El documento habla sobre el dibujo artístico y su clasificación. Explica que el dibujo artístico es aquel que se hace a mano alzada sin instrumentos de precisión, con el objetivo de transmitir una idea o sentimiento del autor. También cubre temas como la psicología del dibujo artístico, los elementos a considerar en el dibujo artístico como las proporciones y la perspectiva, y diferentes técnicas como el carboncillo.

2. Dibujo artístico

3. Clasificacion del dibujo
El Dibujo es una presentacion grafica,sobre una superficie,generalmente
plana,por medio de lineas o sombras,de objetos reales,imaginarios o de formas
puramente abstractas.El dibujo suele hacerse con:lapiz,tiza,tinta o
carbonzillo.Siempre usamos algunos de estos procedimientos,aunque en la
actualidad, casi siempre hacemos uso de herramientas mas modernas como la
computadora.
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Dibujo es la disciplina del trazado y delineado de cualquier tipo de figura, la
cual puede ser abstracta o que represente algún objeto real; una forma de
expresión gráfica. Se le llama Dibujo Artístico a aquel que no necesita de
instrumentos de precisión para su elaboración, es decir, es trazado a mano
alzada y su propósito fundamental es el de transmitir una idea o sentimiento
surgida del mundo subjetivo del autor al observador.
Psicología del dibujo artístico
El dibujante artístico dibuja aquel que no puede expresar con palabras, por
decirlo así: "teletransporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que
puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en
conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación
si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho
delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se
está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen
dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un
procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dbujante perfecciona
su dibujo a su forma de pensar, pero cabe destacar que el arte del dibujo a
mano alzada solo se consigue dominarlo con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen a los dibujantes
en dos grupos: aquellos que solamente copian un dibujo o modelo ya existente,
los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar

4. la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad
imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-
mano para poder plasmar las imágenes que conciben en la mente. Este último
grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan
famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes
animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos
que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y
señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a
aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Elementos considerados en el dibujo artístico
"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen
dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que
quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y
procedimientos de dibujo sino su entorno y cada elemento que hay en él, por
esto mismo hay que ser muy observador, pero sobre todo paciente, pues no
todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para
ser un dibujante artistico están los siguientes:
Palotes
figuras básicas geométricas
texturas
Claroscuro
Distancia y Posición
Perspectiva
Escala
Proporcion
Volumen
Encuadre
Contraste
Armonía y unidad
Luego de conocer cada uno de los conceptos anteriores y saber ponerlos en
práctica, es necesario realizar un proceso de aprendizaje en la realización de
los siguientes elementos:
Objetos y detalles

5. Cuadros sencillos
Plantas
Animales
Objetos Arquitectónicos
Paisajes
Medios de transporte
Efectos Especiales
Animación e Historieta
Antropometría
Manos y pies
Rostro y gestos
Posición y movimiento
Escenas
Teoría del Color
Técnicas del carboncillo
El carboncillo permite la realización de una extensa gama de tonos que
abarcan desde los mas sutiles grises a los negros mas profundos. Proveniente
de la madera carbonizado del bonetero, su polvo es muy inestable; esto
representa una gran cualidad, es muy fácilmente manipulable y permite la
realización de degradados tonales con un simple frotado de dedo, trapo o
difumino.
La técnica del carboncillo puede llegar a ser muy amplia y recopila gran parte
del resto de las técnicas de dibujo.
El carboncillo y sus derivados

6. El carboncillo fue el primer medio con el que el hombre comenzó a dibujar. A
lo largo de la historia se ha ido adaptando a los diferentes estilos sin más
proceso evolutivo que el aportado en la técnica a la hora de su uso por los
diferentes artistas.
Hasta el siglo XVI no se descubrió el fijador; este sencillo avance técnico
supuso que el carboncillo dejara de ser un medio dibujantico efímero, para
consolidarse, a manos de maestros como Tinterito o Tiziano, como uno de los
medios de dibujo más nobles.
En la actualidad el carboncillo continúa siendo el principal medio de estudio
en las escuelas de Bellas Artes,
Pero, paralelamente a este medio, existen también otros sistemas de dibujo
compatibles con esta técnica; entre ellos están la sanguina y los lápices de
carbón.
El reparto de los pesos en el dibujo
Publicado 9 abril 2009
Archivado en: Tramas y degradados |
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7. En un cuadro, el equilibrio se observa a partir de la disposición de los
diferentes elementos que lo componen, pero no necesariamente son
únicamente elementos compositivos los objetos del modelo.
En el dibujo realizado con variedades tonales, las masas de sombra también
ejercen un peso visual que se puede contrarrestar a partir de la apertura de
blancos.
Los pesos en el dibujo se entienden a partir del juego de equilibrios entre las
masas de sombra y las de las luces; de hecho pueden establecerse una serie
de líneas imaginarias o esquemas que indican el reparto de masas en un
dibujo determinado.
La composición, a partir de las masas de grises en los dibujos con un gran
sentido de la valoración tonal, se compensa con puntos de luz situados de
manera que se equilibren los pesos luminosos de la composición.
Retrato técnica
Publicado 9 abril 2009
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El retrato es a menudo uno de los principales motivos de dibujo; de hecho
pocos artistas se han resistido en algún momento a realizar un retrato con tan
solo un lápiz y un papel, Captar el rostro y la personalidad del retratado
requiere un completo conocimiento de la técnica del dibujo y de la
representación de los rasgos en proporción de unos con otros.
De todas maneras, no se puede hablar de un único sistema de trabajo a la
hora de plantear retrato; existen retratos de marcado carácter académico y
otros libres y espontáneos, con el denominador común de que tanto un estilo
como otro se sirven del dibujo como base.
Estudio de las formas

8. El retrato atiende a unas medidas determinadas como aproximación al encaje
en el papel. Al igual que cualquier cuestión que se represente, el rostro, del
mismo modo que los rasgos o la forma de la cabeza o el tronco, se puede
llegar a entender como una combinación de formas geométricas, a través de
las cuales se concreta una síntesis sobre el papel.
Las formas esenciales son siempre las mismas: un ovalo, un cono, un cilindro y
un cubo. A partir de dichas formas, los rasgos se han de situar y concretar,
dependiendo el parecido de la capacidad de observación y del oficio del
artista.
Aplicación de tramas y degradados
Publicado 24 marzo 2009
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La aplicación de las distintas formas de trazado, permite la creación de planos
diferentes en el dibujo; basta la realización de un dibujo sencillo para poder,
plantear un buen número de grises con tan solo seguir la dirección del piano
de cada uno de los diferentes objetos del modelo.

9. Aplicación de tramas y degradados
Para plantear una trama a partir de líneas paralelas con degradado en las
sombras, primero se realiza el dibujo a lápiz, con el planteamiento de las
sombras principales perfectamente definidas; seguidamente se trazan finas
líneas paralelas en toda la superficie del dibujo sin ningún tipo de
engrosamiento, y, por ultimo, se engrosan las líneas tan solo sobre aquellas
zonas que estén sombreadas… únicamente restara borrar el lápiz cuando la
tinta se haya secado.
Técnicas de reserva: goma liquida
Publicado 23 diciembre 2008
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La goma liquida es el mejor método para la realización de reservas sobre
blanco. Esta goma se comercializa en los establecimientos de Bellas Artes, su
función es básicamente la de realizar reservas en las zonas donde se aplique
mediante pincel.

10. La aplicación de este tipo de goma es muy sencilla; tras plantear el dibujo, se
pondrá goma de reserva en las zonas en las cuales no interesa que la tinta
penetre; la goma se seca a los pocos minutos y la superficie del papel ya se
podrá pintar tranquilamente sin peligro de que la zona reservada se manche.
Cuando ya se haya secado la aguada o la tinta, se podrá retirar la goma de
reserva con ayuda de una goma de crepe o bien con los dedos, pues forma una
película removible.
Superposición de planos
Publicado 9 diciembre 2008
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Con el rotulador se pueden plantear superposiciones de color a modo de
planos, de una gran transparencia. El rotulador se puede aplicar como si se
tratara de filtros de color que se superponen a los colores inferiores con el
efecto cromático que ello conlleva.
La superposición de planos produce una adición del color añadido sobre los
planos de color inferiores, por ello se debe repasar la teoría del color para
tener en cuenta cómo reaccionan los colores al mezclarse unos con otros.

11. Para conseguir por medio del rotulador un plano continúo sin cambios tonales,
el plano se debe pintar a base de trazos o franjas uniformes, paralelas y
superpuestas; de esta forma se pueden pintar los colores base y, una vez
secos estos, superponer el color deseado, igualmente con trazos paralelos y
superpuestos.
Volúmenes y luces
Publicado 29 noviembre 2008
Archivado en: Volúmenes y luces | Etiquetas: Volúmenes y luces
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Para la realización del volumen y de las luces se puede partir incluso de un
dibujo realizado con anterioridad, para de este modo apreciar las diferencias
de los cambios de tonalidad en los realces.
En este caso se va a reelaborar un dibujo hecho con sanguina natural,
partiendo de entrada de un aumento en la valoración de las zonas más
oscuras, como pueden ser el pelo y las sombras, pero advirtiendo que el
trazado de las nuevas líneas debe ser envolvente, siguiendo las formas de la
anatomía.

12. Las luces se insumían a partir de la situación de las sombras, las cuales
actuaran por contraste con respecto a las zonas más claras.
Los brillos en la piel se reafirman abriendo blancos con la goma de borrar,
igualmente modelando las formas y respetando aquellas zonas anatómicas que
generen sombras. Por ultimo, los contrastes máximos se pueden llegar a
perfilar con un lápiz sanguina oscura degradando la sombra con suavidad,
siguiendo la forma del plano anatómico.
Trazo y mancha en medios secos o grasos
Publicado 27 noviembre 2008
Archivado en: Trazo y mancha | Etiquetas: Trazo y mancha
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El dibujo se pone de manifiesto sobre el papel a partir de las líneas que lo
conforman, siendo estas las que componen la estructura en la construcción
del mismo. Existen muchas formas de plantear el tipo de trazo y de línea,
según la intención que se pretenda imprimir en el trabajo dibujantico.
Cada uno de los diferentes medios que se utilicen en la elaboración del dibujo
permite plantear un tipo de línea y trazo diferentes: regular, con variantes de
presión sobre el papel, intenso o delicado… todo dependen del medio y de la
intención.

13. El papel y el medio de dibujo
El dibujo no se puede comprender como el simple hecho de la aplicación de
un trazo, sin más. Como es lógico, requiere un soporte; y el mismo medio
(carbón, grafito, sanguina o lápiz) resultara diferente en cada soporte.
Por ello el papel puede presentarse en muchas y diferentes calidades, que
varían según el grosor y densidad (gramaje), el encolado de su superficie
(permitiendo una mayor o menor absorción del medio dibujantico), o de la
textura que presente el papel, (ya que este puede tener un grano marcado o
bien presentar una superficie lisa y satinada).
El medio graso y el medio seco
EI dibujo se puede plantear siempre partiendo del conocimiento y
posibilidades del medio utilizado; de manera que el trazo o la mancha que se
aplique, se realice con conocimiento de los límites, tanto de tonalidad, como
de posibilidades de fusión o valoración.
El medio se puede dividir en graso o seco. Son medios grasos los derivados del
grafito y los lápices con mina grasa, incluyéndose dentro de esta clasificación
los lápices cerosos solubles en agua. Los medios secos son los que son
producto de maderas carbonizadas y de minerales; estos son el carboncillo, el
lápiz carbón y la cresta.

14. Encaje de la figura
Publicado 21 noviembre 2008
Archivado en: Encaje de la figura | Etiquetas: Encaje de la figura
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El encaje de la figura parte de un sistema totalmente lineal y constructiva, sin
buscar ningún tipo de valoración, partiendo de un trazado de líneas al
carboncillo, las cuales, para que sirvan de caja al modelado de las formas, se
realizaran tomando la barrita plana entre los dedos índice, anular y pulgar;
este tipo de sujeción permitirá un trazado firme, sin vacilaciones en el
recorrido.
Por otro lado, tomando el carboncillo de esta forma, los movimientos de la
muñeca se ven limitados, cosa que facilita un dibujo, no como el realizado en
un pequeño papel, sino a grandes rasgos y con un dominio del gesto llevado
por el brazo. La construcción de la figura debe plantearse buscando la caída
de las articulaciones principales del cuerpo, las cuales tienen como eje
principal la columna vertebral.
Estos ejes principales son el de la cadera y el de los hombros. A partir de la
situación de este breve esquema, el entendimiento de la figura se concretara
sobre el papel mucho más fácilmente.
Modelado de la figura a la sanguina
Publicado 21 noviembre 2008
Archivado en: Modelado de la figura a la sanguina | Etiquetas: Dibujo a caña, El
carboncillo, Técnicas del carboncillo
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El desnudo es uno de los temas preferidos por la mayoría de los artistas. A
partir de un modelo se pueden realizar múltiples investigaciones de
iluminación, encuadre desde el punto de vista anatómico, de proporción o de
análisis de la figura en escorzo.

15. Por otro lado, la sanguina es un medio de dibujo con una amplitud tonal muy
alta; su difuminado es fácil y, por tanto, el posible trabajo de valoración tan
solo queda supeditado a la propia capacidad expresiva del artista.
La sanguina presenta un color calido y, dada su opacidad, se permite el dibujo
sobre papeles de color, cosa que puede llegar a enriquecer los tonos
conseguidos.
Definición de dibujo artístico
El dibujo artístico es la representación gráfica al servicio de las ideas. Es
una rama del dibujo que nos permite la representación bidimensional y
racionalizada de los objetos, para expresar sentimientos e ideas, por
medio de la intelectualización de la observación.
El dibujo artístico es la representación gráfica bidimensional, de aquello
que el ojo percibe tridimensionalmente. Es una técnica que permite

16. representar la forma y el volumen empleando la línea como
manifestación de sentimientos y pensamientos. Se realiza
mediantetécnicas gráficas sobre un soporte
bidimensional, y representa de manera objetiva
y subjetiva, la realidad y los conceptos.
Es el lenguaje de las imágenes, empleado para
la comunicación y expresión del ser humano,
transmitiendo ideas, descripciones, mostrando
los sentimientos.
El lenguaje del dibujo supera las barrearas
idiomáticas, pues tiene un carácter universal y
facilita las relaciones interculturales.
En definitiva, el dibujo artístico es el lenguaje
de las formas, que sirve para expresar visualmente las ideas.
Distinguimos entonces una dimensión objetiva del dibujo, que tiene
intención analítica, basada en la observación y representación del objeto.
Y la dimensión subjetiva, que pretende manifestar ideas y despertar
sentimientos y emociones, por medio de la representación gráfica.
Para emprender esta vertiente del dibujo, es necesario conocer y
dominar los recursos procedimentales, los instrumentos, los materiales y
técnicas que permiten la expresión de un pensamiento en forma visual.
Este procedimiento implica un proceso de intelectualización de lo
percibido visualmente que permita una síntesis descriptiva y una
representación objetiva y racional.
Procedimientos del dibujo artístico:
Para realizar dibujo artístico, es necesario profundizar en el
conocimiento y representación de las formas complejas. También
requiere de un dominio importante de los materiales y técnicas, para
lograr una intencionalidad en la interpretación de dichas formas.
Los productos deben estar basados en conceptos teóricos que impliquen
una intelectualización de la observación.
Las técnicas deben emplearse al servicio de las ideas, y el trabajo debe
abordarse de manera racional y ordenada.
Es necesario conocer los principios básicos del signo visual y de la
forma, para emplearlo en la representación analítica de los objetos.
También hay que comprender las características formales de los objetos,
respecto a su organización estructural y sus relaciones espaciales.

17. El conjunto de los datos visuales nos ayuda a formar el conglomerado de
las formas, para poder representarlos en forma prioritaria, según su
importancia, para llegar al resultado deseado.
ibujo artístico. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO. Es la representación de un objeto por medio
de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que
permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de
diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie
plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres.
También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para
expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las
formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El
dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.
INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS. Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general,
los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico
adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de
sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de
plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización
de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la
superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el
contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se
operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos.
Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad
Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo
dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y
mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se
pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que
se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores
barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las
Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos
coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y
aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy
delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite. (Articulo
enviado por: Lluvia Velandia, lluviadelv@hotmail.com)