La pintura renacentista. Resumen. Historia del Arte 2º de Bachillerato.

1. LA PINTURA RENACENTISTA EN ITALIA no encontró modelos directos en obras de la antigüedad clásica y se
inspiró, de modo indirecto en la escultura, en temas y motivos iconográficos basados en la mitología clásica,
en motivos arquitectónicos, como marco para el desarrollo de escenas pictóricas y en los tradicionales
principios considerados como clásicos: orden, armonía, equilibrio, canon…
El antecedente más directo es la obra de Giotto, que ya había recuperado el interés por la naturaleza, el
volumen, el paisaje y los fondos arquitectónicos y el sentimiento.
 Durante el Renacimiento se produce una recuperación consciente de los modelos clásicos, inspirándose
en la antigüedad, pero no de un modo directo, al no conservarse modelos, sino basándose en principios
propios del arte clásico: proporciones matemáticas, canon, armonía, equilibrio, orden, belleza ideal del
cuerpo humano…
 Antropocentrismo:
o El cuerpo humano y su belleza se convierten en uno de los temas principales. El desnudo reaparece
con fuerza, uniendo los ideales clásicos con los cristianos. Importancia del tratamiento de la
anatomía.
o Humanización de personajes religiosos.
o Desaparición de la jerarquización de personajes según su tamaño.
o Gran desarrollo del género del retrato.
 Inspiración en la naturaleza: pintura de carácter realista (aunque idealizada), inspirada en la observación
de la naturaleza.
o Los pintores realizarán un profundo estudio científico del hombre y del mundo, debiendo dominar
diferentes disciplinas.
o Recuperación del modelado y volumen de las figuras a través de la luz, los matices tonales y del
claroscuro, para sugerir el volumen.
o Desaparición de los fondos planos y dorados e incorporación del paisaje y de construcciones clásicas
como fondo a las escenas.
o Desarrollo de composiciones en diferentes planos.
o Búsqueda de la expresión del sentimiento, los estados de ánimo, el temperamento, normalmente
serenos.
o Luces naturales claras, amplias, uniformes, que acentúan la sensación de naturalismo, con
transiciones suaves entre luz y sombra.
o Colorido rico, armonioso, de carácter suave.
o Predomina la línea sobre el color
 Descubrimiento e incorporación a la pintura de la perspectiva lineal o científica:
o Al imitar a la naturaleza, se trata de buscar una representación realista del espacio, de sugerir una
tercera dimensión y de engañar a los sentidos para lograr efectos tridimensionales.
o Se intentan captar de un modo científico las leyes que regulan la naturaleza, entre ellas las de la
percepción visual y se escriben tratados teóricos: El espectador se sitúa en la base de una pirámide
visual y frente a él todas las líneas confluyen en un único vértice, el punto de fuga y todos los objetos
se sitúan y representan de acuerdo con esa pirámide visual.
o El empleo de fondos arquitectónicos clásicos ayudará a subrayar esa sensación tridimensional.
o Brunelleschi y Masaccio serán sus principales teorizadores y Piero della Francesca uno de los
mayores experimentadores.
 Con el fin de superar las limitaciones de la perspectiva geométrica y conseguir un mayor naturalismo,
Leonardo estudió de modo racional y científico la llamada perspectiva aérea¸ incorporando la incidencia
de la atmósfera a la pintura. Dado que entre el espectador y el objeto se interpone el aire, este afecta a

2. las formas y colores con que se perciben los objetos, de tal modo que los colores y las formas tienden a
diluirse hacia el fondo, hacia tonos grisáceos y azulados y formas más diluidas.
 Búsqueda de la belleza ideal: Los pintores italianos se basan en modelos de belleza clásica, idealizados,
frente al mayor naturalismo de la pintura flamenca. El pintor debe superar a la naturaleza, buscando en
ella los modelos clásicos, tenidos por ideales, la máxima belleza: proporción, armonía, contrapposto,
expresiones serenas, movimientos suaves y delicados…
 Composiciones armónicas, ordenadas y equilibradas, simétricas, basadas en el empleo de:
o Las matemáticas y la geometría, las formas puras: círculo, cuadrado, triángulo, el número áureo…
o Composiciones de carácter piramidal.
o Concepción unitaria del cuadro, primando el conjunto sobre los detalles y debiendo servir estos a la
armonía de esa totalidad.
Temática:
 Religiosa, aunque humanizada, mostrando incluso la belleza del cuerpo humano.
 Retrato, desarrollado por la importancia del individuo en el Renacimiento, así como de los valores
vinculados a él: fama, gloria, perduración… Serán más idealizados que los retratos flamencos de la época.
Habrá gran interés por captar la profundidad psicológica del retratado
 Mitológicos y alegóricos, que se recuperan de la literatura de la antigüedad clásica, a veces vinculados
con ideales de carácter neoplatónico y otras como muestra de refinamiento y conocimiento de la
antigüedad clásica.
 Pintura histórica, fuentes literarias…
Técnicas y soportes:
 Pintura mural al fresco.
 Pintura sobre tabla:
o Inicialmente al temple.
o Avanzado el Quattrocento, por influencia de la pintura flamenca, al óleo sobre tabla.
 Los pintores venecianos emplearán el óleo sobre lienzo, lo que se generalizará desde entonces:
o Permite formatos mayores que la tabla.
o Permite el transporte de los lienzos al poderse enrollar.
EVOLUCIÓN
Quattrocento:
 Durante el siglo XV, en Florencia y cortes del norte de Italia, se procede a la experimentación y búsqueda
de un nuevo lenguaje, que rompiese con el pasado medieval.
 Se redescubren: la naturaleza, los ideales clásicos, la perspectiva, el volumen y el claroscuro.
 Masaccio:
o Iniciador de la pintura renacentista y gran innovador de la pintura.
o Retoma los hallazgos de Giotto de inspiración en la naturaleza y su interés por los valores plásticos
(volumen, modelado, claroscuro) y los une con la investigación y las teorías científicas sobre la
perspectiva, que investiga con Brunelleschi.
o Incorpora de modo científico la perspectiva científica lineal a la pintura, como en la Trinidad de Stª
Mª Novella, de Florencia.
o Analiza la incidencia de la luz en los cuerpos para darles volumen y modelado, a través del
claroscuro, siguiendo la línea de Giotto, inspirándose en la naturaleza e investigándola de modo

3. científico, logrando efectos de modelado y volumen mediante la graduación tonal, de acuerdo con la
incidencia de la luz.
o Estudia de forma natural las sombras de los objetos, consiguiendo un mayor naturalismo e incorpora
paisajes y arquitecturas clásicas en las escenas para dotarlas de mayor naturalismo,
o Personajes monumentales, macizos y poderosos, con gran volumetría, siguiendo la herencia de
Giotto, e influyendo en Miguel Ángel.
o Gran dominio del espacio, de la perspectiva, de la proporción y del volumen, con composiciones
cuidadosas, disponiendo las figuras en varios planos, para sugerir perspectiva, como en El Tributo de
la Moneda (Capilla Brancacci, Florencia).
o Intenta expresar los estados de ánimo a través de rostros y expresiones de los brazos.
• Fray Angélico:
o Pintor de temas religiosos que mantiene rasgos goticistas, como la elegancia y sinuosidad de sus
figuras, heredada de la delicadeza de la escuela sienesa, con líneas suaves, figuras alargadas, en
actitudes gráciles, posturas delicadas, colorido suave, de aspecto ornamental, rostros idealizados con
expresiones dulces…
o También introduce algunos rasgos renacentistas, como la incorporación arquitecturas clásicas y
elementos de la naturaleza y el intento de recrear la sensación espacial mediante una perspectiva a
veces torpe, no científica, pero tratando de seguir lo que aprende de la obra de Masaccio. Las luces
uniformes subrayan el modelado a través del claroscuro, especialmente en las ropas.
o Anunciación del Convento de San Marcos, Anunciación del Prado.
• Piero della Francesca:
o Pintor muy innovador, interesado por experimentar y profundizar en los nuevos hallazgos iniciados
por Masaccio. Llegará a escribir tratados, estando especialmente interesado en la perspectiva, en el
empleo de las matemáticas, en la geometría y en el estudio de la luz (esto, probablemente, por el
contacto con los pintores venecianos).

4. o Se caracteriza por el orden, la proporción, la simetría y el empleo de la geometría y las matemáticas
en la pintura, realizando composiciones muy cuidadosas basadas en la aplicación rígida de estos
principios. Composiciones organizadas de acuerdo con esquemas geométricos muy rigurosos
o También realiza estudios científicos sobre la aplicación de la perspectiva en la pintura, que traslada a
sus cuadros.
o Pintura muy equilibrada, de aspecto geométrico, en ocasiones estática, con figuras, de aspecto
estático y monumental, que resultan en ocasiones frías, inexpresivas, casi hieráticas, pues está más
interesado en representar el espacio, el orden y la geometría que por la expresión del sentimiento y
del dinamismo.
o Se interesa por los efectos lumínicos, llegando a pintar a la primera escena nocturna con luz artificial
de la historia de la pintura.
o Madonna del Duque de Urbino, Frescos de la de la Leyenda de la Vera Cruz, en Arezzo.
• Paolo Uccello:
o Interesado en experimentar la perspectiva natural (basada en la ubicación de los objetos en el
cuadro), frente a la pirámide visual matemática de Brunelleschi y Masaccio.
o Realiza grandes composiciones con numerosas figuras, en ocasiones contempladas desde diferentes
puntos de vista, experimentando con poderosos escorzos.
o Más interesado en el empleo de formas y volúmenes geométricas puras, que en los efectos de la luz
en el modelado de los objetos (figuras a veces parecen planas).
o La batalla de San Romano.
• Andrea Mantegna:
o Especialmente interesado en conseguir la representación del volumen y la perspectiva mediante el
empleo de impresionantes escorzos, como su famoso Cristo muerto o en La Cámara de los Esposos.
o Gran dramatismo de carácter teatral, con figuras con volumen de aspecto escultórico.

5. • Sandro Botticelli:
o Pintor de final del Quattrocento, pero muy tradicional en sus formas, que mantiene rasgos de
delicadeza sienesa de carácter gótico, con figuras muy elegantes y delicadas, perfiladas por finas
líneas de dibujo muy preciso de aspecto sinuoso, de carácter etéreo, que parecen flotar.
o Magnífico dibujante, de línea fina, nerviosa y precisa, trata de buscar la belleza ideal, anticipándose
de este modo al clasicismo del Cinquecento.
o Realiza pintura al temple sobre tabla.
o Figuras de canon muy estilizado, gráciles e idealizadas, especialmente femeninas, de rostros
ovalados, bellos y delicados, con expresión serena, lejana, melancólica…
o Recupera por primera vez de modo alegórico la temática mitológica, inspirándose en la literatura
clásica, como en La Primavera, El Nacimiento de Venus o La calumnia.
o Recupera el desnudo femenino de carácter idealizado, exaltando la belleza ideal del cuerpo
femenino en una concepción neoplatónica que identifica belleza con amor y perfección, con la
necesidad de superación del amor carnal y el mundo terrenal para llegar a la perfección ideal
contemplativa y espiritual.
• Ghirlandaio:
o Relacionado con los pintores flamencos, adopta de ellos la técnica del óleo.
• Perugino:
o Pintor de tránsito hacia el Cinquecento, lleno de equilibrio y serenidad clásica y que combina la
perspectiva geométrica con la aérea en composiciones muy serenas, simétricas y equilibradas, con
arquitecturas clásicas y personajes de aspecto suave y delicado.
o Fue uno de los primeros pintores italianos en emplear la pintura al óleo. Fue maestro de Rafael.

6. Cinquecento:
• Los pintores llevan al culmen los hallazgos del siglo anterior, alcanzándose los ideales de perfección,
equilibrio y máximo clasicismo.
• Se desarrollará en dos grandes focos:
o La Roma papal, que contará con la presencia de las figuras consideradas en su época como genios y
símbolos de perfección: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.
o Venecia, donde los pintores se interesarán de modo especial en los efectos de la luz y en el uso de un
colorido rico y brillante, con una pincelada más suelta y que define las formas sin depender de la
línea, así como en el paisaje, abriendo nuevas vías a la pintura. Serán los primeros en emplear como
soporte el lienzo. Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés evolucionarán desde el clasicismo hacia el
manierismo e influirán poderosamente en la pintura europea.
• Leonardo da Vinci: Ejemplo de artista polifacético y de hombre renacentista, interesado en todos los
campos del saber.
o Estudió profundamente la naturaleza y el cuerpo humano, tomando numerosos apuntes con un
dibujo magistral.
o Su pintura se desarrolla con un afán científico y experimental de carácter intelectual, tratando de
reproducir fielmente el estudio del ser humano, de la luz y de la naturaleza.
o Estuvo especialmente interesado en el estudio de la luz y las sombras, tratando de buscar modos de
representación de la realidad pictórica más realistas, lo que conseguirá a través de su conocida
técnica del sfumatto: desarrollando suaves gradaciones entre las zonas de luz y sombra, y
difuminando las líneas y los colores, acabando con el predominio de la línea en la definición de las
formas y haciendo surgir las figuras a través de la luz desde fondos oscuros de un modo natural,
fundiendo de un modo suave ambiente y figuras, como en una neblina, y haciendo aparecer las
formas desde las sombras a través de los efectos suaves de la luz. La Virgen de las Rocas.
o Combinará la perspectiva lineal con sus estudios sobre el aire y la atmósfera como materia que se
interpone entre el objeto y los ojos del espectador, desarrollando una perspectiva aérea más natural,
haciendo que los fondos tiendan hacia colores neutros y con formas poco definidas, que se
desdibujan con la distancia. La Virgen de las Rocas, la Gioconda…
o También se interesó por el tratamiento de la anatomía humana y por el movimiento del cuerpo
humano en cualquier posición, analizándolo en numerosos dibujos.
o Otro de sus centros de interés fue tratar de mostrar los affetti, los sentimientos en sus personajes,
como muestra en su famosa Última Cena.
o Tiende a realizar composiciones serenas, equilibradas, normalmente basadas en esquemas
geométrico de carácter piramidal, como en La Virgen de las Rocas, o en perfectos y equilibrados
esquemas matemáticos en los que emplea las diferentes formas geométricas (cuadrado, círculo,
triángulo), como es el caso de La Última Cena.

7. • Rafael Sanzio fue considerado ya en vida como ejemplo de belleza ideal, clasicismo, serenidad, equilibrio
y armonía, siendo capaz de asumir todos los valores de la pintura renacentista y de llevarlos a la
perfección.
o Asumirá la herencia del Quattrocento, así como las aportaciones de los grandes maestros de su
tiempo como Leonardo y Miguel Ángel.
o Se caracteriza por la claridad y equilibrio compositivo, fundamentalmente en composiciones de
carácter piramidal, como se aprecia en sus famosas Madonnas.
o Sus personajes se caracterizan por su serenidad, por su belleza ideal, de carácter delicado, de
maneras suaves y armoniosas
o Emplea luces claras, uniformes, que subrayan las formas y el volumen, y utiliza una amplia y rica
gama cromática, aunque, sus formas se irán suavizando, adoptando la técnica del sfumatto
leonardesco y empleará un colorido más suave y transparente
o Con el tiempo, por influencia de Miguel Ángel, sus figuras irán adquiriendo gran monumentalidad y
un tratamiento anatómico más poderoso, con un cuidadoso tratamiento de la anatomía y estudiando
las diversas posiciones del cuerpo humano, a la vez que irán mostrando un mayor movimiento.
o Decoró al fresco las estancias papales, como la Sala de la Sinatura, donde aparece su famosa Escuela
de Atenas, con la intención de glorificar la figura del papado, asumiendo lo mejor de la antigüedad
clásica y del cristianismo y la cultura y saber de su época.
o En La Escuela de Atenas, bajo una monumental arquitectura clásica de aspecto romano, aparecen
reunidos los principales representantes del saber desde la antigüedad en una especie de templo de
la sabiduría. Platón (con el rostro de Leonardo) y Aristóteles presiden una equilibrada reunión de
representantes del saber de la antigüedad, algunos de ellos con rostros de personajes de su época
(Miguel Ángel, Rafael, Bramante…).
 De este modo, subraya la continuidad del presente con el mundo antiguo y el protagonismo
del ser humano.
 Es un ejemplo perfecto de equilibrio, claridad y perfección compositiva, dominio de la
perspectiva y de las masas, de la luz homogénea, del color armonioso y variado y del
tratamiento del cuerpo humano, en personajes de aspecto monumental.
 Es un ejemplo paradigmático de la culminación de todos los valores del Renacimiento en el
Cinquecento: Equilibrio, armonía, antropocentrismo, recuperación de los modelos y valores
clásicos, perfección, idealismo…

8. • Miguel Ángel Buonarroti se formó con el pintor Ghirlandaio y conoció bien la obra de Giotto y Masaccio.
o Se consideró básicamente escultor y traslada esa concepción escultórica a la pintura, dotando a sus
figuras de gran plasticidad.
o Se caracteriza por la precisión y perfección en el dibujo, que rodea sus formas, y por sus figuras de
aspecto escultórico, de anatomías poderosas, voluminosas y de aspecto monumental.
o Exalta la figura y la anatomía humana desnuda como ningún otro pintor, interesándose de modo
especial por el movimiento del cuerpo humano, representándolo en infinidad de posturas, cada vez
más complejas con el tiempo.
o La fuerza de sus figuras, sus posiciones complejas, inestables e incluso retorcidas y la potencia de sus
expresiones corporales son un ejemplo de esa fuerza interna, tan característica de Miguel Ángel,
conocida como terribilitá.
o Su obra abrirá las puertas al manierismo.
o Sus principales obras pictóricas las realiza para el papado en Roma y las realiza al fresco:
Techo de la capilla Sixtina:
 Fresco de enormes dimensiones, con más de 350 figuras
de tamaño superior al natural que representan escenas del
Génesis, enmarcadas por impotentes ficciones
arquitectónicas (quadratura) y por profetas, sibilas y
numerosos personajes desnudos (ignudi) en las más
variadas posiciones.
 Finge una arquitectura clásica con arcos, pilastras,
entablamentos, medallones y esculturas en las que se
enmarcan las diferentes escenas y que le permite
separarlas a la vez que crear una impresionante sensación
de fusión de arquitectura, escultura y pintura que agranda
el espacio. Representa efectos ilusorios de relieve.
 Es una exaltación de la figura humana a través del cuerpo
desnudo, en un tema religioso, un intento de unificar los
valores de la religión, el antropocentrismo y el clasicismo,
muy propio del Renacimiento.
 Esta obra ya supone una importante ruptura con los
ideales clásicos: Las figuras están remarcadas por un dibujo
poderoso y plenas de volumen, fuerza, potencia, con
anatomías muy poderosas y perfectamente despiezadas,
de aspecto escultórico, representándolas en las más
variadas e inverosímiles posiciones y en complicados
escorzos.

9. Fresco del Juicio Final en el testero de la capilla Sixtina:
 Es una visión apocalíptica sobre el destino de la humanidad,
presidida por Cristo juez, plena de tensión, dramatismo,
complejidad, llena de figuras de anatomías exageradas, en
posiciones retorcidas, con poderosísimos escorzos, llena de
potencia y movimiento, plenamente imbuida del espíritu
manierista.
 Prescinde de la separación de las escenas mediante
arquitecturas y prácticamente de fondos y de perspectiva
matemática.
 Muestra el gusto de Miguel Ángel por la exaltación del cuerpo
humano desnudo, representando a prácticamente todos sus
personajes desnudos, lo que no será del agrado del Concilio de
Trento.
 La famosa terribilitá de Miguel Ángel se hace visible en todo el
conjunto, que desprende una enorme fuerza, movimiento y
sensación angustiosa.
El manierismo:
 A partir del 2º tercio del siglo XVI, el clasicismo convive con el Manierismo. Los ideales de serenidad,
equilibrio, orden y armonía habían sido llevados a su máxima cima artística por personajes como Rafael,
Leonardo y Miguel Ángel y, tras ellos, a los artistas solo les quedan dos opciones: la aburrida repetición
de los hallazgos de las grandes figuras anteriores o la búsqueda de nuevos caminos expresivos acordes
con la nueva sensibilidad de la época.
 Ya el último Rafael y Miguel Ángel comienzan a romper con ideales y las normas tenidas como clásicas y
abren y abren nuevas posibilidades expresivas.
 Los artistas manieristas, buenos conocedores del lenguaje clásico, desean explorar nuevas formas
expresivas, empleándolo de un modo diferente y rompiendo consciente y racionalmente con los ideales
clásicos, buscando una expresión artística novedosa, refinada, que fuerce al máximo el lenguaje clásico y
conduzca a propuestas novedosas y experimentales e, incluso, extravagantes.
 Es una pintura muy intelectualizada, que conscientemente busca apartarse de los valores tenidos hasta
el momento como perfectos, creando un estilo innovador, una maniera, que sea reconocible y que
muestre la capacidad de estos artistas intelectuales de superar con su arte a la naturaleza.
 El arte deja de inspirarse directamente en la naturaleza y buscan un arte más intelectual, inspirándose en
artistas anteriores, como Miguel Ángel o Rafael, o nuevas visiones subjetivas, personales, virtuosistas,
intelectuales…
 De ahí que el manierismo no sea un estilo único, sino diferentes artistas individuales, cada uno con su
estilo, muchas veces de carácter contradictorio y paradójico.
 En general, el manierismo supone una ruptura con los valores de equilibrio, perfección, armonía, unidad
y serenidad propios del clasicismo.
 Se busca más la originalidad, la sorpresa, la tensión, el desequilibrio, la ruptura y la individualidad, que la
perfección clásica basada en la armonía, la claridad, la proporción y el equilibrio.
 Es un arte refinado, intelectual, en ocasiones rebuscado, artificioso y de carácter elitista, que trata de
sorprender.
 El cuerpo humano se aborda desde una perspectiva intelectual y no naturalista, a veces con distorsiones
conscientes, alejándose de los cánones de belleza tradicionales, alargando figuras, exagerando
musculaturas…

10.  La figura humana se aleja de la serenidad y equilibrio clásicos y adopta posiciones extrañas,
antinaturales, incluso retorcidas, abundando los escorzos, las posiciones inestables y contorsionadas.
 Se acentuará la sensación de movimiento, de dinamismo…
 La composición también abandona la serenidad y equilibrio geométrico clasicistas y se busca la tensión,
el desequilibrio, abundando las composiciones complejas, abigarradas o desequilibradas, de carácter
diagonal o helicoidal, llegando incluso a la angustia espacial.
 Llega a renunciarse a la tradicional perspectiva matemática, sustituyéndose por otras soluciones o por
combinaciones de diferentes puntos de vista en un mismo cuadro.
 La iluminación clara clasicista es sustituida por iluminaciones efectistas, muchas veces artificiosas, de
aspecto irreal, que generan tanto expresivos efectos de luz y sombra, de carácter teatral.
 Hasta el color se hace decorativo, en ocasiones artificial, apareciendo nuevas tonalidades sorprendentes,
combinaciones deliberadamente frías o cálidas, contrastes de color sorprendentes…
 La búsqueda de la originalidad y del artificio llegará a efectos sorprendentes, de gran efectismo,
extravagantes y virtuosistas, renunciando a cualquier clasicismo, como los retratos de Arcimboldo,
realizados mediante artificiosas y abigarradas combinaciones de elementos vegetales o animales.
 Algunos de los principales pintores manieristas son Correggio, Parmigianino, Bronzino, Pontormo, Rosso
Fiorentino, Tintoretto o Arcimboldo.
La pintura veneciana:
• Un segundo foco artístico y contemporáneo con los de Florencia y Roma será la fastuosa, cosmopolita,
comercial y más laica república de Venecia, enormemente rica y prácticamente dueña del comercio con
el este del Mediterráneo.
• La escuela veneciana se irá iniciando a finales de Quattrocento, con personajes como los Bellini, y
adquirirá especial importancia en el siglo siguiente, participando de los ideales clásicos de su primera
época y desembocando en el manierismo.
• Sus aportaciones principales y de enorme trascendencia para la pintura posterior serán:

11. o El uso del óleo sobre lienzo, más resistente, fácilmente transportable y que permitía grandes
tamaños.
o El interés por el color en la definición de las formas de objetos y figuras, frente al tradicional empleo
de la línea de tradición quattrocentista florentina. Serán las pinceladas de color las que definan las
formas y no solo las líneas. El dibujo, la línea, va cediendo protagonismo ante el color hasta llegar
prácticamente a desaparecer.
o Especial interés en la captación de la luz y de sus efectos y en la representación del paisaje, en
atmósferas con cielos tormentosos o con luces doradas, tamizadas, que dan una calidez especial a su
pintura y que permiten fundir personajes y ambiente de un modo natural y a veces de carácter
misterioso: el paisaje se irá incorporando al cuadro casi con el mismo protagonismo que las figuras.
o Uso de colores ricos y muy variados, que expresan la pujanza y la alegría de vivir de la República y
elaborados con caros pigmentos.
o Interés por resaltar las cualidades táctiles de los objetos, de la suntuosidad mediante este rico
colorido.
o Gusto por lo sensual, por la expresión del lujo y la alegría de vivir, mostrando un orgullo peculiar de
su alto nivel de y forma de vida, llegando a representar escenas religiosas como si fueran fiestas
venecianas, haciendo difícil diferenciar lo sagrado de lo profano.
o Interés por el tratamiento del desnudo femenino, resaltando su erotismo y prácticamente
reduciendo el soporte mitológico a una mera excusa temática.
Principales representantes:
• La familia Bellini será la iniciadora de esta pintura, con representaciones festivas enmarcadas en
arquitecturas venecianas, plenas de ricos colores, lujo y suaves luces venecianas.
• Giorgione será el auténtico creador de la escuela.
o Crea composiciones envueltas en una luz dorada, con atmósferas en ocasiones nebulosas, de
carácter misterioso, poético, en las que personajes, paisaje y ambiente se funden suavemente.
o Se interesa por incorporar el paisaje y estudiar los efectos de la luz en el mismo, llegando a
convertirse en el tema principal, como en La Tempestad.
o Las formas tienden a difuminarse, suavizando sus contornos y diluyéndose en la atmósfera en luces
doradas o neblinosas en suaves transiciones
• Tiziano será el pintor más destacado de esta escuela.
o De vida muy larga, adquirirá gran prestigio y pintará a los personajes más importantes de su época.
o Trató todos los temas: Pintura religiosa, Retratos, Pintura mitológica, alegórica, Pintura histórica.
o Emplea un colorido muy rico y brillante y una pincelada que cada vez se hace más suelta con los
años, resultando en un claro predominio del color sobre el dibujo.

12. o Sus cuadros muestran la suntuosidad de la pintura veneciana, con un gran tratamiento de los
detalles, de los vestidos y de sus brillos y texturas, así como de su suntuosidad.
o La luz cálida y dorada y los efectos lumínicos adquieren especial protagonismo, así como la
integración del paisaje y las figuras.
o En obras como la Venus de Urbino incorpora el desnudo femenino con carácter sensual.
o En el retrato ecuestre de Carlos V en Mühlberg, representa al emperador a caballo como un antiguo
emperador clásico, con su armadura, pero cristiano, que encarna todas las virtudes del caballero
cristiano frente a los enemigos de la verdadera fe.
• Los últimos representantes de esta escuela pueden considerarse claramente manieristas:
o Paolo Caliari, Veronés, es el pintor que más claramente refleja la opulencia, alegría y sensualidad de
la sociedad veneciana
 Pinta lienzos de enormes dimensiones, a los que traslada la monumentalidad de la pintura mural,
con un gran aspecto teatral.
 Pinta grandes escenas de contenido habitualmente religioso, enmarcadas en grandilocuentes
escenarios de carácter monumental y de aspecto clásico y lujoso, en las que personajes religiosos
interactúan con múltiples personajes de aspecto veneciano, vestidos lujosamente y rodeados de
elementos que muestran la riqueza y alegría de vivir de la República de Venecia.
 Las Bodas de Caná o Jesús comiendo en casa de Leví son ejemplos prototípicos de su pintura.
o Tintoretto es considerado como el introductor del manierismo en la pintura veneciana por el
empleo de numerosos recursos que rompen con el clasicismo anterior y que le aproximan al barroco.
 Introduce fuertes contrastes de luz en las escenas, de carácter teatral, con luces potentes que
acentúan los contrastes entre zonas iluminadas y de sombra, de un modo expresivo y
anticipando el tenebrismo de Caravaggio.
 En ocasiones, desplaza el tema principal a zonas secundarias del cuadro, llegando a alternar
zonas vacías de personajes con otras muy abigarradas.
 Enmarca sus escenas en arquitecturas fingidas con profundas perspectivas de carácter diagonal,
con puntos de fuga también descentrados respecto del eje del cuadro, en las que dispone a los
personajes en potentes escorzos.

13.  Sus personajes suelen tener anatomías poderosas, alargadas, de aspecto escultórico,
habitualmente en posiciones complejas y en violentos escorzos.