Este documento presenta conceptos clave relacionados con el retrato en las artes visuales, incluyendo composición, formato, tamaño, punto de vista, escala, enmarcado y relaciones espaciales. El objetivo es que los estudiantes identifiquen artistas que han trabajado con el cuerpo humano y reconozcan términos del arte.

1. El cuerpo
humano en
las artes
visuales
“El retrato”

2. Objetivos
Que el alumno identifique artistas plásticos
que han trabajado el cuerpo
humano, como objeto artístico, a lo largo de
la historia.
Que el alumno reconozca los términos
propios de las artes visuales
(conceptos, procesos y técnicas), con la
finalidad de promover la progresiva
apropiación de este lenguaje y la
posibilidad de generar un acercamiento
reflexivo al vasto mundo de la
comunicación visual.

3. Palabras clave:
• Composición • Desnudo
• Formato • Pintura de género
• Retrato (busto, medio • Equilibrio
cuerpo, tres • Ritmo
cuartos, cuerpo • Escorzo
entero)
• Distorsión espacial
• Punto de vista
• Perspectiva
• Escala
• Encuadre
• Espacio y forma

4. Tema y composición
Al contemplar una obra de arte, lo primero
que hay que preguntarse es: ¿De qué trata?
Una vez aclarado el contenido, se debe
considerar cómo ordenó el artista los
elementos de la obra, es decir, la
COMPOSICIÓN. Tanto si es una pintura
abstracta o con figuras, un paisaje o un
bodegón, tiene que funcionar como un todo
en el que cualidades como el color, la luz y
las sombras también desempeñan un papel
importante.

5. Retrato
Aun sabiendo que en
un RETRATO el rostro
será siempre el centro
de atención, el artista
tiene que pensar en la
mejor manera de
representar al modelo.
La realización de un
retrato va más allá de
lo fidedigno del
resultado. El tamaño, la
escala, la pose y los
accesorios dependen
de lo que el artista y el
La vendedora de camarones,
modelo quieran William Hogarth, 63.5 x 50.8 cm,
transmitir. 1765.

6. Formato
La forma clásica de
un retrato es un
rectángulo vertical, es
decir, más alto que
ancho. Un BUSTO (la
cabeza y los hombros)
encaja bien en este
formato sin dejar
grandes espacios
vacíos a los lados o
sobre la cabeza.
Bambina Leblond con
Ciambella (1730, 34x2
7cm), Rosalba
Giovanna Carriera.

7. Tamaño
El tamaño de un retrato depende
de su propósito y de los medios
disponibles. Generalmente cuanto
mayor sea, más caros resultan los
materiales y más tiempo le lleva al
artista realizarlo.
Miniatura: Los retratos pequeños tienden a ser más
personales e íntimos. Nicolas Hilliard introdujo el uso
de los retratos ovalados. En 1560 fue el pintor oficial
en la corte de la Reina Elizabeth Primera.
Autorretrato, Nicholas Hilliard, 1577.

8. Monumental
Los grandes retratos
impresionan ya sólo
por su enorme
tamaño e indican
que el modelo es un
noble, una persona
adinerada o alguien
destacado en la
jerarquía social.
El Rey o Cabeza
Colosal No. 1, 290 x
210 cm., 1200 a 900
A.C.

9. Longitud
El artista debe decidir qué
partes del modelo incluir. El
BUSTO, es decir, la cabeza, los
hombros y la parte superior
del pecho(1), suele ser la más
común. El MEDIO CUERPO(2)
es habitual en retratos
sedentes. El RETRATO DE TRES
CUARTO(3)S requiere gran
destreza para que el corte a
la altura de las rodillas resulte
natural. El de CUERPO ENTERO
transmite la grandeza y
superioridad del retratado.
Retrato de la condensa de
Clary Aldringen, John Singer
Sargent, 1896.

10. Punto de vista
En el arte cristiano, al
principio tan sólo Dios
se representaba de
frente.
El bautismo de
Cristo, Piero della
Francesca, 168 x 117
cm, 1450.

11. Vista de tres cuartos
La vista de tres cuartos o de
medio perfil es la más
habitual, ya que da mejor idea
del aspecto del modelo.
La marquesa Casati, Augustus
John, 1918 – 1919. óleo sobre
lienzo, 96 x 67 cm. El pintor la
retrata como un personaje
glamoroso, aunque algo
siniestro.

12. Perfil
El perfil se utilizó principalmente
en los primeros retratos. Esta
pintura muestra a un cartujo
inglés martirizado durante el
reinado de Enrique VIII.
Retrato del beato Juan de
Houghton, Francisco de
Zurbarán, 1637 – 1639, 122 x 64
cm.

13. Varios puntos de
vista
Los antiguos egipcios
representaban varios
puntos de vista a la
vez, como un ojo de
frente en un rostro de
perfil, algo que en el
arte occidental no se
vio hasta Picasso.
Retrato de Dora
Maar, Pablo
Picasso, óleo sobre
lienzo, 92 x 65
cm, 1937.

14. Escala
Tanto si el modelo ocupa todo el lienzo, imponiéndose al
espectador, como si es uno más de los elementos que
solicitan su atención, la escala es importante. Los retratos
psicológicos tienden a acercarse más al cuerpo y resaltar
los rasgos de la persona. Si, por el contrario, el artista se
aleja del modelo y le añade accesorios y un
fondo, aportará más datos sobre él, sus intereses y su
situación en la vida.
CUARTO GRANDE En la siguiente imagen, el artista podría
haberse centrado en la cara de la modelo, pero la
retrata entera, con un cuadro y cortinaje detrás
Composición en negro y gris nº 1 Retrato de la madre del
artista, James McNeill Whistler, óleo sobre lienzo, 144 x 163
cm, 1871.

16. Encuadre recortado
Menos es más Bonard, en
la esquina superior
izquierda, pintó muy a
menudo a su mujer en el
baño. El corte de las dos
figuras introduce un matiz
voyerista. Desnudo en el
baño, Pierre Bonard, 1925.

17. Retrato colectivo
Retratar a más de una persona en el mismo lienzo supone
un gran reto. El espacio entre las personas tiene una
importancia vital en la composición, al igual que el
fondo, que rodea y enlaza a todos los modelos.
El artista puede insinuar las relaciones interpersonales a
través de la pose y la composición.

18. Miradas
Contacto visual. En esta
obra, la confianza entre
el anciano y el niño
queda acentuada por su
mirada de afecto mutuo.
Anciano con su
nieto, Domenico
Ghirlandaio, 1480.

19. Espacio y forma
Con el fin de conseguir aislamiento, el
artista puede contrastar las formas positivas
y sólidas de las personas con el espacio
vacío que las separa, también llamado
espacio negativo. Los espacios entre las
figuras o los objetos refuerzan la
composición y su
tridimensionalidad, haciéndolas más
convincentes.

20. La clara división entre espacio y formas permite entrever
un abismo psicológico entre las modelos. El contraste
entre la pose frontal de la duquesa y el perfil de sus
hijas, casi fuera del cuadro, acentúa su distanciamiento.
La duquesa de Montejasi y sus hijas Elena y Camilla, Edgar
Degas, 1876.

21. Escenario gélido Los espacios
que separan
a estas niñas
tan
serias, sumad
os al fondo
oscuro, trans
miten una
sensación de
dolorosa
soledad.
Las hijas de
Edward
Darley
Boit, John
Singer
Sargent, 1882
.