Este documento presenta información sobre técnicas de composición para dibujo y pintura. Explica conceptos como equilibrio, ritmo, espacio, sección áurea y contrastes. También analiza composiciones de obras maestras como "La Maja Desnuda" de Goya y "Danae" de Rembrandt, señalando cómo usan líneas, formas y espacios para transmitir significado. El documento proporciona una guía detallada para que los artistas tengan en cuenta diferentes elementos al componer sus obras.

1. Técnicas de composición
I y II
Taller de Dibujo y Pintura
Dante Amerisi
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2. Técnicas de Composición I
La composición se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un
diseño o composición de forma perfecta y equilibrada.
En un diseño debemos escoger todos los elementos que aparecerán en él, después debemos distribuirlos para
colocarlos en el espacio disponible. Los elementos pueden ser tanto imágenes, como espacios en blanco, etc.
Es muy importante tener en cuenta de que forma situaremos estos elementos en nuestra composición, para
que tengan un peso y equilibrio igualado.
El peso de un elemento se define además de su tamaño, que es bastante importante, también por la posición
que este ocupe respecto del resto de elementos. Por ejemplo si queremos hacer destacar un elemento en
concreto, lo colocaremos en la parte del centro.
La composición, el concepto.
En toda composición los elementos que se sitúan en la parte
derecha, poseen mayor peso visual y nos transmiten la acción de
avanzar. En cambio los que se encuentran en la parte izquierda, nos
transmiten una sensación de ligereza.
Esto también se observa si lo aplicamos en la parte superior de un
documento, posee mayor ligereza visual, mientras que los
elementos que coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán
mayor peso visual.
Actualmente no existe una composición perfecta. Cada composición
dependerá de su resultado final, para todo ello, es necesario conocer
todos los aspectos y formas para obtener un resultado con un cierto
equilibrio.
Las proporciones, la forma, el tamaño.
Uno de los formatos más conocidos e utilizados es el DINA-4.
Una de las formas de limitar las proporciones de nuestra composición es a través del color. Las formas angulares y alargadas amplían el campo
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3. de visión, mientras que formas angulares cortas, nos transmiten la sensación de timidez y humildad.
Las formas redondas (modelo curvilíneo y rectangular), la proporción y la simetría, suelen combinarse, las formas en sus variantes también son
simétricas. Estas formas crean armonía, suavidad y perfección. Por ejemplo las formas simples y regulares son las que se perciben y recuerdan
con mayor facilidad. Las formas simétricas, en el mundo de la naturaleza, un ejemplo del orden geométrico sobre la formación de sus
estructuras vivientes.
El tamaño de un elemento en relación con otros, también presenta diferentes definiciones. Las formas grandes, anchas o altas, se perciben más
fuertes, pero las más pequeñas, finas o cortas, simbolizan la debilidad y delicadeza.
La escala
Definimos el concepto de escala, cuando todos los elementos tienen la capacidad de modificarse y definirse unos a otros.
La escala normalmente se usa en la cartografía, planos, mapas... para poder representar una medida proporcional al del tamaño real. Es cuando
citamos, este plano está en escala 1:10. Este concepto hace referencia, a que para realizar el plano, se ha aplicado un factor de reducción
determinado para poder dibujarlo o plasmarlo en un lugar más pequeño, pero sin que pierda sus proporciones.
La sección áurea
¿Qué es la sección áurea?
Es la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia, a que el segmento menor, es al segmento mayor, como
este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el
menor es al mayor. De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y
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4. menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama
proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama
número de oro = 1,618.
A lo largo de la historia de las artes visuales, han surgido diferentes teorías sobre la composición.
Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para
esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción.
Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el mismo principio pero dice que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los
diversos elementos de la obra y estos con el conjunto. Inventó una fórmula matemática, para la división del espacio dentro de un dibujo,
conocida como la sección áurea, y se basaba en una proporción dada entre los lados más largos y los más cortos de un rectángulo. Dicha
simetría está regida por un módulo común: que es el número. Definido de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus
mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la proporción a: b = c: a.
Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al crear una composición, si colocamos los elementos principales del diseño en una de las líneas
que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño.
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5. El equilibrio en una composición
Cada forma o figura representada sobre un papel, se comporta como un peso, un peso visual, porque
ejerce una fuerza óptica. Los elementos de nuestra composición pueden ser imaginados como los pesos
de una balanza. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los elementos se compensan
entre sí.
Este criterio se aplica principalmente al diseño, normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna
ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un
diseño.
Definimos equilibrio como la apreciación subjetiva, en la cual,
los elementos de una composición no se van a desprender.
Equilibrio simétrico y asimétrico
En una composición se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Todos los pesos deberán estar compensados para
obtener el equilibrio ideal.
Como medición del peso de las formas y líneas que utilizamos en una composición, se observa la importancia que tienen los objetos dentro del
diseño o creación que queremos representar, intentando equilibrar los elementos de mayor importancia, con los de menor importancia, y los de
mayor peso con los de menor.
Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico
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6. Equilibro simétrico
Es cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados.
No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.
Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico, es la mariposa, cuyas alas poseen un
simetría axial bilateral, en la que el eje,
es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Esta regularidad
constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía.
La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden.
El equilibrio asimétrico
Un equilibrio es asimétrico, cuando al dividir una composición en dos partes iguales no existen las mismas
dimensiones en tamaño, color y peso, pero existe un equilibrio entre los elementos.
En el equilibrio asimétrico al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado.
La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa
grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.
El contraste de tono
El contraste actúa a través de la atracción o excitación del público observador, mediante la combinación de
diferentes intensidades o niveles de contraste en cuanto al color, tamaño, textura, etc. Pueden proporcionar
mayor significado a una composición.
El contraste de tono: Se basa en la utilización de tonos muy contrastados. En la combinación de clarooscuro, el mayor peso visual lo tendrá el elemento con mayor oscuridad. Para que este perdiera
protagonismo en el diseño, tendríamos que disminuir la intensidad del tono y redimensionarlo después,
para que no perdiese equilibrio en la composición. Este tipo de contraste es uno de los más utilizados en
composiciones gráficas.
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7. El contraste de colores
El contraste de colores: El tono es una de las dimensiones del color más importantes. El contraste más efectivo se obtiene combinando los
diferentes tonos. El contraste creado entre dos colores será mayor cuanto más alejados se encuentren del círculo cromático. Los colores
opuestos contrastan mucho más, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo importancia visual ambos.
El contraste de escala
El contraste de escala se consigue a través de la contraposición de diferentes elementos a diferentes escalas de las normales, o el uso de
medidas irreales. Utilizando este recurso la percepción del elemento se encuentra alterada. Esta clase de contraste es muy utilizado en la
fotografía y pintura, para atraer la atención del espectador de forma muy efectiva y eficaz.
El contraste de contornos
El contraste de contornos irregulares destacan de forma importante sobre los regulares o más conocidos. Este tipo
de contraste es ideal para captar la atención del usuario observador a determinados elementos de una composición.
No obstante, no hay que abusar del uso de este tipo de contraste, sobre todo si se combinan con otros tipos de
contraste, ya que pueden ser un centro de atracción visual demasiado fuerte y potente. Además, acaban creando
mucha tensión en el espacio que les rodea.
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8. Técnicas de Composición II
Breve análisis de la composición de algunas obras de arte.
Acróbata y joven equilibrista, Picasso. La composición está
resuelta mediante dos triángulos rectángulos que provoca una
sensación de estabilidad y seguridad y el otro invertido, que es
precisamente el que provoca la sensación opuesta, inestabilidad y
también una sensación aérea, como de flotación o sustentación en el
espacio. Por tanto, esta sencilla composición consigue conjugar dos
sensaciones opuestas jugando con dos triángulos:
Leda y el Cisne, Da Vinci Las líneas curvas expresan
movimiento suave, rítmico y elegante, pero aquí, además expresa
sensualidad y voluptuosidad:
"Acróbata y joven equilibrista" PICASSO
"Leda y el Cisne" DA VINCI
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9. La Rendición De Breda, Velásquez. Esta composición está
formada, principalmente, por dos triángulos y un círculo, el personaje
principal está situado en el centro del círculo.
La línea horizontal, donde llegan las cabezas de las figuras, confieren
una sensación de paz, de serenidad. Los triángulos formados a
izquierda y derecha, dan dinamismo a la composición. Pero lo que
centra la escena es el círculo, cuyo centro es el cuello de la casaca del
personaje vencido, así contrarresta el dinamismo existente a los dos
lados. El personaje que recibe las llaves, está en el lugar más
destacado de toda la composición, en la línea vertical derecha de la
"sección áurea":
Una Moderna Olimpia, Cézanne. Las dos líneas inclinadas
que convergen en la esquina superior derecha confieren un gran
dinamismo a la composición. Los dos óvalos centrales dan una
delicada tranquilidad femenina que contrasta con la tensión del
caballero metido dentro del triángulo derecho:
"Una Moderna Olimpia" CÉZANNE
"La rendición de Breda" VELÁSQUEZ
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10. La Maja Desnuda, Goya. La recta diagonal da sensación de
movimiento penetrante y conduce la mirada entrando por los pies y
terminando en la cabeza. El triángulo isósceles inclinado, produce
sensación de caída y la punta de flecha que forma el triángulo y la
diagonal, es como si se clavase en tierra penetrando. Las curvas del
cuerpo dan sensualidad y voluptuosidad a la figura:
Danae, Rembrandt. Esta composición está basada en un óvalo
cerrado e inclinado, lo que produce una sensación de delicada
tranquilidad femenina, a la vez que grandiosidad. La inclinación del
óvalo produce dinamismo a la escena.
"La Maja Desnuda" GOYA
"Danae" REMBRANDT
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11. 1.- El ritmo
De igual manera que el color azul lo asimilamos como frío por ser los mares y los hielos, azules y fríos, entendemos el amarillo y el rojo como
calientes, pues el Sol y el hierro candente, como el fuego, tienen estos colores. Pues bien, así mismo sucede con las líneas, las figuras
geométricas, las masas y los tonos. Todo tiene su significado y el artista debe conocerlo y aplicarlo para transmitir las ideas y sensaciones que
quiere hacer llegar al espectador.
El Ritmo.- Al componer hemos de conseguir armonizar, unir, relacionar líneas, masas y tonos, llevando la mirada del espectador por el camino
que nosotros queramos y ahí es donde está el movimiento y el cambio de formas.
Las masas dependiendo de su superficie y su tono tienen un peso y este debe equilibrarse en la superficie del cuadro.
La dirección del trazo y de la pincelada, pueden crear un fuerte ritmo. Obsérvese en las obras de los impresionistas y postimpresionistas,
especialmente Van Gogh.
El Ritmo, es la sucesión ordenada de Línes, Masas y Tonos desarrollados
en una superficie.
Esta sucesión es el movimiento dentro de la unidad en el cambio.
COMPONER, es distribuír los elementos de manera armónica, con ritmo.
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13. 2.- El Espacio
Elementos Compositivos: El Espacio.- Vemos que no sólo es importante cómo distribuimos los elementos dentro de la superficie del cuadro,
sino que la forma y proporciones de esa superficie, también tiene su importancia y determina unas sensaciones que deben estar acordes con el
tema de la obra.
Así vemos que, internamente, las líneas transmiten sensaciones
diferentes si son verticales, horizontales o inclinadas.
Y, de igual manera, la superficie al ser alargada en sentido vertical u horizontal transmite sensaciones diferentes, o bien si son cuadradas.
Aunque la mirada del espectador siga un recorrido inconsciente general, es el artista quien con su composición, obligará al espectador a seguir
el recorrido que él quiera, jugando con los ritmos creados por las líneas, masas y tonos.
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14. 3.- División del cuadro
Sección Áurea.- La Sección Áurea o proporción de Oro nos permite definir una superficie armónica en sus relaciones de longitud y
altura, así como, interiormente, hallar los puntos y zonas armónicas tomando como razón el valor 1,618. Nos bastará con
multiplicar una distancia o longitud por el valor 1,618 para hallar la medida superior que cumpla la (Sección Áurea) o dividirlo
para hallar la inferior.
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16. 4.- Determinación de puntos
Aplicando el valor 1,618 o bien, usando la Serie de Fibonacci, podremos siempre determinar los puntos
armónicos, donde nos convendrá situar el / los elementos que queramos destacar de nuestra obra. Aunque
siempre habremos de definir un orden de importancia para que sólo un elemento destaque de todos los demás.
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17. LAS LÍNEAS.- Vemos que en la construcción del esqueleto del cuadro, las líneas definen por sí solas
importantes sensaciones que son determinantes para transmitir al espectador nuestro mensaje. La línea es el
movimiento del dibujo o pintura, al igual que las masas y los tonos son su peso.
ESQUEMA LINEAL.- Es el conjunto de líneas que forman el esqueleto oculto de una obra.
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19. 5.- Las figuras geométricas
La estructura lineal puede cerrarse para convertirse en figuras geométricas, cuadrados, rectángulos, triángulos,
círculos, óvalos y hasta letras, pueden estructurar un cuadro para enriquecer sus significados.
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23. 6.- Las Masas
Para que una obra resulte agradable, también es importante que el peso de las masas resulte equilibrado en la
superficie del cuadro y eso se consigue con la técnica del balancín.
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24. El Balancín.- Utilizando la técnica del balancín lograremos distribuir las masas y tonos de forma que la obra
tenga equilibrados los pesos.
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25. 7.- Equilibrio de pesos iguales
Cuando las masas con las que jugamos tienen igual peso, bastará con situarlas equidistantes del centro para
equilibrarlas.
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26. Las Líneas como elementos con peso.- Otra forma de equilibrar los pesos es jugar con las líneas que seccionarán
las masas.
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28. 8.- El destaque de los tonos
El destaque de un tono no depende solo del contraste con lo que le rodea sino también de las diferencias de
superficie. Claramente, cuanto mayor es la diferencia en tono y superficie, mayor es el destaque.
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29. El Destaque y el peso de las masas.- Es necesario armonizar el destaque con los pesos de las masas para no
provocar desequilibrios.
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30. 9.- Las claves tonales
Mediante las Claves Tonales podemos transmitir unas sensaciones generales / globales que puede ser la primera que perciba el espectador al
mirar la obra. Por tanto, es muy importante definirla antes de comenzar a ejecutarla.
Sugiero se entrenen aplicando las leyes de la composición a todos los cuadros, dibujos, fotos, imágenes, en definitiva, que se pongan al alcance
de sus ojos. Se sorprenderán de los significados que encontrarán y cómo les ayudará a comprender una obra de arte.
Aunque aquí las exponemos dirigidas a elementos planos, si piensan en volumen, verán que son igualmente aplicables a la escultura y a la
arquitectura.
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