40 artistas(valido)

40 ARTÍSTAS
Pintores, escultores, fotógrafos y otros.

Jan Van Eyck
Jan van Eyck nació posiblemente en
Masseik, cerca de Mastrique en 1390. Fue
pintor de la escuela flamenca y trabajó
principalmente en la ciudad de Brujas. Está
considerado uno de los mejores pintores del
Norte de Europa del siglo XV y el más
importante de los pintores flamencos. Sobre
su formación como artista poco se sabe,
excepto que en ella debió desarrollar el
gusto por los detalles diminutos y por el uso
de una técnica refinada. Murió hacia 1441 en
Brujas.

El matrimonio Arnolfini (1432). Es una
alegoría al matrimonio y la fertilidad
representados mediante una pareja flamenca
de alta posición económica. Muchísimos
detalles de esta obra reflejan dicha temática.
Retrato de un orfebre (1429-1430). Van Eyck
retrató a un hombre por encargo, añadiendo
detalles representativos de su profesión como el
anillo que sostiene en la mano o su gorro.
Pretendía transmitir la seriedad del retratado.
Virgen del canciller Rolin (1435). Este
cuadro de temática religiosa representa tanto
la adoración a la Virgen como la personalidad
altiva y arrogante del canciller Rolin, político
importante de la época.

El Bosco
Hieronymus Bosch, conocido también como El Bosco, nació
hacia 1450 en Hertogenbosch, situado en el sur de los países
bajos. Procede de una familia de pintores y aunque no se
sabe nada de su formación artística podemos suponer que se
inició en un taller familiar dedicado a la pintura al fresco y a la
elaboración de objetos sacrados, trabajando especialmente
para la catedral de la ciudad. Ascendió hasta la alta
burguesía urbana, lo que le permitió elegir el tema de sus
obras. En 1486 ingresó en la Vrouwe broederschap “cofradía
religiosa de Nuestra Señora”, corporación de gran prestigio e
influencia en la que pudo cultivarse artística y culturalmente.
Hacia el 1500 viajó posiblemente a Venecia, donde existen
varias obras hechas por él. Durante su estancia en Venecia
el estilo artístico de El Bosco cambia hacia algo más
renacentista con figuras monumentales encuadradas en
espléndidos paisajes. El pintor muere en 1516 en los países
bajos.

El carro de heno (1500-1516
aproximadamente). Simboliza la lujuria, el
pecado, la vanidad, la herejía… La escena
intenta mostrar cómo todos los hombres de
cualquier clase social pretenden alcanzar el
placer y el pecado que se encuentra en el carro.
Está basado en un texto bíblico de Isaac.
El jardín de las delicias (1480-1490). La obra más
importante de El Bosco, cargada de misterio, se supone
que pretende reflejar el Génesis (el día de la creación), el
Paraíso y el Infierno. Es como la historia de los hombres
desde su inicio hasta su final, pero pasando por una
situación llena de pecados que se sitúa en la parte
central de la obra y que desemboca en el infierno,
acompañados por el demonio.
La nave de los locos (1503-1504). Muestra la
locura de la humanidad y su perdición en los
placeres y pecados que ofrece la vida, así como
su camino hasta la muerte. Es una crítica a los
vicios y la ausencia de moral.

Fra Angélico
Guido di Pietro da Mugello, pintor
cuatrocentista italiano que supo combinar
la vida de fraile dominico con la de pintor
consumado. Fue llamado Angélico por su
temática religiosa, la serenidad de sus
obras y porque era un hombre de
extraordinaria devoción. Fue beatificado
por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser
el "Beato Fra Angélico". Nació en
Florencia en 1390 y se cree que comenzó
su carrera artística como iluminador de
misales y libros religiosos. Murió en Roma
hacia 1455.

La natividad (1445). Transmite un mensaje
cristianizante y de adoración a los símbolos
sagrados de esta religión.
La anunciación (1430-1435). Pretende reflejar el
pasaje bíblico de la anunciación, y también la
bondad y la dulzura de la Virgen por la forma en la
que aparece representada.
San Benito de Nursia (1437-1446). Pretende
reflejar la grandeza y bondad de San Benito de
Nursia, fundador de la orden de los benedictinos.

Piero Della Francesca
Piero Della Francesca. Fue el pintor más
importante de mediados del quattroccento por ser
el primero en implementar la perspectiva en sus
obras. Nació en La Toscana hacia 1420. Recibió
una fuerte influencia tanto de Masaccio como de
Domenico Veneziano. Casi todas sus obras son
de carácter religioso. El indiscutible punto
culminante de su carrera fue la serie de grandes
frescos La leyenda de la Vera Cruz para la Iglesia
de San Francesco en Arezzo, en los que presenta
escenas de sorprendente belleza. Los últimos
trabajos de Piero della Francesca muestran una
probable influencia del arte flamenco, que supo
asimilar sin traicionar con ello su personal estilo
monumental. Murió en 1492 en Sansepolcro,
Italia.

La flagelación (1452-1470). Aquí el autor trata de
expresar un concepto religioso que es la fuerza de
voluntad de Cristo ante su flagelación. Para ello coloca
esa escena en segundo plano, como restándole
importancia.
La resurrección (1483). Refleja la resurrección de
Cristo e intenta transmitir la importancia de ese nuevo
milagro y la fe de los que esperaban a que él volviera
de entre los muertos.
Virgen con el Niño y santos (1472). Lo
importante de esta obra es la relevancia de la
Virgen, que está rodeada de gente que la observa
con serenidad, y la transmisión del sentimiento
religioso.

Botticelli
Sandro di Mariano Filippepi, nacido en 1455 en Florencia.
Pertenece a la última generación del Quattrocento.
Empezó siendo orfebre a los 17 años y lo dejó por la
pintura. Trabajó en el taller de Filipo Lippi y posteriormente
en el de Verrochio. Mientras los demás artistas de su
época eran muy matemáticos, Botticelli era más poético y
no tan científico. Sus personajes eran idealizados y
buscaba la belleza ideal, perfecta, espiritual e
inalcanzable. En 1481, el Papa Sixto IV llamó a toda una
serie de artistas prominentes florentinos, entre ellos a
Botticelli, para que pintasen frescos en las paredes de la
Capilla Sixtina. En sus últimos años Se dice que cayó en
la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera
sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo
cierto es que sigue produciendo obras, si bien en un tono
más dramático y con una consciente regresión estilística
hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie
sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad mística,
consideradas sus últimas obras. Murió en 1510 en
Florencia.

La primavera (1477-1482). Hay un gran debate
sobre lo que el autor pretendía representar en este
cuadro, pero lo cierto es que transmite un aire de
fábula mitológica, una especie de celebración con
tintes renacentistas.
El nacimiento de Venus (1482-1482). Con este
retrato de Venus, Botticelli pretendía plasmar los
cánones de belleza ideal renacentistas, pintando a
una mujer no solo guapa sino también de una gran
inteligencia y con reminiscencias platónicas.
Venus y Marte (1483). Representa la fuerza amor
neoplatónico, ya que Venus contempla a Marte
mientras este duerme desnudo, lo cual significa que
el amor vence a la guerra.

Leonardo da vinci
Leonardo da Vinci, realmente llamado Leonardo di
ser Piero da Vinci, nació en 1452 en Florencia.
Comenzó su formación en el taller de Verrochio.
Realizó diversos trabajos allí, en Milán al servicio de
Ludovico el Moro, en Roma atraído por el
mecenazgo del Papa y finalmente acabó en Amboise
(Francia) al servicio de Francisco I. Se le considera
el primer gran maestro del Cinquecento. Fue un
humanista universal, uno de los grandes genios de la
humanidad que abarcó todos los campos del saber.
Con inquietud y curiosidad inagotables, fue pintor,
escultor, músico, arquitecto, ingeniero, botánico,
médico…
Pensaba que el arte no debía imitar a la naturaleza,
sino recrearla, y para ello había que conocer sus
leyes y teorías. Su arte era matemático y científico.
Murió en 1519 en Francia.

La Gioconda (1503-1506). Es un cuadro que, ante todo,
transmite misterio. Se desconoce con seguridad quién
era la modelo, su sonrisa es enigmática, el paisaje del
fondo no se corresponde una parte con la otra, incluso el
nombre está sometido a debate. Da Vinci creó uno de los
misterios artísticos más importantes de la historia de la
pintura.
La última cena (1495-1497). Aquí, Da Vinci intenta
representar las reacciones humanas de los apóstoles
cuando Jesucristo les comunica que uno de ellos le
traicionará. La obra está centrada en estas
expresiones, que dotan al cuadro de un gran realismo.
Virgen de las rocas (1483-1486). Es una pintura
religiosa que trata de plasmar la grandeza de
espíritu y la bondad de la Virgen, quien acoge a un
grupo de niños y ángeles con aspecto maternal.

Rafael Sanzio
Rafael Sanzio nació en 1483 en Urbino,
estudió pintura con su padre hasta la muerte
de este. Tras esto se instruyó en el taller de
Perugino, donde aprendió un arte refinado,
dulce, delicado y con gracia poética. Viajó a
Florencia donde se vio fuertemente
influenciado por la obra de Leonardo da Vinci
y Miguel Ángel. Aquí el Papa Julio II, le
encargo la decoración de algunas
habitaciones del Vaticano. Fue considerado
uno de los grandes pintores de Cinquecento
aunque también destacó como arquitecto.
Murió en 1520 en Florencia.

La escuela de Atenas (1510-1511). Muestra a los filósofos,
matemáticos y pensadores de la época clásica, muchos de
ellos representados con los rostros de artistas famosos del
Renacimiento (Miguel Ángel es Heráclito, Da Vinci es
Platón…). Es una alusión a la importancia de las
humanidades y está realizada en honor a dichos
pensadores.
Los desposorios de la Virgen (1504). En este cuadro se
introduce el concepto de los pretendientes rechazados,
ya que muestra el matrimonio de la Virgen con José
mientras un grupo de hombres decepcionados está
alrededor. Tiene una cierta simbología amorosa y terrenal
que choca con la temática religiosa de la obra.
Madonna del gran duque (1505). Como en todos sus
cuadros de Madonnas, Rafael quiere reflejar la
dulzura, la belleza y la bondad de la Virgen.

Tiziano
Tiziano Nació en el año 1476/77 en Pieve di Cadore.
Perteneciente a una familia de alto estatus social viajó
a Venecia acompañado de su hermano a la edad de
10 años para ingresar en el taller de Sebastiano
Zuccato. Debido a su incipiente talento, en el
transcurso de tres o cuatro años, entró en el estudio
del venerable pintor Giovanni Bellini, que en ese
momento era el artista más reconocido de la ciudad.
Allí se encontró con un grupo de jóvenes que
conformarían la primera generación de pintores de la
Escuela veneciana. Tiziano es uno de los más
versátiles pintores italianos, igualmente capacitado
para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas
o cuadros de temática religiosa. El conjunto de su
obra se caracteriza por el uso del color, vívido y
luminoso. Trabajó para las cortes de Carlos V y para
Felipe II. Falleció en 1576 en Venecia, víctima de la

Amor sacro y amor profano (1515). Simboliza el
contraste entre el amor divino y espiritual (concepto
neoplatonista) con el amor vulgar y terrenal de los
hombres, aunque es un misterio si la intención era
moralizante o una alusión a que se disfrutase de los
placeres mundanos.
El castigo de Marsias (1570-1576). Trata el tema
mitológico del castigo de Marsias, y pretende
transmitir el dramatismo y la tensión de la escena,
así como el sufrimiento del sátiro.
El rapto de Europa (1559-1562). Otro tema
mitológico, en el que se plasma la angustia de
Europa ante su secuestro y el movimiento de los
esbirros de Zeus, que se la llevaban.

Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en Milán en 1571. es
uno de los exponentes más destacados de la escuela naturalista
que surgió en Italia y se le supone uno de los primeros artistas del
estilo barroco. Por su excéntrica personalidad Caravaggio fue
considerado enigmático, fascinante, rebelde y peligroso. fue
expulsado de Roma en 1606 por matar a un hombre durante una
pelea. Caravaggio después marchó a Malta, ingresando en la
Orden de Malta, ya que tenía una formación religiosa notable, en
la cual solo estuvo tres meses, ya que de nuevo fue expulsado
por asesinato, esta vez de un compañero de la orden. Caravaggio
luego se desplazó hacia Nápoles y Sicilia en donde siguió
cosechando enemigos hasta su muerte en 1610. En pintura
Caravaggio hizo gran uso del claroscuro y sus pinturas trataban
generalmente el tema religioso. No dudó nunca en fijarse como
modelos para sus trabajos en prostitutas o mendigos.

Judith y Holofernes (1599). Es una obra que muestra
la crueldad y la impasibilidad de Judith mientras
asesina al general Holofernes. Caravaggio le dio un
gran realismo porque pretendía transmitir, ante todo,
crudeza.
La crucifixión de San Pedro (1600-1601).
Caravaggio pintó a San Pedro de una forma
antiheroica y casi humillante para ensalzar las
virtudes del santo.
La incredulidad de Santo Tomás (1602). Cuadro
que representa el momento en el que Cristo le pide
a Santo Tomás que meta los dedos en sus llagas
para que compruebe que es cierto que ha vuelto.
Intenta plasmar la fuerte sorpresa del santo y
quienes lo rodean.

Velázquez
Diego de Silva Velázquez nació en Sevilla en 1599.
Fue uno de los grandes maestros del barroco. A
los 11 años entró en el taller de Francisco
Pacheco. Es el pintor más grande que ha habido
en España. Mientras estuvo en Sevilla tuvo una
serie de características distintas a las de su época
madrileña. La etapa Sevillana se caracteriza por el
tenebrismo, gran realismo, no es naturalista pero sí
retrata a la gente de pueblo. Una característica de
Velázquez que mantiene hasta el final de su obra
es que lo que aparentemente es una temática
cotidiana y normal, encierra otra mucho más
trascendental. Pintura reposada y serena cierto
clasicismo y gran elegancia, nada de
recargamiento. Pincelada cada vez más suelta y
desenvuelta, pintaba a base de manchas de color.
Murió en Madrid en 1660.

Las meninas (1656). Trata de reflejar una escena
cotidiana en el palacio y la corte de Felipe IV, pero
está cargada de simbolismo barroco. Velázquez
defiende la pintura como un arte noble y no como un
oficio incluyéndose a sí mismo en el retrato real. Hay
mucha discusión sobre sus diferentes
interpretaciones.
La fragua de Vulcano (1630). Es un símbolo de la
humanización de los dioses, ya que recoge un tema
mitológico pero los presenta como si fueran personas
normales, con actividades mundanas. Esto se debe a
la decadencia barroca de los valores sociales y
religiosos, que pueden verse reflejados en este cuadro.
Vieja friendo huevos (1618 aproximadamente). Trata
de plasmar la decadente sociedad barroca y sus
penurias, retratando a una mujer pobre y vieja que
cocina de forma humilde.

Goya
Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, un
pueblecito de la provincia de Zaragoza. Se formó en el taller de José Luzán y
posteriormente viajó a Roma, donde estudió el barroco italiano. En 1785 se
convierte en pintor del rey Carlos III y en 1799 en pintor de cámara del rey Carlos
IV. Inicia grandes retratos, La marquesa de Solana o La Duquesa de Alba, que
culminarán en La familia de Carlos IV. Todas estas obras, aunque siempre de
compromiso por las exigencias de su clientela, revelan los cambios estilísticos de
Goya. Hacia 1790 Goya sufre una enfermedad que le deja sordo. La sordera lo
lleva al aislamiento y a la introspección, deja de contemplar la sociedad como un
conjunto de costumbres amables y empieza a considerar el lado negativo donde
destacan claramente cuatro temas principales: la corrupción de las costumbres, en
las que tienen un gran papel la prostitución y el celestinaje; la superstición y la
brujería; el anticlericalismo. Goya vivió entre dos épocas históricas, el Antiguo
Régimen, con las monarquías absolutas y los estamentos privilegiados y el
Régimen Liberal, nacido de los principios revolucionarios franceses, con la
exaltación de las clases medias y la soberanía popular, y es enormemente realista
en cuanto a los hechos y se sitúa al lado del pueblo que es quien padece los
acontecimientos. La vuelta de Fernando VII y la instalación del absolutismo en el
país hacen que Goya se exilie a Burdeos. Sus últimos años los pasó allí, donde
falleció en 1828.

Los fusilamientos del 3 de mayo (1814). Intenta
transmitir la violencia y la crueldad de la invasión
francesa en España, el sentimiento patriótico del autor
y la defensa de la libertad de los que se alzaron contra
los napoleónicos. Es una de las obras maestras de la
pintura española en cuanto a expresividad y
dramatismo.
Saturno devorando a un hijo (1819). Pretende
mostrar la atrocidad, la mutilación del cuerpo humano,
la violencia y la locura. Este cuadro es de los últimos
de Goya, enmarcado en la etapa en la que fue
perdiendo la cabeza y sus temas eran cada vez más
macabros.
Viejos comiendo sopa (1819). Transmite ironía
y un ambiente lúgubre y deprimente en el que un
viejo come sopa mientras parece hablar o reírse
con un cadáver.

El Greco
Doménikos Theotokópoulos, originario de Candía (actual Heraclion),
capital de la isla de Creta, Grecia, donde nació en 1541. Respecto a
los primeros años de su vida no se conocen demasiados datos, sólo
que procedía de una próspera familia burguesa, y que recibió una
amplia formación humanística. Fue uno de los artistas que mejor
supo entender y desarrollar el Manierismo. En 1566 se trasladó a
Venecia donde asimiló la pintura renacentista. En 1570 Doménikos
se fue a Roma, donde vivió siete años. Allí pudo admirar las obras
de Miguel ángel, Rafael y Correggio. Asimismo en esa ciudad abrió
su propio taller y enseguida logró una sólida reputación como
retratista, lo que le permitió frecuentar los ambientes más relevantes
de la sociedad e intelectualidad italiana y española. Fue en 1576
cuando Doménikos decidió marcharse a España, con la esperanza
de ser contratado para la decoración del Monasterio de El Escorial.
en Toledo, la ciudad donde sí pudo triunfar, contó con la protección
de varios personajes cultos e influyentes que le encargaban sus
obras más espectaculares, estableciendo con la mayoría de ellos
una amistad. El Greco estableció su hogar en la Ciudad Imperial,
donde formó su taller, dedicándose a la elaboración de cuadros,
diseño de retablos y escultura.

El entierro del conde de Orgaz (1586-1587). El
Greco intentó reflejar las dos dimensiones de la vida
de los hombres. En la parte interior se simboliza lo
terrenal, la muerte; mientras que en la superior vemos
el cielo y la vida eterna. Es un cuadro de fuerte
carácter religioso.
El expolio (1577-1579). Ensalza la serenidad de
Cristo cuando lo llevan para ser crucificado, y hay un
gran contraste entre la gente, que está en posiciones
caóticas y “en movimiento”, y la imagen de Cristo, que
espera tranquilo mirando hacia arriba.
Martirio de San Mauricio (1580-1582). Aunque el
martirio esté en segundo plano, se dibuja el
sufrimiento de San Mauricio y cómo el cielo se abre
para recibirlo. Conlleva un mensaje espiritual.

Rubens
Pedro Pablo Rubens nació en Sieges, Alemania, en 1577.
Cuando su padre murió siendo él un niño se fue a vivir a
Amberes con su madre y hermanos. Su primer aprendizaje
artístico fue con Tobias Verhaecht, un pintor flamenco de
paisajes. Después, se formó en el taller de Adam van Noort y
en el de Otto van Veen, todos pintores flamencos. A los 21
años, concluye su formación superando el examen de maestro
ante la Guilda de San Lucas de Amberes y viaja a Italia para
ampliar su formación artística estudiando las obras del
Renacimiento. Regresa a Amberes siendo considerado el pintor
más importante de Flandes y requerido como pintor de corte del
archiduque austriaco Alberto y de su esposa, la infanta
española Isabel. La fama de Rubens se extendió a todas las
cortes europeas y recibió tantos encargos que tuvo que crear
en su casa un gran taller, en el que él sólo realizaba el boceto
inicial y los toques finales, mientras que sus aprendices se
encargaban de las fases intermedias. Finalmente, falleció el 30
de Mayo de 1640 en su casa de Amberes.

El jardín del amor (1630). Rubens hace un homenaje
a su esposa, con quien se casó poco antes de pintar el
cuadro, ya que este es una alegoría al matrimonio, al
amor y a lo bucólico. Refleja además el ideal de
belleza femenina, representado en la figura de su
mujer (quien aparece en el cuadro).
El juicio de Paris (1638-1639). Temática mitológica
que trata el asunto del soborno. En el cuadro, Paris le
ofrece una manzana a una tríada de diosas como
forma de escapar a su juicio.
Las tres gracias (1636-1639). Es una alegoría a la
sensualidad de la mujer, su belleza carnal y los
cánones de esa época (que son muy distintos a los
actuales). Se cree también que el pintor intentó
representar la armonía, ya que las tres Gracias
aparecen agarradas por los brazos.

Rembrandt
Rembrandt nació en Leiden, Holanda, 1606. Hijo de un molinero y
de una panadera Su primer maestro es Jacob Van Svanenburgh,
con quien estudia tres años antes de marcharse a Amsterdam
donde es discípulo de Peter Lastman y permanece hasta su
muerte. Se casa con Saskia Van Uylen Borch, con la cual tiene
cuatro hijos, de los cuales el único sobreviviente es Tito. Parece
ser que la única etapa de felicidad que tiene es la de su vida
matrimonial. Su estilo parte del tenebrismo, aunque la
combinación de luces y sombras lo asemejan un poco a
Caravaggio con la diferencia de los misteriosos rayos dorados que
sólo éste sabe intercalar como hilos de oro. Trabaja todos los
géneros, desde los bíblicos hasta paisajes y bodegones. Trabaja
también como retratista y son inmejorables los autorretratos que
realiza desde su juventud hasta su vejez. Para acentuar la
caracterización, Rembrandt utiliza un profundo colorido y una luz
brillante. Después de la muerte de su esposa convive con el ama
de llaves, quien cuida de su hijo Tito y hace las veces de modelo.
Muere en Amsterdam en 1669.

El hijo pródigo (1669). Simboliza el perdón, lo cual
puede tener relación con que esta obra fue realizada
al final de la vida de Rembrandt.
Ronda de noche (1642). Rembrandt intenta captar
el momento en el que una milicia de vigilancia sale a
hacer una ronda, una tradición holandesa muy de
moda en ese tiempo.
Lección de anatomía (1632). El cuadro representa
el afán por el conocimiento, ejemplificando la
curiosidad del cuerpo humano y la anatomía.

José de Ribera
José de Ribera, Pintor barroco español, nació en Valencia en 1591 y casi
no se conocen datos sobre su primera formación artística, aunque
aparece en documentado en Italia, concretamente en Parma en 1611.
Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más
acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o
claroscuro del pintor italiano Caravaggio. La mayor parte de sus temas
pictóricos presentan una iconografía religiosa; el artista plasma de una
forma muy explícita e intensamente emocional escenas de martirios. Sin
embargo, realizó también obras de carácter profano, como figuras de
filósofos, temáticas mitológicas y algunos retratos. dentro de su evolución
estilística debemos destacar un segundo momento en el que Ribera, a
partir de la década de 1630, abandona en parte ese tenebrismo
caravaggesco tan férreo y se abre a un concepto pictórico más luminista.
Al final de la década de 1640, Ribera va a experimentar un nuevo cambio
estilístico que le vuelve a acercar en cierta medida a las composiciones
tenebristas de su primer
momento pictórico sin abandonar los avances de su segunda etapa; las
causas fueron sus desgraciadas circunstancias personales. Muere en
Nápoles en 1652.

La mujer barbuda (1631). Pretende causar impacto en
el espectador al mostrar algo antinatural, algo que en
esa época se veía como una aberración de la
naturaleza. De Ribera pretendía con esta obra retratar
el gusto barroco por lo deforme, lo raro, lo que era
opuesto al equilibrio y al buen gusto estético.
Martirio de San Felipe (1639). Un cuadro de
temática religiosa con el que Ribera pretendía
expresar el sufrimiento y la angustia del santo ante el
martirio al que iba a ser sometido.
San Andrés apóstol (1630). Otro cuadro religioso
con el que Ribera quería transmitir la serenidad del
santo, que aparece en una escena lúgubre y
tenebrosa. El hecho de que aparezca abrazado a la
cruz donde lo martirizaron refleja su valentía.

Miró
Joan Miró, pintor español cuyas obras recogen motivos
extraídos de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e
imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo
XX. Miró nació en 1893 en Barcelona y allí estudió en la
Escuela de Bellas Artes y en la Academia Galí. En 1920 se
trasladó a París, encontrándose con Pablo Picasso, donde,
bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, fue
madurando su estilo. Miró arranca de la memoria, de la
fantasía y de lo irracional para crear obras que son
transposiciones visuales de la poesía surrealista. tras el inicio
de la II Guerra Mundial volvió a España en 1940, donde llevó
una vida retirada durante toda la dictadura franquista. También
realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre,
escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin
embargo, las creaciones que han tenido una mayor
trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas
cerámicas. En la actualidad su producción puede contemplarse
en la Fundación Joan Miró en Barcelona, inaugurada en 1975.
Murió en 1983 en Mayorca.

Bodegón del zapato viejo (1937). Con este cuadro
surrealista, Miró pretendía contar los horrores de la
Guerra Civil y la pobreza de la población, que tenía
muchas carencias.
Interior holandés (1928). Está influenciado por un
viaje que Miró realizó a Holanda, y por ello en este
cuadro intenta dar su particular visión sobre la vida
en Holanda y los detalles que más le marcaron en
su estancia.
Retrato de bailarina española (1928). Simboliza el
papel de la mujer en la sociedad y la idea que Miró
tiene de ella, simplificando la figura humana pero
colocándole un llamativo corazón rojo a modo de
tronco que alaba su naturaleza bondadosa.

Monet
Monet nace el 14 de noviembre de 1840 en el 45 de la rue Lafitte, en
el seno de una familia de comerciantes. Monet recibió sus primeras
lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-Charles
Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. En la
década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard
Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la
escuela impresionista Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y
Alfred Sisley. En 1861 le toca hacer el servicio militar en Argelia, en la
legión africana. En el otoño de 1862 Monet regresaba a París,
acudiendo al taller de Auguste Toulmouche. Monet pintaba,
trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa
contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las
exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo
evolucionaba. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar
directamente al público mediante la organización de sus propias
exposiciones. Paulatinamente va abandonando su pintura de figuras
para dedicarse al paisaje puro y a los estudios de luz y atmósfera,
interesándose por captar la luz a diferentes horas del día en un punto
determinado. Murió en Giverny, Francia, en 1926.

Mujeres en el jardín (1867). Pretende plasmar la
naturalidad de las mujeres y una sensación bucólica y
de tranquilidad.
Nenúfares (1920-1926). La interpretación de este
cuadro no está clara. Monet pintó cerca de ocho
cuadros de nenúfares de forma casi obsesiva al final
de su vida, pero se desconoce qué pretendía
simbolizar con la obra.
Sol naciente (1872-1873). Se pretende sugerir el
paisaje, la escena en la que los barcos navegan por el
río mientras sale el sol, pero de forma discreta y
dejando mucho a la imaginación, como era típico en el
Impresionismo.

Picasso
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1881. Artista español. Hijo del también artista José
Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se
rodeó de un grupo de artistas y literatos. Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su
residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa
denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. Hacia finales de 1906
Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar
el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron
numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y
elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en
compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión
de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el
ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. Entre 1915 y
mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para
adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre
clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes
mediterráneos». El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor
concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de
gran tamaño Gernika. En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes
obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso
contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de
importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el
artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó
trabajando incansablemente hasta el día de su muerte en 1973 en Mougins, Francia.

Autorretrato (1906). Picasso intentó dar su visión
sobre cómo se veía a sí mismo y plasmarlo en un
cuadro.
El Guernica (1937). Es un símbolo del sufrimiento
que padecen los que viven una guerra, en este caso,
la Guerra Civil española. Picasso sostenía que el arte
no era para estar colgado en una pared, sino para
servir como arma y defensa ante el enemigo, y por
ello realizó este cuadro, para dar “publicidad” al
padecimiento español.
Los tres músicos (1921). Representa el caótico
mundo del arte, que aparece en los símbolos del
desorden, la partitura musical, los instrumentos que
tocan los distintos personajes del cuadro, etc.

Dalí
Eugenio Salvador Dalí i Doménech nace en Figueras en
1904. Pintor y escultor, se integra en el grupo de poetas y
artistas conocido posteriormente por la generación del 27.
Se convirtió en la figura más brillante del surrealismo
pictórico. En 1939 se traslada a los EEUU cuyo paisaje se
convirtió en el motivo principal de su obra. A su regreso a
España en 1948 siguió, según él, la tradición espiritual de
Zurbarán, Murillo, Valdés Leal y los grandes místicos de la
literatura castellana. Su interés por los efectos visuales lo
lleva al uso de la holografía y a la realización de pinturas
estereoscópicas. Creó la escenografía y los figurines de
muchos ballets, y en teatro colabora con Visconti y con
Luis Escobar. Ilustra libros y diseña joyas, esculturas y
objetos diversos. Tras la muerte de su esposa Gala en
1982, constituye la fundación Gala-Salvador Dalí que
administra su legado. Muere el 23 de enero de 1989 en
Figueras.

El gran masturbador (1929). La obra de Dalí está
llena de un complicado simbolismo. En este caso, el
cuadro representa el temor de Dalí a caer por
completo en la locura, su obsesión por el sexo y el
miedo a la represión de su forma de vida.
La persistencia de la memoria (1931). Habla del
paso del tiempo, de la fugacidad de la vida y de
cómo los recuerdos persisten por mucho tiempo
que pase.
Muchacha asomada a la ventana (1925).
Pretende introducirnos al paisaje que se ve por la
ventana gracias a la intervención de la chica que
mira a través de ella. Quiere transmitir sencillez.

Sorolla
Joaquín Sorolla, pintor español nacido en Valencia en 1863.
Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió
posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una
beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. Un
viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura
impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su
estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al
aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del
Mediterráneo. Sin embargo, fue un artista muy activo, que
realizó también numerosos retratos de personalidades
españolas y algunas obras de denuncia social. Su estilo
agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos,
que le permitieron gozar de una desahogada posición social.
Su fama rebasó las fronteras españolas para extenderse por
toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias
ocasiones. En el estilo más característico de Sorolla, el de
técnica y concepción impresionista, destaca la representación
de la figura humana sobre un fondo de playa o de paisaje,
donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la
intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan
valor a temas en sí mismo intrascendentes. Murió en

Ayamonte. Pesca del atún (1929). Quiere dejar
constancia de una escena cotidiana en la vida del
pueblo de Ayamonte, que es el mercado de
pescado cuando los marineros vuelven de
trabajar. A Sorolla le gustaba plasmar situaciones
cotidianas.
Marina (1880). Su intención era transmitir la
fuerza del mar y su importancia para los pueblos
pesqueros. Refleja un día cualquiera en el
puerto, con los barcos esperando para salir al
mar o recién llegados.

Mirón fue el principal escultor griego de su
tiempo, exponente del llamado estilo severo y
precursor de los grandes maestros del
clasicismo pleno. Nació en Beocia, pero
desarrolló su actividad, entre el 470 y el 440
a.C. aproximadamente, en Atenas. Las fuentes
literarias le atribuyen numerosos obras, en
particular estatuas de atletas y héroes. Sin
embargo, sólo se le han podido asignar con
certeza tres, conocidas por copias romanas: el
Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el
Anadumenos. Las dos primeras, sobre todo,
son emblemáticas del estilo de Mirón,
centrado en la plasmación del movimiento a
través de las tensiones del cuerpo. El
Discóbolo, que está captado en el instante
anterior a la realización de un movimiento
violento, constituye un ejemplo magistral de
equilibrio dinámico, de desnudo juvenil ágil y
vivo.

Discóbolo (alrededor del 455 a.C.). Mirón trató de
representar la fuerza del atleta, el momento en el
que se dispone a lanzar el disco y por lo tanto su
cuerpo está en máxima tensión. Es una referencia
también a la importancia del potencial físico.
Minotauro (fecha desconocida). Perteneciente a un
grupo escultórico, representa a una figura clásica de
la mitología griega a la vez que refleja la potencia
física y la fuerza, características a las que se le daba
importancia en su época.
Atenea y Marsias (alrededor del 450-460 a.C.).
Representa a la diosa Atenea lanzando una flauta al
suelo y convirtiendo a un sátiro que la observa en un
virtuoso de la música. Mirón se centraba más en la
forma escultórica que en el significado, ya que su
objetivo era el de transmitir movimiento en sus obras.

Fidias fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, nacido
posiblemente hacia el 490 a.c, pintor y arquitecto, perteneciente al primer
clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de
Atenas (Atenea Partenos dentro del Partenón y Atenea Promacos) y la colosal
estatua sentada de Zeus en Olimpia. Las obras atenienses fueron aparentemente
encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles usase el dinero de la Liga de
Delos para pagarle, si bien esto no es seguro. Se conocen pocos detalles de la vida de
Fidias. Se sabe que nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Se
tienen diversos relatos sobre su formación. Hegias de Atenas, Agéladas de Argos, y
el pintor de Tasos Polignoto, han sido todos ellos considerados maestros suyos.
Algunas de sus obras sobreviven presuntamente a través de copias romanas, y de
fragmento originales atribuídos a ellas, o son en base conjeturales. De la misma
manera, su muerte es centro de controversia y no se saben las causas que la
pudieron haber provocado. A pesar de la casi total ausencia de datos concretos
sobre su vida, Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores
exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido unánimemente como
uno de los escultores más importantes de Occidente. Murió cerca del 431 a.c

Atenea Partenos (440 a.C. aproximadamente).
Estatua de la diosa Atenea que simboliza su belleza y su
poder en el Partenón.
Atenea Lemnia (fecha desconocida). Busto de la
diosa Atenea, que aquí no es representada de una
forma tan poderosa como la de Atenea Partenos,
sino que intenta expresar su lado humano y su
belleza.
Relieve de los dioses (440 a.C. aproximadamente).
Muestra a los dioses como seres solemnes y tranquilos,
este relieve es un símbolo de su poder en la tierra.

Praxíteles, escultor griego. Se cree que era hijo de Cefisodoto el
Viejo. Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a.
C. en Atenas y se sitúa casi al mismo nivel de fama y prestigio que
la de Fidias en el siglo anterior. Se alejó de la tradición anterior al
preferir como material el mármol, más que el bronce, pero se
mantuvo en la línea de sus antecesores por su elección como
modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada. Desde este
punto de partida, evolucionó hacia una mayor humanización de
las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los
sentimientos. Sus obras se conocen a través de copias romanas. La
que gozó de mayor renombre en la Antigüedad fue la Afrodita de
Cnido, estatua de tamaño natural de la diosa en la que por primera
vez se la representa desnuda.

Afrodita de Cnido (o Afrodita saliendo del baño, 360
a.C.). Es el primer desnudo total de una mujer que se
conserva, y con él el autor pretendió transmitir la
sensualidad y la fertilidad femenina de la diosa Afrodita.
Apolo Sauróctono (siglo IV a. C., fecha sin
determinar). Representa al dios Apolo en condición de
pastor, relajado y en actitud infantil. Esto simboliza la
creencia religiosa de los griegos de que los dioses podían
caminar por el mundo terrenal en múltiples
representaciones.
Hermes y Dionisios (entre 350 y 330 a.C.). Es una
alegoría a la paz y la convivencia, ya que Hermes
(patrón de la región griega de Elis) aparece
protegiendo a Dionisio (patrón de Arcadia), y en esa
época ambos estaban enfrentados. Transmite además
el canon de belleza griego.

Miguel Ángel Bounarrotti, escultor, pintor y arquitecto Florentino nacido en 1475.
Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento
italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama
creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista
como un ser excepcional. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera,
Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con
resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. La vida de
Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus
obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el
jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas
antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de
Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. Recibió diversos encargos, entre
ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la
belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. el papa Julio II
lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra
hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos. Julio II le pidió
también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se
resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se
convirtió finalmente en su creación más sublime. En 1534, Miguel Ángel se
estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la
capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó
sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Falleció en Roma
en 1564.

David (1501-1504). Presenta a David a punto de
comenzar la lucha contra Goliat, y podemos encontrar
dos características relevantes que el autor transmite:
por un lado, la belleza ideal del David y sus
proporciones perfectas, y por otro su expresión de odio
y tensión hacia su enemigo.
Moisés (1513-1515). Esta escultura tiene un fuerte
contenido psicológico, que es lo que Miguel Ángel
intenta transmitir por todos los medios. El personaje
se encuentra tenso, en un momento de ira, y todo su
cuerpo es un claro ejemplo de la fuerza y la potencia,
no solo física, sino también espiritual.
La piedad (1498-1499). Con esta escultura de la
Virgen, el autor refleja sentimientos de ternura,
piedad y bondad mientras esta sostiene a Cristo entre
sus brazos. Es también un modelo de belleza
renacentista, ya que la Virgen aparece joven y bella.

Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles, Italia, en 1598. Escultor,
arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo
Barroco en el siglo XVII. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió
acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como mecenas a los papas
Pablo V , Urbano VIII.
Emigró a Roma junto a su padre donde estudios de la escultura
grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Angel
fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida
son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de
iglesias y obras arquitectónicas.
Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus
servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a
trabajar a París cuando el artista contaba con 69 años de edad.
La técnica de Bernini, cuando trabaja en marmol, es de un realismo
impresionante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en
lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su
época, apartándose de la manera de Miguel Ángel e influenciando para
siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura. Murió en 1680
en Roma.

Apolo y Dafne (1621-1624). Recoge el tema mitológico de
la conversión de la ninfa Dafne en laurel mientras Apolo
la perseguía por haberse encaprichado con ella. Bernini
pretendía representar el movimiento de la escena en el
momento de la transformación, así como la sorpresa de
Dafne y la resignación de Apolo, que no sabe cómo
actuar.
Éxtasis de Santa Teresa (1647-1651). Representa
una alucinación de santa Teresa en la que un ángel
iba a atravesarle el pecho con una daga, plasmando
el misticismo y el éxtasis de la santa en ese
momento, pero también la pena ante la muerte.
Fuente de los cuatro ríos (1651). Es una estatua
que personifica en cuatro gigantes a los cuatro
grandes ríos de los continentes conocidos en esa
época. Busca expresar la grandeza y el poderío, así
como suscitar admiración.

Alonso Berruguete hijo del también pintor Pedro Berruguete, bajo
cuya tutela comenzará su aprendizaje artístico antes de su marcha en
1507 a Italia, se sabe que nació en la localidad de Paredes de Nava,
acontecimiento que debió producirse hacia 1490. Formado en Roma
y Florencia, tendrá la ocasión de poder entrar en contacto con
jóvenes artistas manieristas, así como de conocer las composiciones
de la Antigüedad clásica y estudiar la obra de Leonardo, Donatello,
Rafael y Miguel Ángel, antes de regresar a España alrededor de 1517.
Será el año de 1523 el momento clave a partir del cual comience a
desarrollar su actividad como escultor, fijando su residencia y taller
en Valladolid. Murió en Toledo en 1561.

Sacrificio de Isaac (1527-1532). Berruguete está
representando una escena bíblica en la que Abraham está
a punto de degollar a su hijo Isaac, antes de ser detenido
por la mano de un ángel. El escultor intenta transmitir el
sufrimiento de un padre a punto de matar a su hijo.
San Sebastián (1527). El autor plasma la angustia de
San Sebastián mientras está siendo martirizado, lo cual
se ve en la expresión del santo.

Donato di Niccolò di Betto Bardi nacido en Florencia
alrededor del año de 1386, ya desde joven es posible
encontrarle ejerciendo el oficio de escultor. Habitualmente se
ha establecido este periodo inicial como el de formación,
considerándose su producción a partir de 1425,fecha en la que
comienza a trabajar con Michelozzo, propiamente clasicista.
En la capital romana, ciudad a la que se trasladará con su
nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado una
estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando
el legado de la Antigüedad, dejará constancia de su maestría
en piezas como El entierro de Cristo. Magnífico será el David
en bronce realizado hacia 1435 para el palacio que los Médici
poseían en la Vía Larga florentina y que inaugurará una
relación de colaboración con dicha familia. En esta obra se
puede apreciar toda la madurez y el dominio de Donatello a la
hora de representar la anatomía humana. A partir de 1443 va a
entrar en contacto con la corriente artística que se estaba
desarrollando en Padua, hecho que resultará decisivo en el
giro que tomará su escultura durante la segunda mitad del
siglo. Fallece en Florencia en 1466.

David (1440). Representa la figura de David de una
manera más afeminada y natural, expresando serenidad y
tranquilidad en la figura. Es un modelo plenamente
renacentista.
María Magdalena penitente (1455). Magdalena está
representada de una forma demacrada y como
inacabada, lo cual rompe con los cánones renacentistas
para tratar de transmitir más dramatismo ante la
desgracia del personaje.
San Marcos (1411-1413). Está enfocada a representar la
integridad moral y espiritual del santo, que aparece
con un gran aire de serenidad y sabiduría.

Juan Martínez Montañes, escultor
español nacido en Alcalá la Real en 1568.
Es una figura sobresaliente de la
escultura en madera policromada, la
técnica escultórica que alcanzó mayor
desarrollo en la España de los siglos XVI-
XVII. Llevó a cabo una producción
vastísima, religiosa en su totalidad con la
única excepción de un busto de Felipe IV.
Su obra influyó en escultores como
Alonso Cano y Juan de Mesa, de quienes
fue maestro, y también en los principales
pintores de la escuela sevillana del siglo
XVII, entre ellos Velázquez y Zurbarán.
Murió en Sevilla en 1649.

Clemencia (1603-1604). Transmite una gran
religiosidad y el sufrimiento de Cristo en la cruz,
como la mayoría de las esculturas que tratan el
tema de la crucifixión.
Niño Jesús (1606-1607). Pretende transmitir la
inocencia del Niño Jesús y representarlo solo,
tendiendo la mano como animando al que lo ve a
acercarse a él.
Santo Domingo penitente (1605). Representa
el éxtasis espiritual en el que se encontraba el
santo mientras hacía penitencia y su misticismo.

Juan de Mesa y Velasco nació en 1583 en Córdoba. Fue uno de los escultores
más relevantes del barroco andaluz. Pertenece a la primera generación de
discípulos de Martínez Montañés. Ingresó en su taller de Sevilla a los
veintitrés años, llegando, incluso, a superar al maestro. En la actualidad,
Juan de Mesa está considerado como uno de los representantes más
importantes del realismo sevillano. Se dedicó casi en exclusividad a las
imágenes procesionales, realizando numerosos estudios anatómicos de
figuras humanas reales, vivas y muertas, para luego plasmarlas en sus obras
con gran realismo. Destaca la serie de crucificados que realizó a partir de
los modelos de Montañés. En ellos refleja distintos momentos de la
Crucifixión, donde expresa con gran dramatismo el proceso y la muerte de
Jesús. Murió en Sevilla en 1627.

Cristo de la Buena Muerte (1620). De temática
religiosa, como todas sus obras, esta escultura representa
el momento de la crucifixión de Cristo y transmite su
resignación mientras pendía de la cruz.
San Juan Bautista (1623). Se centra en transmitir la
angustia del santo, poniéndole un rostro cansado y
preocupado lleno de expresividad.
Virgen de las Angustias (1627). Llevando a Cristo
muerto en sus brazos, esta escultura está centrada
en la expresión de la virgen, con la que Juan de
Mesa intentó captar angustia y dolor.

Antonio Canova, escultor italiano nacido en Italia en 1757. A causa de sus
modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó
practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a
dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que
mantuvo durante toda su vida. Cuando era ya un artista consagrado, se
estableció en Roma, donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la
Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de
Winckelman y Milizia. todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración,
de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. No fue Canova un
escultor nato y de cincel fácil, sino que se forjó a través del estudio y el trabajo.
Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la
que se ha perpetuado su figura en la historia del arte. El nombre de Canova se
asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos,
que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de
cualquier sentimiento o turbación. Murió en Venecia en 1822.

Eros y Psique (1787-1793). Representa un momento
mitológico en el que Eros, dios del amor, despierta a
Psique (personificación del alma) dándole un beso.
Es una escultura que intenta transmitir una idea
platónica del amor y la pasión.
Las tres gracias (1816). Canova usó esta escultura
para transmitir el canon de belleza ideal de su época.
Paulina Bonaparte (1807). Pretendía representar
la sensualidad y el poder de Paulina Bonaparte,
hermana de Napoleón, a quien se representa como
si fuera Venus.

Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz fotógrafo y marchante de arte nació
en 1864 en Hoboken, Estados Unidos. Fue uno de
los impulsores y principales representantes de la
corriente fotográfica pictorealista, que promocionó
desde la dirección del grupo Photo-Secession (1900)
y de la revista Camera work (1902), ambos
fundados por él mismo y, en el caso de esta última,
la primera del mundo en su estilo. ejerció una gran
influencia en la evolución del arte de su país, a la
que también contribuyó con su apoyo a artistas
jóvenes que cultivaban tendencias avanzadas. A
partir de 1925 regentó las galerías Intimate y An
American Place y editó numerosas publicaciones
dedicadas a la fotografía y al arte en general. Murió
en 1946 en Nueva York

Invierno en la quinta avenida (1892). Stieglitz
pretendía que la fotografía fuera considerada
como un medio artístico igual a la pintura. Se
dedicó a retratar la gran ciudad de Nueva York;
en este caso, ilustrando la dureza del invierno.
La ciudad de la ambición (1910). Otra de las
características de este fotógrafo es que se dedicó a
plasmar la acción del hombre en las ciudades, la
industrialización y el avance tecnológico. Con esta
imagen de fábricas echando humo, trataba de
transmitir esa idea, además de una cierta crítica hacia
este fenómeno que avanzaba a pasos agigantados.
La mano del hombre (1902). Al igual que en
la fotografía anterior, en esta se nos muestra
otro efecto de la industrialización: la máquina
de vapor, que simboliza el avance tecnológico.

INGO ARND
Ingo Arnd nació en Frankfurt en 1968.
Pasó toda su infancia rodeado de
naturaleza y al aire libre. Pronto se dio
cuenta de que la fotografía era un medio
efectivo para la protección del medio
ambiente por lo que después de acabar
sus estudios Ingo se sumergió en la vida
aventurera de un fotógrafo profesional.
Desde entonces ha viajado por todo el
mundo como fotógrafo de vida silvestre.
Ha recibido multitud de premios por sus
fotografías que se publican anualmente
en diversas revistas internacionales.

Guanacos en la Patagonia (1992-2010). Con todas
sus fotografías, lo que Ingo Arndt pretende es acercar
el mundo natural a los demás, mostrar detalles
increíbles de la naturaleza para intentar concienciar a
la gente de la importancia de la naturaleza y su
cuidado. En esta foto nos muestra a un guanaco que
se apoya sobre otro con aspecto relajado, casi como si
fueran dos seres humanos.
Medusa transparente (1992-2010). La foto
de esta extraña medusa prácticamente
desconocida hasta ahora nos intenta mostrar
que lo que sabemos sobre la naturaleza es
una gota en un océano, y que aún queda
mucho por descubrir.
Camaleón (1992-2010). Al igual que la
fotografía “Guanacos en la Patagonia”, nos
acerca una divertida imagen de un camaleón
sacándole la lengua a la cámara,
proporcionándonos una perspectiva nueva del
animal.

ALEXANDER RODCHENKO
Alexander Rodchenko nació en San Petesburgo, Rusia en
1891. Se mudó con su familia a Kazán, el este de Rusia.
Estudió en la Escuela de Arte de Kazán instruido por Nikolai
Feshin y Georgii Medvedev, y en el Instituto Stroganov de
Moscú. En 1920 el Gobierno Bolshevike lo nombró director del
Departamento de Museos, cargo desde el cual realizó una
importante reorganización de escuelas de arte y museos. Fue
profesor en la Escuela de Estudios Superiores de Arte entre
1920 y 1930.Se hizo miembro del grupo Productivista en el
año 1921, este grupo abogaba por la incorporación del arte a
la vida cotidiana. Rodchenko renunció a la pintura para
concentrar sus esfuerzos en el diseño de posters, libros y
afiches para cine. Recibió una gran influencia del cineasta
Dziga Vertov, con quien trabajó intensamente en el año 1922.
Entre 1923 y 1928 Rodchenko colaboró con Mayakovski (de
quien tomó varios impactantes retratos) en el diseño de LEF y
Novy LEF, publicaciones de artistas constructivistas. Muchas de
sus fotografías aparecieron dentro de la publicación y también
fueron portada. Continuó organizando exposiciones de
fotografía para el gobierno durante esos años. Murió en Moscú
en el año 1956.

Club de dinamo (1935). Representa la masificación y
cómo la gente es capaz de organizarse hasta
convertirse en uno, aunque con un cierto toque crítico
hacia la sociedad. Rodchenko era un fotógrafo con una
fuerte carga social en todas sus obras, y trataba de
plasmar las situaciones que vivían los hombres de las
ciudades modernas.
Mujer (entre 1930 y 1935). En ella vemos a una
joven mujer obrera que se ríe y grita con energía,
como un símbolo de la nueva fuerza que iban
tomando las mujeres en esa época. Rodchenko
intentó captar cómo la mujer comenzaba a
desenvolverse en el mundo moderno.
Sin título (fecha desconocida). De esta foto se
desconoce tanto el título como la fecha, y es un
reflejo de lo que se ve también en la obra “Club
de dinamo”: la masificación y esa sensación de
ir todos hacia un mismo sitio porque así está
impuesto, mientras un guardia vigila a los
caminantes.

MICHEL MARTIN
Michael Martin nació en Munich en 1963. Estudió Geografía,
Etnología y Ciencias Políticas en Munich.
Brillante fotógrafo y cualificado geógrafo alemán. Amante de
los desiertos. Lleva veinte años explorando los más remotos
lugares del mundo. Ha publicado 15 libros de fotografía. Sus
más recientes publicaciones fueron sobre los desiertos de
África. En 1999 comenzó el último de sus proyectos:
"Desiertos de la Tierra", publicado en cinco idiomas.

Montañas (fecha desconocida). En ella se ve al
propio Michael Martin hacienda una fotografía con
unas montañas de fondo. El autor pretende
transmitir su imagen al lado de la inmensidad del
paisaje, haciendo una comparación contrastiva entre
lo grande que es la naturaleza y lo pequeño que
parece él.
Dunas y Desierto del Sahara (fecha
desconocida). Retratan dos partes del Sahara
para demostrar la belleza del desierto y la
diversidad de paisajes que pueden
encontrarse en él, para acercarle al
espectador un mundo visual desconocido.

Kike Calvo
Nacido en Zaragoza en 1972, Kike Calvo
demuestra una gran sensibilidad en sus imágenes
de la naturaleza. Autodidacta, comenzó con la
fotografía luego de un viaje a Nicaragua en que
contaba con una cámara prestada por su tío para
retratar la realidad de ese país.
Tras haber estudiado Economía en la Universidad
de Zaragoza, dedicarse a la fotografía le llevó a
formarse en escuelas como la Unidad de Fotografía
de las Naciones Unidas, y lleva ganados varios
premios en su especialidad. Ha exhibido su trabajo
innumerables veces, en la oficina central de las
Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en
Nueva York, en el Instituto Cervantes de la Nueva
York, de Chicago o de Manila (Filipinas) y en el
Museo Pablo Serrano (España).

Beduinos (1995-2010). Muestra a unos
beduinos caminando por el Sáhara, como
un símbolo de la diversidad cultural y la
gran cantidad de estilos de vida del
planeta.
El mayor de los felinos (1995-2010).
Calvo trata, como todos los fotógrafos que
retratan el mundo natural, mostrar
escenas curiosas o impactantes sobre la
belleza de la naturaleza. En este caso, con
un primer plano de un imponente jaguar.
Ojos de búho (1995-2010). Aquí nos
presenta una fotografía de unos búhos que
parecen tener expresiones casi humanas
de enfado y sorpresa. Calvo está muy
involucrado en la conservación del medio
ambiente, y de ahí ese paralelismo entre
búhos y personas.

CLINT EASTWOOD
Clinton Eastwood Jr. nació en San Francisco y se crió
en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su
padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión.
Debutó en el cine en 1955. En los comienzos de su
carrera intervino en once películas como actor
contratado para Universal Pictures. Consiguió su
primera gran oportunidad en la serie de televisión
Rawhide, en la que interpretó al cowboy Rowdy Yates
durante seis temporadas. De vuelta en el cine, Clint
trabajó durante los años 60 en westerns como Por un
puñado de dólares y, sobre todo, El bueno, el feo y el
malo, un éxito de taquilla que le convirtió en estrella
internacional. En las décadas siguientes, Eastwood
consolidó su status como uno de los actores más
respetados de Hollywood. Su debut en la dirección
tuvo lugar en 1971 con el thriller Escalofrío en la
noche, y desde entonces no ha abandonado esa
faceta. Aunque su gran momento como cineasta llegó
en 1992, cuando consiguió el Oscar al mejor director

Cartas desde Iwo Jima(2006). Narra la vida diaria de los
soldados nipones que se encontraban en la isla de Iwo
Jima durante el enfrentamiento bélico entre EE.UU y
Japón. Durante el desarrollo de la película vemos los
ideales radicales del Japón de la época y cómo los
soldados que allí se encuentran sufren a causa de esta
mentalidad, basada en el honor, el valor y la devoción
hacia la patria y su protección aunque les vaya la vida.
Million Dolar Baby(2004). En ella, una joven chica
atrapada en un empleo sin futuro, de clase baja y sin
mayores aspiraciones que llegar a fin de mes decide
comenzar a practicar boxeo llegando a ser una
profesional reconocida. Esto nos transmite la variedad
de situaciones que nos presenta la vida y como con
esfuerzo todo es posible. Por otra parte trata otros
temas trascendentales como la eutanasia ante el mal sin
retorno.
Gran Torino(2009). Se sitúa en unos Estados Unidos
contemporáneos, donde en algunos barrios donde la
inmigración es tan grande que el nativo pasa a ser el
extranjero. La película trata de transmitir las dos caras
de la inmigración. Por un lado la inmigración que viene a
degradar y a malvivir al país y por otro la familia que
intenta aportar a la comunidad a la que se ha trasladado.

RIDLEY SCOTT
Ridley Scott estudió arte y cine antes de iniciarse
como diseñador de escenarios para la BBC. Fue en
esta misma cadena de televisión donde comenzó su
carrera como director, encargándose de varios
capítulos de series y programas. Poco después
abandonó ese trabajo para montar su propia
productora, con la que realizó multitud de spots
comerciales antes de emprender su primer proyecto
en el cine, en 1977, con Los duelistas. En primer
lugar, el thriller fantástico Alien, el octavo pasajero, un
auténtico éxito de taquilla con el que el realizador
británico se metió en el bolsillo a los amantes del
terror y la ciencia ficción. Y en segundo lugar, el film
futurista Blade Runner, que no tardó en convertirse en
cinta de culto y punto de referencia para la estética
del cine fantástico posterior. Sus últimos trabajos han
tenido un éxito considerable, especialmente Gladiator,
uno de los films triunfadores en los Oscar 2000.

Alien, el octavo pasajero (1979). Scott trata
aquí una de las temáticas más vistas en ciencia
ficción y terror. Una nave llega a un planetoide
donde habitan unos seres carnívoros e
inteligentes, y los tripulantes comienzan su
lucha por la supervivencia. El mensaje que se
transmite es lo desconocido del universo, la
posibilidad científica de que haya otro tipo de
seres en el espacio, así como el fuerte instinto
de supervivencia de los humanos.
Blade Runner (1982). Ambientada en una ciudad
futurista donde los humanos han creado una
especie de seres idénticos a ellos para servirles, la
película muestra la rebelión de estos seres,
llamados replicantes. Aquí se ven reflejados
valores como las ansias de vivir, la lucha por la
libertad y la dignidad de los replicantes y es una
crítica a la esclavización.
Gladiator (2000). Trata de la venganza de un
general romano cuya familia es asesinada, quien
se convierte en gladiador para llegar hasta el
nuevo emperador, causante de su desgracia. Se
aprecia la fuerza de la corrupción política, la
continua lucha del personaje por vengar la
memoria de sus seres queridos y valores como el
honor y la justicia.

STEVEN SPIELBERG
Steven Spielberg director, productor y guionista
cinematográfico estadounidense. Tras iniciar estudios
de filología en la California State University, abandonó
la universidad al ser contratado por la división
televisiva de la productora Universal. La Universal
depositó en él la confianza suficiente como para rodar
Tiburón (1975), película de gran presupuesto y rodaje
extremadamente accidentado que se convirtió en uno
de los títulos más taquilleros de la historia. Con En
busca del arca perdida (1981) revitalizó el género
tradicional de aventuras, y E.T. el extraterrestre
(1982), se convertiría en la película más taquillera de
todos los tiempos. Tras rodar dos títulos más de la
serie iniciada con En busca del arca perdida, alternó
diversos éxitos y fracasos hasta recibir el
reconocimiento de la Academia de Hollywood con los
seis Oscar otorgados a La lista de Schindler, drama
en blanco y negro sobre el genocidio judío. En 1997
rodó Salvar al soldado Ryan, filme bélico de
extremado realismo y otro éxito de taquilla.

Tiburón (1975). En ella se cuenta la historia de un
inmenso tiburón que vive en una turística playa y que
comienza a causar estragos entre los bañistas. Es
una película en la que se muestra ante todo el terror
colectivo y cómo reaccionan las masas humanas ante
una amenaza determinada, centrándose en el aspecto
psicológico del miedo hacia lo que puede hacernos
daño.
La lista de Schindler (1993). Se nos narra la
dramática historia de Oscar Schindler, un
empresario afiliado al partido nazi que consiguió
salvar a un millar de judíos polacos durante el
holocausto nazi. Transmite la barbarie y crudeza de
los soldados de Hitler, el sufrimiento del pueblo
judío, y sobre todo, la idea de que la bondad
humana no tiene color político y está más allá de
las creencias (representada en la figura de
Schindler).
E.T. el extraterrestre (1982). Película en la que un
alien es abandonado por error en la Tierra y encuentra
refugio en la casa de un niño, que hará todo lo posible
por salvarlo de los estudios científicos a los que el
gobierno quiere someterlo. El mensaje transmitido es
que los lazos de amistad pueden ser insólitos, que
muchas veces lo raro no tiene por qué ser malo, y se
hace un gran contraste entre la deshumanización de
las fuerzas políticas y la inocencia del extraterrestre.

JAMES CAMERON
James cameron nacido en Ontario, Canada, el 16 de
agosto de 1954, Cameron y su familia se mudaron a
California en 1971, donde el futuro director decidió
estudiar física. Luego de graduarse de la Universidad
Estatal de California, James se sumergió en el mundo del
cine. Cameron aprendía rápido, y pronto comenzó a
crecer en la industria. En 1981 ya había escrito y dirigido
su primera película, “Piranha II: The Spawning”. Su
próxima película le permitió que la carrera de Cameron
diera el gran salto. Era una historia de ciencia ficción
escrita por Cameron llamada “The Terminator” (1984). En
1989 dirigió “The Abyss”, otra película de ciencia ficción,
en la cual trabajaron los talentosos Ed Harris y Mary
Elizabeth Mastrantonio. La película consiguió muchos
seguidores, y la edición especial de la película que fue
lanzada hace unos pocos años fue casi tan popular como
la original. alcanzó el pináculo de su professión con
“Titanic”, en 1997. Su relato del final del trasatlántico le
valieron 14 nominaciones a los Oscar, ganando 11 de
ellas. En 2009 estrenó “Avatar” que consiguió varias
nominaciones a los Oscar y fue la película más taquillera

Terminator II(1991) James presenta en un
mundo actual, la amenaza desconocida de un
futuro gobernado por máquinas en el que el
hombre lucha por la supervivencia contra su
propia creación. Nos expone el problema de un
desarrollo desmedido y sin control en el que
finalmente nos veamos perjudicados por
nosotros mismos.
Titanic(1997) Película basada en hechos reales en
la cual se relata una historia de amor entre un joven
de baja clase y una chica adinerada a bordo de un
lujoso trasatlántico. La película nos hace llega un
mensaje de amor sin fronteras y una enorme
tragedia donde el dinero y el estatus social puede
marcar la diferencia entre la vida y la muerte.
Avatar(2009) Nos lleva a un futuro próximo donde la
tierra carece de materias primas y la humanidad
debe colonizar otros planetas para abastecerse. El
mensaje que trae esta película por parte del pueblo
nativo del planeta es que es posible convivir con la
naturaleza sin maltratarla ni desgastarla.

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