La representación de la figura humana en el arte egipcio se caracterizaba por seguir estrictas convenciones como la Ley del Canon de 18 puños y la Ley de Frontalidad, que especificaban proporciones y perspectivas. Las figuras se mostraban rígidas y estilizadas para transmitir eternidad. Los colores, tamaños y detalles variaban según la jerarquía de cada persona.
El documento describe las características de la representación de la figura humana en el arte egipcio antiguo. Siguiendo convenciones como la Ley del Canon de 18 puños y la Ley de Frontalidad, las figuras se representaban de forma estilizada, rígida y simétrica para transmitir eternidad. Los colores, proporciones y posiciones se regulaban estrictamente según la jerarquía social.
El documento describe la escultura griega desde la época arcaica hasta la época helenística. En la época arcaica se caracterizan las figuras de kouroi y korai por su estatismo, frontalidad y expresiones hieráticas. El Discóbolo de Mirón introduce el movimiento dinámico rompiendo con la convención arcaica. La escultura del Partenón ilustra importantes temas mitológicos. En la época clásica, esculturas como el Doríforo y el Apoxiomenos muestran proporciones ide
El documento describe la arquitectura funeraria y religiosa del antiguo Egipto, incluyendo tumbas, pirámides, templos y esculturas. El arte egipcio estaba al servicio del faraón y la religión, y se caracterizaba por su hieratismo, frontalidad y convencionalismos. Los templos, tumbas y esculturas reflejaban la importancia de la vida después de la muerte para los egipcios.
La escultura griega se divide en tres etapas: la época arcaica (siglos VII-V a.C.) con figuras rígidas y frontales como los kouroi y korai; la época clásica (siglos V-IV a.C.) con figuras en contrapposto y estudios anatómicos como el Doríforo; y la época helenística (siglos IV-I a.C.) con énfasis en las emociones y movimiento, destacando las escuelas de Pérgamo, Rodas y Alejandría.
El documento describe varios aspectos del arte paleolítico, incluyendo representaciones de animales, antropomorfos, signos y manos positivas y negativas. Los animales representados incluyen herbívoros como équidos, bóvidos y cérvidos. Algunas figuras son animales compuestos o imaginarios. Los antropomorfos suelen ser esquemáticos y a veces están asociados con animales. Los signos incluyen formas abstractas como puntos, líneas y figuras geométricas. Las manos positivas se hic
Los egipcios, griegos y renacentistas desarrollaron cánones de proporción para el cuerpo humano basados en medidas modulares como el puño o la cabeza. Los egipcios usaban 18 puños como medida ideal, mientras que los griegos como Fidias y Policleto prefirieron 7 y 8 cabezas respectivamente. En el Renacimiento, artistas como Da Vinci y Durero se basaron en las proporciones descritas por Vitrubio como el Hombre Vitrubiano, que relaciona las medidas humanas con el número áureo.
El documento describe la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el periodo helenístico. Resalta las características de cada periodo como el uso de la desnudez masculina y la rigidez en el periodo arcaico, el contraposto en el periodo severo, y el naturalismo y movimiento en el periodo helenístico. También destaca a importantes escultores como Fidias, Praxíteles y Lisipo.
El documento analiza el uso de las proporciones y el canon en el arte a lo largo de la historia. Explica que en la antigüedad griega se estableció un canon ideal para representar el cuerpo humano de forma armónica, y que este variaba entre 7 y 8 cabezas de altura. Más adelante, en la Edad Media y el Renacimiento, el canon se utilizó de forma expresiva para transmitir significados, como alargándolo en el arte gótico para sugerir elevación espiritual. Finalmente, analiza cómo artistas como Dalí plan
El documento describe las características de la representación de la figura humana en el arte egipcio antiguo. Siguiendo convenciones como la Ley del Canon de 18 puños y la Ley de Frontalidad, las figuras se representaban de forma estilizada, rígida y simétrica para transmitir eternidad. Los colores, proporciones y posiciones se regulaban estrictamente según la jerarquía social.
El documento describe la escultura griega desde la época arcaica hasta la época helenística. En la época arcaica se caracterizan las figuras de kouroi y korai por su estatismo, frontalidad y expresiones hieráticas. El Discóbolo de Mirón introduce el movimiento dinámico rompiendo con la convención arcaica. La escultura del Partenón ilustra importantes temas mitológicos. En la época clásica, esculturas como el Doríforo y el Apoxiomenos muestran proporciones ide
El documento describe la arquitectura funeraria y religiosa del antiguo Egipto, incluyendo tumbas, pirámides, templos y esculturas. El arte egipcio estaba al servicio del faraón y la religión, y se caracterizaba por su hieratismo, frontalidad y convencionalismos. Los templos, tumbas y esculturas reflejaban la importancia de la vida después de la muerte para los egipcios.
La escultura griega se divide en tres etapas: la época arcaica (siglos VII-V a.C.) con figuras rígidas y frontales como los kouroi y korai; la época clásica (siglos V-IV a.C.) con figuras en contrapposto y estudios anatómicos como el Doríforo; y la época helenística (siglos IV-I a.C.) con énfasis en las emociones y movimiento, destacando las escuelas de Pérgamo, Rodas y Alejandría.
El documento describe varios aspectos del arte paleolítico, incluyendo representaciones de animales, antropomorfos, signos y manos positivas y negativas. Los animales representados incluyen herbívoros como équidos, bóvidos y cérvidos. Algunas figuras son animales compuestos o imaginarios. Los antropomorfos suelen ser esquemáticos y a veces están asociados con animales. Los signos incluyen formas abstractas como puntos, líneas y figuras geométricas. Las manos positivas se hic
Los egipcios, griegos y renacentistas desarrollaron cánones de proporción para el cuerpo humano basados en medidas modulares como el puño o la cabeza. Los egipcios usaban 18 puños como medida ideal, mientras que los griegos como Fidias y Policleto prefirieron 7 y 8 cabezas respectivamente. En el Renacimiento, artistas como Da Vinci y Durero se basaron en las proporciones descritas por Vitrubio como el Hombre Vitrubiano, que relaciona las medidas humanas con el número áureo.
El documento describe la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el periodo helenístico. Resalta las características de cada periodo como el uso de la desnudez masculina y la rigidez en el periodo arcaico, el contraposto en el periodo severo, y el naturalismo y movimiento en el periodo helenístico. También destaca a importantes escultores como Fidias, Praxíteles y Lisipo.
El documento analiza el uso de las proporciones y el canon en el arte a lo largo de la historia. Explica que en la antigüedad griega se estableció un canon ideal para representar el cuerpo humano de forma armónica, y que este variaba entre 7 y 8 cabezas de altura. Más adelante, en la Edad Media y el Renacimiento, el canon se utilizó de forma expresiva para transmitir significados, como alargándolo en el arte gótico para sugerir elevación espiritual. Finalmente, analiza cómo artistas como Dalí plan
Los Guerreros de Riace son dos esculturas de bronce de tamaño natural encontradas cerca de Riace, Italia en 1972. Representan a dos guerreros desnudos en posición frontal pero dinámica, mostrando gran realismo en los músculos y detalles. Se cree que fueron creados en el siglo V a.C. por escultores griegos como Alcámenes o Pitágoras de Reggio y muestran la transición del estilo arcaico al clásico. Los guerreros se exhiben ahora en el Museo Nazionale di Reg
La escultura de la Ménade de Scopas representa a una sacerdotisa de Dionisos en un estado de éxtasis durante un ritual. La figura se muestra en una postura muy forzada y retorcida, con la cabeza echada hacia atrás y la mirada perdida, reflejando la completa enajenación producida por el trance. Scopas logra transmitir de forma realista las emociones patéticas a través de la dinámica postura y la expresión del rostro, rompiendo con el clasicismo anterior para mostrar los sentimientos
El documento describe el número áureo, también conocido como número dorado o sección áurea, que representa una proporción irracional que se encuentra en la naturaleza y en obras de arte a lo largo de la historia. Esta proporción se ha utilizado en el Partenón, las pirámides de Egipto, La última cena de Leonardo da Vinci y en el cuerpo humano como en el Hombre de Vitruvio.
Introducción al dibujo de figura humana, con algo de anatomía y propuestas de ejercicios, así como ejemplos de diferentes artistas. La figura humana se aborda primero estática y después, en movimiento. La propuesta didáctica última es dibujar a partir de vídeos de danza y con bailarines (modelo del natural).
Este documento presenta una descripción detallada de la escultura griega clásica, desde el periodo arcaico hasta el periodo clásico. Explica las características de las principales escuelas y artistas, como Policleto, Fidias y Lisipo, y analiza obras representativas como el Doríforo, la Atenea Partenos y el Discóbolo. Además, aborda temas como el canon de proporciones, el contrapposto y el estudio anatómico que definieron el ideal de belleza griega.
La pintura egipcia se caracterizaba por representaciones conceptuales más que realistas de figuras humanas. Usaban colores planos y líneas para delinear contornos. El tamaño de las figuras indicaba su estatus social. Pintaban escenas de la vida del faraón, dioses y cotidiana siguiendo convenciones como mostrar la cabeza de perfil y el ojo de frente.
El documento resume la evolución de la escultura griega clásica desde sus orígenes hasta el periodo helenístico. Describe las características estilísticas de los principales escultores como Fidias, Policleto, Praxíteles, Escopas y Lisipo, haciendo hincapié en su tratamiento anatómico y expresivo del cuerpo humano. También analiza obras emblemáticas como el Doríforo, la Afrodita de Cnido y el Laocoonte.
La escultura griega clásica alcanzó su máxima expresión en el Partenón de Atenas. El friso, realizado por Fidias, representa una procesión en honor a Atenea con figuras de gran perfección anatómica y naturalidad en los movimientos y caída de las telas, que transmite la solemnidad y grandeza de Atenas en su época de máximo esplendor.
El documento describe los cánones y proporciones ideales en el arte egipcio, griego y romano. El canon egipcio se basaba en una rigida red cuadricular que estandarizaba las proporciones del cuerpo humano. Los griegos desarrollaron varios sistemas de proporciones más flexibles basados en analogías. El arte romano estuvo influenciado por los cánones griegos, aunque Vitrubio ofreció pocos detalles sobre este tema en su tratado arquitectónico.
El documento describe los cánones de proporción del cuerpo humano en la antigua Egipto. Los egipcios establecieron un sistema de medición basado en el puño como unidad, donde una figura perfecta medía 18 puños de altura. Describen cómo artistas griegos como Policleto, Fidias y Lisipo desarrollaron cánones posteriores utilizando múltiplos de cabezas como medida. Más tarde, Leonardo da Vinci ilustró el canon vitruviano que relaciona el cuerpo humano con formas geométricas
El documento resume las características principales de la escultura griega. Se destaca que 1) tuvo como protagonista al ser humano y se trató de representar la belleza ideal del cuerpo, 2) la belleza se entendía como armonía entre las proporciones, y 3) los artistas griegos trataron de plasmar estados de ánimo y movimiento en sus esculturas.
La escultura y pintura egipcias mantuvieron características similares a lo largo de la historia de Egipto antiguo, representando figuras con rostros muy realistas y cuerpos apenas esbozados en actitudes convencionales. Decoraban el interior y exterior de templos y tumbas con escenas religiosas, de la vida de los faraones y de los difuntos. Durante el reinado de Akenaton hubo una revolución religiosa que suavizó las formas artísticas y les dio más movimiento y realismo, aunque los cambios
Este documento habla sobre la meditación y cómo puede llevar a la sabiduría. Explica que el movimiento conduce al conocimiento mientras que la quietud conduce a la sabiduría. Describe cómo la meditación puede eliminar las diferencias entre ser rico o pobre al anular los movimientos y concentrarse en la respiración para alcanzar un estado vacío.
El documento describe la escultura griega del periodo arcaico. 1) En este periodo se crearon tipos escultóricos como los kouroi y korai que mostraban características del arte oriental pero que evolucionaron hacia un mayor naturalismo. 2) Los escultores griegos buscaban la belleza ideal basada en la proporción y el equilibrio espiritual. 3) A medida que la técnica mejoró en el periodo clásico, las esculturas mostraron un mayor dinamismo y volumen.
El documento describe varias esculturas griegas clásicas. Detalla las características de los kuros, que representan atletas vencedores. Explica que los kuros muestran una postura rígida y frontal, con brazos pegados al cuerpo y una pierna adelantada. También describe esculturas de figuras femeninas como la Dama de Atenas, que muestra influencia egipcia pero con más naturalidad y dinamismo.
El documento describe la evolución de los cánones de belleza a través de diferentes culturas como la egipcia, griega, renacentista. Los egipcios consideraban la belleza como el resultado de medidas y proporciones matemáticas. Los griegos establecieron que el cuerpo debía medir 7 veces la cabeza y valoraban la belleza atlética. En el Renacimiento se retomaron las proporciones clásicas griegas y artistas como Miguel Ángel y Da Vinci las plasmaron.
La escultura griega se caracterizó por:
1) Representar la belleza ideal del cuerpo humano a través de la proporción y el movimiento contenido.
2) Evolucionó desde formas rígidas en el periodo arcaico hasta lograr la naturalidad y expresión en el clásico.
3) Los principales escultores como Fidias plasmaron la anatomía y belleza idealizada del ser humano.
El documento describe las características del arte griego clásico en escultura, cerámica y pintura. La escultura griega buscó representar la belleza ideal y el movimiento del cuerpo humano. Se desarrolló un canon de proporciones corporales. La cerámica griega incluyó vasijas decoradas con pinturas de diversas escenas. La pintura griega se representó principalmente en vasijas y paredes, aunque hay pocos documentos que sobrevivieron sobre este arte.
Este documento describe varias esculturas y relieves egipcios, explicando sus características estilísticas, funciones y convenciones. La escultura egipcia se caracteriza por su rigidez, frontalidad, falta de expresión y representación idealizada de faraones y dioses. Algunas esculturas como el Escriba Sentado muestran un mayor naturalismo. La escultura cumplía funciones funerarias al representar el alma del difunto.
El documento describe la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el periodo helenístico. Resalta las características de cada periodo como el uso de la desnudez masculina y las figuras femeninas cubiertas en el periodo arcaico, el contraposto y movimiento natural en el periodo severo, y el naturalismo y movimiento complejo en el periodo helenístico. También destaca a importantes escultores como Fidias, Praxíteles y Lisipo.
Los Guerreros de Riace son dos esculturas de bronce de tamaño natural encontradas cerca de Riace, Italia en 1972. Representan a dos guerreros desnudos en posición frontal pero dinámica, mostrando gran realismo en los músculos y detalles. Se cree que fueron creados en el siglo V a.C. por escultores griegos como Alcámenes o Pitágoras de Reggio y muestran la transición del estilo arcaico al clásico. Los guerreros se exhiben ahora en el Museo Nazionale di Reg
La escultura de la Ménade de Scopas representa a una sacerdotisa de Dionisos en un estado de éxtasis durante un ritual. La figura se muestra en una postura muy forzada y retorcida, con la cabeza echada hacia atrás y la mirada perdida, reflejando la completa enajenación producida por el trance. Scopas logra transmitir de forma realista las emociones patéticas a través de la dinámica postura y la expresión del rostro, rompiendo con el clasicismo anterior para mostrar los sentimientos
El documento describe el número áureo, también conocido como número dorado o sección áurea, que representa una proporción irracional que se encuentra en la naturaleza y en obras de arte a lo largo de la historia. Esta proporción se ha utilizado en el Partenón, las pirámides de Egipto, La última cena de Leonardo da Vinci y en el cuerpo humano como en el Hombre de Vitruvio.
Introducción al dibujo de figura humana, con algo de anatomía y propuestas de ejercicios, así como ejemplos de diferentes artistas. La figura humana se aborda primero estática y después, en movimiento. La propuesta didáctica última es dibujar a partir de vídeos de danza y con bailarines (modelo del natural).
Este documento presenta una descripción detallada de la escultura griega clásica, desde el periodo arcaico hasta el periodo clásico. Explica las características de las principales escuelas y artistas, como Policleto, Fidias y Lisipo, y analiza obras representativas como el Doríforo, la Atenea Partenos y el Discóbolo. Además, aborda temas como el canon de proporciones, el contrapposto y el estudio anatómico que definieron el ideal de belleza griega.
La pintura egipcia se caracterizaba por representaciones conceptuales más que realistas de figuras humanas. Usaban colores planos y líneas para delinear contornos. El tamaño de las figuras indicaba su estatus social. Pintaban escenas de la vida del faraón, dioses y cotidiana siguiendo convenciones como mostrar la cabeza de perfil y el ojo de frente.
El documento resume la evolución de la escultura griega clásica desde sus orígenes hasta el periodo helenístico. Describe las características estilísticas de los principales escultores como Fidias, Policleto, Praxíteles, Escopas y Lisipo, haciendo hincapié en su tratamiento anatómico y expresivo del cuerpo humano. También analiza obras emblemáticas como el Doríforo, la Afrodita de Cnido y el Laocoonte.
La escultura griega clásica alcanzó su máxima expresión en el Partenón de Atenas. El friso, realizado por Fidias, representa una procesión en honor a Atenea con figuras de gran perfección anatómica y naturalidad en los movimientos y caída de las telas, que transmite la solemnidad y grandeza de Atenas en su época de máximo esplendor.
El documento describe los cánones y proporciones ideales en el arte egipcio, griego y romano. El canon egipcio se basaba en una rigida red cuadricular que estandarizaba las proporciones del cuerpo humano. Los griegos desarrollaron varios sistemas de proporciones más flexibles basados en analogías. El arte romano estuvo influenciado por los cánones griegos, aunque Vitrubio ofreció pocos detalles sobre este tema en su tratado arquitectónico.
El documento describe los cánones de proporción del cuerpo humano en la antigua Egipto. Los egipcios establecieron un sistema de medición basado en el puño como unidad, donde una figura perfecta medía 18 puños de altura. Describen cómo artistas griegos como Policleto, Fidias y Lisipo desarrollaron cánones posteriores utilizando múltiplos de cabezas como medida. Más tarde, Leonardo da Vinci ilustró el canon vitruviano que relaciona el cuerpo humano con formas geométricas
El documento resume las características principales de la escultura griega. Se destaca que 1) tuvo como protagonista al ser humano y se trató de representar la belleza ideal del cuerpo, 2) la belleza se entendía como armonía entre las proporciones, y 3) los artistas griegos trataron de plasmar estados de ánimo y movimiento en sus esculturas.
La escultura y pintura egipcias mantuvieron características similares a lo largo de la historia de Egipto antiguo, representando figuras con rostros muy realistas y cuerpos apenas esbozados en actitudes convencionales. Decoraban el interior y exterior de templos y tumbas con escenas religiosas, de la vida de los faraones y de los difuntos. Durante el reinado de Akenaton hubo una revolución religiosa que suavizó las formas artísticas y les dio más movimiento y realismo, aunque los cambios
Este documento habla sobre la meditación y cómo puede llevar a la sabiduría. Explica que el movimiento conduce al conocimiento mientras que la quietud conduce a la sabiduría. Describe cómo la meditación puede eliminar las diferencias entre ser rico o pobre al anular los movimientos y concentrarse en la respiración para alcanzar un estado vacío.
El documento describe la escultura griega del periodo arcaico. 1) En este periodo se crearon tipos escultóricos como los kouroi y korai que mostraban características del arte oriental pero que evolucionaron hacia un mayor naturalismo. 2) Los escultores griegos buscaban la belleza ideal basada en la proporción y el equilibrio espiritual. 3) A medida que la técnica mejoró en el periodo clásico, las esculturas mostraron un mayor dinamismo y volumen.
El documento describe varias esculturas griegas clásicas. Detalla las características de los kuros, que representan atletas vencedores. Explica que los kuros muestran una postura rígida y frontal, con brazos pegados al cuerpo y una pierna adelantada. También describe esculturas de figuras femeninas como la Dama de Atenas, que muestra influencia egipcia pero con más naturalidad y dinamismo.
El documento describe la evolución de los cánones de belleza a través de diferentes culturas como la egipcia, griega, renacentista. Los egipcios consideraban la belleza como el resultado de medidas y proporciones matemáticas. Los griegos establecieron que el cuerpo debía medir 7 veces la cabeza y valoraban la belleza atlética. En el Renacimiento se retomaron las proporciones clásicas griegas y artistas como Miguel Ángel y Da Vinci las plasmaron.
La escultura griega se caracterizó por:
1) Representar la belleza ideal del cuerpo humano a través de la proporción y el movimiento contenido.
2) Evolucionó desde formas rígidas en el periodo arcaico hasta lograr la naturalidad y expresión en el clásico.
3) Los principales escultores como Fidias plasmaron la anatomía y belleza idealizada del ser humano.
El documento describe las características del arte griego clásico en escultura, cerámica y pintura. La escultura griega buscó representar la belleza ideal y el movimiento del cuerpo humano. Se desarrolló un canon de proporciones corporales. La cerámica griega incluyó vasijas decoradas con pinturas de diversas escenas. La pintura griega se representó principalmente en vasijas y paredes, aunque hay pocos documentos que sobrevivieron sobre este arte.
Este documento describe varias esculturas y relieves egipcios, explicando sus características estilísticas, funciones y convenciones. La escultura egipcia se caracteriza por su rigidez, frontalidad, falta de expresión y representación idealizada de faraones y dioses. Algunas esculturas como el Escriba Sentado muestran un mayor naturalismo. La escultura cumplía funciones funerarias al representar el alma del difunto.
El documento describe la escultura griega desde el periodo arcaico hasta el periodo helenístico. Resalta las características de cada periodo como el uso de la desnudez masculina y las figuras femeninas cubiertas en el periodo arcaico, el contraposto y movimiento natural en el periodo severo, y el naturalismo y movimiento complejo en el periodo helenístico. También destaca a importantes escultores como Fidias, Praxíteles y Lisipo.
Este documento describe la evolución histórica de la representación de la figura humana en el arte y la cultura, desde las primeras representaciones esquemáticas en las cuevas prehistóricas hasta el dominio de la forma humana logrado en el Renacimiento. También discute las proporciones ideales del cuerpo humano según Miguel Ángel y otros artistas, y cómo estas proporciones pueden variar según el género o tipo de figura representada. Finalmente, explica cómo la perspectiva y las divisiones del cuerpo en ocho cabezas de
La escultura griega se caracterizó por plasmar la belleza ideal del cuerpo humano. Los escultores griegos representaban a hombres y mujeres desnudos o semidesnudos, tratando de capturar la anatomía humana de forma idealizada y armoniosa. Durante el periodo clásico, escultores como Mirón, Policleto y Fidias lograron dominar el movimiento y la expresión de emociones de forma natural y serena, alcanzando la perfección del canon de belleza griego.
El documento describe varias esculturas griegas antiguas como el Discóbolo de Mirón, el Doríforo de Policleto y el Diadúmeno de Policleto. También discute el estilo escultórico de Praxíteles y la técnica de paños mojados utilizada en esculturas griegas.
La escultura y cerámica griega evolucionó desde formas arcaicas rígidas y estilizadas hacia representaciones más naturalistas del cuerpo humano. En la época clásica, artistas como Fidias y Policleto crearon obras maestras que capturaron la belleza ideal a través de proporciones armoniosas. Más tarde, Praxiteles enfatizó la sensualidad, y Escopas representó emociones más dramáticas. El periodo helenístico vio nuevos temas alegóricos y retratos real
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2. Hace más de 5.000 años los artistas egipcios empezaron
a pintar los muros de las tumbas de los faraones. Igual
que en la escultura egipcia, prevalecen dos constantes
estilísticas. En primer lugar, las imágenes, presentan
los rasgos anatómicos más característicos, combinando
las vistas frontales y de perfil de la figura; en segundo
lugar, la escala de las figuras indica la importancia de
estas.La representación humana en el arte egipcio
estaba regulada por unas estrictas características y
proporciones que tienen al puño, como módulo de
medidas. Sobre estas características que hacen únicas
las representaciones de la Figura Humana
profundizaremos a continuación.
3. Las representaciones carecen de movimiento o el que
parece es totalmente fingido, solo a veces el pie izquierdo
está levemente adelantado.
Las Figuras se simplifican en líneas y Figuras Geométricas.
Las extremidades estaban totalmente pegadas al cuerpo.
Todas las representaciones obedecen con la Ley de
Frontalidad, son esculturas muy frontales y simétricas.
También con la Ley del Canon de 18 puños, un hombre de
pie ,que cada parte de su cuerpo cumple con la medida
determinada.
Hieratismo: Mantienen un carácter de rigidez ,son muy
estáticos, esto es una forma de transmitir la eternidad.
4. 2 Puños.
Brazos pegados
al cuerpo.
Ley del
Hieratismo y Canon
10 Puños.
Rigidez. de 18
puños, d
esde la
frente
Tendencia a la hasta la
simplificación planta
geométrica del del pie.
modelado del
cuerpo. 6 Puños.
Micerinos y su esposa.IV Dinastía.
5. El representado para vivir en la eternidad debía conjugar en
sí el conjunto de las perfecciones: debía ser joven, de
musculatura fuerte o atlética y sin ninguna deformidad.
La figuras se ordenan de acuerdo a una perspectiva
jerárquica, que atribuye tamaños mayores a los personajes
importantes y menores a los de baja jerarquía.
Los rostros son impasibles, con ojos almendrados ,una
mirada alta ,frontal y fija perdida en el infinito.
La imagen de los paños y ropa también resultan
rígidos, con mayor acentuación en los hombres ,mientras
que en las mujeres ,los paños se adaptan a la forma del
cuerpo.
6. Mirada alta
, frontal y fija.
Hombre joven, y
atlético.
Faldellín Diosa Hathor
plisado, rígido y Micerinos.
y bastante
geometrizado.
Pie levemente
adelantado.
7. La gran mayoría de las
figuras humanas están
estereotipadas.
El faraón Amenofis III
es un patrón aplicado al
pie de la letra en la
representación del
faraón, que ha de ser la
perfección. Tan sólo los
rasgos faciales varían de
un faraón a otro.
Faraón Amenofis III.
8. La nobleza tenderá a
imitar al faraón, pero según
bajamos en la escala
social, vemos que empieza
a asomar en los cuerpos y
en los rostros. En ellos
pueden aparecer rasgos
realistas tanto como
comunes: las arrugas, la
calvicie, la obesidad o la
deformidad.
Cheik el Beled.
9. Al llegar al pueblo llano
nos encontramos con
que estas obras, que no
están financiadas por los
representados sino por
sus amos, buscan la
esencia de un sirviente
que acompañe a sus
dueños al otro mundo.
Sirvienta portando un
cesto.
10. Las representaciones de la Figura Humana se caracteriza
por la presencia de un Canon, una norma compositiva que
regula como deben ser realizadas las obras. En el Antiguo
Egipto este Canon era de 18 puños pero ahora es de 21
puños , lo que da como resultado una figura más estilizada.
Para crear la proporción de los egipcios bosquejaban
sobre la pared una retícula cuya unidad de medida para
cada cuadrado era habitualmente una parte de la mano
como lo es el puño ,estas medidas y los cuadrados de la
retícula mantienen una relación de equivalencia y sobre
ésta el punto de partida era ubicar la figura humana de pie
desde el centro de la frente hasta la planta del
pie, cumpliendo cada parte del cuerpo con la medida
determinada.
13. La ley de Frontalidad consiste en que las
representaciones se hacían vistas de frente y declara lo
siguiente: rasgos de perfil y de frente: la cabeza aparece
de perfil con el ojo de frente; la parte superior del
tronco (hombros y tórax) de frente, pero con el pecho y
los brazos de perfil; la pelvis girada en tres cuartos; las
piernas y los pies de perfil.
Además, ambos pies dejan ver en primer plano el dedo
gordo y ambas manos están de frente ,muestran
siempre el pulgar. El perfil normativo, el más usual, es
el derecho; pero también se utiliza el izquierdo.
15. Imagen del
Libro de los
Muertos del
siglo XIII A.c.
En esta imagen
se ven
representados
todos los
conceptos que
componen en
totalidad la Ley
de Frontalidad.
16. Las representaciones carecen de movimiento o el que
aparece es totalmente fingido. Mantienen un carácter de
rigidez, hieratismo, son muy estáticas. Esto es una manera
de transmitir la permanencia o eternidad.
Además no existen movimientos bruscos, ni siquiera en las
escenas de lucha. Los ideales de belleza dominan las caras y
el físico. No existen rasgos especiales y por supuesto no hay
movimiento, toda la imagen es estática. Pero tampoco
existe movimiento en las caras con el paso del tiempo.
17. En el caso de la escultura del altorrelieve es frecuente
encontrarse figuras erguidas con el pie adelantado en
ademán de marcha, dando un paso ritual.
El movimiento es mayor en el bajorrelieve y en la
pintura puesto que brazos y piernas se despliegan y
doblan, pero a cambio reciben otros
convencionalismos que provocan rigidez y sensación
de falso movimiento. Al conjunto de estos
convencionalismo se le denomina ley de la frontalidad.
18. Amenofis III
Podemos ver con
Brazos claridad que
adheridos al aparentemente está
cuerpo
andando porque
adelanta su pierna
derecha. No
obstante, los pies se
Rodillas apoyan totalmente
rígidas. sobre el suelo sin
flexionar; las rodillas
están rígidas; los
Pie brazos se encuentran
adelantado. pegados al cuerpo; el
torso no se dobla; y la
mirada está alta y fija
en un punto.
19. En Egipto , las figuras se abreviaban en líneas y formas
geométricas, como por ejemplo triángulos cubos ,círculos
, cilindros,etc. Las vestimentas y decoración se ajusta a un
estilo matemático que se adecua a una forma geométrica
como lo es la Simetría.
Las composiciones tienden a neutralizar las figuras y los
objetos en las escenas de forma simétrica.
Ejemplo de ello son el faldellín de los hombres que es un
simple trapezoide.
20. Tumba de
Sethi.
Se afirma la ley
nombrada
anteriormente ,el
faldellín del hombre
es un cuadrilátero sin
lados paralelos
llamado Trapezoide.
21. Dentro de una figura, las partes aparecen en su proporción
natural, pero en una escena con más figuras u objetos la
composición se ordena en base a lo que denominamos
perspectiva jerárquica, que atribuye tamaños mayores a los
personajes importantes y menores a los de baja jerarquía.
El dios o Faraón domina y destaca sobre sus súbditos. Un
hombre por encima de su mujer y de sus hijos. Un señor es
mucho más grande que sus siervos.
22. Tumba de
Nebamum.
Se comprueba
esta ley en la
escena de cacería
representada en
esta
pintura, donde
aparece el señor
acompañado de
su mujer y de un
hijo.
Señor. Hijo. Madre.
23. La aplicación de la pintura en la superficie de los personajes era
con colores vivos, aunque, sin mezcla, ni sombras. Los colores
utilizados en la pintura de la Figura Humana de eran los
siguientes:
-Blanco, usado como fondo para los dibujos, para colorear la
ropa, la corona blanca, y para representar el pan.
-Rojo, representado por el dios Set, se usaba para la corona roja, la
piel masculina, la cerámica, la madera, y para el desierto.
-Amarillo, representado por el sol, usado para el oro y la piel
femenina.
-Negro, color de la fertilidad, representado por el limo del Nilo. Se
usaba para pintar los cabellos y los ojos.
24. Los esposos
Rahotep y
Nofret.
Aquí podemos
observar que
ambas vestimentas
son blancas ,el
cabello del hombre
tanto como el de la
mujer es negro y
finalmente al
hombre se le da un
tono cobrizo de
piel, mientras que
la mujer tiene un
color blanquecino.
25. A modo de conclusión debo mencionar que gracias a esta
investigación aprendí que la Representación de la Figura
Humana Egipcia tiene varias características, pero las
principales son la ley del Canon de 18 Puños, Ley de la
Frontalidad ,e Hieratismo. Al conocer de que se trataba
cada característica pude comprender que de una u otra
manera están representadas en la pinturas o esculturas
, ahora puedo analizar cada una de estas ,identificando
los rasgos presentes y ubicación de estos
.Finalmente, podría decir que el arte Egipcio es:
Trascendente.
Racional.
Estático y sin idea de movimiento.
Geométrico y Jerárquico.