El documento resume brevemente el arte de varias culturas prehistóricas y antiguas, incluyendo el arte prehistórico, egipcio, prehelénico, griego, etrusco, romano y paleocristiano/bizantino. Describe ejemplos representativos de arquitectura, escultura y pintura de cada período, destacando sus características y autores principales.
Este documento resume la escultura del Laoconte y sus hijos. Es una escultura griega del siglo II a.C. que representa al sacerdote troyano Laoconte y sus hijos siendo atacados por serpientes como castigo por advertir sobre el engaño del caballo de Troya. La escultura muestra gran expresividad y dinamismo a través de las líneas oblicuas y contorsiones de los cuerpos. Se considera una de las obras maestras de la escultura clásica.
La escultura representa el momento en que Laocoonte y sus dos hijos son atacados y envueltos por serpientes marinas, según relata Virgilio. Data probablemente del siglo I a.C.-I d.C. y fue tallada en mármol por los escultores griegos Agesandro, Polidoro y Atenodoro de la escuela de Rodas. Fue descubierta en Roma en 1506 y actualmente se exhibe en los Museos Vaticanos.
La escultura griega se caracterizó por plasmar la belleza ideal del cuerpo humano. Los escultores griegos se enfocaron en representar la anatomía humana de manera idealizada y proporcionada, así como en capturar el movimiento de una manera más natural que en el período arcaico. Artistas como Mirón, Policleto y Fidias ayudaron a desarrollar el estilo clásico durante el siglo V a.C., en el que primaron la perfección anatómica, el equilibrio y la serenidad en las figuras.
La escultura griega arcaica incluye figuras como los kuros (jóvenes varones) y las korai (jóvenes mujeres), que se desarrollaron entre los siglos VII y V a.C. Estas figuras se caracterizan por su frontalidad, brazos pegados al cuerpo, y sonrisa arcaica. Representan tanto atletas como ofrendas a los dioses, y muestran influencias egipcias y cretenses.
El documento describe la escultura griega de los períodos arcaico, clásico y helenístico. En el período arcaico dominaron las esculturas de kouroi y korai que representaban figuras frontales con características como el pelo en melenas. En el período clásico se ganó en movimiento y realismo, con escultores como Fidias y Praxíteles. En el período helenístico la escultura se volvió más realista y expresiva, representando grupos y una variedad de emociones humanas.
El documento resume el arte prehistórico del Paleolítico Superior en Europa, describiendo sus principales características como el arte mobiliar de Venus y figuras de animales, el arte parietal que incluye pinturas rupestres de animales de caza en cuevas franco-cantábricas como Altamira y Lascaux, y las teorías sobre su función como arte, magia o religión. También explica la periodización y culturas como el Auriñaciense, Solutrense y Magdaleniense.
La escultura griega se desarrolló desde el periodo arcaico hasta el helenístico, buscando representar el cuerpo humano de forma bella y armoniosa. Los principales escultores clásicos como Fidias, Policleto y Praxiteles crearon obras maestras que capturaron la perfección anatómica y la serenidad espiritual. En el periodo helenístico, escuelas como la de Pérgamo introdujeron un mayor dramatismo en sus representaciones.
Este documento resume la escultura del Laoconte y sus hijos. Es una escultura griega del siglo II a.C. que representa al sacerdote troyano Laoconte y sus hijos siendo atacados por serpientes como castigo por advertir sobre el engaño del caballo de Troya. La escultura muestra gran expresividad y dinamismo a través de las líneas oblicuas y contorsiones de los cuerpos. Se considera una de las obras maestras de la escultura clásica.
La escultura representa el momento en que Laocoonte y sus dos hijos son atacados y envueltos por serpientes marinas, según relata Virgilio. Data probablemente del siglo I a.C.-I d.C. y fue tallada en mármol por los escultores griegos Agesandro, Polidoro y Atenodoro de la escuela de Rodas. Fue descubierta en Roma en 1506 y actualmente se exhibe en los Museos Vaticanos.
La escultura griega se caracterizó por plasmar la belleza ideal del cuerpo humano. Los escultores griegos se enfocaron en representar la anatomía humana de manera idealizada y proporcionada, así como en capturar el movimiento de una manera más natural que en el período arcaico. Artistas como Mirón, Policleto y Fidias ayudaron a desarrollar el estilo clásico durante el siglo V a.C., en el que primaron la perfección anatómica, el equilibrio y la serenidad en las figuras.
La escultura griega arcaica incluye figuras como los kuros (jóvenes varones) y las korai (jóvenes mujeres), que se desarrollaron entre los siglos VII y V a.C. Estas figuras se caracterizan por su frontalidad, brazos pegados al cuerpo, y sonrisa arcaica. Representan tanto atletas como ofrendas a los dioses, y muestran influencias egipcias y cretenses.
El documento describe la escultura griega de los períodos arcaico, clásico y helenístico. En el período arcaico dominaron las esculturas de kouroi y korai que representaban figuras frontales con características como el pelo en melenas. En el período clásico se ganó en movimiento y realismo, con escultores como Fidias y Praxíteles. En el período helenístico la escultura se volvió más realista y expresiva, representando grupos y una variedad de emociones humanas.
El documento resume el arte prehistórico del Paleolítico Superior en Europa, describiendo sus principales características como el arte mobiliar de Venus y figuras de animales, el arte parietal que incluye pinturas rupestres de animales de caza en cuevas franco-cantábricas como Altamira y Lascaux, y las teorías sobre su función como arte, magia o religión. También explica la periodización y culturas como el Auriñaciense, Solutrense y Magdaleniense.
La escultura griega se desarrolló desde el periodo arcaico hasta el helenístico, buscando representar el cuerpo humano de forma bella y armoniosa. Los principales escultores clásicos como Fidias, Policleto y Praxiteles crearon obras maestras que capturaron la perfección anatómica y la serenidad espiritual. En el periodo helenístico, escuelas como la de Pérgamo introdujeron un mayor dramatismo en sus representaciones.
El documento describe varias esculturas griegas importantes de los siglos III-I a.C., incluyendo la Venus de Milo, La Victoria de Samotracia y Laocoonte y sus hijos. También menciona el Esclavo escita afilando su cuchillo, el Gálata herido y esculturas como el Hermafrodita dormida y el Fauno Barberini. Finalmente, describe algunas obras mayores como el sarcófago de Alejandro Magno y el altar de Zeus y Atenea que incluyen batallas de gigantes y dioses.
Este documento describe las diferentes etapas del arte escultórico griego clásico, incluyendo la transición al clasicismo con obras como el Auriga de Delfos, la plenitud clásica con obras de Mirón, Policleto y Fidias, y el clasicismo tardío con escultores como Praxíteles y Lisipo que introdujeron nuevos cánones de belleza.
Este documento presenta un resumen de la evolución de la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el helenístico. Describe las características y obras representativas de cada periodo, incluyendo artistas como Fidias, Policleto, Praxíteles y Lisipo. Finaliza con una breve bibliografía sobre el tema.
La escultura griega se caracterizó por su sentido estético naturalista y antropocéntrico, con modelos idealizados del cuerpo humano. Se desarrolló cronológicamente desde el periodo arcaico, con figuras rígidas y simétricas como los kouroi y korai, hasta alcanzar el naturalismo en el periodo clásico con obras maestras de artistas como Fidias, Policleto y Mirón.
El documento describe la evolución de la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el helenístico. Comienza con las características de la escultura arcaica como la rigidez y falta de movimiento. Luego describe el desarrollo del ideal clásico de belleza y proporción en el siglo V a.C. con artistas como Fidias. Finalmente, explica cómo en el periodo helenístico hubo un cambio hacia mayor expresividad, realismo y temas costumbristas.
El documento describe la evolución del arte de la escultura griega desde sus orígenes orientalizantes hasta el periodo clásico. Comenzó influenciada por Egipto pero los artistas griegos desarrollaron su propio estilo, representando el cuerpo humano de forma idealizada y buscando la belleza a través de la proporción y el movimiento. Policleto y Fidias fueron dos de los mayores exponentes durante la época clásica, representando figuras equilibradas y armónicas.
La escultura helenística se caracterizó por fusionar el modelo clásico griego con influencias orientales, dando lugar a un mayor realismo, dramatismo y dinamismo en las obras. Temas como dioses, héroes y atletas continuaron siendo populares, pero también surgieron nuevos como la niñez, la vejez y lo grotesco. Piezas notables incluyen la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia y el Laoconte y sus hijos.
En esta presentación veremos las representaciones figurativas prehelénicas tanto en soporte escultórico como en pintura. Antes se darán unas pequeñas nociones sobre las características de la figuración de estos pueblos.
El período helenístico se caracterizó por una tendencia a combinar rasgos clásicos y orientales debido a las conquistas de Alejandro Magno, así como una mayor expresión de emociones y movimiento en las esculturas. Algunas de las principales escuelas de escultura del período fueron la de Pérgamo, conocida por sus figuras dramáticas; la de Rodas, destacada por obras como la Victoria de Samotracia; y la de Alejandría, especializada en alegorías como la del Río Nilo.
La escultura griega se caracterizó por plasmar la belleza ideal del cuerpo humano a través de la desnudez, la proporción y el movimiento contenido. Los escultores griegos representaron figuras con una anatomía perfecta y gestos serenos que reflejaban la armonía entre las partes y el todo. Este estilo alcanzó su máxima perfección en el siglo V a.C. durante la época clásica griega.
El documento describe la evolución de la escultura griega desde sus orígenes hasta el periodo helenístico. La escultura griega clásica se caracterizó por la perfección, equilibrio y proporción del cuerpo humano logrados a través del contraposto y el canon. Artistas como Fidias, Mirón y Praxiteles crearon obras maestras que ilustraron la belleza ideal griega. En el helenismo, la escultura se hizo más monumental y dramática.
Este documento presenta las características generales de la escultura griega. Se divide la escultura griega en períodos, destacando el arcaico, clásico, postclásico y helenístico. La escultura griega se centra en la belleza ideal del cuerpo humano mediante proporciones perfectas y ausencia de emociones. Los griegos crearon obras maestras escultóricas representando dioses, atletas y otras figuras.
El documento describe las principales obras artísticas del periodo helenístico desde el siglo III a.C. hasta el siglo I a.C., incluyendo esculturas como la Victoria de Samotracia, el Laocoonte y el Toro Farnesio. También describe las diferentes escuelas artísticas que surgieron en esta época en ciudades como Atenas, Pérgamo, Rodas, Antioquía y Alejandría. Se caracterizan por su realismo anatómico y su dramatismo en comparación con el idealismo clásico.
ART 01.C. La escultura griega. Rasgos generales y período arcaicoSergi Sanchiz Torres
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
Este documento resume la escultura griega antigua. Comenzó como esculturas rígidas de madera o piedra (periodo arcaico), luego evolucionó para mostrar más movimiento y realismo (periodo clásico), representando la belleza humana idealizada. Algunas obras notables incluyen el "Moscóforo", que muestra un donante llevando un ternero, y el "Auriga de Delfos", una figura equilibrada y serena a pesar de la tensión de la carrera inminente. La escultura griega buscó
El Friso de las Panateneas representa la procesión que se realizaba cada cuatro años en Atenas para entregar un nuevo peplo a la diosa Atenea. En el lado oeste se muestran jinetes preparándose, mientras que en los lados norte y sur portadores llevan ofrendas. En el lado este, doncellas, magistrados y héroes se acercan al lugar sagrado, donde se representa la entrega del peplo en la escena central. El friso, tallado en mármol por Fidias en el siglo V a.
El documento resume los principales periodos y estilos artísticos desde el Paleolítico hasta el Renacimiento. Comienza con el arte del Paleolítico como las primeras manifestaciones escultóricas y pictóricas. Luego describe brevemente el arte en Egipto, Grecia, Roma y la Edad Media, incluyendo el arte bizantino, románico y gótico. Finalmente, explica los antecedentes y características del Renacimiento italiano.
La escultura griega alcanzó su plenitud en los siglos V y IV a.C. con artistas como Fidias, Policleto y Mirón, que crearon obras maestras representando la belleza ideal del cuerpo humano de forma naturalista y equilibrada. En el siglo IV a.C., el clasicismo tardío trajo una mayor expresividad emocional y temas más cotidianos bajo artistas como Praxíteles y Lisipo, quienes desarrollaron nuevos cánones de belleza.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
El documento resume el arte prehistórico y antiguo de diferentes culturas como la prehistórica, egipcia, griega y romana. Describe su arquitectura, escultura, pintura y otros aspectos, destacando los principales estilos, obras y periodos artísticos. Se enfoca en detalles técnicos y características formales de las obras para proveer una visión general de la evolución del arte en dichas culturas.
Beverly Medalle. Dosier Historia del Arte (2ºBach)Beverlym8
El documento resume brevemente el arte prehistórico, egipcio, griego y romano. Describe la escultura, pintura y arquitectura de cada período, incluyendo ejemplos representativos como la Venus de Willendorf, el Partenón, el Panteón y el Coliseo. También analiza la evolución de la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el helenístico.
El documento describe varias esculturas griegas importantes de los siglos III-I a.C., incluyendo la Venus de Milo, La Victoria de Samotracia y Laocoonte y sus hijos. También menciona el Esclavo escita afilando su cuchillo, el Gálata herido y esculturas como el Hermafrodita dormida y el Fauno Barberini. Finalmente, describe algunas obras mayores como el sarcófago de Alejandro Magno y el altar de Zeus y Atenea que incluyen batallas de gigantes y dioses.
Este documento describe las diferentes etapas del arte escultórico griego clásico, incluyendo la transición al clasicismo con obras como el Auriga de Delfos, la plenitud clásica con obras de Mirón, Policleto y Fidias, y el clasicismo tardío con escultores como Praxíteles y Lisipo que introdujeron nuevos cánones de belleza.
Este documento presenta un resumen de la evolución de la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el helenístico. Describe las características y obras representativas de cada periodo, incluyendo artistas como Fidias, Policleto, Praxíteles y Lisipo. Finaliza con una breve bibliografía sobre el tema.
La escultura griega se caracterizó por su sentido estético naturalista y antropocéntrico, con modelos idealizados del cuerpo humano. Se desarrolló cronológicamente desde el periodo arcaico, con figuras rígidas y simétricas como los kouroi y korai, hasta alcanzar el naturalismo en el periodo clásico con obras maestras de artistas como Fidias, Policleto y Mirón.
El documento describe la evolución de la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el helenístico. Comienza con las características de la escultura arcaica como la rigidez y falta de movimiento. Luego describe el desarrollo del ideal clásico de belleza y proporción en el siglo V a.C. con artistas como Fidias. Finalmente, explica cómo en el periodo helenístico hubo un cambio hacia mayor expresividad, realismo y temas costumbristas.
El documento describe la evolución del arte de la escultura griega desde sus orígenes orientalizantes hasta el periodo clásico. Comenzó influenciada por Egipto pero los artistas griegos desarrollaron su propio estilo, representando el cuerpo humano de forma idealizada y buscando la belleza a través de la proporción y el movimiento. Policleto y Fidias fueron dos de los mayores exponentes durante la época clásica, representando figuras equilibradas y armónicas.
La escultura helenística se caracterizó por fusionar el modelo clásico griego con influencias orientales, dando lugar a un mayor realismo, dramatismo y dinamismo en las obras. Temas como dioses, héroes y atletas continuaron siendo populares, pero también surgieron nuevos como la niñez, la vejez y lo grotesco. Piezas notables incluyen la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia y el Laoconte y sus hijos.
En esta presentación veremos las representaciones figurativas prehelénicas tanto en soporte escultórico como en pintura. Antes se darán unas pequeñas nociones sobre las características de la figuración de estos pueblos.
El período helenístico se caracterizó por una tendencia a combinar rasgos clásicos y orientales debido a las conquistas de Alejandro Magno, así como una mayor expresión de emociones y movimiento en las esculturas. Algunas de las principales escuelas de escultura del período fueron la de Pérgamo, conocida por sus figuras dramáticas; la de Rodas, destacada por obras como la Victoria de Samotracia; y la de Alejandría, especializada en alegorías como la del Río Nilo.
La escultura griega se caracterizó por plasmar la belleza ideal del cuerpo humano a través de la desnudez, la proporción y el movimiento contenido. Los escultores griegos representaron figuras con una anatomía perfecta y gestos serenos que reflejaban la armonía entre las partes y el todo. Este estilo alcanzó su máxima perfección en el siglo V a.C. durante la época clásica griega.
El documento describe la evolución de la escultura griega desde sus orígenes hasta el periodo helenístico. La escultura griega clásica se caracterizó por la perfección, equilibrio y proporción del cuerpo humano logrados a través del contraposto y el canon. Artistas como Fidias, Mirón y Praxiteles crearon obras maestras que ilustraron la belleza ideal griega. En el helenismo, la escultura se hizo más monumental y dramática.
Este documento presenta las características generales de la escultura griega. Se divide la escultura griega en períodos, destacando el arcaico, clásico, postclásico y helenístico. La escultura griega se centra en la belleza ideal del cuerpo humano mediante proporciones perfectas y ausencia de emociones. Los griegos crearon obras maestras escultóricas representando dioses, atletas y otras figuras.
El documento describe las principales obras artísticas del periodo helenístico desde el siglo III a.C. hasta el siglo I a.C., incluyendo esculturas como la Victoria de Samotracia, el Laocoonte y el Toro Farnesio. También describe las diferentes escuelas artísticas que surgieron en esta época en ciudades como Atenas, Pérgamo, Rodas, Antioquía y Alejandría. Se caracterizan por su realismo anatómico y su dramatismo en comparación con el idealismo clásico.
ART 01.C. La escultura griega. Rasgos generales y período arcaicoSergi Sanchiz Torres
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
Este documento resume la escultura griega antigua. Comenzó como esculturas rígidas de madera o piedra (periodo arcaico), luego evolucionó para mostrar más movimiento y realismo (periodo clásico), representando la belleza humana idealizada. Algunas obras notables incluyen el "Moscóforo", que muestra un donante llevando un ternero, y el "Auriga de Delfos", una figura equilibrada y serena a pesar de la tensión de la carrera inminente. La escultura griega buscó
El Friso de las Panateneas representa la procesión que se realizaba cada cuatro años en Atenas para entregar un nuevo peplo a la diosa Atenea. En el lado oeste se muestran jinetes preparándose, mientras que en los lados norte y sur portadores llevan ofrendas. En el lado este, doncellas, magistrados y héroes se acercan al lugar sagrado, donde se representa la entrega del peplo en la escena central. El friso, tallado en mármol por Fidias en el siglo V a.
El documento resume los principales periodos y estilos artísticos desde el Paleolítico hasta el Renacimiento. Comienza con el arte del Paleolítico como las primeras manifestaciones escultóricas y pictóricas. Luego describe brevemente el arte en Egipto, Grecia, Roma y la Edad Media, incluyendo el arte bizantino, románico y gótico. Finalmente, explica los antecedentes y características del Renacimiento italiano.
La escultura griega alcanzó su plenitud en los siglos V y IV a.C. con artistas como Fidias, Policleto y Mirón, que crearon obras maestras representando la belleza ideal del cuerpo humano de forma naturalista y equilibrada. En el siglo IV a.C., el clasicismo tardío trajo una mayor expresividad emocional y temas más cotidianos bajo artistas como Praxíteles y Lisipo, quienes desarrollaron nuevos cánones de belleza.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
El documento resume el arte prehistórico y antiguo de diferentes culturas como la prehistórica, egipcia, griega y romana. Describe su arquitectura, escultura, pintura y otros aspectos, destacando los principales estilos, obras y periodos artísticos. Se enfoca en detalles técnicos y características formales de las obras para proveer una visión general de la evolución del arte en dichas culturas.
Beverly Medalle. Dosier Historia del Arte (2ºBach)Beverlym8
El documento resume brevemente el arte prehistórico, egipcio, griego y romano. Describe la escultura, pintura y arquitectura de cada período, incluyendo ejemplos representativos como la Venus de Willendorf, el Partenón, el Panteón y el Coliseo. También analiza la evolución de la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el helenístico.
El documento resume la escultura griega del período helenístico (siglos IV-I a.C.), caracterizado por una mayor variedad estilística y temática. Se pierde la unidad clásica a medida que surgen nuevas escuelas artísticas. Predominan las obras barrocas con movimiento intenso, aunque algunos artistas conservan los ideales clásicos. Temas como el retrato, la vejez y lo feo ganan popularidad. Obras maestras incluyen la Venus de Milo y el Laocoonte.
El documento resume los principales estilos y características de la escultura y el retrato romano, así como del relieve histórico y del mosaico y la pintura pompeyana. La escultura romana tenía un carácter ecléctico que combinaba tradiciones griegas con estilos de otras regiones. El retrato evolucionó de modelos etruscos y griegos hacia un mayor realismo. El relieve histórico se usaba para narrar victorias militares en monumentos conmemorativos. La pintura pompeyana pasó por cuatro estilos suces
El documento resume los principales períodos del arte griego antiguo: el arte cicládico, el arte minoico o cretense, el arte micénico, el período geométrico, el período arcaico, la escultura clásica y la escultura helenística. Describe las características y obras representativas de cada período, incluyendo las esculturas cicládicas, el Palacio de Cnosos en Creta, la Puerta de los Leones en Micenas, la cerámica geométrica y esculturas como
Este documento resume la historia del arte en las culturas clásicas de la antigüedad. Explica que la cultura griega clásica floreció entre los años 850-338 a.C. y produjo obras de arte y arquitectura refinadas. También cubre el arte romano, que heredó la cultura griega pero se enfocó más en proyectos prácticos para el estado. Finalmente, describe el arte paleocristiano que evolucionó del arte romano tardío con nuevos símbolos cristianos.
Este documento ofrece una introducción general a la historia del arte, incluyendo ejemplos representativos de diferentes períodos y estilos artísticos como la Mezquita de Córdoba, las Pirámides de Egipto y el arte de las cuevas prehistóricas. Luego se centra en el arte de Egipto, Grecia y Roma, describiendo sus principales características arquitectónicas y escultóricas. Finalmente, analiza el románico y gótico, con ejemplos como las catedrales de Chartres y Notre Dame
Este documento presenta una línea de tiempo del arte que resume las principales características de los estilos artísticos desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo, incluyendo detalles sobre la evolución de la arquitectura, escultura y pintura en cada período.
1) Durante el periodo clásico griego (480-400 a.C.), la arquitectura, escultura y cerámica alcanzaron su máxima expresión con obras maestras como el Partenón y el templo de Zeus en Olimpia.
2) En escultura, artistas como Fidias desarrollaron el estilo severo con figuras como el Auriga de Delfos, captando mejor el movimiento.
3) La pintura de vase también floreció, con pintores como Kleofrades creando vasijas decoradas con escenas mitológic
El documento resume la cultura etrusca que se desarrolló en la península italiana entre los siglos VII y IV a.C. Los etruscos destacaron en arquitectura con el uso del arco y la bóveda y construyeron ciudades fortificadas con puertas de arco. En escultura utilizaron materiales como la terracota y el bronce con influencias griegas y orientales, representando figuras humanas de forma realista y animales fantásticos. Finalmente, decoraron tumbas con pinturas al fresco que mostraban escenas rituales
El documento resume la cultura etrusca que se desarrolló en la península italiana entre los siglos VII y IV a.C. Los etruscos destacaron en arquitectura con el uso del arco y la bóveda y construyeron ciudades fortificadas con puertas de arco. En escultura utilizaron materiales como la terracota y el bronce con influencias griegas y orientales, representando figuras humanas de forma realista y animales fantásticos. Finalmente, decoraron tumbas con pinturas al fresco que mostraban escenas rituales
El documento resume la cultura etrusca que se desarrolló en la península italiana entre los siglos VII y IV a.C. Los etruscos destacaron en arquitectura con el uso del arco y la bóveda y construyeron ciudades fortificadas con puertas de arco. En escultura utilizaron materiales como la terracota y el bronce con influencias griegas y orientales, representando figuras humanas de forma realista y animales fantásticos. Finalmente, decoraron tumbas con pinturas al fresco que mostraban escenas rituales
Este documento proporciona una introducción a las principales características del arte clásico griego, incluyendo la arquitectura (órdenes, templos, teatros), la escultura (evolución desde el arcaísmo hasta el helenismo) y algunos de los artistas más importantes como Fidias. También se destaca la Acrópolis de Atenas como ejemplo principal de la arquitectura clásica griega.
El documento describe el arte clásico griego. Señala que los griegos fundaron colonias que transmitieron su cultura y arte. El arte griego se caracteriza por el humanismo, la búsqueda de la belleza ideal y la proporción. La arquitectura griega incluye templos y espacios públicos construidos con columnas de los órdenes dórico, jónico y corintio. La escultura griega evolucionó desde formas rígidas y frontales hacia representaciones naturalistas del cuerpo humano. Las obras maestras incluyen escult
El documento presenta una cronología y descripción general del arte prehistórico europeo desde el Paleolítico hasta la Edad del Bronce, incluyendo los principales períodos, estilos, yacimientos y obras representativas. Se detalla la aparición del arte rupestre paleolítico y su evolución naturalista, así como las culturas megalíticas del Neolítico y las culturas del Bronce en la Península Ibérica, Baleares y Cerdeña.
1. La arquitectura griega se caracterizaba por el uso de columnas y frontones triangulares. 2. Utilizaba tres órdenes arquitectónicos principales (dórico, jónico y corintio) que se distinguían por los detalles de sus columnas y capiteles. 3. La escultura griega evolucionó desde figuras rígidas en la época arcaica hasta representaciones más naturalistas y expresivas en las épocas clásica y helenística.
El documento resume brevemente la arquitectura, escultura y cerámica griegas a lo largo de su historia. Describe varios edificios importantes como el Palacio de Cnossos y el Partenón, así como obras escultóricas clave como el Doríforo, la Venus de Milo y el Laocoonte. También menciona la evolución de la cerámica ática desde las decoraciones geométricas hasta las pinturas negras y rojas que ilustraban mitos.
El documento presenta una introducción al arte griego antiguo, incluyendo su arquitectura, escultura y cerámica. Describe varios edificios importantes como el Palacio de Cnossos y el Partenón, así como obras escultóricas clave de diferentes períodos como los ídolos cicládicos, el Discóbolo y la Venus de Milo. También resume las principales técnicas de cerámica griega como las pinturas negras y rojas, ilustrando con ejemplos como el Vaso François y la copa de Tese
El documento describe el arte prehistórico del Paleolítico Superior, incluyendo las Venus que representan la fertilidad, el arte mobiliar funcional y religioso como esculturas y objetos decorados, y el arte rupestre o parietal en cavernas con pinturas y grabados de animales. El hombre paleolítico demostró gran capacidad creativa y habilidad artística a través de estas obras que también proporcionan información sobre su cultura y el mundo que los rodeaba.
Durante el desarrollo embrionario, las células se multiplican y diferencian para formar tejidos y órganos especializados, bajo la regulación de señales internas y externas.
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Dossier de Obras de Arte.
1. Arte Prehistórico.
-Arquitectura.
Ejemplo de Menhir. Alineamiento de Carnac (Francia). Dolmen de Menga (Interior). < A. Funeraria
Cromlech de Stonehenge (Inglaterra). Rituales solares. Ejemplos de Taula, Talayot y Naveta.
-Escultura.
Venus de Willendorf. Venus de Lespugue. Venus de Laussel. < Aparecen muy marcados los
atributos femeninos, se relacionan con el culto a la fecundidad.
-Pintura.
Bisontes. Cueva de Altamira (Cantabria). Vaca. Cueva de Lascaux (Francia). Escena de Caza (Cueva de
Valltorta, Castellón.
La temática principal son los animales y los humanos, en un principio tiene un carácter individualista (escuela
franco-cantábrica) pero más tarde se darán las pinturas de un conjunto de elementos (en la escuela levantina).
Son monocramadas/policramadas. Arte Parietal.
2. Arte Egipcio.
La característica principal de este pueblo es su naturaleza profundamente religiosa.
-Arquitectura.
Templo de Amón en Karnak (exterior y interior). Templo de Amón en Luxor.
Templo Reina Hatshepsut; Deir el-Bahari. Templo de Ranses II (gran speo) y Nefertari en Abú Simbel.
Pirámide escalonada de Zoser en Sakkara. Acodada de Snefru en Dashur. Keops, Kefren Mikerinos en Guiza.
Mastaba de Mereruka.
-Escultura.
Príncipe Rahotep y su esposa Nofret. Relieve de Hesiré.
3. Triada de Mikerinos. Esfinge de Guiza. Cheik-el-Beled "alcalde pueblo". Escribas sentados Cairo/Louvre.
Busto de Nefertiti. R.DeAmenofisIV/NefertitiBajoDiosAmón. Estatua Sedente de Kefrén. Los Colosos de Memnon.
-Pintura.
Deir-el-Medineh; pinturas de la tumba de Sennedjem (escenas agrícolas).
Juicio del Alma; papiro de la dinastía XIX. Bailarinas y música de la tumba de Nebamun; imperio nuevo.
Cacería de patos salvajes. Tumba de Nebamón; imperio nuevo.
4. Arte Prehelénico.
-Arquitectura.
Palacio de Cnososs (A. Cretense). Puerta de los leones de Micenas (A. Micénico). Tesoro de Atreo (A.
Micénico).
-Escultura.
Sacerdotisa de las serpientes de Creta (A. Cretense). Máscara de Agamenon (A. Cretense).
-Pintura.
El Príncipe de los Lirio. Palacio de Cnososs (A. Cretense). El fresco del Torero (A. Cretense).
5. Arte Griego.
-Arquitectura.
Alzado de columnas y entablamentos dóricos, jónicos y corintios.
El Partenón de Atenas. Data del año 447 a.C. y su construcción se debe a Ictinos, Calícrates (arquitectura) y Fidias
(Escultura). Periodo Clásico.
El Erecteion de Atenas: tribuna de las cariátides. Construcción por Mnesikles. Templo de Atenea Niké de
Atenas. Construcción por Calícrates. Ambos del periodo clásico.
Altar de Zeus en Pérgamo. Periodo Helenístico. Teatro de Epidauro. Periodo Helenístico.
Tholoi de Epidauro. Periodo Helenístico.
6. -Escultura.
Koré del Peplo. Dama de Auxerre. Kouros de Anavisos.
Estas tres esculturas pertenecen al Período Arcaido (Siglo VIII-VI a.C.). Se caracterizan por: Son figuras hieráticas
(con un esquema de composición muy rígido y los brazos pegados al cuerpo), presentan un cuello muy grueso, un
pelo con trazado geométrico, sonrisa egineta y unos ojos almendrados. Visten tejidos geométricos, esculpidos
con muy poco detalle.
Nacimiento de Venus. Trono Ludovisi. El Auriga de Delfos. Poseidón del Cabo Artemisio.
Ambas escultural pertenecen a la Época Severa (primera mitad del Siglo V a.C. Destaca el arcaísmo (pelo
geométrico, sonrisa egineta, ojos almendrados…). Se trata de una escultura monumental. Observamos un mayor
dinamismo.
Discóbolo de Mirón. Representa la transición del estilo severo a la época clásica (segunda mitad del Siglo V a.C.).
La figura se representa en pleno movimiento pero todavía calmado, en paz.
7. Doríforo y Diadúmeno de Policleto. Perteneciente al periodo clásico. Destaca por la creación de la técnica del
contrapposto (una pierna apoyada sostiene el mayor peso del cuerpo y la otra queda libre) de manera que
facilitaba la representación del movimiento. Expresión seria y pensativa. Se plasma el Canon que establece que el
cuerpo entero mide siete veces la medida de la cabeza.
En el siguiente orden: Frisos de las Panateneas, detalle del frontón oriental del Partenón: el nacimiento de
Atenea, Las Parcas, Cabeza de Atenea Lemnia. Todas estas esculturas pertenecen al periodo clásico (segunda
mitad del S. V a.C.) y son obras de Fidias. Sus figuras se caracterizan por estar dotadas de plena naturalidad, que
nuestra, por ejemplo, a través de la técnica de “Paños Mojados”.
Apoxiómeno y Hércules Farnesio. Ambas son obras de Lisipo, este autor se caracteriza por codificar un nuevo
canon más alargado (su cuerpo mide 8 cabezas), con una acción más realista.
8. Hermes con el Dios Dionisos, Apolo Sauróctono, Venus de Cnido. Ambas datan del siglo IV (periodo clásico) y son
obra de Praxíteles, este autor aporta a sus figuras un característico sentido amable y sugestivo. Es fácilmente
reconocible por la aportación de la “curva praxiteliana” (compone sus figuras con un ritmo en “S”).
Ménade Furiosa, de Escopas. Escultor del dolor y de la pasión. P. Clásico. Venus de Milo.
ÉPOCA HELENÍSTICA (S. III a.C. – II a.C.):
Pertenece a la escuela de Alejandría. Esta escuela mostró complacencia por los temas cotidianos y alegóricos,
personifica ideas abstractas. Esta escultura representaun anciano recostado, que porta el cuerno de la
abundancia y los símbolos de las tierra que sus aguas fertilizan (afluentes).
Detalle de la lucha entre los Titanes y los Dioses del Altar de Zeus en
Pérgamo, Galata Ludovisi, Galata Moribundo, Vieja Ebria, El Espinario y el niño de la oca. Pertenecen a la escuela
de Pérgamo. Se inclina por temas patéticos, de sentimientos violentos y destaca por su dramatismo.
9. Victoria de Samocracia, Laoconte y sus hijos, El toro Farnesio. Todas ellas pertenecen a la escuela de Rodas.
Continúa la vertiente dramática, profundizando en la emoción del sufrimiento y acentuando el dolor.
Arte Etrusco.
-Escultura.
Esposos de Cerveteri, Loba Capitolina, Quimera de Arezzo y Apolo de Veyes.S. VII a.C. El culto a los muertos tiene
reflejo en el interés por los enterramientos. Realismo e influencias griegas, como la sonrisa arcaica y los ojos
almendrados. Fueron excelentes broncistas.
10. Arte Romano.
-Arquitectura.
Alzado de columnas y entablamentos de los 5 órdenes Templo de la Fortuna Viril, Roma. A. Religiosa.
romanos (dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto). Normalmente dedicado a la tríada capitolina.
La Maisón Carrée, Nime. A. Religiosa. Panteón, Roma. Levantado por Agripa en el 27 a.C.
fue reconstruido por Adriano. Dedicado a todos los Dioses del Imperio. A. Religiosa.
Basílica de Majencio, Roma. A. Civil. Anfiteatro Flavio (siglo I d.C.) denominado “Coliseo”. A. lúdica-
recreativa. Superposición del dintel al arco.
Arco de Tito,
Arco de Constantino y Arco de Septimio Severo. A. Conmemorativa. Simboliza la puerta que cruzó un general o
emperador tras su victoria.
11. Termas de Caracalla. Roma. A. lúdica-recreativa. Columna Trajana. Roma. A. Conmemorativa. Conmemora la
victoria de Marco Aurelio frente a los Dacios.
Ara Pacis Augustae. Roma. Mausoleo de Adriano. Roma. A. Funeraria. Acueducto de los Milagros,
Conmemora la paz tras las guerras de las Galias e Hispania. Mérida. A. Funcional.
Acueducto de Segovia. A. Funcional Anfiteatro de Itálica, Santiponce (Sevilla). A lúdica-recreativa.
Teatro de Mérida. A. lúdica-recreativa. Se erige Puenta de Álcantara. A. Funcional.
gracias al nuevo sistema de galerías abovedadas.
12. -Escultura.
-Retrato.
Lucius Brutus y Brutus barberini con dos “imagines maiorum”. Ambas son de influencia etrusca y se encuentran
en el museo Capitolino de Roma. Pertenecen a la última fase del helenismo (s. II a.C.). Pertencen al año 100 a.C.
Augusto de “Prima Porta” y Augusto “Pontifex Máximus”. El retrato realista republicano fue sustituido por una
corriente idealizante de procedencia griega, basada en la adaptación de modelos helénicos.
Adriano, museo arqueológico de Sevilla. El Retrado de Marco Aurelio a caballo. Unico
Retrato imperial sufre grandes transformaciones retrado ecuestre conservado. Pertenece a
como: moda por la barba corta y cuidada, la época de los Antoninos.
contrastes de luz y sombra,etc…
13. -Relieve Histórico.
Interior del Arco de Tito, Roman. Los relieves del arco conmemoran la victoria de Tito en Jerusalén en el año 70,
que puso fin a las revueltas de la zona. Representan la entrada de Tito en Jerusalén y el sequeo en la ciudad.
Procesión de los Senadores, Ara Pacis, Roma. Conmemora la paz en el Imperio Romano tras la victoria frente a los
galos, astures y cántabros.
Detalle columna Trajana, Roma. Narra el episodio de las guerras del emperador contra los dacios. De carácter
narrativo, las figuras se disponen en perspectiva caballera.
14. Arte Paleocristiano.
-Pintura.
El buen pastor. Catacumba de Calixto, Roma. Orante. Cato Priscila. Ejemplos de simbologia cristiana (Pez, Áncora,
Crismón, Pavo Real). El cristianismo en un principio es una religion clandestina, ello les obligo a expresarse en
simbolos. El pez simboliza que los neófitos se convertían también en peces al recibir el bautismo en la piscina, el
áncora la salvación eterna, el buen pastor alegoriza a Jesús salvando el alma del fiel, etc…
-Arquitectura.
Ejemplo de loculi y arcosolia. El primero da nombre a los nichos abiertos en las paredes de los corredores
restangulares (para los restos mortales de la gente de apie) mientras que el segundo se refiere a los
semicirculares.
Planta de la Basílica Paleocristiana. Basílica de Santa Savina, Roma (Int.). Basílica de San Pablo de Extramuros
(Int). Adaptoran la misma disposición del espacio inteior de la Basílica Romana pero la dotaron de un nuevo
significado. Introdujeron pequeños cambios: alargaron las naves, cuenta con un atri, un nártex, etc…
15. Arte Bizantino.
-Arquitectura.
Santa Sofía de Constantinopla, planta, exterior y interior. Etapa justinianea. Se construyó entre el 532 y el 537,
reconstruida en 562. Autores: Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto. Los edificios se estructuran alrededor de
una cúpula central, aparece el sistema de contrarresto para descargar el peso de las cúpulos (a través de
pechinas) y se le da gran importancia al sistema de iluminación.
San Vital de Rávena (Planta, interior y exterior). Data del 538-547. El atrio antigua queda reducido a un pórtico
adosado en la fachada. Surge un Nártex, la iconostasis (que separa el espacio de los fieles del presbiterio) y la
tribuna.
San Apolinar el Nuevo, Rávena, Italia. Interior. San Marcos de Venecia, Italia. Exterior.
16. -Mosaicos.
Justiniano y su Corte y Teodora y su séquito. San Vital de Rávena, Italia. Se caracterizan por representar figuras
humanas de frente, hieráticas y rígidas. Estas figuras no estan concebidas en un marco natural. Los cuerpos
tienen un canon fijo de tradición helénica y las caras se inscriben en tres círculos concéntricos: el primero
circunscribe el rostro, el segundo los cabellos y el tercero el aura- Imagen exclusivamente religiosa.
Procesión de los Santos y de las Santas, San Apolinar el Nuevo, Rávena, Italia.
Cristo Cosmocrator, ábside de San Vital de Rávena, Italia. Tipologías de vírgenes Bizantinas. En esta
imagen nos encontramos a la Virgen Trono, aunque hay otros tipos: Theotocos, Eleoúsa (dulce madre), Odhigitría
(señalando al niño Jesús como camino de salvación), etc..
Ejemplo de Pantocrator Bizantino. Normalmente se situa en la cúpula central, representa al “Todopoderoso). Se
encuentra sentado en el trono divino, en una mano se encuentra la biblia y otra en actitud de divinizar.
17. Arte Hispanomusulmán.
-Arte Califal.
Mezquita de Córdoba (en el siguiente orden): arquerías interiores; cúpula del Mihrab; portada del Mihrab;
maqsura; portadas exteriores (San Miguel y San Esteban). Autores más destacados: Nasr, Masrur y Chafar.
Madinat al-Zahtra (El Palacio Medina Azahara): Plano y Salón Rico (Interior y Exterior).
-Arte de Taifas (primer tercio del siglo XI).
Interior arquerías del Palaciao de la Aljafería, Zaragoza. Exterior de la Alcazaba de Málaga.
18. -Arte Almohade (1153).
Giralda de Sevilla y la Torre del Oro. Ellos intrudujeron un nuevo elemento decorativo: el paño de sebka (retícula
de rombos de trazos mixtilíneos y lobulados).
-Arte Nazarí (1238).
La Alhambra (en el siguiente orden): Patio de los Arrayanes o de la torre de Comares; interior del salón del Rey o
de los embajadores; Patio de los leones; Cúpulas de las Salas de las dos hermanas y de los abencerrajes; Mirador
de Daraxa.
El Generalife: Patio de la Acequia. Construido con toda probabilidad por Muhammad II, fue restaurado en el 1319
por el sultán Ismail I.
19. Arte Románico.
-Arquitectura. Es ante todo religiosa, está definida por dos principios básicos: la
monumentalidad (para propagar la importancia de la Iglesia) y ls perdurabilidad (la religión
eterna).
Iglesia de Cluny (Planta y esquema). Catedral de Angulema (Fachada y planta).
Nuestra Señora de Poitiers (Fachada y planta). Francia. Saint Front de Perigueux (Fachada y planta). Francia.
20. Iglesia de Santa Magdalena de Vezelay, Francia. Catedral, Torre y Baptisterio de Pisa, Italia.
Catedral de Worms (Exterior cabecera). San Miniato al Monte, Florencia, Italia (Fachada).
San Isidoro de León. Exterior e interior. Santiago de Compostela. Planta y alzado.
Tiene dos tramos en la nave transversal, Obra cumbre del románico en España. Planta de
por lo que el transepto aparece resaltado. Cruz latina y organizada en tres naves divididas en 10 tramos.
21. Iglesia de Eunate, Navarra. Una variante poco común
serán las iglesia de planta centralizada.
San Martín de Frómista. Exterior y planta. De planta basilical y con tres naves.
Claustro de Santo Domingo de Silos. Monasterio de Ripoll. Se trata de un microcosmos,
organizado para satisfacer las necesidades materiales y espirituales de sus moradores, células económicas. Se
construye entorno a un claustro, una especia de jardín.
San Clemente de Tahüll.
22. -Escultura. Se somete al marco arquitectónico.
Tímpano de la portada occidental de Santa Fe de Conques; Portada occidental de San Pedro de Moissac;
Juicio Final. Pantocrator y Tetramorfos.
Cristo Crucificado (maiestas domini) y Virgen Quiriotisa (Escultura exenta).
Pórtico de la Gloria. Santiago de Compostela. Maestro mateo
23. -Pintura. Finalidad didáctica.
Ábside de San Clemente de Tahüll: Pantocrator. Ábside de Santa María de Tahüll: Maiestas Mariae.
Bóvedas del Panteón de los Reyes de San Isidoro de León:
La anunciación a los pastores.
25. Catedral de Chartres (exterior y planta).
Catedral de Reims (exterior y planta).
Catedral de Amiens (exterior y planta).
26. Santa Capilla de París (interior).
b) España.
Catedral de Burgos (exterior y planta). Fase clásica. Maestro Enrique.
Catedral de León (exterior y planta). Fase clásica.
27. Catedral de Toledo (exterior y planta). Fase clásica.
Catedral de Palma de Mallorca (exterior). Fase clásica.
Catedral de Sevilla (exterior). Fase Barroca (Gótico Isabelino).
Lonja de Palma de Mallorca (exterior e interior). Fase clásica.
28. c) Italia. Gótico Mediterráneo.
Iglesia de la Santa Croce (exterior).
Catedral de Siena (exterior).
Catedral de Orvieto (exterior).
29. Catedral de Milán (exterior).
Catedral de Santa María de las Flores (Florencia) (exterior).
Palacio del Dux (Venecia) (exterior).
Ca'd'or (Venecia) (exterior).
30. d) Inglaterra.
Catedral de Glaucester (bóveda). Estilo ornamental.
Catedral de Wells (Interior crucero). Estilo ornamental.
Abadía de Westminster. Capilla de Enrique VII (bóveda). Estilo perpendicular.
e) Alemania.
Catedral de Estrasburgo (exterior).
31. f) Bélgica.
Ayuntamiento de Brujas.
-Escultura.
Bello Dios de Amiens.
Detalle de la Anunciación y visitación de las jambas de Reims.
32. Pórtico del crucero de la Catedral de Amiens: Virgen Dorada.
Portada principal de la Catedral de León: Virgen Blanca.
Jambas de la portada central del Pórtico Real de la Catedral de Chartres; Reyes y
reinas del antiguo testamento.
33. Portada del Sarmental de la Catedral de Burgos.
Ejemplos de crucificado y vírgenes góticas.
Retablo de Santa María de la sede, del altar mayor de la Catedral de Sevilla.
34. Retablo de la Catedral de Toledo.
Pulpito de la Catedral de Pisa. Hermanos Pisano. Nicola.
Sepulcro del doncel de Sigüenza.
35. Pozo de moisés. Claus Sluter.
-Pintura.
Miniaturas:
Libro de las hora del Duque de Berry.
Pintura francesa:
Jean Fouquet. Virgen con Niño.
36. Jean Fouquet. Construcción de una catedral.
España:
Bartolemé Bermejo. Piedad.
Bartolomé Bermejo. Santo Domingo
38. Italia (Treccento):
Duccio. La Maestá.
Simone Martini. La Anunciación.
Simone Martini. Retrato ecuestre del condotiero Guidoriccio da Fogliano; Fresco de
la sala del Mappamondo, Palacio Publico, Siena.
39. Cimabue. Crucifijo.
Giotto. San Francisco da su capa a un mendigo; Basílica alta de San Francisco, Asís
Giotto. Huida de Egipto. Capilla Scrovegni.
40. Giotto. noli me tangere ; Capilla Scrovegni.
Giotto. Llanto sobre el Cristo muerto; Capilla Scrovegni.
Giotto. El beso de Judas; Capilla Scrovegni.
Giotto. Muerte de San Francisco; Iglesia de Santa Croce, Florencia.
41. Primitivos Flamencos:
Hermanos Van Eyck. Políptico del Cordero Mistico. Abierto y cerrado.
Jan Van Eyck. Matrimonio Arnolfini.
Jan Van Eyck. La Virgen del canciller Rolin.
42. Jan Van Eyck. La Virgen del canonigo Van der Paele.
Robert Campin. Santa Bárbara.
David Gerard. Natividad.
43. Hugo Van der Goes. Tríptico Portinari.
Van Der Weyden. Descendimiento.
Van Der Weyden. Retrato de Dama.
44. El Bosco. El carro de Heno.
El Bosco. El jardín de las delicias.
El Bosco. Extracción de la piedra de la locura.
46. El Renacimiento en España.
- Arquitectura:
Portada de la Universidad de Salamanca. Plateresco. Fachada de la Universidad de Alcalá de
Henares. Rodrigo Gil de Hontañón. Plateresco
Portada de la Iglesia de San Esteban. Juan de Álava. Plateresco Planta de la Catedral de
Granada. Diego de Siloé. Romanismo
1.Fachada de la Iglesia del Salvador de Úbeda. Andrés de Vandelvira. Romanismo
2.Fachada e patio interior del Palacio de Carlos V. Pedro Machuca. Purismo
47. - Escultura:
*Alonso de Berruguete:
Sacrificio de Isaac. San Sebastián.
*Juan de Juni:
Santo Entierro.
*León Leoni:
Carlos V y el furor.
48. - Pintura (El Greco):
Martirio de San Mauricio. La Trinidad. El Expolio.
El entierro del Conde de Orgaz. La Resurrección.
Pentecostés. Visión del Apocalipsis.
49.
50. El Barroco.
1- El Barroco en Italia, Francia, Flandes y Holanda.
- Arquitectura:
A) Italia:
*Bernini:
Columnata de la Plaza de San Pedro del Vaticano. Roma. Baldaquino de San Pedro del
Vaticano. Roma.
Cátedra de San Pedro del Vaticano. Roma. San Andrés del Quirinal. Roma.
51. *Borromini:
San Carlos de las Cuatro Fuentes (exterior). Roma. San Carlos de las Cuatro Fuentes
(cúpula). Roma.
Fachada de Sant' Ivo alla Sapienza. Roma.
B) Francia:
*Jules Hardouin-Mansart, Le Brun y Le Nôtre:
Palacio de Versalles (exterior). Versalles. Palacio de Versalles. Galería de los
espejos.
52. - Escultura:
*Bernini:
David. Apolo y Dafne. San Longinos. San Pedro del Vaticano.
Tumba del Papa Urbano VIII. San Pedro del Vaticano. Éxtasis de Santa Teresa.
La Beata Albertoni.
53. - Pintura:
A) Italia:
*Caravaggio:
Baco. Florencia. Cena en Emaús. Londres. La crucifixión de San Pedro. Roma.
La conversión de San Pablo. Roma. La vocación de San Mateo. Roma.
Muerte de la Virgen. París. El entierro de Cristo.
54. B) Flandes: Escuela Flamenca.
*Pedro Pablo Rubens:
El Duque de Lerma. El Descendimiento. Enrique IV recibiendo el
retrato de María de Medici. París.
El Jardín del Amor. Madrid. Las Tres Gracias. Madrid.
C) Escuela Holandesa:
*Rembrandt:
Autorretrato (1634). Lección de anatomía del Profesor Tulp.
55. Ronda de noche. Mujer bañándose. Londres.
Los síndicos de los pañeros. El hombre del yelmo de oro.
La cena en Emaús. El regreso del hijo prodigo.
56. 2- El Barroco en España.
- Arquitectura:
*Gómez de Mora:
Plaza Mayor de Madrid. Barroco Herreriano. Ayuntamiento de Madrid. Herreriano.
*Pedro de Ribera:
Portada del Real Hospicio de Madrid. Churriguerismo.
*Casas Novoa:
Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago de Compostela.
57. *Alberto de Churriguera:
Plaza Mayor de Salamanca. Herreriano.
*Jaime Bort:
Fachada de la Catedral de Murcia. Churrigueresco.
* Alonso Cano:
Fachada de la Catedral de Granada. Herreriano.
58. *Hurtado Izquierdo:
Sacristía de la Cartuja. Granada. Churrigueresco/Rococó.
*Leonardo de Figueroa:
Portada del Palacio de San Telmo. Sevilla. Churrigueresco.
*Vicente Acero:
Fachada de la Catedral de Cádiz. Herreriano.
59. *Narciso Tomé:
Transparente de la Catedral de Toledo. Churrigueresco.
- Escultura . La Imaginería Española:
ESCUELA CASTELLANA:
*Gregorio Fernández:
Cristo Yacente.
Cristo atado a la columna. Piedad.
60. El Descendimiento de Cristo.
ESCUELA ANDALUZA:
*Martínez Montañés:
Cristo de la Clemencia. San Jerónimo.
La Natividad, Retablo de San Isidoro del Campo. La Cieguecilla.
61. *Juan de Mesa:
Cristo de la Agonía. Cristo del Gran Poder.
*Alonso Cano:
Inmaculada. Cabeza de San Pablo.
ESCUELA LEVANTINA:
*Francisco Salcillo:
La Oración en el Huerto.
62. - Pintura:
ESCUELA DE VALENCIA:
*Ribera:
Calvario. La Mujer Barbuda. Inmaculada Concepción.
Sueño de Jacob. Martirio de San Felipe. El patizambo.
ESCUELA ANDALUZA:
*Zurbarán:
Bodegón de los cacharros.
63. Apoteosis de Santo Tomás de Aquino. San Hugo en el refectorio de los Cartujos.
Bodegón de limones, naranjas y cacharros. Virgen de los Cartujos.
Fray Gonzalo de Illescas. Santa Casilda.
64. ESCUELA SEVILLANA:
*Murillo:
La Sagrada Familia del pajarito. Visión de San Antonio.
San Francisco abrazando al Crucificado. Santa Isabel con los tiñosos.
Inmaculada Concepción “del Escorial”.
67. B) PRIMERA ETAPA MADRILEÑA (1623-1629):
Retrato de Felipe IV (1628). Los borrachos o el triunfo de Baco.
C) PRIMER VIAJE A ITALIA (1629-1630):
La fragua de Vulcano.
68. D) SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA (1631-1649):
Pablillos de Valladolid. Las lanzas o la rendición de Breda.
El conde-duque de Olivares a caballo. El Príncipe Baltasar Carlos a caballo.
El niño de Vallecas.
69. E) SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649-1651):
Vista del jardín de la Villa Medici. El papa Inocencio X.
La Venus del espejo.
F) ÚLTIMOS AÑOS (1651-1660):
Las meninas o la familia de Felipe IV. Las hilanderas o la fábula de Aracne.