La Capilla Sixtina, construida en el siglo XV, es conocida principalmente por los frescos renacentistas pintados en su techo y paredes laterales por Miguel Ángel y otros artistas entre 1508 y 1541. Originalmente dedicada a ceremonias papales, alberga hoy el cónclave para la elección del Papa. Sus pinturas más famosas son el Juicio Final y las Historias de la Biblia de Miguel Ángel en el techo.

1. 1475 -1564
En su condición
Uno de los de arquitecto,
mayores escultor,
creadores de pintor y poeta
toda la ejerció una
historia del enorme
arte y, junto influencia
con Leonardo tanto en sus
da Vinci, la contemporáne
figura más os como en
destacada del todo el arte
renacimiento occidental
italiano. posterior a su
época.

2. El renacimiento , sin duda alguna, es una época fundamental en la historia de
la humanidad. En este trabajo, intento seguir descubriendo las riquezas
artísticas de los grandes de la época.
En el trabajo anterior contextualicé la época del renacimiento para luego
centrar la atención en uno de los más grandes artistas que a tenido la
humanidad: Leonardo da Vinci. En esta presentación, de manera concreta,
profundizando aun más en las sublimes expresiones artísticas del
Renacimiento, centraré mi atención en la persona de Miguel Ángel.
Para ello, divido esta presentación en tres partes : En un primermomento,
destaco aspectos muy generales y de gran relevancia en la vida de éste
autor. En segundo momento resalto los aspectos generales de la Capilla
Sixtina, dado que es un sitio fundamental en la obra pintoresca de Miguel
Ángel. En un tercer momento, hago la presentación de una de las obras más
famosas de éste autor: El Juicio Final. Todo esto tiene como finalidad hacer
un análisis de la importancia de este autor en la historia como de sus obras,
de modo especial, la que aquí analizaré.

3. 1475 -1564
Es sin duda alguna uno de los mayores
creadores de toda la historia del arte y, junto
con Leonardo da Vinci, la figura más destacada
del renacimiento italiano.
Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño
pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque, en
esencia, fue un florentino que mantuvo a lo
largo de toda su vida unos profundos lazos con
Florencia, su arte y su cultura.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más
de setenta años entre Florencia y Roma, que
era donde vivían sus grandes mecenas, la
familia Médicis de Florencia, y los diferentes
papas romanos. Fue arquitecto, pintor, escultor
y poeta.

4. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la
primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una
imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional
que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años,
realizó proyectos arquitectónicos.
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el
maestro Francesco da Urbino. Ludovico Buonarroti, su
padre, oficial florentino al servicio de la familia
Médicis, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad,
en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años
después se sintió atraído por la escultura en el jardín
de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para
estudiar las estatuas antiguas de la colección de los
Médicis.
A tan solo 16 años de edad, ya había realizado al menos
dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y
los centauros y la Virgen de la Escalera (1489-1492).

5. Miguel Ángel en sus años juveniles muestra su profunda admiración hacia
la anatomía, no satisfaciéndose con aprender las leyes de aquella,
únicamente por la escultura antigua, decide investigar por si mismo la
anatomía humana por lo que acudiría casi todas las noches al depósito
municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán
conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando
modelos de la figura humana que ya no le guardaba ningún secreto.
Los últimos años de Miguel Ángel: en 1534 deja Florencia para no
regresar. Dada la situación política florentina, dominada por el duque
Alessandro que aborrecía profundamente al artista , quien había servido
antes de la última restitución medicea a la república.
En Roma, realizaría el "JUICIO FINAL, el primer encargo del Juicio se
remonta a 1533 por el Papa Clemente VII pero dos años después Pablo
III , quien lo nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano, hacia
1536, le ratifica el encargo y Miguel Ángel ya en Roma lo realiza en la
Capilla Sixtina.

6. En sus últimos años Miguel Ángel Buonarroti
continúa dedicándose a la escultura, y se
propondría después de concluir la Tumba de
Julio II, idear la propia. El artista realizaría la
"PIEDAD BANDINI", de composición
piramidal, donde Nicodemo, la Magdalena y la
Virgen sostienen el cuerpo de Cristo, utiliza el
principio de lo inacabado como parte
primordial de su creación artística y la
"PIEDAD RONDANINI" que sería su última
obra ocupándose de ella en varias
oportunidades a partir de 1547, esta quedaría
también inacabada a su muerte.
Miguel Ángel también compuso poesías donde
presentaba sus ansiedades, pensamientos ,
frustraciones, ideas estéticas y su relación
con la filosofía neoplatónica. El artista falleció
en Roma el 18 de Febrero de 1564 a la edad de
89 años.

7. Algunos aspectos que caracterizan sus obras de
arte
No podemos entender a Miguel Ángel como la suma de una serie de obras
pictóricas, escultóricas o arquitectónicas sin más, sino como una
unificadora articulación de un proceso elaborativo.
En el concepto creativo de Miguel Ángel existe una clara vinculación con el
pensamiento neoplatónico.
No se limita tan solo a un propósito sino que establece un intento de
demostración de todas las posibles opciones y soluciones, y ello no deja de
ser una respuesta a la crisis planteada en torno al sistema figurativo
clásico y a su constante preocupación teoricista.
No asume la proporción como un elemento eterno e inmutable y sus
criticadas deformaciones — no ya sólo en el esquema sino también en la
aplicación del color — responden al desarrollo de un elemento artístico que
surge de una concepción interior y subjetiva del artista.

8. Sus obras son numerosas, tanto en la escultura, la pintura y la
arquitectura. Algunas de ellas son:
Esculturas:
-Cabeza de fauno (1489-1492)
-Virgen de la escalera c. 1491
-La batalla de los centauro c. 1492
-Crucifijo del Santo Spirito 1492
-Hércules c.1492
-San Petronio del Arca de Santo Domingo 1494-1495
-San Procolo del Arca de Santo Domingo 1494-1495
-Ángel del Arca de Santo Domingo 1494-1495
-Bacus (Miguel Ángel) 1496-1497
-Crucifijo de Montserrat7 1497-1498?
-Piedad del Vaticano 1499-1500
-David de Miguel Ángel 1501-1504
-Madonna de Brujas 1501-1504
-Tumba del papa Julio II 15038
-Moisés c. 1513-1515
-Cristo de la Minerva 1519-1520
-Piedad florentina c. 1550
-Piedad Palestrina c. 1550

9. Pinturas:
-El tormento de San Antonio c. 1487-1489
-La batalla de Cascina 1504
-Madonna de Manchester c. 1497
-Tondo Doni c. 1503-1506
-Santo Entierro c. 1505
-Bóveda de la Capilla Sixtina 1508-1512
-El Juicio Final (Capilla Sixtina) 1534-1541
-Crucifixión de San Pedro1542-1550
-La conversión de San Pablo 1542-1550
-Crucifixión c. 1540
Arquitectura:
-Proyecto para la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia
1515–1520, no se llegó a construir.
-La nueva Capilla de los Médici y la Sacristía Nueva de la basílica de
-San Lorenzo de Florencia 1520-1534
-Escalinata y vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, en la basílica de
San Lorenzo de Florencia 1523–1559
-Basílica de San Pedro 1546-1564

10. Quiero concluir la presentación de esta breve biografía de Miguel Angel,
citando a Walter Pater:
―Es indispensable que nos emocionen y sorprendan. Pero también es
indispensable que nos complazcan y conmuevan con su encanto; y esta
extrañeza también debe ser dulce, una extrañeza amable. Y para los
verdaderos admiradores de Miguel Ángel, ese el verdadero prototipo de lo
miguelangelesco: la dulzura y la fuerza, el placer de la sorpresa, la energía
de una concepción que parece estar constantemente al borde de romper
todas las condiciones de la forma adecuada, recuperando, toque a toque, un
encanto que habitualmente sólo se encuentra en las cosas naturales más
sencillas, ex forti dulcedo‖.
http://digicampus.upb.edu.co/moodle/file.php/2237/material_complementario_modulo_3/Miguel_Angel/La_poesia_de_Miguel_Angel_p
or_Walter_Pater.pdf

11. Fue construida entre 1477 y 1480, por
orden del papa Sixto IV, de quien toma su
nombre. Fue erigida en el lugar que se
levantaba la "Capilla Magna" del palacio
construido por Nicolás III.
Desde la época de Sixto IV, la capilla ha
servido como lugar de diversas
actividades papales. Hoy es la sede del
cónclave, la reunión en la que los
cardenales eligen a un nuevo Papa.
Tenía dos funciones: religiosa como Capilla
Palatina y defensiva como puesto
avanzado fortificado del conjunto de
edificios colocados alrededor del patio del
Papagayo que constituían el núcleo más
antiguo de los palacios apostólicos.

12. La Capilla es un edificio alto y rectangular de
Arquitectur ladrillo, y su exterior no tiene adornos
arquitectónicos ni escultóricos, como es común en
a muchas iglesias medievales y renacentistas de
Italia. No tiene fachada exterior ni entradas
exteriores; sólo se puede acceder a través del
interior del Palacio Apostólico, y el exterior sólo es
visible desde las ventanas de alrededor y desde
patios interiores del palacio.
Como en la mayoría de los edificios medidos interiormente, la medida exacta
es difícil de determinar. El techo de la capilla es una bóveda de cañón
rebajada que surge de una serie de lunetas que rodean las paredes donde
surgen los arcos de las ventanas. La bóveda está cortada en sentido
transversal por pequeñas bóvedas formadas sobre cada ventana, que la
dividen en su nivel más bajo en una serie de grandes pechinas elevadas sobre
pilastras poco profundas entre las ventanas

13. La bóveda de cañón fue pintada originalmente de color azul
brillante con estrellas doradas, según el diseño de Piermatteo
d'Amelia.3 El pavimento es de cosmatesco, un estilo decorativo
que usa mármol y piedra coloreada en un diseño que refleja la
proporción previa en la división del interior y también marca el
camino procesional desde la puerta principal.
La mampara o transenna de mármol, obra de Mino da Fiesole,
Andrea Bregno y Giovanni Dalmata divide la capilla en dos
partes.10 Originalmente había el mismo espacio para los miembros
de la Capilla Pontificia, en el lado del altar, y para los peregrinos y
los ciudadanos al otro lado. Sin embargo, al crecer el número de
asistentes del Papa, la mampara fue movida reduciendo la zona de
los fieles.

14. El edificio actual comprende un sótano, un
entresuelo y la capilla, encima de la cual
se extiende una espaciosa buhardilla. La
capilla tiene planta rectangular, sin
ábside, midiendo 40´94 m. de largo por
13´41 m. de ancho siendo su altura de
20´70 m.; está cubierta por una bóveda
de cañón truncada con bovedillas laterales
que corresponden a las ventanas que
iluminan la estancia.
Decoración
En un principio estuvo dedicado a la celebración de ceremonias solemnes
y cónclaves que tuvieron relevancia, aunque su mayor importancia y fama
viene dada por la magnitud de los frescos que posee. La mayoría de las
pinturas son de Miguel Ángel aunque existe la participación de otros
grandes artistas que se encuentran en escenas de los laterales de la
nave.

15. La decoración del s. XV de las paredes incluye: las falsas
cortinas, las Historias de Moisés (paredes sur - entrada) y de
Cristo (paredes norte - entrada) y los retratos de los Pontífices
(paredes norte - sur - entrada). Fue realizada por un equipo de
pintores formado originariamente por Pietro Perugino, Sandro
Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, coadyuvados
por sus respectivos talleres y por algunos de sus colaboradores
más estrechos entre los que destacan Biagio di Antonio,
Bartolomeo della Gatta y Lucas Signorelli. Sobre la bóveda, Pier
Matteo d'Amelia pintó un cielo estrellado. La realización de los
frescos tuvo comienzo en 1481 y se concluyó en 1482.

16. Cuando Julio II accedió al
trono papal en 1503 decidió
enriquecer la decoración de la
bóveda, encargando seis años
más tarde los trabajos a
Miguel Ángel quien empleó
tres años en la realización.
Buonarroti elaboró en tres periodos sus frescos; el primero entre enero y
septiembre de 1509; el segundo entre septiembre de 1509 y septiembre de
1510; y el tercero y último entre enero y agosto de 1511.
Trabajaba sólo, sin ninguna colaboración y sin permitir ningún acceso a la
capilla durante su labor. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de
doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para
representar diversos asuntos del Antiguo Testamento junto a una serie de
sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo.

17. La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena
bíblica cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que
se acompañan de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria
clásica. La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la
Creación del mundo, la Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado
Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio
Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes escenas que van de
pared a pared de la bóveda.
Miguel Ángel siguió de esta manera las
bóvedas de los monumentos romanos,
cubriendo con su pintura todo el espacio,
tratando de engañar al espectador.
Los trabajos se iniciaron desde el muro
situado frente al altar mayor que más
tarde sería decorado con el Juicio,
apreciándose en el sentido inverso al que
aparecen en el Génesis.

18. Conclusión
El programa iconográfico que observamos en la decoración es
probable que haya sido consensuado con el pontífice y asesorado por
alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación
definitiva del Papa.
Sin embrago, el resultado es una de las obras maestras de la pintura,
recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los
espectadores la maravilla y la fuerza del color en la obra del
renacimiento.
Se destaca Rafael y Miguel Ángel, y en toda la decoración esta
presente la caracterización principal del renacimiento: la admiración
por el cuerpo y la expresión humana en su más alto significado.
Definitivamente es una joya de un valor invaluable para la pintura del
Renacimiento. Tambien podríamos decir con Juan Pablo II:
"Los frescos que aquí contemplamos nos introducen en el mundo de
los contenidos de la Revelación. Las verdades de nuestra fe nos
hablan desde cada lugar. De ellas, el genio humano ha sacado la
inspiración empeñándose en revestirlas de formas de una belleza
inigualable"

19. El Juicio Final o El Juicio
Universal es el mural
realizado al fresco por Miguel
Ángel para decorar el ábside
de la Capilla Sixtina .
El fresco es de enormes
dimensiones -13,70 x 12,20
metros- e incluye casi 400
figuras de las que se han
identificado mas de 50.

20. Contexto
Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar
donde ahora está el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las
historias de Moisés y de Jesús. Estaban la Asunción, la Natividad de Cristo
y el Descubrimiento de Moisés.
Miguel Ángel tuvo que sacrificar estos frescos de Perugino de la zona del
altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas.
Anteriormente, Clemente VII le había pedido que pintara La caída de los
ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesor Pablo III le encargó que
pintara la escena del Juicio Final.
El 16 de abril de 1535 se empezó a levantar el andamiaje y en enero de 1537
se iniciaba la decoración pictórica, siendo descubierta de manera oficial el
31 de octubre de 1541.

21. Aspectos generales sobre la
obra
Su temática, como indica su nombre, constituye la última etapa de la
Humanidad, y hace un planteo claramente apocalíptico y escatológico.
En esta obra, Miguel Ángel no utiliza ninguna estructuración explícita sino
semántica, es decir, organiza la obra de acuerdo con los signos, los
contenidos y los lugares que ocupan las figuras dentro de un fondo plano, en
cuanto no tiene perspectiva geométrica sino aérea, visual.
De una simple mirada se infiere que los frescos de la bóveda y del Juicio
Final de la Capilla Sixtina - creaciones del mismo autor - difieren
totalmente.
Esta obra va a suponer la culminación del estilo pictórico del genial artista,
quien tardó en realizarla cinco años.
La composición de las figuras, liberadas de cualquier enmarcamiento
arquitectónico — a diferencia de lo que ocurre con la bóveda de la misma
Capilla Sixtina — y elaborando una recreación rítmica en torno a la atlética
figura de Cristo, a semejanza de un sistema cosmogónico.

22. Cristo aparece como centro y orden del universo según un esquema
compositivo que Miguel Ángel aplicará también en otras obras de
arquitectura, como con la estatua de Marco Aurelio en la remodelación
de la Plaza del Capitolio, situada en el centro y desarrollando
simbólicamente el concepto de eje nuclear del mundo.
En este fresco, Miguel Ángel dispone la figuración en diversos planos,
sin sometimiento a la perspectiva ―oficial‖, y para ello se sirve de
módulos decrecientes para los personajes, de arriba a abajo, para
alterar el carácter estático de los grupos y exaltar cada actitud de
movimiento.
Los modelos clásicos dejan de ser un objeto al que imitar para
convertirse ahora en el instrumento de comprobación de su propio
concepto plástico.
Lleva hasta las últimas consecuencias la integración del paganismo en el
tema religioso, desnudando sin rubor todas las figuras del conjunto.

23. En cuanto al colorido, que la presumible y a
menudo criticada escasa variedad cromática se
ve ponderada por un abrumador dominio del
dibujo, imprescindible para trabajar el fresco,
que dota a las figuras de un sorprendente
carácter volumétrico y permite delatar, con la
exaltación de los desnudos, el talante escultor
del artista.
La utilización de verdes, rosas, azules y
amarillos alteran la función clásica del color y,
en relación a ello, la luz sirve para valorar la
materialidad escultórica de las figuras, dotando
a las mismas de una determinante inestabilidad.
Es una obra cuya contemplación altera el ánimo
de los más descreídos y supone, además, el ideal
pictórico del artista florentino, siempre en
relación con otros vehículos plásticos de
expresión.

24. Las figuras principales
El majestuoso fresco del Juicio Final,
que cubre casi doscientos metros
cuadrados, es una realización que
sintetiza la tragedia griega y la
dramaticidad dantesca.
Para facilitar el análisis de su
composición es necesario buscar una
sistematización de sus personajes, ya
sean individuales como así también
agrupados, los que giran en una
atmósfera de infinitud, de
atemportalidad, impulsados por un
punto de mira, una centralidad dada
por la figura de un Cristo en actitud
de juez supremo.

25. Centro
Como protagonista de la escena está
Cristo, en actitud desafiante y
enfadada, con un brazo en alto para
dividir a los pecadores de los salvados.
A su lado, la Virgen se esconde detrás
de su hijo. Es un Cristo Juez,
presentado totalmente desnudo, con un
brazo en alto, rodeado por una serie de
gigantescas figuras que parecen
aterrorizadas en su presencia.
Junto a Cristo está María. Temerosa, se
esconde junto a su hijo asustada por el
movimiento violento que hace. Detrás de
ellos hay un destello de luz así que
reciben todo el enfoque además porque
se encuentran en el centro.

26. Apóstoles y santos
San Pedro. Tiene en sus manos las llaves del Paraíso.
San Pablo. Se le reconoce por su barba gris y su aspecto ceñudo.
San Andrés. Sostiene una cruz en forma de "X", símbolo de su martirio.
San Sebastián. Tiene sostenidas las flechas de su martirio.

27. Ángeles
Hay una representación de los ángeles del
Juicio Final, que llevaban las trompetas para
anunciar la llegada de Cristo. En las
Escrituras aparecen ocho ángeles, sin
embargo aquí se representan siete. Dos
ángeles llevan el libro de la vida y el de la
muerte.
Otro grupo de ángeles, llevan los
instrumentos de la pasión: la cruz, la
corona de espinas y los clavos.
En el luneto derecho, unos ángeles
llevan la columna donde flagelaron a
Cristo.

28. Santos
Alrededor de Cristo encontramos
varios santos: San Pedro con las
llaves y su barbga característica,
San Lorenzo con la parrilla de su
martirio en las manos.
Otro de los santos es San Bartolomé, (Parte
inferior de la imagen) que lleva su pellejo en la
mano. El rostro del pellejo es un autorretrato de
Miguel Ángel.
Santa Catalina con su rueda de púas,
símbolo de su martirio.

29. Multitud
La multitud se agolpa alrededor de Cristo,
algunos son los salvados y otros los
pecadores. Muchos están en un ambiente de
relativo pánico, no saben que hacer. Entre
el tumulto, muchos están encontrando a sus
familiares y amigos, y están realmente
felices, algunos llegan a conmoverse,
reflejado en sus lágrimas.
Almas salvadas, que
suben al Cielo.
En el lado derecho, en la
parte inferior, están los
caídos, los pecadores,
que llegan al infierno
donde los demonios los
recogen.

30. Minos
El juez del infierno, Minos, mira a los
caídos. A su lado, está la boca de
Leviatán, del Infierno.
Caronte
En el lado del Infierno está Caronte
con su barca, aludiendo a la
mitología griega. Caronte era el
barquero llevaba las almas de los
caídos al otro lado de la laguna
Estigia.

31. En síntesis…
En el Juicio Final se recoge toda la fuerza de la "terribilità" típicamente
miguelangelesca al mostrar la intensidad de un momento de manera
excepcional, produciendo en el espectador cierto "temor religioso" alejado
de la delicadeza de las imágenes de Rafael. Las figuras se retuercen sobre
sí mismas, en acentuados escorzos que anticipan el Manierismo y el
Barroco, creándose una increíble sensación de movimiento unificado a
pesar de la ausencia de perspectiva tradicional y disponiendo las figuras en
diferentes planos pero sin crear el efecto de fuga.
El colorido brillante sintoniza con la bóveda a pesar de que abundan las
carnaciones de los cuerpos desnudos que permiten contemplar sus
músculos en tensión, sin olvidar hacer alusión a la expresividad de los
rostros recogiendo en sus gestos el destino que les ha tocado tras el
último Juicio.
La composición es un remolino caótico que acentúa la angustia y la
fatalidad de la escena. Las figuras se amontonan en un torbellino, todas en
primer plano, sin perspectivas ni paisajes, y todas ellas retorcidas y
desequilibradas, buscan posturas inestables y forzadas, enriqueciendo el
contrapposto clásico.

32. Sus colores se oponen drásticamente a la
armonía cromática del clasicismo
renacentista, son muy vivos y contrastados
(ácidos) y el acabado busca intensos
contrastes de luz y sombra.
Cuando el espectador penetra en la Sixtina y
contempla esta obra maestra siente ante sus
ojos la intensidad emocional del momento
como sólo Miguel Ángel podría interpretarlo.
La influencia del Juicio Final en otros
artistas europeos posteriores fue enorme;
era visita obligada para los que podían
costearse el viaje a Roma, y se difundió
mediante grabados debidos a artistas como
Giorgio Ghisi y Martino Rota.

33. En conclusión Todos los sectores de la
magnífica obra constituyen partes de la
gran escena imaginada por Miguel Ángel:
las expresiones de los rostros, los gestos,
las torsiones de los cuerpos, las posiciones
en vilo de los personajes, los símbolos, los
lugares que ocupan con relación al Centro
identificado por Cristo, los escorzos,
conforman un lenguaje claramente
manierista y actualizan en una sola visión
lo que será para el artista el Juicio Final.