Este documento describe los principios fundamentales para la creación artística colectiva en relación con la atención psicosocial. Explora cinco principios clave: 1) la diversidad y el diálogo de saberes para reconocer las diferentes culturas, identidades y conocimientos; 2) la libertad, participación y confianza para garantizar un ambiente seguro donde todos puedan expresarse libremente; 3) que equivocarse está bien para permitir la experimentación; 4) que el arte es una experiencia que une a las personas; y 5) lo colectivo y comunitario para apro

1. principios
Capítulo uno

2. 2
Principios
C
onstruir una orientación
metodológica para la creación
artística colectiva multi, inter
y transdisciplinar en relación con la
atención psicosocial, supone un tránsito
por diferentes estadios que van desde
lo conceptual hasta lo práctico. Este
tránsito exige una postura ética orientada
a fundamentar y dar sentido a los planes
de estudio que se diseñan e implementan,
a la práctica pedagógica y sus alcances, a
la apropiación de saberes y conocimientos
y a la transformación y actualización de
las maneras de recoger, reflexionar y
compartir las experiencias pedagógicas.
Los fundamentos o principios comunes a
estas experiencias de creación complejas
permiten su movilización, articulación y
engrane con el proceso metodológico.
Es así como, los principios de diversidad y
diálogo de saberes; libertad, participación
y confianza; equivocarse está bien; el
arte como experiencia; y lo colectivo y
comunitario son el punto de partida de
esta propuesta y están presentes a lo largo
de la misma. Además, los principios en
cuestión intervienen de manera simultánea
y abren la puerta para que la maestra y el
maestro exploren, modifiquen, apliquen,
descubran y mejoren sus prácticas
docentes de creación artística.

3. 3
Principios
Diversidad
y diálogo de
L
a diversidad étnica y cultural es
constitucionalmente reconocida y
protegida por el estado colombiano.
El principio de diversidad afecta la forma
en que son comprendidas y descritas las
metodologías y los proyectos, pues este
principio vela por el reconocimiento de la
diversidad como atributo de los contextos
humanos en múltiples dimensiones
(personal, contextual, cultural) y
abarca a todos los seres humanos y
grupos sociales con particularidades
identitarias marcadas por su etnia
(afrodescendientes, campesinos, gitanos,
raizales, palenqueros, indígenas); su
género y orientación sexual (LGBTQI+);
su ciclo vital (infancia, juventud, adultez,
vejez); las condiciones de su desarrollo
(discapacidad), entre muchas más, como
nacionalidad o religión.
El principio de diversidad también se
entiende en el plano de lo personal cuando
Saberes
comprende las formas particulares en que
cada individuo construye su identidad
desde las relaciones que establece con su
entorno, a partir de sus apropiaciones,
capacidades y recursos. Además,
involucra los gustos y preferencias de
la singularidad; sus ritmos y estilos de
aprendizaje y las formas de asumir su
corporalidad y de vivir sus emociones,
sentimientos y pensamientos.
El diálogo de saberes desde la diversidad
cultural de los territorios permite entender
la riqueza que posee Colombia; en este
sentido, los saberes son diversos, tienen
una estrecha relación con el territorio y
van desde los conocimientos empíricos
que se desarrollan en la percepción hasta
la relación con otros territorios y otras
personas. Al colocar estos saberes en
diálogo, se resaltan tanto las diferencias
como los puntos de encuentro. Así, en la
creación artística colectiva, en el proceso

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Principios
1. El concepto de “Saberes Fuerza” utilizado en este documento procede del libro
de Orientaciones Metodológicas para la Creación Artística Colectiva Multi, Inter
y Transdisciplinar, publicado en el año 2021 por el Ministerio de Cultura en el
marco del Eje de Acción de Formación del Programa Expedición Sensorial.
Respeto significa, en cambio, tomar en serio el
pensamiento del otro: discutir, debatir con él
sin agredirlo, sin violentarlo, sin ofenderlo, sin
intimidarlo, sin desacreditar su punto de vista,
sin aprovechar los errores que cometa o los malos
ejemplos que presente, tratando de saber qué grado
de verdad tiene; pero al mismo tiempo significa
defender el pensamiento propio sin caer en el pequeño
pacto de respeto de nuestras diferencias. Muy a
menudo creemos que discutir no es respeto; muy por
el contrario, el verdadero respeto exige que nuestro
punto de vista, sea equivocado total o parcialmente,
sea puesto en relación con el punto de vista del otro a
través de la discusión. (Zuleta, 2006, p. 79)
de artear, las diferencias se convierten
en riquezas que permiten apropiar,
comprender y compartir saberes a través
de esa juntanza.
Ahora bien, lo colectivo no puede existir
sin un diálogo sobre lo que el ser humano
es y sabe, sin esos saberes fuerza1
. Por
lo cual, es fundamental escuchar para,
a través de una expedición sensorial,
explorar, descubrir, dejar surgir las
emociones, reconocer las perspectivas
del otro y evaluarse. Por medio de este
diálogo es posible entender mejor a
Colombia desde los territorios, ya que, al
reconocerse en el otro, al aportar desde
las culturas y diversidades, se pone de
manifiesto que la riqueza son los saberes
fuerza y los secretos que a través del
diálogo pasan de una generación a otra.
Para propiciar este dialogo, es
fundamental el respeto. De acuerdo con
Estanislao Zuleta:

5. 5
Principios
Los saberes que se comparten son
de carácter empírico, territorial o
científico. Se alimentan en el compartir,
en la juntanza, en la siembra, en los
diálogos intergeneracionales, es decir,
se activan en colectividad. Por ejemplo,
en las comunidades indígenas o negras
se evidencia que los adultos mayores
poseen, por su experiencia de vida, un
gran baúl de saberes fuerza. Por lo tanto,
tienen un amplio conocimiento sobre el
territorio y la vida, son personas que han
logrado equilibrar la mente, el cuerpo y
las energías, un equilibrio en la relación
hombre-naturaleza que comparten con los
adultos, niñas y niños de la comunidad
para ayudarles a comprender mejor sus
inquietudes.
Otro ejemplo es el de las parteras
que, por excelencia, comparten con
las mujeres del pacífico colombiano
saberes fuerza y apoyo emocional para
afrontar y acompañar el crecimiento
de la vida; comparten saberes que son
prácticas ancestrales adquiridas por cada
comunidad.
Estimada maestra y maestro, en la
creación artística colectiva, el diálogo
de saberes permite destacar y reconocer
el potencial que tienen los jóvenes y
orientarlos a canalizar sus energías y su
creatividad en productos que involucren
la transformación de su territorio. Así,
se fortalece el desarrollo de una nueva
mirada analítica y crítica que permite que
los saberes fluyan, construyan y aporten
a las comunidades desde la exploración
sensorial.
Finalmente, es fundamental alimentar
y reconocer los saberes fuerza. Para
cumplir tal objetivo, se debe aprender
a escuchar para conocer, identificar,
contemplar o incluir a través de otros
ojos algo en lo que no se había reparado.
Lo anterior, a través de, por ejemplo,
las siguientes preguntas: ¿cómo es un
día de un joven indígena y un joven
afro?, ¿cuáles son sus semejanzas, sus
sueños?, ¿qué tan importante es su
relación con el territorio?, ¿cuál es su
visión de las y los adultos mayores en los
territorios?, ¿son las sabias y los sabios?
Precisamente, el diálogo de saberes busca
encontrarse desde la realidad multiétnica
y pluricultural, es la combinación de
saberes que permite entender la realidad
de la diversidad.

6. 6
Principios
Libertad,
“Todas las personas nacen libres e iguales ante la
ley, recibirán la misma protección y trato de las
autoridades y gozarán de los mismos derechos,
libertades y oportunidades sin ninguna discriminación
por razones de sexo, raza, origen nacional o familiar,
lengua, religión, opinión política o filosófica”.
(Const., 1991, art.13)
“Se garantiza a toda persona la libertad de expresar
y difundir su pensamiento y opiniones, la de informar
y recibir información veraz e imparcial, y la de fundar
medios masivos de comunicación”. (Const., 1991,
art.20)
La presente propuesta toma como
eje principal la creación artística,
entendida como proceso y como
producto, reparando en las experiencias
que permiten el tejido de la individualidad
en libertad de participación. Esta apuesta
por la libertad se inspira en los derechos
fundamentales de la constitución:
participación
y confianza

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Principios
El facilitador de los procesos de
creación artística y atención psicosocial
comunitaria debe velar por la garantía
de estos derechos de libertad de cada
participante. Se espera que las diversas
experiencias den voz a cada individuo de
la comunidad constituida o en proceso de
consolidación.
Para ello, es fundamental generar
ambientes de confianza en los que la
participación en libertad sea posible. Uno
de los miedos del ser humano es el de
ser excluido, esto le lleva a retraerse y a
evitar participar en algunos espacios, o a
usar una máscara para no ser vulnerado,
impidiendo así su real exposición. Sin
embargo, para crear, especialmente de
manera colectiva, uno de los principios
más importantes es la apertura de sí
mismo, la entera disposición a entrar
en un juego, el juego de la creación,
que implica desplegar el ser con total
libertad: cuerpos, voz, gestos, historia
de vida, gustos, saberes, talentos,
sensibilidades, pensamientos, son todos
de vital importancia a la hora de aportar
en el juego. Por esta razón, es necesario
fomentar siempre, en aquellos espacios
donde se desarrollan los procesos de
creación, un ambiente de confianza y
cuidado entre los participantes.
El ambiente en cuestión se crea insistiendo
en el respeto que merecen todas y todos,
pero, principalmente, resaltando el
valor que tienen las singularidades de
cada persona. La vida ha sido creada a
partir de la diversidad; los campos, los
bosques, las selvas y, en general, cualquier
territorio en el planeta es más saludable
en cuanto posee más biodiversidad. De
igual manera, la diversidad humana es
una riqueza que nutre cualquier ambiente:
en la medida en que cada persona aporte
libremente desde su propia mirada, su
intuición, su carácter y su experiencia
de vida, el ecosistema creativo se irá
volviendo más nutritivo y valioso.
Otra manera de fomentar la confianza
dentro del grupo es alentando a las y
los participantes al diálogo, es decir,
creando espacios en donde tengan
oportunidad de conocerse e intercambiar
ideas y anécdotas de vida. Por lo general,
aquello a lo que más le teme el ser
humano es a lo desconocido (lugares
que nunca ha visitado, fenómenos que
no comprende, personas que le parecen
lejanas o extrañas, etc.), pero una vez
entra en contacto con ello y a medida
que lo va conociendo mejor, ese temor
inicial desaparece progresivamente. Por
esta razón, el palabrear, o intercambio de
palabras entre las y los participantes, es
muy importante; esta es, ante todo, una
práctica que genera cercanía y, al haber
cercanía, la confianza crece. El palabrear
contribuye a tejer vínculos y nuevos
conocimientos.

8. 8
Principios
Equivocarse
está bien o el
En relación con el principio anterior,
se puede afirmar que, algunas veces,
cuando al ser humano se le invita a
participar en un evento, puede sentirse
otro tipo de miedo, esta vez asociado
al error, es decir, a la posibilidad de
equivocarse. Este temor nuevamente
le cohíbe, de manera que prefiere no
arriesgarse a exponer sus ideas o su
propia presencia.
Antes de continuar, es importante
plantearse las siguientes preguntas: ¿por
qué produce miedo el error?, ¿por qué
paraliza?, ¿por qué los estudiantes, por
ejemplo, quieren agradar al maestro al
“no”? Es posible que la respuesta a estas
preguntas se origine en la presión que
impone la necesidad de tener siempre
éxito, dicha presión puede venir del
entorno social y estar relacionada con un
conjunto de fuerzas económicas y políticas
que le exigen al ser humano competir y
ser tan productivo y eficiente como sea
posible. Sin embargo, para la forma de
creación que aquí se propone, donde la
experiencia del artear es prioridad por
encima de cualquier producto o resultado,
se plantea la siguiente afirmación:
Equivocarse está bien, ¡sí, está bien!
Este es el punto de partida para
vencer los miedos, las tensiones y las
preocupaciones. Aquí se entiende el error
como parte del proceso de reflexión,
análisis y aprendizaje; también, como
uno de los principales motores para el
hallazgo de lo nuevo. Por ejemplo, varios
descubrimientos científicos se han hecho
por accidente y algunas invenciones de la
industria son resultado de equivocaciones
durante el proceso inicial.
El error, o lo que inicialmente se considera
como “error”, se puede reconstruir y
transformar desde dos miradas: una
del err
valor
r

9. introspectiva y otra colectiva. En la
primera, se formulan preguntas como
¿cuál es la diferencia entre el resultado
que se esperaba y lo que realmente
sucedió?, ¿en qué punto ocurrió el
desvío?, ¿qué se debería repetir y qué
no?, ¿cómo fue mi reacción ante la
“equivocación”?, ¿cómo me siento
después de lo ocurrido? Al responder tales
interrogantes, se promueve un crecimiento
personal. Por su parte, la segunda mirada
se constituye a través de las observaciones
y las retroalimentaciones de los otros,
quienes, gracias a su perspectiva,
pueden aportar ideas para saber cómo
continuar; qué cosas aprovechar del
error o de la supuesta “equivocación”
y qué cosas hacer de manera diferente.
En otras palabras, el equilibrio de estas
dos miradas permite crecer, despertar,
reconocerse y encontrarse; es un proceso
de ensayoerrorensayo que va trazando
un camino donde se pueden identificar
y sortear obstáculos desde el propio
aprendizaje.
Otra de las virtudes de atravesar sin
temor, o a pesar de él, la experiencia del
error es que se pueden quitar las barreras
autoimpuestas y, así, ser más libres: al
perder el miedo a equivocarse, el ser
humano se vuelve explorador, capaz de
realizar una expedición sensorial para
encontrarse a sí mismo, para confrontar
las pieles reales debajo de las máscaras,
para dialogar de manera franca con
los demás y para permitirse jugar y
experimentar. Es en ese momento cuando
nace la creatividad, no solo en la práctica
artística, sino en la vida cotidiana, pues se
descubren formas de transformar lo que a
simple vista parece un impedimento y, así,
se crece, se avanza. Errar es útil cuando
lleva a reflexionar.

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Principios
Arte como
experiencia:
El arte es una experiencia que va más
allá de un producto y que puede
ser vivenciado como un ritual social.
Para apoyar esta perspectiva, vale la
pena resaltar el concepto de musicar
del investigador y músico australiano
Christopher Small. Él “inventa” dicho
verbo (musicar) para poner de manifiesto
que la música es acción (experiencia) y no
solo un producto sonoromusical estático.
La música no es la partitura ni tampoco
la “versión ideal” de una pieza musical:
“musicar es participar, en cualquier
capacidad, en una interpretación musical,
ya sea tocando, escuchando, ensayando
o practicando, proporcionando material
para la interpretación (lo que se llama
composición) o bailando”. (Small, 1998,
p. 9). Así, hacer música es, en sí mismo,
un ritual social que pone en juego las
relaciones que se establecen en ese
momento con el sonido, las personas y el
territorio. La música se hace y se disfruta,
no solo se estudia o se domina. Como el
niño pequeño, el artista busca el placer
natural y la compañía de su ser musical
(Custodero, 2009), va —sólo o con
otros— tras el disfrute estético a través del
acto de musicar.
En este punto, se hace necesario comentar
qué se entiende acá por experiencia
estética. El valor del arte no se limita
a definir qué tan “bello” o “feo” es el
objeto artístico, pues la belleza en el arte
es una construcción social que puede
variar bastante de una comunidad a otra,
e incluso entre personas de un mismo
grupo. El valor del arte, desde esta
perspectiva, tiene que ver, sobre todo, con
la cualidad de la experiencia estética y la
sensibilidad que está allí en juego. Estética
encuentra su raíz en la palabra estesis
entendida como “[…] la receptividad, lo
abierto al entorno, lo sentiente o sensorial
a cualquier escala” (Mandoki, 2013, p.
16). Así, la experiencia estética puede
acontecer también por fuera del campo
artear
como ritual social

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Principios
del arte, por ejemplo, en la vida cotidiana
cuando se contempla con asombro un
atardecer o se experimenta el placer que
produce morder un trozo de pan caliente
recién salido del horno.
Por otra parte, es importante que
los facilitadores de los procesos de
creación artística y atención psicosocial
comunitaria estén abiertos a aceptar que
en los talleres de creación pueden surgir
diversas estéticas o “tipos de arte”, ya
sean los que traen los participantes (sus
gustos musicales, cinematográficos,
literarios, entre otros) o los que emergen
de las experiencias mismas de creación de
los grupos durante los talleres a través de
los procesos de exploración, negociación y
consenso.
Ahora bien, en este documento se toma el
verbo “musicar”, comentado antes, para
extenderlo al campo general de las artes,
así: artear. De esta manera, se resalta que
lo que está en juego en el arte ocurre en el
momento mismo en que se hace arte (e.g.
cuando cantamos o bailamos) y cuando
se consume arte (e.g. cuando vemos una
película o miramos una pintura). El arte
no se agota, entonces, en los productos:
más allá de qué tan “perfecto” es el
producto artístico, lo fundamental es la
calidad y la autenticidad de la experiencia
y del proceso mismo de creación. A
continuación, se caracteriza el concepto
de artear con base en lo postulados de
Small (1998) y a propósito de la reflexión
sobre el arte como experiencia colectiva.
En el centro de la experiencia del artear
implica el tránsito por tres momentos o
dimensiones que se ponen en movimiento
en el proceso creativo:
1. Exploración de las relaciones:
del sujeto con el sonido, el color, el
cuerpo, la palabra. Del sujeto con el
otro y del sujeto con su territorio.
2. Afirmación colectiva de las
relaciones: que potencian la
identidad, entendida ésta como el
sentimiento de pertenencia a un
grupo o territorio, lo que da sentido
a mi experiencia, mi memoria.
Un ejemplo de ello es cuando los
creadores dicen “así sonamos
nosotros, así nos movemos nosotros,
esto es lo que somos”.
3. Experiencia estética: que con
frecuencia implica un disfrute
colectivo en torno a la creación
artística que puede darse durante el
proceso mismo de la creación o al
momento de socializar el resultado,
como ejecutante o como parte del
público.

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Principios
El ser humano crea arte, o artea, “con
el mayor cuidado y amor”’; para ello,
usa los medios técnicos, intelectuales
y humanos de los que dispone en el
momento de la creación y desde ellos
aporta al ritual de sembrar y cosechar
en colectividad. Como frutos fértiles,
germinan productos creativos que son
auténticos y verdaderos en cuanto
expresan con honestidad los mundos
internos de las personas: memorias, ideas,
anhelos, sueños, miedos, heridas, sonidos,
imágenes, palabras que se convierten
en música, escultura, movimiento,
performance.
Y, en el camino, de repente, llega la visita
del disfrute colectivo, una vivencia que
es anhelada en la creación pero que no
puede ser manipulada ni controlada.
El rol de los que se desempeñan como
maestras, maestros o, en general,
acompañantes y facilitadores es tratar
de cuidar las condiciones para que
esta experiencia artística sea posible,
favoreciendo un ambiente de confianza,
enfatizando los talentos y potencias
de las personas, seduciendo hacia
nuevos referentes artísticos, brindando
herramientas adecuadas para la expresión
y propiciando diálogos constructivos
y espacios de palabrear que permitan
cosechar las semillas que son plantadas
como colectividad en el proceso de artear
juntos.
Así las cosas, la experiencia de artear
está basada en la expresión y validación
del potencial sensible y creativo de cada
participante; mantiene la mirada en las
posibilidades individuales y colectivas. Al
mismo tiempo, la creación se convierte
naturalmente en una experiencia colectiva
potente que favorece la autorregulación
del grupo cuando, por ejemplo, en una
improvisación los participantes deben
escucharse y observarse para entrar en el
momento justo, respetando el ritmo y la
intención expresiva del grupo.
En otro sentido, la experiencia de artear
es, también, un espacio que permite el
surgimiento de nuevos mundos posibles
que irrumpen en la cotidianidad y abren
brechas para experimentar de manera
colectiva, como en un trance, formas
nuevas de conciencia en donde los
participantes sienten que hacen parte de
algo más grande que ellos mismos. Con
frecuencia, esta experiencia se asocia a
estados de plenitud que difícilmente se
encuentran en otros ámbitos de la vida.
Experiencias en las que se recrea y se
alimenta el vínculo entre los participantes
mediante el encuentro con el otro a través
de lo que cada cual comunica, expresa y
recibe desde la exploración, el juego, la
improvisación y la creación. Finalmente,
en estos espacios también es posible
construir conocimiento cuando se transita
de la experiencia sensible a la reflexión
consciente sobre esta.

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Principios
Definir colectividad plantea un primer
reto, a saber, diferenciar las palabras
colectividad o arte en colectividad de,
colectivo o arte en colectivo. Pues bien,
colectividad tiene su raíz en colectivo
y esta, a su vez, en colectar, colligere
en latín, que significa recoger, elegir y
leer conjuntamente. Entonces, se puede
afirmar que lo colectivo deriva de la
acción que hace un grupo de personas al
recoger, leer y elegir juntas.
Para hablar en imágenes, se podría
poner el ejemplo de la cosecha, donde
sembradoras y sembradores se reúnen
para recoger los alimentos que ha
producido su terreno de cultivo. Una vez
recogidos estos alimentos, el grupo debe
observar y poner en consideración todo
lo que tienen para valorar y decidir qué
pueden y qué quieren hacer con dichos
frutos. En este caso, lo colectivo emerge
gracias a las tres acciones conjuntas:
cosechar los alimentos, valorarlos,
y escoger cómo prepararlos, cómo
almacenarlos, cómo distribuirlos, etcétera.
La colectividad, etimológicamente
hablando, no señala la diversidad de
quienes integran el grupo, aunque sus
particularidades existan y sean apreciadas
y respetadas, sino que resalta aquello
que es común y compartido por todas las
personas que lo integran. En el ejemplo
señalado anteriormente, lo común sería el
terreno de cultivo compartido, la fuerza
de trabajo para cosechar los alimentos, la
participación de todo el grupo a la hora
de tomar decisiones, y el hecho mismo de
poder alimentarse gracias a estas labores
conjuntas. En esa medida, lo colectivo
apunta también a un beneficio grupal.
Así como el trabajo de la tierra para
sembrar, cultivar y cosechar todos los
alimentos necesarios puede ser difícil para
C lectividad
oy comunidad

14. 14
Principios
un solo individuo, la práctica del arte en
solitario puede ser significativamente más
ardua y, sobre todo, menos potente en lo
que tiene que ver con el beneficio grupal.
El beneficio en cuestión, en el caso de
la creación artística colectiva, se da
tanto en el resultado final (la obra y su
circulación en festivales, ferias, conciertos,
exposiciones, entre otros) como en todas
las acciones o momentos del proceso
creativo (recoger los saberes, talentos y
fuerzas poéticas que se van expresando
durante el desarrollo de dicho proceso;
leer, observar y valorar estos mismos
saberes fuerza que se expresan y elegir
o decidir conjuntamente, las formas
y medios necesarios para el mejor
aprovechamiento de estos elementos, a la
hora de construir una obra).
De acuerdo con lo anterior, el beneficio
grupal de crear colectivamente tiene que
ver con la experiencia misma de estar
arteando, de abrir un espacio donde las
personas puedan conocerse, reconocerse
e incluso transformarse a través del
intercambio de esos saberes fuerza, y tiene
que ver, también, con la experiencia de
ser testigos de la magia y la riqueza de la
creación como facultad humana.
Los saberes fuerza se refieren a la idea
de experiencia individual, señalando
o proponiendo que los talentos o
sensibilidades que los seres humanos
piensan y sienten como propios son más
bien “rayos de luz” o “irradiaciones” que
les llegan de otra parte, de sus ancestras
y ancestros, de sus maestras y maestros,
de las montañas, de los ríos y de los otros
elementos que forman el paisaje que
habitan. Todos esos elementos toman
cuerpo cada uno para expresarse, son
saberes que vienen del territorio y muchas
veces de la herencia ancestral.
Si bien las obras que surgen de estos
procesos de creación son importantes
como evidencia, manifiesto, declaración
y huella de los pensamientos, aportes y
prácticas del colectivo, lo artístico se da,
verdaderamente, en el convivio, es decir,
en los días y las horas que los integrantes
del grupo pasan juntos en el ejercicio de
la creación, jugando, experimentando,
problematizando, discutiendo,
reflexionando, dialogando, haciendo.
Pertinencia y potencia de la práctica
artística colectiva
La práctica colectiva es pertinente por
varios motivos. Primero, porque favorece
el aprendizaje entre pares, es decir, la
enseñanza explícita de una o más personas
a un compañero. Por ejemplo, cuando un
joven “le muestra” a otro cómo tocar un
acorde en la guitarra o cómo conseguir un
determinado tono al mezclar dos colores.
Segundo, favorece el aprendizaje en grupo
que se produce como resultado de la
interacción entre pares, pero en ausencia
de una intención explícita (Green, L.,
2012, p. 76-83). Son los aprendizajes que
ocurren, por ejemplo, cuando un grupo
está improvisando movimientos con el
cuerpo y, mientras tanto, los participantes
se observan y van recogiendo,
incorporando e intercambiando un
universo valioso de saberes invisibles o
tácitos con relación al uso del cuerpo y la
expresión. Para el Ministerio de Cultura
de Colombia

15. 15
Principios
La práctica colectiva permite que cada persona,
estando inmersa en el grupo observando a los demás,
pueda al mismo tiempo, observarse y regularse,
mientras se siente apoyada y con retroalimentación
inmediata por parte de sus pares. (Lineamientos de
iniciación musical [LIM], 2015, p. 75).
De este modo, todo el aprendizaje está conectado
entre sí, ya que la práctica colectiva es un escenario
integrado donde el arte, el maestro, los estudiantes,
el espacio y todas las relaciones que se tejen, se
convierten en la fuente primera de conocimiento y
aprendizaje. (LIM, 2015, p. 76).
De manera que los espacios para artear
se pueden entender como un cuerpo vivo,
en donde cada parte está relacionada, es
un sistema. Así, se recomienda atender
y cuidar las relaciones de las personas
consigo mismas, con el otro y con los
medios artísticos, pues el cambio de uno
de sus componentes implica un cambio
en todo el sistema (Capra, 2012). Resulta
importante, en este sentido, mostrar a los
participantes la interrelación en cuestión
para invitarlos a valorar y ser conscientes
de su responsabilidad como parte del
grupo que, como sistema vivo, artea
colectivamente.
En concordancia con lo anterior, el
espacio colectivo favorece la participación
de las diversas voces en el palabrear, ya
que abre espacios para que los aportes
de los estudiantes o asistentes sean
escuchados y respetados. vale la pena
resaltar, de manera especial, el poder de
la escucha. Para escuchar es necesaria
una disposición especial, no se trata
solamente de oír a las otras y los otros;
más bien, de lo que se trata es de crear un
estado de amplitud, como si cada poro de
la piel se ensanchara en nuestro cuerpo
para sentir lo que la otra y el otro dice y,
así, comprenderles profundamente. Para
lograr ese ensanchamiento del cuerpo,
es necesario desarrollar una forma de
paciencia que asiente las preocupaciones
propias, pero, al mismo tiempo, una
forma de deseo que permite habitar las
distintas ideas e inquietudes de aquellas y
aquellos a quienes se escucha.
En este sentido, las voces diversas aportan
a la siembra con un carácter colaborativo.
Para ello, se hace preciso generar espacios
que permitan un trabajo reflexivo
sobre el cuerpo, los pensamientos y las
emociones, invitando a las personas a
tomar conciencia de lo que sienten o
perciben con su cuerpo; a documentarlo
(en bitácoras, diarios, notas de audio, etc.)
y a compartirlo en círculos de palabra,
grupos de discusión, entrevistas, entre
otros. (Samper, 2019, p. 93-94).
Esta toma de conciencia permite entrar
en contacto con el mundo interior de las
personas como un sustrato clave para la
creación colectiva. La conciencia cada vez
más fina de lo que las personas “tienen
por dentro” alimenta el uso de los medios
artísticos como formas de expresión
de esos mundos personales cuando
son puestos en común, palabreados y
entretejidos. Lo anterior, mediante un
ejercicio respetuoso y empático de diálogo
de saberes que alimenta el acto creativo
colectivo desde la diversidad propia del
grupo.
Por último, la experiencia de artear en
colectividad implica el tejido de una
comunidad de personas que en ese
instante se juntan para crear. Para Etzioni

16. 16
Principios
(1999), un grupo tiene dos características
mínimas para ser considerado una
comunidad: primero, es un espacio en
donde acontecen relaciones afectivas y,
segundo, implica el compartir de valores,
normas, significados, una historia e
identidad común. Cuidar la salud de
esta comunidad implica poner atención
a la forma en que se tejen los vínculos al
interior del grupo, favoreciendo la toma
de conciencia de cada miembro, de su
propia interioridad física, emocional y
mental; la capacidad para expresar esa
interioridad de manera respetuosa y con
palabras cada vez más finas y precisas; la
escucha atenta del otro, incluso, en medio
de la diferencia; y, finalmente, la empatía.