. Es un arte algo
frío, porque no se pretende en absoluto modificar la realidad.
• Pueden pintar paisajes al natural, o bien utilizando una fotografía. En
ambos casos, se pretende que haya una coincidencia máxima entre la
obra final y lo pintado.
• En España destaca Antonio López, autor de cuadros sobre la ciudad
de Madrid, entre otros.

39. Antonio López: la Gran Vía de Madrid (1981). Se
pretende no sólo que los objetos parezcan reales,
sino también la luz. Aunque el artista escoge un
momento que es irreal: la Gran Vía sin coches.
Antonio López: Lavabo (1967)

40. El happening
• Son actuaciones sin guión previo elevadas por los actores a la
categoría de arte.
• La trama fluye libremente, sin reglas ni normas determinadas.
• Tienen un carácter efímero: se producen una vez, y luego
desaparecen para siempre.
• Pretenden que el público participe y se implique en la obra.
• El cuerpo es el protagonista en la expresión artística.