1. El expresionismo
José Luis Lasierra Pérez
Colegio Santa Rosa-Altoaragón

2. El expresionismo surge como reacción
frente al impresionismo y al realismo. Los
expresionistas defienden la subjetividad
de la visión interior del artista frente la
objetividad de la visión lo real, o de la
impresión que nos produce la observación de
la realidad.
Es un movimiento de fuera a dentro, de lo
que nosotros vemos a lo que sentimos.
Es un movimiento que corre paralelo en el
tiempo a los fauvistas.

3. Los pintores expresionistas deforman la
realidad y utilizan colores fuertes y
agresivos para conseguir “expresar” los
sentimientos más profundos de las
personas.
Los rostros, en muchas ocasiones, están
tan deformados que parecen máscaras.
De la misma manera crean atmósferas
opresoras o agobiantes.

4. El expresionismo es también un ataque
directo al racionalismo.
El instinto es diez veces más poderos que el
conocimiento, nos dice Emil Nolde.
Es una pintura que estudia el alma humana y
se detiene en los sentimientos más
profundos y desoladores como el miedo, la
desesperanza, la desolación y la angustia.

5. Grupo Die Brücke
“El puente”
Ernst Ludwig Kirchner
Emil Nolde

6. Ernst Ludwig
Kirchner
Cartel anunciador de la
exposición del grupo “Die Brücke”
en 1910
Kirchner

7. Cuatro jóvenes
estudiantes
universitarios en 1905
forman, en Dresde, el
grupo de pintura “Die
Brücke”, en español,
“El puente”. Entre
ellos Ernst Ludwig
Kirchner.
Fränzi ante una silla tallada
Kirchner, 1910

8. Mujer sentada
Kirchner, 1910

9. Paisaje con castaño
Kirchner, 1913

10. Estas escenas
callejeras son lo mejor
de la pintura de
Kirchner. Reflejan la
vida y el espíritu de la
burguesía desde el
comienzo del siglo XX
hasta la llegado de la
Gran Guerra.
Escena callejera en Berlín
Kirchner, 1913

11. Un grupo de hombres y
mujeres pasean por “la
calle”. Vestidos a la
moda burguesa y muy
elegantes, en sí no es una
escena siniestra, sin
embargo, la composición
y el dibujo hacen que lo
sea. Hay una falta casi
total del perspectiva
que, junto con un dibujo
angulado y agresivo nos
produce un cierto
desasosiego.
La calle
Kirchner, 1913

12. La buscona, con su traje
rojo, destaca del resto
del cuadro. Los
caballeros, con rostro
indiferente, parecen no
percatarse de su
presencia.
Una franja verde hace de
calle, que da un poco de
profundidad al cuadro,
poco frecuente en estas
pinturas, y que deja a la
mujer en la “esquina”,
reforzando su condición.
La calle con buscona de rojo
Kirchner, 1914

13. Dos mujeres solas,
decididas y seguras
de sí mismas, nos
acercan al nuevo tipo
de mujer que está
apareciendo. El
dibujo angulado
típico de Kirchner
está aquí acentuado.
Las caras casi son
triángulos.
Dos mujeres en la calle
Kirchner, 1914

14. Cinco mujeres en la calle
Kirchner, 1915

15. En 1914 se
incorpora a la Gran
Guerra. Allí sufre
una crisis en la
que pierde su
equilibrio
emocional. Tiene
que ser internado
en distintos
hospitales. Aquí se
representa de
soldado, sin una
mano, cosa que no
sucedió.
Autorretrato como soldado
Kirchner, 1915

16. Desnudo femenino sentado
Kirchner, 1921

17. Emil Nolde

18. Niños danzando salvajemente
Nolde,1909

19. Danza alrededor del becerro de oro
Nolde, 1910

20. Con sus colores
tan estridentes,
así como con esos
rostros que
parecen máscaras,
Emil Nolde
pretende provocar
un impacto visual y
emocional en el
espectador.
Mujer
Nolde, 1912

21. El paraíso perdido

22. La vida de Jesús
Muy religioso en su formación y en su vida, Nolde
realiza varios cuadros de asunto cristiano dándoles
un carácter claramente expresionista.

23. La crucifixión
Nolde, 1912

24. Jesús con los niños

25. Pentecostés

26. La última cena

27. Cristo

28. El colorido es
tremendamente
agresivo y las caras
son puras máscaras .
Gente emocionada
Nolde, 1913

29. Autorretrato
Nolde, 1915

30. Girasoles en la tempestad
1943

31. Grupo Der Blaue Reiter
El Jinete Azul
Wassily Kandinski
Franz Marc
Paul Klee

32. Wassily Kandinski

33. En 1911 Kandinsky, junto a Franz Marc y August Macke,
fundó el grupo Der Blaue Reiter, el Jinete Azul.
Para Kandinsky, el dibujo y las figuras pueden llegar a
estropear los cuadros, por los que termina por
prescindir de ellos. Influenciado por los fauvistas, hace
del color lo único importante de los cuadros.
La composición, la estructura y la combinación de los
colores, serán lo único que interese a Kandinsky en esta
época.
Sus cuadros están más relacionados con la música que
con los objetos materiales.

34. Composición IV
Kandinsky, 1911

35. Composición V
Kandinsky, 1911

36. Black Spot I
Kandinsky, 1912

37. El arco negro
Kandinsky, 1912

38. Composición VI
Kandinsky, 1913

39. Composición VII
Kandinsky, 1913

40. Franz Marc

41. De toda su obra, la parte que ha tenido más
popularidad ha sido la dedicada a los retratos de
animales.
En ellos se nota la influencia del cubismo.
Marc se pone en el lugar del animal y trata de
representar las cosas como se imagina que él las
percibe, simplificadas al máximo tanto en la forma
con en el color.
Marc utiliza los colores de manera simbólica: con el
azul representa la seriedad masculina, con el amarillo
la alegría femenina y con el rojo, la agresividad.

42. La vaca amarilla
Marc, 1911

43. Ciervos en la nieve
Marc,1911

44. Caballo azul
Marc, 1912

45. Pequeños caballos amarillos
Marc, 1912

46. El tigre, 1912

47. Caballos azules
Marc

48. Gato sobre una almohada amarilla
Marc,

49. El destino de los animales
Marc, 1913

50. Paul Klee

51. Paul Klee realizo en 1914 un viaje a África y allí
descubrió el color. A partir de entonces sus
cuadros se transformaron en una sinfonía de
colores. Creó composiciones muy sencillas, la
mayoría de ellas abstractas y donde demostró
ser muy hábil en la combinación de los colores.
A veces utiliza signos que nos recuerdan a los
empleados por nuestros antepasados y que,
repitiéndolos a los largo del cuadro dan lugar a
composiciones parecidas a los mosaicos

52. En el estilo de Kairuan, traspuesto a una forma.
1914. Obra de Paul Klee

53. Casas rojas y amarillas en Túnez. 1914.
Obra de Paul Klee

54. Jardín de la colonia europea de Saint-
Germain en Tunish. 1914

55. Vista de Saint- Germain. 1914. Obra de
Paul Klee

56. Dos Casas. 1918. Obra de
Paul Klee

57. Pequeño abeto
Paul Klee, 1922

58. Pastoral
Paul Klee, 1927

59. Barrio de los templos de Pert.
Paul Klee, 1928

60. Calle principal y calle
secundaria
Paul Klee, 1929

61. Ad Parnassum.
Paul Klee, 1932

62. Noche en el Valle.
Paul Klee, 1932

63. Polifonía
Paul Klee, 1932

64. Neue Sachlichkeit
“Nueva objetividad”
Otto Dix

65. La “Nueva Objetividad” se desarrolla entre el fin de
la Gran Guerra y el ascenso del nazismo en Alemania.
Una etapa durísima en la historia de Alemania.
Los artistas reaccionan frente al expresionismo de
antes de la guerra en dos sentidos: El primero es la
recuperación del dibujo perdido, en algunos casos del
todo, por los pintores expresionistas, y el segundo,
frente a la introspección psicológica, que se
transforma, de un interés por el individuo, a un
interés por el nuevo hombre social.
La crítica social es lo más importante para estos
pintores.

66. Los pintores comprometidos con la “Nueva
Objetividad”, creen que en la situación en que
vive Alemania después de la guerra, no es
momento para preocuparse de cuestiones
espirituales ni psicológicas, sino de contribuir a
la lucha social que los millones de trabajadores
alemanes, empobrecidos hasta la miseria por el
paro y la inflación, llevan adelante.
Esta corriente artística desaparece que con la
llegado de los nazis al poder.

67. Otto Dix

68. Autorretrato
Otto Dix, 1915

69. Gunners Máquina avanzando
Otto Dix, 1924

70. Lente siendo bombardeada
Otto Dix, 1924

71. Dead Sapper
Otto Dix, 1924

72. "Dead Horse

73. "Dance Of Death"

74. Trincheras
Otto Dix

75. With Artillery Helmet
Otto Dix, 1914

76. Otto Dix nos
taladra con su
mirada. Se
representa a sí
mismo como un
observador
penetrante de la
realidad.
Autorretrato con caballete
Otto Dix, 1926

77. Otto Dix trata de pintar a
los personajes que son
representativos de su
época. La periodista con el
pelo a la garçonne, un
monóculo, fumando y con
una copa delante. Es un
mujer pionera en su época.
El nuevo tipo de mujer que
está surgiendo. Es un
retrato duro, próximo a la
caricatura.
Retrato de la periodista
Sylvia von Harden
Otto Dix, 1926

78. Autorretrato con Jan
Otto Dix, 1930

79. Con la llegada de los nazis
al poder, Otto Dix es
desposeído de sus cargos
y su pintura tratada de
degenerada. Llegó a estar
detenido por la Gestapo
acusado de atentar
contra Hitler y está
encarcelado 15 días.
Retrato del pintor Hans Theo
Richter y su esposa Gisela
Otto Dix, 1933

80. Edvard Munch

81. En este retrato,
Munch todavía se
muestra realista.
Autorretrato
Munch, 1881

82. Aquí es ya
puramente
expresionista. El
pintor rememora
la muerte su
hermana ocurrida
años atrás. Los
colores son mucho
más oscuros y la
atmósfera es
agobiante. Sobre
las tonalidades
oscuras destaca
la palidez del
rostro de la niña.
La niña enferma
Munch, 1885-1886.

83. Gracioso retrato de Karl
Jensen-hjell, amigo del
pintor. Recuerda un poco
los retratos de Manet. La
actitud del retratado es
muy arrogante.
Karl Jensen-hjell
Munch, 1885

84. El cambio es
ya radical.
Los rostros
parecen
máscaras.
Así ve Munch
a la gente,
después de
cruzarse con
su amada
quien sigue
indiferente
su camino.
Tarde en el paseo Karl Johan
Tarde en el paseo Karl Johan, 1892
Munch, 1892

85. El cambio es
ya radical.
Los rostros
parecen
máscaras.
Así ve Munch
a la gente,
después de
cruzarse con
su amada
quien sigue
indiferente
su camino.

86. Gólgota
Munch, 1900

87. Las muchachas en el puente
Munch, 1901

88. Munch nos cuente de esta
manera la experiencia que le
llevo a pintar este cuadro:
"Caminaba yo con dos amigos
por la carretera, entonces se
puso el sol; de repente, el
cielo se volvió rojo como la
sangre. me detuve, me apoyé
en la valla, indeciblemente
cansado. lenguas de fuego y
sangre se extendían sobre el
fiordo negro azulado. Mis
amigos siguieron caminando,
mientras yo me quedaba atrás
temblando de miedo, y sentí
el grito enorme, infinito, de la
naturaleza".
El grito
Munch , 1893

89. Ceniza
Munch, 1894

90. Muerte en la habitación de la enferma
Munch, 1894

91. El sentimiento
de abatimiento
y desolación
que produce la
muerte está
aquí
perfectamente
representado.
El suelo rojo da
mayor
dramatismo a
la escena que
se desarrolla
en una
habitación
cerrada, sin
ventanas, que
produce una
atmósfera
oprimente.

92. Goya
Las pinturas negras

93. En 1819 Goya compra una casa en Madrid, cerca del
puente de Segovia, que más tarde se conocerá con la
“Quinta del sordo”. En ella vivirá con Leocadia Weiss
hasta 1823. En esta fecha se termina el trienio liberal
y Goya, temiendo las represalias de Fernando VII
contra los liberales, decidió emigrar a Francia,
dejando la casa en herencia a un sobrino suyo.
A los pocos meses de comprar la casa, cae gravemente
enfermo y, aunque se recupera, su salud queda muy
quebrantada.

94. Tras la enfermedad, Goya queda muy abatido. Si
añadimos su avanzada edad, su sordera cada vez más
acentuada y los graves acontecimientos que suceden en
España en esa época, comprenderemos el hundimiento de
su estado de ánimo.
Producto de ese hundimientos son las “pinturas negras”
con las que “decora” las paredes de su nueva casa. Por su
colorido, por las forma de empastar el cuadro y por su
temática entran de lleno en la pintura expresionista.
Goya pinta directamente sobre el muro con una libertad
total. No son pinturas para la familia real ni son
encargos que tenga que presentar en público. Pinta para
sí mismo, seguramente para dejar constancia de sus
estados de ánimo y de su visión sobre España y sobre la
naturaleza humana.

95. El Aquelarre
Un aquelarre era, según la Inquisición, una reunión de grujas para
invocar al diablo.
Aquí Goya representa al mismo diablo en forma de carnero pintado
de negro y un grupo de gente que le está escuchando, donde no
sólo hay brujas sino también campesinos e incluso sacerdotes. A la
derecha una joven sentada en la silla espera a ser convertida en
bruja. Todas la caras son fantasmales.

96. No sabemos lo que
quiso representar
Goya, pero parece que
hace alusión a la
crueldad general del
mundo, a la maldad y a
la desesperanza.
Saturno devorando a su hijo

97. La romería de San Isidro
Tampoco sabemos qué quiso expresar Goya en este
cuadro. En un paisaje oscuro e irreal, representa la
romería a San Isidro. Los que la encabezan aparecen
cantando y con aspecto fantasmagórico.

98. Riña a garrotazos
En el cuadro original, los personajes no estaban enterrados hasta
las rodillas. Puede representar las luchas fratricidas entre los
españoles o bien puede aludir a la violencia innata en el ser humano.

99. Tampoco sabemos lo que Goya
quiso expresar en este cuadro.
Las interpretaciones van desde
“la insignificancia del ser vivo
ante la inmensidad del espacio”,
a “la angustia que produce la
soledad”
Perro semihundido

100. Viejo y vieja tomando sopa
Goya representa aquí la decrepitud del ser humano

101. Goya representa a la
que posiblemente
sería su mujer,
apoyada sobre una
tumba, que
seguramente
represente a la
tumba de Goya. Con
la forma de apoyarse
la mujer en la tumba,
Goya nos puede
indicar lo poco que
su mujer iba a sentir
su muerte.
Una manola: Doña Leocadia Zorrilla