Pintura Gótica

PINTURA GÓTICA

Anna Blasco Rovira. Dpto. de Geografía e Historia

Características generales
• El arte gótico, en general, se corresponde con las nuevas tendencias
filosóficas y religiosas:
– recuperación de la filosofía de Aristóteles
– humanismo de San Francisco de Asís
• En las artes figurativas, escultura y pintura, se tendió a la
representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles,
la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino,
dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor,
ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.
• El artista gótico busca su inspiración en la vida.
• Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia
dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color,
luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas.

Características generales. Naturalismo
• La característica más evidente de la pintura gótica es su naturalismo, cada vez
mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico.
• Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas
italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura
europea hasta el final del siglo XV.
• La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza, incluyendo la
representación de paisajes, lo que, no obstante, sigue siendo poco usual.
• Se desprende de los convencionalismos bizantinos y románicos, pero no toma
como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo.
• Dicha pintura constituye un verdadero renacimiento, aunque se distingue de la
propiamente llamada del Renacimiento clásico en que no cifra, como ésta, su
perfección en la belleza de las formas exteriores, sino, sobre todo, en la expresión
de la idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente
cristiano.
• A pesar de ello, es en este momento en el que comienza la pintura profana. Esto
es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.

Características generales.
• En el principio del periodo gótico, el arte se producía
principalmente con fines religiosos. Las pinturas eran:
– recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una
población analfabeta
– iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones.
• Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la
tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con
perspectiva. Se produjeron lentos avances:
– en el uso de la perspectiva
– en el tratamiento de los soportes, que permitieron una mayor difusión
del arte mobiliar, de los pigmentos y de los aglutinantes.
• La representación de imágenes sobre una superficie, durante el
periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura
mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas

JAN VAN EYCK. Virgen del Canciller Rolin. Detalle

Técnicas. Pintura mural
• La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal
medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el
Sur de Europa, especialmente en Italia, como una continuación de
las tradiciones cristiana y románica anteriores. Fuera de Italia no se
cultivaron mucho.
• Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó mayor
extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narrasen
historias religiosas.
• En la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el
más grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de
la gran pintura mural.
• Esta pintura toscana del Trecento, siendo plenamente gótica,
anticipa ya el Renacimiento.
• Los nombres más destacados fueron Cimabue , Giotto, Duccio di
Buoninesgna y Simone Martini

Pintura mural. Basílica de Asís

Técnicas. Vidriera
• Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.
• El desarrollo de la Arquitectura gótica con la progresiva sustitución del muro por grandes ventanales con vitrales de colores
que permiten el paso hacia el espacio interior de una luz polícroma y matizada, significó, en las grandes catedrales góticas
de Francia, la práctica desaparición de la pintura mural que se había desarrollado ampliamente en los muros de las iglesias
románicas.
• El muro translúcido fue el primer espacio propio o ámbito donde se desarrollaron las artes del dibujo y del color en el
Gótico.
• En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita las formas, las cuales son delineadas con
precisión, ello conduce a la tendencia de descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos. Las
vidrieras revelan, más que ningún otro arte, el componente irrealista y artificial del arte gótico.
• A mediados del siglo XIII se produce una modificación profunda de la gama de colores ya que los fondos incoloros se asocian
a los tonos quebrados de las escenas y figuras. Con una gama potente pero restringida, las menudas figuras humanas se
hacen más agitadas y libres. En la Iglesia de San Urbano de Troyes (hacia 1270) o en las vidrieras de medio punto de la
catedral de Beauvais, es donde se dan los mejores ejemplos de estas innovaciones.
• En el siglo XIV, tras el descubrimiento del amarillo de plata los vitrales ganan en ligereza, llenándose de un preciosismo
dorado que antes nunca tuvieron. En Normandía, en el coro de Saint-Ouen de Ruán y en la Catedral de Evreux se hallan las
vidrieras más bellas.
• El arte de las vidrieras culmina en un estilo exquisito de una calidad igual o superior a las obras maestras de la miniatura. En
la cuenca del Loira, en Champaña o en Alsacia se completa el panorama de las vidrieras en Francia, culminando en las naves
laterales de la Catedral de Estrasburgo.
• En Inglaterra destaca la gran ventana occidental de la catedral de York
• En España, las vidrieras más destacadas son las de la catedral de León.

Vidriera de la Catedral de Chartres.
Maestro trazando los planos de un edificio

Vidriera de la catedral de Beauvais

Vidriera de la Catedral de Beauvais. detalle

Vidrieras coro Saint Ouen. Rouen

Vidrieras coro de Saint Ouen. Rouen. Anunciación

Técnicas. Miniatura
• Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la
pintura gótica, registrando en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos
en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales.
• Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones : pinturas o dibujos de
figuras enmarcadas en las letras iniciales o en diversos compartimentos como
medallones, arabescos etc.
• Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro,
mezclado con colorantes naturales.
• En el periodo románico y en el primer gótico los temas tenían carácter sacro, su
composición estaba influida por criterios similares a los que regían para los vitrales
de las catedrales e iglesias del propio periodo.
• En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se
trasladó a los talleres artesanos de París, Borgoña y Flandes.
• Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los
hermanos Limbourg.
• El más famoso manuscrito gótico es Las muy Ricas Horas del Duque de Berry.

Godofredo De Bouillon luchando contra los sarracenos. Manuscrito de 1337

Combate de Luis VII de Francia y Conrado III de Alemania durante la IIª Cruzada

Técnicas. Pintura sobre tabla
• Tras la desaparición de los muros en las grandes catedrales europeas, la pintura
propiamente dicha subsistió en los retablos: las tablas pintadas que forman los
frontales o los laterales de los altares y que se colgaban en los muros de las capillas
laterales.
• En el siglo XV era ya la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las
vidrieras.
• De tablas o frontales únicos se pasó a dípticos, trípticos, y luego complicados
polípticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los grandes retablos
del siglo XIV
• Los retablos, con muchas tablas, se organizan a partir del banco o predela (cuerpo
inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central
se representaba el tema principal del retablo.
• Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de
los huesos de animales.
• Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite,
dando así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta
los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista

Partes del retablo

G. FATÁS y G. M. BORRÁS
Retablo gótico de San Lorenzo (s-XVI).
Diccionario de términos de arte y arqueología
Basílica de N. S. de los Milagros, Ágreda, Soria

Fases. Estilo gótico lineal

• El estilo gótico lineal se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV.
• Destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo. Predomina
un cromatismo vivo frente a los matices de color.
• Los temas, naturalistas, se tratan con sencillez.
• Ejemplifica esta época las vidrieras de las catedrales y las
miniaturas.
• Comienza a verse en esta época pintura sobre tabla, pudiéndose
mencionar:
– el Díptico de la Virgen (Museo de Berlín)
– numerosos frontales catalanes y aragoneses, como el de Avià.
– pintura mural como la de la capilla de San Martín, en la catedral vieja
de Salamanca, obra de Antón Sánchez de Segovia. En el techo de la
catedral de Teruel pueden verse las pinturas atribuidas a Domingo
Peñaflor.

Catedral
De
Poitiers

Huida a Egipto
Crucifixión

San Miguel. York

Santa Catalina. Rouen

Matusalén. Canterbury

Nicolas Blackburn y su esposa. York

Miniatura de Las Cantigas de Alfonso X

Frontal de Santa Maria de Aviá

Capilla de San Martín.
Catedral vieja de Salamanca

Techumbre catedral de Teruel.
Atr. a Domingo Peñaflor

Estilo italo-gótico
• Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia.
• Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o
paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena.
• Pretendían una huida de la llamada maniera greca (bizantina) que dominaba Italia,
y fue sustituida por un estilo más realista.
• Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que
parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente
correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes
• Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad
intensificada por influencia franciscana
• En Florencia destacan:
– Cimabue
– Giotto
• En Siena
– Ducio di Buoninsegna
– Simone Martino
– Pietro y Ambrogio Lorenzetti

Escuela florentina. Cimabue
• Se le considera el iniciador de la escuela florentina
del Trecento.
• Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo
clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que
le influyó para abandonar la bidimensionalidad del
estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo.
• Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el
altar de la iglesia de Santa Trinità de Florencia.
• A finales de siglo estuvo trabajando en la basílica
(inferior) de Asís.

Cimabue

Crucifixión de Arezzo

Cimabue

Maestá Santa Trinitá . Florencia

Cimabue

Madonna Santa Maria dei Servi. Bolonia

Escuela florentina. Giotto
• Es el gran maestro de esta escuela, y se le considera como auténtico
iniciador de la pintura moderna.
• Giotto busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las
expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje.
• Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista
del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran
paso en la historia de la pintura.
• Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana.
• Sus obras maestras son:
– La Capilla de los Scrovegni (1305-1306) , en Padua, donde representa en un ciclo de
frescos la vida de la Virgen y Cristo.
– El ciclo de frescos sobre la vida de San Francisco en Asís.

Enrico Scrovegni
donando
a los ángeles
una reproducción
de la capilla

La matanza de los Inocentes. Detalles

Asís.
Basílica
superior.
Vida
de
San
Francisco

Renuncia a los bienes terrenales

Expulsión de los demonios de Arezzo

Francisco ante el papa, Honorio III

Francesco Traini

El Triunfo de la muerte. Cementerio de Pisa

Escuela de
Siena.
Duccio di
Buoninsegna.
Madonna
Rucellai

Escuela de Siena. Duccio di Buoninsegna

Maestá del Duomo de Siena

Escuela de Siena. Simone Martini

Anunciación


Maestá del Palacio Público de Siena

Simone
Martini.
Guidoriccio
da
Fogliano.
Palacio
Público
de
Siena

Simone Martini.
Capilla de San Martín. Asis

San Martín abandona el ejército Sueño de San Martín

Escuela de Siena. Ambrogio Lorenzetti

Alegoría del Buen Gobierno. Palacio Público de Siena

Alegoría
del Buen
Gobierno.
Detalle

Alegoría del Buen Gobierno. Detalle

Escuela de Siena. Ambrogio Lorenzetti

Alegoría del Buen Gobierno

Alegoría del Mal Gobierno. Detalles

Estilo italo-gótico. Influencias
• En la Corona de Aragón, la pintura italiana influirá en la obra
de Ferrer Bassa, los Hermanos Serra y Ramon Destorrents

FERRER BASSA. Capilla de San Miguel. Monº de Pedralbes

Ferrer Bassa

Capilla de San Miguel. Monasterio de Pedralbes

Jaume
Serra.
Retablo de
Sigena

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