Presentación sobre la proporción, la belleza y los cánones en la historia del arte, así como del uso de la desprorción como recurso expresivo.

2. LA PROPORCIÓN
La proporción es la relación armónica que existe entre las distintas partes de un
elemento o entre éstas y el todo y que permite desarrollar un equilibrio más allá de lo visual
entre las partes que componen una imagen.
 Para establecer las relaciones proporcionales, cuando vayas a representar una figura o a
componer una imagen, deberás tomar como medida de referencia un módulo.
 El propósito de todas las teorías de la proporción es la búsqueda de la armonía, dotando
de un orden a las relaciones entre todos los elementos de una construcción visual.
 En la correcta percepción, comparación y análisis de estas proporciones relativas radica la
verdadera armonía de un dibujo, bien sea para reproducir fielmente el modelo o bien
para modificar intencionadamente dichas proporciones, como veremos en el tema
siguiente.

3. * EL CUERPO PROPORCIONADO. EL CANON DE BELLEZA
*El canon constituye una serie de normas fijadas por uno o varios
artistas para hacer que su modelo sea bello de acuerdo a los preceptos
de su época. Normalmente, estos cánones se mantienen de tal manera
que llegan a formar parte de la identidad de una escuela o incluso
periodo artístico…

4. *El canon de belleza idealizada fue
creado por los escultores griegos,
que buscaban una mayor perfección
en sus obras mediante la armonía
de las matemáticas.
*Los cánones griegos marcaron tanto
la escultura y la pintura de su época,
como las de casi todo el arte en
Europa hasta casi la actualidad, con
excepciones como el arte románico
y gótico.
La “Venus de Milo”

5. *
Fidias es el primer gran escultor
griego, y aquel que empieza a
marcar cánones. Sus figuras poseen
siete cabezas de alto.
Empieza a mostrar una
preocupación por crear una
musculatura real, a pesar de que
resultan un poco artificiales aún.
Los rostros son estáticos y todos
muy similares, aunque la mayoría ya
poseen sonrisa.

6. *

7. Doríforo, de Policleto
Policleto empieza a utilizar
muchas más proporciones
matemáticas, al tiempo que
se afana en mostrar una
musculatura fuerte y rotunda
que se asemeje más a la de
los atletas. Su canon,
reflejado en el Doríforo, ha
sido uno de los más
trascendentes para la
escultura posterior.

8. Apoxiomeno, de Lisipo
Otros escultores como
Lisipo prefieren un
canon más esbelto y
delicado, y utiliza ocho
cabezas de altura.
Intentan que el cuerpo no
tenga una musculatura
excesiva, sino que sea
real

9. *

10. Hermes con Dioniso niño, de
Praxíteles
Praxíteles también
usa ocho cabezas,
pero añade la
curvatura del
cuerpo como un
valor para la
belleza.

11. El ideal de belleza en la historia
El concepto de lo que es en sí el ideal de belleza se remonta a los tiempos de
los antiguos egipcios, griegos y a teorías renacentistas relacionadas con la
simetría y la proporción. De hecho, algunos artistas como Leonardo da Vinci
o Miguel Ángel derivaron fórmulas y cánones para definir tal ideal de belleza,
como por ejemplo, que…
…..“la boca debe tener una vez y media el ancho de la nariz o que los
ojos deben estar paralelos a la distancia del ancho de uno solo”. Según
teorías actuales, para que un rostro sea bello, si lo dividimos en dos
mitades, éstas deben ser simétricas.

12. La mujer medieval debía
tener la piel blanca, cabello
rubio y largo, rostro ovalado,
ojos, nariz, labios y senos
pequeños, torso delgado y
caderas estrechas.

13. En el Renacimiento se restableció el
canon de belleza al redescubrirse la
estatuaria romana, que no era sino copia
de la griega, y que había permanecido
ignorada para el arte desde el siglo V.
Muchos artistas renacentistas investigaron
y teorizaron acerca de estos cánones, con
mayor o menor acierto.
La mujer debía tener un
cuerpo de formas muy curvadas,
cintura, caderas y estómago
redondeados, senos pequeños,
frente alta y despejada, ojos
grandes y claros, cejas escasas
y piel blanquecina.
.

14. Adan y Eva,
de Alberto Durero, 1507
El nacimiento de Venus
Sandro Boticelli

15. Dánae recibiendo la lluvia de oro. Tiziano

16. Leonardo da Vinci, creó su propio canon de belleza humana y anatómica, a partir
de las notas del arquitecto romano Vitruvio. Su Hombre de Vitruvio, tiene las
siguientes características:
La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.
El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.
El codo, una cuarta parte de todo el cuerpo.
El pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el
cuerpo.
El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En
efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y
los pies estirados, situando el centro del compás en su
ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta
de ambas manos y los dedos de los pies.
La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos
posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la
planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será
la misma que se da entre las puntas de los dedos con los
brazos extendidos.
El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo,
mide una décima parte de la altura total.
La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide la octava parte de todo el cuerpo.
Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo. Desde
la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.
Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.

17. En el Barroco, los cuerpos son más voluptuosos, con más curvas,
llegándose incluso, como en el caso de Rubens, a formas excesivas.
Susana y los viejos. Artemisia Gentileshi Las tres gracias. Rubens

18. El ideal de belleza en el siglo XX
Durante los años cincuenta,
actrices como Marilyn Monroe o
Sofía Loren eran referentes de
belleza para muchas mujeres
de la época, iconos a seguir por
sus atributos físicos,
caracterizados principalmente
por poseer curvas pronunciadas
y un físico voluptuoso.
Marylin Monroe

20. Catherine Deneuve, Briggitte Bardot..
* Años 70
Veinte años después, este
cánon de belleza se orientó
hacia un ideal del cuerpo de
la mujer con formas menos
redondeadas y mucho más
estilizado.

22. *Y a partir
de los
noventa,
aproximada
mente, se
popularizó
un concepto
de belleza
que rendía
culto a la
delgadez,
en algunos
casos,
enfermiza.

23. * Modelo años 50 Modelos años 90

24. Hasta llegarse a modelos puramente anoréxicas

25. Afortunadamente, en la actualidad algunas firmas de productos de belleza
están lanzando campañas que sacan a la calle “modelos normales”, que más
bien se parecen a la inmensa mayoría de personas con las que comúnmente
tropezamos en la vida.

26. 2.-LA DESPROPORCIÓN COMO RECURSO EXPRESIVO
*Como ya hemos visto el objetivo
último del arte es la búsqueda de
la belleza y desde antiguo, en
todas las épocas y estilos, ésta
siempre se ha relacionado con la
proporción. Pero entonces ¿qué
lleva a tantos otros artistas a
transgredir todas esas normas
que establecen las proporciones
ideales de belleza? ¿por qué sus
obras, aun a pesar de no
adecuarse a todas estas reglas,
resultan igualmente hermosas?
O no.
Modigliani

27. A lo largo de toda la historia del arte, muchos artistas han utilizado la desproporción como
recurso expresivo. A veces habrás visto cuadros, como éste, en los que las imágenes
aparecen deformadas, en estos casos es frecuente pensar que "están mal pintados". La
desproporción altera las proporciones reales del modelo que se representa y siempre
produce una deformación del mismo. Pero son muy pocos los casos en los que esta
deformación es debida a un error del artista. En la mayoría de casos es intencionada para
lograr un determinado efecto expresivo. "Yo no pinto una mujer, pinto un cuadro", dijo en
cierta ocasión Matisse respecto a la deformación de sus figuras.
Matisse

28. La desproporción a lo largo de la historia: significado
simbólico y expresivo
* En determinadas culturas la representación de la figura humana estaba íntimamente ligada a sus
creencias religiosas. Es por eso que en la Prehistoria o en el Románico, por ejemplo, el objetivo
del arte no era plasmar la realidad tal y como se mostraba ante sus ojos ni la búsqueda de la
belleza ideal. En estas culturas las imágenes constituían símbolos a través de los cuales poder
transmitir ideas a una población que, en la mayoría de estos casos, desconocía la escritura.
* En la Prehistoria las manifestaciones artísticas poseían un sentido mágico-religioso. Existen
numerosas representaciones de la figura humana femenina, símbolo de la fertilidad. Por eso
tienen agrandados sus atributos sexuales. (Lo cual no quiere decir que las mujeres de la época
fueran así). El mismo sentido tienen las llamadas esculturas itifálicas

29. El arte Románico cumple una función doctrinal, por eso los temas son
religiosos y las representaciones antinaturalistas. La figura humana se desvincula
de la representación realista. Son figuras desproporcionadamente alargadas con
rasgos esquemáticos.

30. El Manierismo, movimiento artístico surgido en Europa en el siglo XVI, en su rechazo al
ideal de belleza del Renacimiento, alteraba intencionadamente las proporciones de las
figuras, mostrando un especial interés por las representaciones deformantes de los objetos
y las composiciones desequilibradas, en su búsqueda de la máxima expresividad y
artificiosidad. Solían alargar el cuerpo exageradamente, sobre todo el cuello, reduciendo el
tamaño de la cabeza.
Madonna del cuello largo. Parmiggiano Laooconte. El Greco

31. Cubismo: Este movimiento artístico rompió
con la idea tradicional de arte como
representación de la naturaleza y eso le
llevó, entre otras muchas características, al
empleo de proporciones muy alejadas de
las consideradas académicas. Pablo
Picasso, al igual que el resto de artistas de
este movimiento, se sintieron fascinados
por el arte africano. En los rostros de los
personajes de su cuadro Las Señoritas de
Avignón, considerado el punto de partida
del Cubismo, se observa claramente esta
influencia.
Las Vanguardias artísticas.
Las Vanguardias artísticas del siglo XX supusieron una ruptura definitiva con el arte
tradicional. La representación de la figura humana no podía escapar de esta gran
revolución estilística y hablar de ella es hablar de proporción.
Todos los movimientos artísticos que se engloban dentro de las Vanguardias hicieron un
uso muy libre de las proporciones. Estos son algunos de ellos:

33. El Expresionismo, movimiento artístico surgido a principios del siglo XX, es un
estilo que deforma la realidad buscando una expresión emocional y subjetiva de
la naturaleza y del ser humano. Por ello muchas de sus obras presentan una
evidente deformación estilística.

34. Emil Nolde. Adán y Eva

35. Kirchner

36. FRANCIS BACONVeamos otros artistas contemporáneos que
utilizan la desproporción con efecto
expresivo.

42. *

43. Alberto Giacometti

44. Otros artistas como Oldenburg
juegan con la desproporción en el
tamaño y la escala en sus obras

48. *Ron Mueck

51. Fotografía de Julia Fullerton-Batten.